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WOMB
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WOMB
Juliana Martínez Hernández
Proyecto final de grado del énfasis de nuevos medios y artes del
tiempo
Dirigido por:
Ricardo Arias.
Universidad de los Andes.
Facultad de Artes y Humanidades
Departamento de Arte
Bogotá
2014.
5
This is Ground Control
to Major Tom
You've really made the grade
And the papers want to know whose shirts you wear
Now it's time to leave the capsule
if you dare
This is Major Tom to Ground Control
I'm stepping through the door
And I'm floating
in a most peculiar way
And the stars look very different today
For here
Am I sitting in a tin can
Far above the world
Planet Earth is blue
And there's nothing I can do
David Bowie.
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7
AGRADECIMIENTOS
A todas las personas que han tenido que ver con este proyecto desde amigos, asesores
externos, escuchas, tomadores de pelo, aguafiestas, profesores, extraños y críticos.
A Ricardo Arias por ser un asesor que comparte y motiva las pequeñas preguntas que
se terminan convirtiendo en grandes proyectos, por nunca tener la palabra NO en su
vocabulario y por corregir de manera sutil las embarradas y los clichés inevitables en
cualquier proceso.
A mi hermano por ser mi cómplice en todos los caprichos causados por el estrés y
siempre estar atento a todo lo que pasa conmigo.
A mi papá por apoyarme en toda situación, risa o consejo y tener siempre un chiste
bajo la manga en momentos tristes.
A mi hermana por ser la mejor persona que conozco en este mundo, por introducirme a
David Bowie y porque es mi mejor amiga, mi mejor crítica y una de las personas con
una fe inmovible en mí cuando yo la pierdo.
A mi mamá por ser el amor incondicional y el apoyo que cualquier persona pudiera
desear, y por asegurarme que tenía la motivación para poder culminar mi carrera con
un compromiso del 110%.
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ÍNDICE
• Helloworld …………………………………………………....10
• ¿Qué es WOMB? …………………………………………….13
• COLOR: Desde Newton hasta Heller………………………14
• Turrell, Cruz Diez y Redl …………………………………….20
• ¿Por qué WOMB? …………………………………………...33
• Del Azul al Rosado. ………………………………………….35
• “Todo lo que usted quería saber de WOMB, pero temía
preguntar”…………………………………………………….36
• BIBLIOGRAFÍA………………………………………………..37
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v
HELLOWORLD …
Cuando se llega a los últimos semestres de la carrera existe la posibilidad de
trabajar en un proyecto de interés personal. A lo largo de los años he podido trabajar
en pequeñas ideas, pero siempre bajo la vigilancia del profesor de la clase. Esta
oportunidad me impulsa a proyectar con mayor magnitud y perspectiva este proyecto
de grado. Por eso mismo, inicialmente pretendía incluir un sin fin de métodos y
plataformas que tuvieran una evidente relación con las nuevas tendencias. Pero el
exceso no es del todo bueno; querer abarcar tantas posibilidades me obligó a
replantearme mi propuesta.
Así es como, por invitación de Ricardo Arias, busqué artistas que fueran mis
referentes, aquellos que me hubiesen atraído al instante de haberlos conocido, que
me empujaran a cuestionarme acerca del funcionamiento de sus obras. De una larga
lista pude distinguir esos cuatro artistas que han sido mis pilares: James Turrell, Carlos
Cruz Diez, Jim Campbell y Erwin Redl. Estos cuatro tienen en común el tratamiento de
la luz, el color y la interacción con el espectador en espacios que están condicionados
por los dos primeros elementos.
El trabajo de estos artistas se relacionaba con mi antigua propuesta en la que
me interesaba trabajar el condicionamiento de la obra a partir de la presencia de un
espectador. Siguiendo esta línea, depuré todas las plataformas que en realidad
distraían a mi audiencia, alejándola del sentimiento de reflexión al que yo quería
invitar. Así es como inicia una investigación en torno a la luz, la teoría del color, la
psicología del color y después el color en mis referentes. Estos nuevos conceptos me
11
exigían un espacio en el cual conjugarlos y retenerlos, con el fin de poder sentir —en
medio del comportamiento de la luz y el color—una atemporalidad que genere la
sensación de protección con respecto al exterior. Así es como llego a definirlo como
un vientre, en el cual la protección frente al mundo exterior es posible a través de un
espacio diseñado exclusivamente para sumergirse en una experiencia de alteración de
la sensibilidad.
Ya teniendo clara esta idea, empecé a preguntarme el porqué de este espacio,
¿por qué yo quería alejarme de mi presente y cual sería mi comportamiento en este
espacio? Debo admitir en este punto que siempre he sido una adicta a la tecnología:
soy una junkie de todos los productos marca Apple, y no siempre porque les
encuentre un uso profesional, sino porque me distrae de mis obligaciones y de esas
preguntas que se acercan con velocidad irrefrenable, como el “qué haré cuando me
gradúe” o “tengo mil entregas para mañana y no he adelantado nada”.
Constantemente me he visto tan apegada a estos aparatos que muchas veces prefiero
no salir del cuarto. A partir de estos comportamientos de ermitaña, me obligué a salir
de esas rutinas y tratar de pasar menos tiempo conectada. Esto, inevitablemente, me
llevó a buscar espacios en los cuales no necesitaba de la tecnología y podía habitar la
dispersión, el olvido de todo lo que estaba pasando a mí alrededor.
Este aislamiento me recordó un viaje a E.E.U.U. Con mi hermana mayor fuimos
en verano a Washington y entramos a todos los Smithsonian. Cuando llegamos al de
arte conceptual, el último piso del museo exhibía obras de Flavin, Cruz Diez y Otícica
entre otros. Naturalmente el que me llamó la atención fue el cubo de RGB de Cruz
Diez (Chromosaturation, 2010), un espacio que era gobernado por el código RGB de
colores y donde uno tenía que ponerse unos protectores de zapatos para no
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interrumpir el ambiente aséptico que construía este espacio. La sensación que tuve al
vivir esta obra fue una cuestión de completo desconcierto y des-ubicación. Era la
primera vez que entraba a este estilo de obras y no sabía como comportarme o sí solo
era hacer el recorrido y salirme lo más pronto posible de este espacio. Volví a entrar
porque una inmensa curiosidad me halaba dentro de ese cubo: estuve 15 minutos en
el cuarto azul, que fue el que más me atrajo. Estaba en calma y con la sensación de no
querer irme de ahí porque me encontraba en un estado de introspección y seguridad:
nada y nadie podía invadir mi espacio porque no lo compartía con ellos. Era mi micro
mundo.
Entonces empecé a escribir y describir todos los espacios que alguna vez me
causaron esa misma sensación que tuve frente a la obra de Cruz Diez; espacios que me
sacaron por completo de mi realidad y me presentaron la oportunidad de enfocarme
en la sensación y los estados de ánimo por los que estaba pasando. Concluí que
muchos de estos espacios estaban vacíos, no tenían una gran cantidad de objetos y
que la luz era mínima y artificial. A partir de estas variables empecé a imaginarme un
espacio con dos escenarios: o completamente oscuro o completamente iluminado por
luz artificial. Un espacio en el que no se permitiera entrar con aparatos y que exigiera
completo silencio para estar en armonía con él. Me atraía más la idea de tener
iluminación artificial y de ahí empecé a analizar la segunda parte del concepto que
quería trabajar en mi tesis: luz y color. Se trata de elementos que generalmente son
utilizados como cualidades de un objeto, pero que en sí mismos no suelen tener un
papel autónomo, además de estar sujetos a convenciones sociales que se convierten
en normas de uso y de reacción anímica; más adelante ahondaré en este tema.
13
v
QUÉ ES WOMB
Retomando la idea del vientre, titulo mi obra WOMB por tratarse de una
instalación electrónica que utiliza la luz y el color como herramientas para crear una
atmósfera de alteración de los sentidos y también un espacio que suspende el
presente inmediato de las personas que entran en él. La idea es invitar al espectador a
tener una interacción de larga duración con la luz y el color, donde no puedan
distraerse con sus aparatos electrónicos y permanezcan en absoluto silencio. El
objetivo central es generar una concentración de los sentidos por parte del espectador
y crear la sensación de estar dentro de un útero o matriz que los aleje de todo.
La manera como funciona es evitando en su mayoría el uso de imágenes u
objetos con significado cultural preestablecido. Pretendo generar distancia frente al
lenguaje visual cotidiano al que estamos acostumbrados, en este caso las guías que
usa una persona para orientarse dentro de una habitación, y entrar en un espacio que
re-configure la manera de entender una obra de arte y también que le permita al
espectador crear su propio discurso y su propia experiencia de vivir la obra.
Considerando que mi investigación se basa en teoría y psicología del color, he
tomado en consideración todas las configuraciones, paletas y significados que he
encontrado pertinentes para mi trabajo y con las cuales he mantenido una afinidad.
También se realizó una practica en personas que se ofrecieron como voluntarias para
validar mi proceso de elección en los colores, evitando predeterminar su elección o
preferencia.
14
v
COLOR: DESDE NEWTON HASTA HELLER
Hay que resaltar que la investigación en torno a la luz y el color no es novedosa
y tiene una extensa tradición que podríamos ubicar desde Newton (1643 -1727),
Goethe (1749 -1832), Schopenhauer (1788 - 1860) y dando un salto histórico hasta Eva
Heller (1948 - 2008). Todos parten del círculo cromático de Newton que está basado
en la experimentación con luz y un prisma, a partir de lo cual se sostiene que la luz se
refracta en seis colores distintos al atravesar una superficie transparente e iridiscente1.
Goethe, influenciado por la estética romántica, habla acerca del color en la naturaleza
y la vida cotidiana, alejándose del plano matemático y físico de Newton. Así introdujo
la relación entre el color y los sentimientos. Esta misma influencia en el pensamiento es
la que utiliza Schopenhauer para hablar del color a través de la filosofía y cómo ésta
puede ser una forma de vida. Todo esto se conjuga en el pensamiento de Eva Heller,
quien reúne la historia del color en la sociedad, cuantificando y poniendo a prueba
todas las anteriores teorías. Todos ellos hablan del color de forma autónoma,
separándolo de un objeto y presentándolo como un fenómeno de la naturaleza.
Después de observar las diferentes ideas y desarrollos entorno al color, decidí
que la investigación de Eva Heller me era más útil por reunir a sus antecesores y
añadirle a su propuesta un carácter investigativo por medio de un muestreo con el cual
sustentar la relación del color con las sensaciones. Además, incluyó una historia del
color con relación a las religiones, a las sociedades y al arte centrada principalmente
en la historia de occidente. Por otro lado, a mi investigación sumé el corpus de James
1 Iridiscencia: 1. f. cult. Reflejo de colores distintos, generalmente como los del arcoíris. R.A.E
15
Turrell (1943) acerca del color como un ente espiritual, el de Carlos Cruz Diez (1923),
quien se enfoca en el estudio de lo que denomina el “color autónomo” y Erwin Redl
(1967) con su construcción de espacios interactivos a partir de programación y
electrónica.
Retomando la teoría de Newton en su trabajo Opticks (1704), cuyo primer libro
se llama Reflections, refractions, inflections an colours of light, me interesa la anécdota
de cómo accidentalmente se topó con la descomposición de la luz a través de un
prisma al encerrarse en un cuarto totalmente oscuro con una pequeña apertura de luz
solar. En este evento Newton estudiaba la luz para encontrar nuevas medidas y
comportamientos. Es así como llega a la conclusión de que la luz natural se refracta en
seis colores2, siendo el rojo y el azul los más predominantes, y que con un segundo
prisma en la habitación, se podía separar los colores individualmente para poder
estudiar su fuerza en el espectro. A partir de este descubrimiento, Newton da inicio a
futuros estudios entorno al color que tumban la idea de que los objetos tenían el color
como una propiedad física y no como un fenómeno externo gobernado por la luz,
además de entender que la luz producida por el sol es un fenómeno electromagnético
que viaja por ondas en el espacio. Los resultados que arrojó este proceso fueron, entre
otros, la investigación de Philipp Lenard (1862 - 1947) y Max Planck (1858 – 1947)
sobre la luz dentro del campo de la física cuántica3 , encontrando que los átomos de
los objetos pueden ser influenciados por respuestas foto receptivas que permiten que
el pigmento carotenoide tome el color indicado por las ondas de luz y así se le otorga
esta propiedad al objeto. La onda menos potente es la que finalmente se refleja y le
da la tonalidad al objeto.
2 Amarillo, Azul, Rojo, Verde, Magenta, Cyan 3 Varley, H. (1980). The Nature of Colour. In Colour (pp. 10-15). London: Marshall Editions.
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En el comportamiento de la luz entra un aspecto biológico a través de su
interacción con lo humano. Es muy fácil afirmar que la luz afecta el estado anímico de
las personas, pero la razón detrás de esto es todo un proceso de estimulación de
glándulas y órganos que están conectados a nuestros ojos. Estudios han demostrado
que la manera como la luz entra a los ojos es diferente dependiendo del color que
esté dominando el espectro y que la reacción que se traduce como emociones
depende de un estado emocional que ya viene condicionado previamente en la
persona. Sin embargo, se sugiere que estas reacciones anímicas con la luz se producen
gracias a que los ojos tienen una conexión directa con el hipotálamo, órgano que
regula la glándula pituitaria, encargada de generar todas las hormonas del sistema
endocrinólogico incluyendo las tiroides y las glándulas sexuales que controlan los
niveles de hormonas que generan las emociones en el cuerpo humano4.
A nivel cultural los colores siempre han estado condicionados como
contenedores o transmisores de valores y símbolos que hablan de una tradición.
Leyendo un poco sobre esto, encontré que un grupo de psicólogos se empezaron a
cuestionar por el gusto del color en niños menores a 3 años. Los psicólogos
encontraron que los niños tienen una afinidad por los colores cálidos5 ya que estos
colores no los sobresaturan y por su brillo se vuelven mucho más atractivos que los
colores fríos6. A partir de esta serie de experimentos, los psicólogos se cuestionaban
por el gusto innato del color en los humanos: ¿Qué hace que una persona reaccione a
un color a nivel emocional y por qué se crea todo ese lenguaje simbólico universal
alrededor del color?
4 Varley, H. (1980). Colour in psychology. In Colour (pp. 44-45). London: Marshall Editions. 5 Colores cálidos: Rojo, Amarillo y Naranja. 6 Colores Fríos: Azul, Morado y ciertas tonalidades de verdes.
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Goethe, envuelto en su trabajo literario y científico, explica que el color tiene
una estrecha relación con la naturaleza y en consecuencia con la sensibilidad de los
humanos. Es decir, se aleja de los postulados científicos de Newton y propone un
nuevo círculo cromático que se compone de colores primarios, secundarios y
complementarios, formando así el círculo cromático que se usa en la actualidad. Él
expone dos variables que definen los colores en dos etapas que crean la realidad del
color. La primera etapa la denomina color psicológico; que son los colores que
pertenecen al ojo. La segunda etapa la denomina color químico; que son los colores
que le pertenecen a la naturaleza. Combinando estos dos momentos, se crea la
realidad del color, es decir, el color que nosotros percibimos. --Hago un pequeño
paréntesis para explicar que en la época de Goethe aún no se había definido las
mediciones de la luz y el color como las conocemos hoy, y que todavía no se entendía
que el ojo humano esta limitado a cierto número de colores que podemos percibir y
que en promedio el ser humano solo puede reconocer un espectro de 27 colores, sí no
se reconoce uno se aproxima a la gama más cercana y se le da valores de esa gama--7.
También propone que la elección de la paleta de colores depende de una parte
racional y otra emotiva. En otras palabras, cuando se elige entre los colores cálidos o
fríos de por medio hay una intención directamente relacionada con la emotividad del
color. Es así como se introduce el concepto del color para el artista, que más adelante
utilizarían otros artistas para hablar de su propia obra. En la misma línea, Schopenhauer
afirma que el artista es totalmente consciente de la elección de su paleta y que ésta
afecta a su obra directamente.
7 Varley, H. (1980). Naming and identifying colours. In Colour (pp. 134-135). London: Marshall Editions.
18
La misma emotividad de la que habla Goethe es empleada en un método
científico por Heller, quien a través de la psicología estudia los verdaderos fenómenos
del color en la sensibilidad humana. En un muestreo de 2000 personas desmitifica los
valores que se le habían otorgado a cada uno de los colores. Por ejemplo, el negro era
relacionado con el luto; el rojo era una advertencia y el amarillo se relacionaba con la
ansiedad. En esta investigación, Heller otorgar un carácter dual a la relación con los
colores, es decir, dejan de ser totalmente fríos o cálidos para relacionarse de forma
dual con el observador. Identificando esto, reconoce las diferentes gamas de tonos de
los colores, abriendo así el espectro de sensaciones relacionado con cada color. Por
eso mismo, para Heller su espectro no tiene solo los seis colores de Goethe sino que
lo amplía a doce8. Con estas propuestas, Heller afirma que los humanos tienden a
identificar más emociones que gamas de colores y por eso mismo le otorgan más de
una emoción a los colores básicos. Para poder sustentar esto un poco, leyendo otro
estudio paralelo al de Heller, las compañías de pintura y decoración de interiores son
los que manejan el mayor número de códigos para colores. En un muestreo, ellos
evidencian que a pesar de ofrecer una gama de 20 azules, en promedio la personas
escogen los mismos 10 tonos de azul. Cuando se les preguntaba por la paleta de
colores que las personas llevaban para su casa, afirmaban que los colores con nombres
que tuvieran la palabra descanso o relajación eran los más populares dentro del
público, mostrando lo contradictorio de las concepciones de los colores en las
personas al ser influencias por una combinación de lenguaje psicológico y visual en la
etiqueta.
8 rojo, amarillo, azul, verde, rosado, violeta, marrón, naranja, negro, blanco, plata, oro, gris
19
En la historia del color que presenta Heller, ella introduce la importancia de la
relación entre color y género condicionado por contextos sociales e históricos. Dentro
de su estudio pudo comprobar que a pesar de ya estar pre-configurados los colores
dentro de la sociedad occidental, no hay una relación directa entre el color y el género
sexual, a menos que se les pregunte directamente a las personas si ese color es para
hombre o mujer. Heller explica con ejemplos que las mujeres tienden a percibir más
emotivamente los colores y los hombres son más neutrales9 Así mismo, las
connotaciones del color varían de acuerdo al uso, pues no es lo mismo usar una paleta
para una revista que para la decoración de un cuarto o para una obra artística.
Llegando al punto más importante en la investigación del color de Heller, es
preciso destacar su afirmación de la existencia de una predeterminación inicial del
color. Las personas ya tienen un set de condicionamientos que logran identificar por
los usos que se le han dado al color. Sin embargo, hay un nivel emocional y biológico
que prima más sobre la relación entre color y espectador. Al principio de este texto yo
hablaba de alejarme del condicionamiento del color, no como una manera de creer
que en la obra puedo generar nuevos significados y definiciones para el color, sino
porque dentro de las investigaciones y los artículos que he leído, todos aseguran que
el color es una cuestión de gusto personal. No necesariamente todas las personas
encuentran el color azul triste, depresivo o relajante y profundo; hay personas que
reaccionarán más a una paleta cálida que a una fría por la manera como su cerebro y
su glándula pituitaria decida reaccionar. El punto es que siempre hay una reacción
emocional al color por parte de un individuo y este puede llegar a expresar desde
memorias, hasta sentimientos nuevos encontrados por el color, pero la reacción
generada no es la misma entre dos personas.
9 Confer: Psicología del color de Eva Heller.
20
v
TURRELL, CRUZ DIEZ Y REDL
Reunir los referentes para mi proyecto de grado fue una misión difícil: tenía que
depurar de una lista de larga de artistas a cuatro que me hablaran. Cuando empecé
este trabajo yo ignoraba por completo la tradición plástica y los artistas que venían con
ella. Solamente quería artistas electrónicos que estuvieran innovando en el campo de
código y programación.
Sutilmente, un día Ricardo Arias mirando que mis referentes eran Jim Campbell, Jenny
Holzer, Erwin Redl y Leo Villareal, me sugirió ver las obras de James Turrell y Robert
Irwin. Con mucha prepotencia me negaba a contar estos artistas dentro de mis
referentes por pertenecer a una tradición plástica y no electrónica.
Al principio de mi texto narré mi anécdota personal en “Chromosaturation”.
Para mí, Cruz Diez era una artista que solo lo conocía por su trabajo cinético, óptico y
plástico. Pasó mucho tiempo antes de que yo hubiera reconocido ese cubo como una
de sus obras. Recordando mi asombro frente a esta obra, decidí darle una mirada a los
trabajos de Turrell y de Irwin para entender la insistencia de Ricardo. Llegué a las
primeras obras de Turrell las que, a pesar de ser buenas y no muy bien conocidas, no
llegaron a despertar un nivel de curiosidad e interés que me llevara a continuar
investigando por esta línea de artistas.
Seguí mi exploración con la obra Roden Crater (1972), un proyecto que llevaba
muchos años desarrollando con arquitectos, ingenieros, geólogos y astrónomos. Es un
complejo construido en un volcán inactivo en el desierto de Arizona. Consiste en
21
túneles, cuevas y pasadizos al aire libre que diseñaron para poder crear diferentes
fenómenos con la luz y el color que se generaba en el espacio. Viendo el Art21 de
Turrell, él mencionaba que la importancia de sus obras, y en particular la de Roden
Crater, emergía de la manera como las personas llegaban a estos espacios para
interactuar con la luz. Él quería diseñar espacios que resaltaran la belleza y la armonía
que las personas no tienen presente en su día a día y poder crear estas experiencias de
conexión con el universo y los cuerpos foto sensibles de sus espectadores.
“Mi obra es acerca de la percepción, es usar la luz como material para
influenciar o afectar el médium de la percepción. Yo siento que necesito usar la
luz como si fuera un mágico elixir que absorbemos, como la vitamina D a través
de la piel -quiero decir, somos literalmente comedores de luz- para entonces
afectar el modo en que vemos. Vivimos dentro de la realidad que creamos, y no
nos damos cuenta aún de cómo creamos esta realidad. Por eso mi trabajo es
frecuentemente un koan acerca de cómo vamos formando este mundo en que
vivimos, particularmente con la visión.”
James Turrell, Interview Magazine.
En su serie Breathing Light (2013), adapta los espacios para crear habitaciones
encerradas monocromáticas. Su intención es poder jugar con la sensación de las
personas en un espacio completamente rosado y otro rojo, dejando al espectador
completamente desubicado con la espacialidad y las dimensiones reales del espacio.
Debo señalar que Breathing Light es la instalación que me inspiró por completo
para llegar a concebir WOMB. Acá el uso del color por Turrell es tan presente y
dominante que el espacio pareciera absorber a las personas durante mucho tiempo.
22
En videos que registran la instalación y la reacción del espectador ante esta obra,
impresiona observar cómo muchos de ellos no sabían donde empezaba o terminaba
este espacio y varios de ellos en vez de caminarlo y tratar de salir de él, se quedaban
acostados por un buen tiempo y luego se paraban para ir a habitar otro espacio. Esto
es lo más me llamó gusto de esta obra: que la personas se tomaban el tiempo para
explorarla. En los videos pude evidenciar que hay una interacción completamente
distinta a la de ver un cuadro o una pintura. Los niveles de ansiedad disminuyen una
vez se experimentan estos espacios y los espectadores aceptan la invitación a
cohabitar con la luz y el color.
De manera que James Turrell está presente en WOMB por la manera como la
construcción de sus espacios me enseñó formas alternas de realzar la belleza de la luz
y el color. La armonía entre el espectador y el espacio lleva a una interacción más
personal y profunda. Hay una preocupación por integrar al espectador dentro de estos
espacios y la manera como construye este discurso es a través de querer alterar los
sentidos y las percepciones de las personas valiéndose de un fenómeno cotidiano.
Esos espacios me dieron la idea de crear la sensación de vientre en mi tesis. Un
espacio que esté en armonía con el espectador y con la luz y el color que quiero
manejar dentro de este espacio.
Por otro lado, Carlos Cruz Diez siempre me ha llamado la atención como artista.
En su libro Reflexiones sobre el color (2009), Cruz Diez afirma que las personas nunca
tienen en cuenta el color como una propiedad autónoma; siempre es una condición de
un objeto y por ende solo funciona como adverbialmente, calificando al objeto: es
lindo o feo; familiar o extraño. “El público identifica el arte con sus formas conocidas o
históricas, y por eso mismo no comprende cuando este toma nuevas formas.”
23
Carlos Cruz Diez presenta la percepción del color como (…) la percepción del
fenómeno cromático es inestable, que evoluciona constantemente, que se sujeta a
múltiples circunstancias, y que esta característica nunca había sido puesta en juego por
los artistas.
Siempre menos preciado y encasillado a identificar objetos o figuras históricas
dentro del arte, hasta que los puntillistas se atrevieron a quebrantar las leyes del color
único y empezar a utilizar juegos de sombras llenos de colores y paletas que antes no
se habían utilizado. Cabe aclarar que los puntillistas también se diferenciaban por
realizar sus pinturas en tiempo real y en espacios abiertos, por eso ellos podían
apreciar el cambio del color en los objetos, dependiendo del paso de la luz y su
intensidad sobre estos.
De manera que a partir de ciertas experimentaciones que Cruz Diez empieza a
hacer con la combinación de colores complementarios, se da cuenta de que sus
espectadores empiezan a apreciar juegos ópticos que les amplían el espectro de
colores que pueden ver a partir de dos colores combinados, y que el color es un
fenómeno que en el arte se puede reproducir en tiempo real. Frente a los
espectadores y las costumbres culturales que se tienen para tratar el tema del color,
Cruz Diez habla de una sociedad “Hiper-barrocamente policromada” y al igual de
Goethe y Heller, Cruz Diez afirma que nuestras decisiones cromáticas no son
completamente racionales.
“El contacto con cualquier color produce rechazo o afección, al igual que la
percepción sonora, táctil, olfativa o gustativa. […] No tenemos memoria visual
24
del color. Lo único que memorizamos es el “genérico azul”, el “genérico rojo”
nunca un matiz.”10
Cruz Diez también acusa a la sociedad por crear condicionamientos en torno al “culto
de la forma y la imagen”, que nos impide apreciar acontecimientos del color y la luz,
que son muy sutiles y que tienen lugar en el espacio y el tiempo. “El volumen de
informaciones visuales y auditivas de las sociedades modernas, no han transformado
en sordos visuales y en ciegos auditivos”11
Distanciándose de lo que considera maltrato y negligencia por parte de las
sociedades, Cruz Diez elabora un concepto llamado ‘Color autónomo, realidades
autónomas’ y lo explica señalado de qué manera “[…] estos acontecimientos se dan en
el tiempo y en el espacio y porque no dependen de lo anecdótico que el espectador
está acostumbrado a ver en la pintura.” 12 También resalta, al igual que Turrell, que el
espectador es una parte fundamental en la interacción con su obra. Este puede
destruir el color con sus propios medios perceptivos, y también encontrar su
resonancia afectiva.
Chromosaturation, es un muy buen ejemplo de experimentación del color en
tiempo real: las personas se ven bañadas de luz en este espacio y si se quedan el
tiempo suficiente, pueden empezar a notar cambios y efectos sobre la construcción del
espacio, que nunca antes habían tomado en consideración.
Ahora la justificación de Cruz Diez en mi obra proviene de su fuerte postura
frente a separar el color y la luz de cualquier preconcepción o significado cultural. Él
10Cruz-Diez, C., & Jiménez, A. (2010). Carlos Cruz-Diez. New York: Fundacíon Cisneros. 11 Diez, C. C. (2009). Reflexión sobre el color (pp. 22). Madrid: Fundación Juan March. 12 Diez, C. C. (2009). Reflexión sobre el color. Madrid ( pp 30): Fundación Juan March.
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propone crear nuevos mecanismos que despierten otros tipos de sensibilidades que
lleguen a niveles de complejidad más profundos que los actuales. También, en WOMB
–y dialogando con Chromosaturation-- es importante que el espectador se vuelva
consciente del fenómeno de la luz en el espacio y tiempo real. La intención no es
producir un efecto visual, sino un cambio cultural frente a la sensibilidad de las
personas.
Para terminar, introduzco al único artista electrónico que conservé dentro de mis
referentes durante todo el proceso de mi tesis, y que ha acompañado mi proceso de
aprendizaje y práctica en las clases de electrónica. Erwin Redl es un artista electrónico
que hace instalaciones a gran escala a partir de la luz y la programación. Muchas de
sus obras tienen una interacción directa con el público y son dependientes de éste. A
diferencia de Turrel y Cruz Diez, la integración de su espectador no apunta a crear un
espacio que modifique la sensibilidad de éste, sino que el espectador modifique el
comportamiento del espacio.
La primera obra que tomo como referente es Crystal Matrix (2011); es una
instalación de luz LED RGB animada, con prismas en motores giratorios que se mueven
a partir de música. Este espacio cobra vida cuando una persona entra y puede
interpretar partituras en un piano que controla toda la instalación.
Claramente hay unas variables de interacción que son muy tecnológicas y
rompen un poco con la armonía y la calma que busco lograr con WOMB, pero el
manejo de color LED para poder crear ambientes y armonías en el espacio es lo que
me motiva a mencionarlo brevemente en mi texto.
26
Su tratamiento del luz LED, que se aleja un poco de los postulados de Cruz Diez
y Turrell, se vuelve en Redl una variable dominante de sus obras, y le permite obtener
un control absoluto sobre la modificación del espacio. Normalmente no habla de una
cromo saturación pero sí de un uso de tecnologías que puede mezclar con elementos
y fenómenos de la naturaleza, creando espacios que se salen de las convenciones
tradicionales de la “Instalación”, y también cambia los lenguajes con los que se
perciben las obras de interactividad.
El juego entre una puesta tecnológica pero con toques de elementos que
necesitan de fenómenos naturales es lo que en su obra Floating, in Silence (2013), a
partir de una matriz de globos de vidrios que se mueven por la variación del viento,
controlada por sensores, logra crear un balance sutil entre el color rojo de la obra, que
empieza a expandirse gracias a la luz de sol y colorea el espacio donde se encuentran.
Su relación y búsqueda constante dentro de un balance naturaleza-tecnología,
es lo que me motiva a plantearme una serie de preguntas sobre la armonía entre estas
dos cosas, y como esta puede llegar a crear nuevos espacios de discusión y
magnificación de eventos sutiles que no percibimos en los cambios del espacio y
tiempo.
27
JAMES TURREL
RODEN CRATER: 1973
ARCHIVO: http://jamesturrell.com/
28
BREATHING LIGHT 2013
29
CARLOS CRUZ DIEZ CHROMOSATURAION 2014.
ARCHIVO: http://www.cruz-diez.com/es/work/chromosaturation/2010-to-
date/
30
31
ERWIN REDL CRYSTAL MATRIX 2011.
ARCHIVO: http://www.paramedia.net/installationpage/crystalmatrixii.php
32
FLOATING IN SILENCE 2013.
ARCHIVO:http://www.paramedia.net/installationpage/floatinginsilence.ph
p
33
v
POR QUÉ WOMB
Siempre he tenido una gran aversión por las obras que me dan un discurso
cerrado y sin posibilidades de exploración. Nunca he sido seguidora de las obras que
se llenan de conceptos y teorías, mostrando como resultado un objeto pequeño y
genérico que puedo comprar en cualquier esquina.
Cuando empecé a idear WOMB, quería un espacio que estuviera despojado de
cualquier concepto o discurso político, social o filosófico. Creo que lo más puro que
puede experimentar una persona en el arte son sus propias sensaciones y sus propias
conclusiones. No estoy diciendo que mi obra tenga más valor que la de otros artistas
por estar alejada de un discurso repetitivo, porque mi misma obra puede considerarse
un ejercicio repetitivo de muchos otros artistas que ya han pasado por esta reflexión.
A lo que quiero llegar con mi trabajo es a generar un espacio que puede ser el
punto de partida de otro tipo de exploraciones. Es un punto inicial para entender a
donde me quiero dirigir con mi trabajo en un futuro. No pretendo con esto que mi
espectador cambie su perspectiva de vida, ni tampoco que se entregue acríticamente
a este tipo de espacios. Insisto, la relación con el color y las personas es totalmente
individual y por eso mismo no pretendo predecir las reacciones de mi espectador
dentro o fuera de WOMB.
Desde que cursé por primera vez clases de electrónica en la carrera, entendí
que estas herramientas me brindaban un espacio de exploración en el campo de la
sensibilidad humana. Tengo una fuerte curiosidad al ver obras que enfrentan estos
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temas y los evolucionan al siguiente paso. WOMB para mí es eso. Vengo de una
exploración personal dentro de la electrónica, donde me he encontrado muchas
paredes que me han retado a pensar el porqué usar la tecnología en mis obras, y qué
puedo construir a partir de esto.
De la misma forma como rechazaba la idea de usar referentes que no
pertenecieran al campo de nuevos medios, también luché con qué noción de arte
plástico estaba guiando mi exploración. En los límites entre la instalación artística y la
producción arquitectónica o de diseño, WOMB es precisamente un espacio para
pensar los límites y entrecruces de nuestras prácticas. Pero el énfasis en la exploración
sobre la subjetividad sensorial y la sensibilidad hacen de WOMB un espacio no
utilitario en términos materiales, y sí artístico en cuanto provee una alternativa para
pensar la interacción de sujetos y objetos..
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v
DEL AZUL AL ROSADO
Para WOMB escogí una paleta de colores que va del azul claro hasta el rosado. La
escogencia de estos colores tiene tres motivos:
El primero: explorar porqué estos colores pueden llegar a generar significados
contradictorios en las personas –desde género hasta profundidad--.
El segundo: basada en experimentaciones previas durante la construcción del
anteproyecto, quiero continuar explorando con qué colores y por qué los
espectadores deciden pasar más tiempo dentro de la instalación
El tres: ya que el azul y el rojo son los colores que culminan ambos extremos del
arcoíris, me interesa explorar opuestos que generan sensaciones diferentes en un solo
espacio.
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v
TODO LO QUE USTED QUERÍA SABER DE WOMB, PERO TEMÍA
PREGUNTAR
Apreciado jurado y asesor.
Este espacio lo construyen ustedes con las preguntas que quieran formular
acerca de mi obra y de mi texto
Aquí culmina el texto de Womb.
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BIBLIOGRAFÍA.
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