Descorporización de la producci n musical y reintegraci n ... · Palabras clave: Comunicación, música, lenguaje digital, lenguaje analógico, descorporización, espectáculo masivo

Descorporización de la producción musical yreintegración de lenguajes*

The Disembodiment of Music Production and the Reintegration ofLanguages

Marcelo Guardia Crespo

Boliviano. Comunicador Social. Magister en Comunicación y Cultura. Docente universitario e investigador de la

Universidad Católica Boliviana, Regional Cochabamba.

[email protected]

ResumenLas TIC y los medios de comunicación masiva están transformando las formas de hacer música. Las formas másprimitivas de expresión musical que han perdurado a lo largo de la historia, sirviendo como extensión deemociones a través del cuerpo humano, se están convirtiendo en expresión directa del cerebro gracias a laposibilidad de manipulación de la comunicación digital. Los rituales de comunicación entre las personas con susmitos de origen ocurren ahora para mitificar los héroes del espectáculo masivo.

Palabras clave: Comunicación, música, lenguaje digital, lenguaje analógico, descorporización, espectáculomasivo.

ResumoAs TIC e os meios de comunicação masiva estão transformando as formas de fazer música. As formas maisprimitivas de expressão musical que tem perdurado ao longo da história, servindo como extensão de emoções através do corpo humano, estão se convertindo em expressão direta do cerebro graçãs à possibilidade demanipulação da comunicação digital. Os rituais de comunicação entre as pessoas com seus mitos de origemocorrem agora para mitificar os heróis do espetáculo masivo.

Palavras chave: Comunicação, música, linguagem digital, linguagem analógica, descorporização, espetáculomassivo.

AbstractThe ICT and the mass media are transforming the ways of making music. The most primitive ways of musicalexpression which have endured throughout history, and have served as an extension of emotions through thehuman body, are being converted to a direct expression of the brain thanks to the possibility of digitalcommunication manipulation. The communication rituals among people with their myths of origin now happen tomythologize the mass entertainment heroes.

Keywords: Communication, music, digital language, analogue language, disembodiment, mass entertainment)

61A Ñ O 1 4 , N º 1 9 , 2 d o S E M E S T R E 2 0 0 9ISSN 1815-0276

* Se recomienda leer este artículo con el apoyo de un ordenador conectado a la red y un amplificador de sonido (o audífono) que permita apreciar mejor la música.Este trabajo fue elaborado para el Taller Literatura y Música 2009, organizado por la Fundación Simón Patiño.

La relación entre la música y la literatura estáexperimentando dos tipos de transformacióngracias a los medios masivos de comunicación ylas nuevas tecnologías digitales. Por un lado, loslenguajes multimedia están reintegrando lo quela modernidad occidental fragmentó con laseparación de la ciencia del arte, la política, laeducación y la religión. Desde el auge del cine, elsiglo pasado, grandes obras de la literaturauniversal han sido recreadas en grandiosasadaptaciones al teatro, al cine, la música, etc.Por otra parte, las tecnologías digitales estánpermitiendo que la concepción de la música nopase necesariamente por los momentos deinspiración del artista, sino que, gracias alabaratamiento y la accesibilidad ampliada por lasTIC, la música ahora puede ser hecha porpersonas que no necesariamente son músicos,en procesos de creación cada vez máscerebrales y menos corporales.

1. La música sale del cuerpo

Si entendemos el ritmo como la división deltiempo en el que se desarrolla la música, uno delos componentes básicos de esta manifestaciónhumana, y consideramos que la pulsión vital estámarcada por el ritmo de los latidos del corazón,que no son otra cosa que la división del tiempode desarrollo de la vida; podemos afirmar que lavida y el cuerpo están marcando la músicaprimordial de la especie humana.

Las primeras músicas creadas por los humanosfueron especialmente rítmicas. Eran sonidosrealizados con el propio cuerpo, con las palmasde las manos, los pies, la boca o con objetos dela naturaleza: piedras, maderas, semillas, etc.Posteriormente, se inventaron instrumentos queampliaron la capacidad de la voz para generarmelodías1. Así, surgieron grandes variedades deinstrumentos de viento como las flautas hechasde hueso, caña, madera, piedra, etc. Tambiénfueron creados los cordófonos como el arpa y losprovistos de caja de resonancia como son laguitarra, sus precursores y derivados.

La música es un tipo de expresión humana quetiene la misma motivación que la literatura:representar ideas y emociones conintencionalidad estética. Por tanto, tiene en lavida humana, y su pulsión primordial, el origen ysu razón de ser. Lo mismo ocurre con las letrasque son la verbalización de sentimientos,

emociones y pensamientos quese generan en las personas comoproducto de su interacción social.Ambos lenguajes se producenemocionalmente y son, a su vez,emisiones corporales cuyaproducción y recepción generasatisfacciones generalmente denaturaleza subjetiva. Grandesobras literarias y musicales, asícomo pequeñas piezasindividuales y colectivas sonportadoras de sentido inteligibleen sus contextos de enunciación ya través de los actoresinvolucrados en esos procesos.

Sin embargo, las formas deestratificación de las sociedades,a lo largo de la historia, han idoconfigurando una suerte declasificaciones que han legitimadoel poder y la distinción clasistapara definir lo que se suponesería la “buena música” y la“buena literatura”, excluyendoarbitrariamente las formas delenguajes que no sonencasillables en los parámetrosoficiales.

La música es un lenguaje anterioral verbal. Es un tipo de expresiónanalógica por cuanto representasentimientos, situaciones e ideassin traducción exacta. La músicaes un tipo de signo que no tieneningún objetivo persuasivo.Simplemente sugiere ideas queluego son asimiladas por algúnreceptor que, más que decodificarracionalmente, siente estímulosque le provocan emociones deacuerdo con su vivencia.

La literatura, por otro lado, es unesfuerzo por convertir el lenguajeanalógico de las emociones enlenguaje digital. Es un procesoaltamente creativo por cuantosupone el esfuerzo, no exitoso,por tratar de expresar lo másfielmente posible una idea sinperder información2. En realidades un proceso prácticamente

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imposible porque existensentimientos y emociones paralos cuales no existen palabras,por tanto, el artista se ve obligadoa realizar combinaciones ilógicaso metáforas para intentarrepresentar con exactitud la idea.Esa es la causa de la riqueza dellenguaje poético que sugiere, másque impone, una idea. Todos loslenguajes artísticos son porexcelencia polisémicos. Pretenderinterpretar con exactitud elmensaje artístico seríaempobrecer la riqueza de lasposibles lecturas del arte. Eso noquiere decir que la interpretaciónsemiótica no sea posible.

Existe una relaciónestrecha entre elcuerpo, las emocionesy las expresionesartísticas. El cuerpo y elalma, en su interaccióncon el entorno social,producen emocionesque luego son llevadasa la conciencia ypueden convertirse enideas verbalizables. Sepuede decir que lasemociones son ellenguaje de losórganos, cuyo controlracional o voluntario nosiempre es posible. Elarte es expresión librede energía cuya canalizaciónasume un carácter creativogracias a la imaginación.

La imaginación del artistaconsigue a través de la lógica delos sentimientos dar formaestética y sentido a los contenidosdel inconsciente y de la realidadconcreta que nos rodea. (Giora1999: 88)

La capacidad de imaginar permitecrear mundos y situacionesirreales en base a laspreocupaciones y emociones delas personas.

La imaginación creadora del artista es capaz dehacer visible aquello que es invisible, de crearimágenes donde no caben palabras, de crearsonidos y formas para expresar sentimientos ypensamientos insospechados, movimientosdonde ni imágenes ni sonidos caben (Giora1999: 88).

De ahí que muchas obras de arte nosdeslumbran o impresionan por su caráctermágico. Hacen que experimentemossensaciones o emociones fuertes en las que laracionalidad no juega un rol primordial comofactor perceptivo ni interpretativo. Además seproduce empatía con la obra porque los signosrepresentados siempre hacen referencia a ideaso vivencias que interpelan inclusive en obrasfantásticas o de ficción. Como afirma Freud,

“…no existe nada en la imaginacióndel artista que no esté presente en laimaginación del hombre común” (citpor Giora 1999).

En el caso de la literatura, laimaginación recurre a la capacidad deverbalizar de las personas, para poderrepresentar alguna idea.

El desenvolvimiento de la imaginación(…) está íntimamente relacionado conla adquisición del lenguaje,caracterizándose como una funciónpsicológica superior que irá a permitirla construcción de la memoria, queincorpora el pasado al presente (Lane2000: 15).

Esta posibilidad aumenta aun más lacapacidad de crear mundos fantásticos que esalgo exclusivo de los humanos. De ese modo, elhombre también consigue librarse de susfantasmas, haciendo consciente lo que tiene enel inconsciente, exorcizando energías quefrecuentemente lo conducen a estados deinestabilidad emocional.

2. Manifestaciones primarias

Las manifestaciones primordiales vinculadas conla música y la literatura tenían un carácterintegral puesto que no era posible concebir elarte desconectado de la ciencia, de la educación,de la política y de la religión. Las celebraciones orituales de conexión con los mitos y las figuras

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La música es unlenguaje anterior alverbal. Es un tipo

de expresiónanalógica por

cuanto representasentimientos,

situaciones e ideassin traducción

exacta...

sobrenaturales incluían, además de los actos dere-conexión entre humanos y sussacralizaciones, música como cantoacompañado de percusión, literatura y poesíarelacionada con sus temas, danza comoconfirmación de la relación cuerpo-emociones-música, educación en la medida que habíatransmisión de cultura entre generaciones,legitimación de estructuras básicas de poderconcentradas en chamanes o líderesconductores de la comunidad y ciencia porcuanto los rituales giraban en torno a actividadesde sobrevivencia que suponían transformaciónracional de la naturaleza para beneficio del grupo(cacería, colecta de frutos, etc.).

En estas manifestaciones, los actos y objetostenían un carácter funcional en la medida en queservían para cumplir algún propósito, pero almismo tiempo iban adquiriendo algúntratamiento estético, porque recibían la marca dela intencionalidad humana por adornar oembellecer su entorno. Así, las herramientasinventadas para cortar, golpear, triturar, lasarmas de cacería, el maquillaje o el vestuario,comenzaron a tener adornos que iban más alládel cumplimiento de la función del objeto. Eranmarcas de la capacidad humana por hacer quelas cosas sean agradables a los sentidos. Losinicios del arte.

Con la intencionalidad estética, entendida comocapacidad de “embellecer” mensajes, contamosactualmente con un parámetro eficiente para ladistinción entre obras de arte de obras que no loson. Más allá de los parámetros de belleza, quedependen de cada tiempo y espacio deproducción, es posible encontrar en los objetosla intencionalidad impresa en la materia primapara poder afirmar que se trata de cosas que sonalgo más que herramientas funcionales y queentran al campo de lo apreciable, admirable,contemplable.

El reconocer la intencionalidad estética impresapor el productor-emisor en una obra es un buencamino para determinar si la obra es artística ono, aunque el parámetro de belleza no coincidacon el nuestro (Guardia 2003: 75).

Sin embargo, existen obras que no han sidohechas con esa intención pero son apropiadasasí por las personas. Por ejemplo, convertir unapiedra en objeto de apreciación.

… para tener seguridad plena sobre el carácter

artístico de la obra, lo importantees identificar el reconocimientopor parte del público. Cuandotenemos una obra que tieneaceptación y tiene la capacidadde generar goce estético por partedel receptor, estamos hablandocon seguridad de arte (Guardia2003: 75).

Esto nos permite contar conelementos que desarticulan lasformas de exclusión clasista yracial que se legitiman en laactualidad, en base aclasificaciones que sólo aceptancomo válidas las expresioneseruditas, vanguardistas oclásicas, descalificando lo populary lo masivo en sus diversasformas.

3. Fragmentación de lamodernidad

Una de las características de lamodernidad occidental es latendencia a la especialización delas áreas de conocimiento y delas actividades humanas. En lamedida en que la racionalidad vatornándose vigente también en elámbito de la producción artística,la producción de música y lasotras artes asumenprocedimientos sistematizados yordenados. El ejemplo más claroes la invención del pentagramacomo sistema de notaciónmusical y la afinación de las sietenotas ordenadas en octavascompuestas por doce notas, talcomo se puede apreciar en losteclados.

Una primera fragmentación es laseparación actor/ espectador, queconvierte al artista en un virtuosopor capacidad creadora y dominiode su técnica. El músico seconvierte en experto delinstrumento a través de unacapacitación cada vez másacadémica. Se crean

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metodologías de aprendizaje ydominio de las técnicasespecíficas. Los artistas dedicansu vida a su arte, bajo patrociniode príncipes o nobles conrecursos. El arte en generalsepara al espectador del artista,promoviendo una transición enactitud de la gente que pasa acontemplar la obra, ya noritualmente sino con fines deapreciación estética. La técnica yel discurso son privilegiados parasu análisis que se hace cada vezmás racional.

Así, la música experimenta unaseparación en cuanto a su origensocial de producción.Lo popular y lo eruditose convierten en dosámbitos usados no sólopara definir lasdiferencias entre lo quetiene técnica y lo quese produce librementeen las calles y espaciospúblicos y privados;sino también paragenerar un nuevosistema de exclusiónsocial que reconoce alarte “superior” comoverdadero y descalificalo otro, por su“desorden”, “irracio -nalidad”, “vulgaridad”,en síntesis: premoder -nidad.3

La civilización moderna seautocomprende como másdesarrollada, superior (lo quesignificará sostener sin concienciauna posición ideológicamenteeurocéntrica).

La superioridad obliga adesarrollar a los más primitivos,rudos, bárbaros, como exigenciamoral (Dussel 2000).

Este modo de exclusión social,generado a partir del arte, hapromovido incomprensibles

desencuentros no sólo entre artistas sinotambién entre sus seguidores. Las formasartísticas provenientes de esos espaciossupuestamente superiores sirven hasta elpresente como signos de distinción ensociedades clasistas y altamente jerarquizadas.Las culturas populares, desde tiempos de laantigüedad, pasando por la Edad Media y elRenacimiento y con más evidencia en lascolonias, han sido objeto de radicales estrategiasde erradicación y agresión violenta por nocoincidir con los ideales de las culturas oficialesen cada contexto.

Esta separación de culturas ha tenido en el sigloXVIII su momento de mayor fuerza. Los idealesde la ilustración confirmaron la existencia de lasllamadas “bellas artes”, consagradas en

espacios especializados y con unaproducción altamente sofisticada ypoderosa en forma y contenido y lasartes populares que pasaron a tenerotros denominativos tales como“folklore” (cultura del pueblo) o“artesanía” (nótese la violenciapeyorativa de la palabra).

La industrialización provocó elsurgimiento de la cultura de masas,consistente en la entrada del arte almercado y sus lógicas de producciónen serie. En términos estéticos lasélites utilizaron la palabra “Kitch” paradesignar a todo lo que, según ellas,sería la estética del mal gusto. Obrasque pretendían pasar por arte, peropara ellos no eran más que copiasordinarias, vulgares, pobres de

contenido y discurso, saturadas de adornos,predecibles. Las formas de exclusión culturalfueron articulando argumentos y discursos parafortalecer racionalmente esa visión.

4. Cultura de masas e industria cultural

La mecanización de los sistemas productivos y eléxito de la revolución industrial impulsaron lainvención de una cantidad de aparatos y mediosque mejoraron la comunicación entre laspersonas. Luego del gran invento de la imprentaen 1455, se inventó una serie de medios demanera revolucionaria que, a su vez, generaronlenguajes específicos. En el campo de laimagen, la fotografía logró el ideal de realismo de



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la pintura. Luego se esperó que las imágenes semuevan y se inventó el cine. Al inicio, era enblanco y negro y con sonido de piano en vivo,luego se le añadió el sonido y con él la música.En algunas décadas ganó color y despuésefectos especiales, hasta incorporar el efecto 3D(tridimensión).

Posteriormente, se llevó la imagen enmovimiento a un receptor doméstico llamadotelevisor que entró a las casas sin tener queaislar y oscurecer el ambiente.

En el campo del sonido, el telégrafo pudo enviarmensajes a distancia a través de señaleseléctricas, luego fue posible escuchar el sonidode las palabras a través del teléfono cableado.La ambición de escuchar sonido a distanciageneró la radio. Para escuchar música sin tenerque presenciar los músicos ejecutándola seinventó el fonógrafo. Luego la radio comenzó atransmitir la música de los discos yposteriormente fue posible ver y escucharmúsica en tiempo real gracias a la televisión.Todos estos grandes inventos ocurrieron hasta lamitad del siglo XX y fue a través de ellos que lafragmentación del arte comenzó a revertir eseestado, relacionando nuevamente los lenguajesen manifestaciones que integraban música conteatro, danza, literatura y otras formas deexpresión. Actualmente, todos esos procesos serealizan en lenguaje digital, en sistemasmultimedia que han reunido a todos los mediosde comunicación de la historia de la humanidad.La red internet ha integrado desde el libro hastala televisión, pasando por el correo, el cine, laradio, el periódico, etc. Es el medio decomunicación más completo hasta inicios delpresente siglo, pero actualmente superado por elteléfono móvil que es inalámbrico, más compactoy más completo.

5. Grandes obras de reintegración de lenguajes

La ópera italiana del siglo XVII es el primerintento por reintegrar música con literatura. Eranmusicalizaciones de obras de teatro de losantiguos dramas griegos, con los avancestécnicos de la polifonía y el contrapunto.Posteriormente, las obras barrocas, clásicas,románticas convirtieron este género en uno delos más importantes de la historia de la músicaerudita.

En el siglo XX los nuevos mediosde comunicación permitieron lacreación de obras de gigantesdimensiones gracias a losrecursos que la técnica permitía.El cine de grandes musicalescomenzó a cobrar fuerza en losaños 30 con películas como: ElCantor de Jazz (1927), El Magode Oz (1939), Pinocho (1940), UnAmericano en París (1951),Cantando Bajo la Lluvia (1952),Melodías de Broadway (1953), ElRock de la Cárcel (1957), WestSide Story (1961), My Fair Lady(1964), Mary Poppins (1964),Sonrisas y Lágrimas (1965),Hello, Dolly! (1969), Cabaret(1972) y muchas otras más.

De todas estas producciones lamás representativa por laintegración de literatura conmúsica y los nuevos recursos delcine es West Side Story, conocidacomo Amor sin Barreras,ganadora de 10 premios Oscar.Es una adaptación al cine ymusicalización de Romero yJulieta de Shakespeare, pero nocon familias enemigas sino conpandillas juveniles que disputanterritorio en Nueva York.

La hermana del líder de lapandilla de latinos se enamora dellíder de los jóvenes americanosque acaba matando al hermanoen una pelea. Es un dramaprovocado por la insoportableangustia de enamorarse de quienno se debe y sus consecuenciasfatales, ilustradas con lenguaje deteatro, danza, literatura, música,fotografía y cine. Un espectáculocon sensorialidad total4.

Otra obra destacable con lasmismas características es JesusChrist Super Star de los añossetenta. Es una adaptación de lavida de Jesucristo al lenguajejuvenil del rock. La primeraversión teatral tenía laparticipación de miembros de

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Deep Purple. El tema Getsemani5expresa la rebeldía de lageneración que rompe con losesquemas adulto-céntricos delmundo moderno. En esta canción,mientras los discípulos duermen,Jesús reclama a Dios por suinminente muerte, cuestiona tenerque concluir un proyecto que él nolo inventó, demostrando tenermiedo. Es una impresionanteescena de rebelión y resignaciónal mismo tiempo, desde laperspectiva de un Cristo consentimientos y emociones muyhumanas.

Sin embargo, tambiénexisten autores cuyasobras son creaciónpropia, tanto literaria,musical ycinematográficamente.Tal es el caso de losingleses The Beatlesque inventaron lo quepodría considerarse ellenguaje del video clipen su película YellowSubmarine, en los añoss e s e n t a .Posteriormente, estelenguaje se convertiríaen la característica másimportante de losmedios audiovisualesde final del siglo XX. Sucarácter casi surrealista, más lavelocidad de su edición, definió el“sinsentido” de su discursoconvirtiéndose en motivo dedisfrute y representación deidentidad de las culturas juvenilesglobalizadas y el surgimiento deuna industria millonaria sinprecedentes.

Submarino Amarillo cuenta laodisea de los cuatro de Liverpool,viajando con un capitán a bordode un submarino a través deescenarios oníricos imaginadosgracias a la técnica del dibujoanimado. Destacamos el temaEleanor Rigby6 que aparece en la

película ilustrada con imágenes que muestranescenas y situaciones relacionadas con lasoledad del ciudadano de esa década.

Es también el segundo tema del disco Revolverdel año 1966. Con este álbum Los Beatlesabrieron, o inventaron, los infinitos caminos delrock. Sus contribuciones son altamenterevolucionarias no sólo para este género sinopara la historia de la música contemporánea:conciliaron el campo de la producción de lopopular masivo con el gran espacio de la músicaerudita, desvirtuaron la idea de que lo comerciales malo, consolidaron la posibilidad de que losjóvenes pueden ser productores de su propiacultura, en contraste con la de los adultos. Estetema en particular es una canción con estructuray forma barroca: es monotemática y tiene ritmo

regular. Con una pequeña orquesta decámara, se compone uno de los temasmás importantes de la producción deeste grupo y de la historia del rock, conmelodías contrapuntísticas, sinpercusión ni instrumentos electrónicos.Una sorpresa para sus seguidores queescuchaban rock and roll convencionaly para la cultura mundial, cada vezmás globalizada.

6. Musicalización de poemas

El rock se convertiría, desde la mitadde los años 60, no sólo en uno de losgéneros musicales más importantesdel siglo, sino también en unmovimiento cultural que nació en

contra de los valores oficiales de una civilizaciónpretendidamente moderna en el discurso, perocon muchas contradicciones en el campo de losderechos humanos, a lo largo del mundo. El rockse convirtió en la mejor forma de expresión de lainconformidad de los jóvenes y el gran síntomade la crisis de la modernidad y de su modelo deciudadano: blanco, varón, adulto, cristiano,productivo, heterosexual, ilustrado, etc.

Aunque su irreverencia tuvo fuerte impacto en lasociedad post segunda guerra mundial, elmercado se ocupó de diluir su fuerzaabsorbiendo y convirtiéndolo en moda. El propioJohn Lennon se ocupó de anunciar a inicios delos 70 “the dream is over”, en el tema “God”7cuando el impulso inicial del rock de fragmentó y



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En la medida en quela racionalidad va

tornándose vigentetambién en el ámbito

de la producciónartística, la

producción de músicay las otras artes

asumenprocedimientos

sistematizados yordenados...

surgieron infinitas formas de adoptarlo paraexpresar ideas y sentimientos ya no sólo dejóvenes, sino también de adultos.

América latina no quedó al margen de estacorriente, en los años sesenta ya habíaimportantes bandas rock en países comoArgentina. En los años setenta la región andinatuvo dos grupos que se destacaron por integrarla música andina con el rock y el jazz: Los Jaivasde Chile y Wara de Bolivia. La producción deambas bandas es fundamental para lacomprensión de la música popularlatinoamericana.

Destacamos un álbum de Los Jaivas de los años80 titulado Alturas de Machu Picchu. Es untrabajo de musicalización de poemas de PabloNeruda, considerado el mayor poeta del Chile.

La imaginación fértil del poeta se enriquece conla genial capacidad de crear momentosmusicales llenos de energía y belleza entreritmos efectivamente latinos y sonidosestridentes de guitarras y sintetizadoresrockeros. El poema “sube a nacer conmigohermano”8, por ejemplo, se convierte en unacanción optimista gracias a la musicalidadpresente en el juego implícito de las propiaspalabras.

… Sube a nacer conmigo hermano mostradme vuestra sangre y vuestro surco decidme aquí fui castigado porque la joya no brillóo la tierra no entregó a tiempo la piedra o elgrano señaladme la piedra en que caíste…y la madera en que os crucificaron enseñadme los viejos pedernales las viejas lámparas los látigos pegados a través de los siglos en las llagasy las hachas de brillo ensangrentado.(Alturas de Machu Picchu)

También conviene destacar la genialidad delbajista argentino Pedro Aznar, que musicalizópoemas de Borges en un álbum titulado “Caja deMúsica”9. En este trabajo, la complejidad deltexto del poeta no es obstáculo para sumusicalización, también admirable gracias a la

genialidad de Aznar, que durantedécadas viene demostrando serno sólo un gran músico, sinotambién un gran poeta.

Música del Japón.AvaramenteDe la clepsidra se desprendengotasDe lenta miel o de invisible oroQue en el tiempo repiten unatramaEterna y frágil, misteriosa yclara.Temo que cada una sea laúltima.Son un ayer que vuelve. ¿Dequé templo,De qué leve jardín en lamontaña,De qué vigilias ante un marque ignoro,De qué pudor de lamelancolía,De qué perdida y rescatadatarde,Llegan a mí, su porvenirremoto?No lo sabré. No importa. Enesa músicaYo soy. Yo quiero ser. Yo medesangro. (Caja de música)

7. Obras musicales y literarias

Hay obras literarias y musicalesque no son adaptaciones nimusicalizaciones. Son obrascreadas en los dos o máslenguajes por un mismo artista ypresentan altos niveles decreatividad musical y literaria. Unade las piezas más geniales deCaetano Veloso, “O Pulsar”10,inspirada en poema de Augustode Campos, tiene estascaracterísticas. Es “poesíaconcreta” porque privilegia lacomposición de imagen (visual) através del texto y define las notasmusicales La, Re y Do para lasvocales a, e y o, además desustituir la letra “e”, por estrellasque aumentan de tamaño y laletra “o” por planetas que

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disminuyen de tamaño a medidaque se desarrolla el tema y lalectura de la letra. Este dispositivoprovoca un efecto dedistanciamiento/alejamiento dellector respecto de las letras(profundidad), lo que otorga unsentido de tercera dimensión alpropio texto. Una obra literaria ymusical de extrema calidad ygenialidad estética que confirmaesa inquietud de ser un artista devanguardia y popular al mismotiempo.

Otra sofisticada pieza deintegración entre música yliteratura es “Esto lo estoytocando mañana” dePedro Aznar, quienutiliza y se inspira enuna grabación de JulioCortázar que, con unjuego de palabras,diluye los límites entreel presente, pasado yfuturo, creando unclima musicalmisterioso ysobrenatural. El efectoes que el oyente sientela presencia (actual) deun escritor que yamurió, pero estáhablando sobre elmomento de laaudición, con laadvertencia de que es

ya es un momento del pasado.11

La canción de Aznar tieneesta letra:Esto ya pasóEstá pasandoPasaráY no pasó nunca(Aquí va un mensaje al futuro)Esto lo estoy tocando mañanaSoñadores sueñen hoyQue escuchan este grito delpasado:

Esto lo estoy tocando mañanaEl texto leído por Cortázar es el siguiente:

Que a un señor lo sientan en una silla en unestudio de grabacióny hay un gran silencio y luego sale una vozasí como de la nada,una voz que parece ya muerta y del otro ladohabrá un díaun señor que comprará el disco y loescuchará en su casa y seráun poco, también, como si él estuvieramuerto cuando lo escucha.Todo es distante y diferente y pareceinconciliable, y a la vez todo se da

simultáneamente en este momento,que todavía no existe para mí y quees, sin embargo, el momento en queusted escucha estas palabras que yograbé en el pasado, es decir, en untiempo que para mí, ahora, es elfuturo. (El perseguidor)

8. Obras populares

Pero para ser artista crítico, no esnecesario ser intelectual. Miles decanciones populares se emiten desdelas voces de personas que no sejactan de nada más que de sercantores que dicen lo que viven. Comoesta simple canción popular delargentino Manuel Gómez Carrillo,popularizada en épocas de dictadura:Dos Palomitas12.

Dos palomitas se lamentaban llorando, una a la otra se consolaba diciendo¿Quién te ha cortado tus bellas alas,paloma?Algún falsario ha sorprendido tu vuelo.

Sin mayores pretensiones literarias, lograexpresar un sentimiento colectivo de compasión,solidaridad, temor, propios de momentos vividosen muchos países del continente.

Jorge Aragão es un cantante brasileño quecompone temas de amor en ritmos popularestales como el “pagode”. En su canciónIdentidade13 habla de la identidad dura de losnegros del Brasil y de la discriminación racial de



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la vida cotidiana de millones de negros ymulatos.

Elevador é quase um temploExemplo pra minar teu sonoSai desse compromissoNão vai no de serviçoSe o social tem dono, não vai...Quem cede a vez não quer vitóriaSomos herança da memóriaTemos a cor da noiteFilhos de todo açoiteFato real de nossa história. (Identidade)

Hay una visión de historia inclusive en la canciónde masas. El grupo “Los cantantes” tiene uno delos merengues más exitosos de todos lostiempos. “No hay pesos”14 es el himno popular-masivo más claro para la proyección de deseosde millones de latinoamericanos que buscanascensión social, material y espiritual,contrariamente a los proyectos de la izquierdaque, aunque se lo propuso, no pudo hacer que elcontinente cante al compás de la nueva naciónlatinoamericana, porque la gente prefirió bailar ycantar música tropical y cumbia chicha.

Una casa que sea bonita y una piscina paranadar Y vestidos de mil colores y una jeep petapara pasear Un mercedes paʼ los domingos y un chofervestido de frack Una lancha no muy pequeña por si ellaquiere ir a pescar…. Casi naa (es lo que pide), para darme unaoportunidad Y pensar (que nada tengo) y que la quierode verdad, Yo soy bueno (ella lo sabe) que mi amor espuro y real Lo malo es (que en mis bolsillos), no haypesos para contar… (No hay pesos)

Es la recreación del mito más importante de laera moderna, creado como cuento en el siglo XVbajo el nombre de La Cenicienta. Amor, juventud,belleza y dinero, hacen parte de una fórmula queno sólo mueve millones de dólares en todo elmundo para la producción industrial de bienessimbólicos, en canciones, películas, telenovelas,cuentos, poemas, etc.; sino que se alimenta yfortalece imaginarios que se convierten enacción social, en emprendimientos, viajes,migraciones de millones de y hacia todos loscontinentes. Es el motor de la historia privada en

la sociedad globalizada y así sonsus himnos, obviamente,invisibles para intelectuales.

9. Obras políticas

También están las grandes obrasque, además de ser poéticas,expresan preocupacionespolíticas de la población, sin serdeclaradamente militantes. Conesto se diluye el imperativostalinista de que el arte debe estaral servicio de la revolución. Losgrandes artistas no necesitancerrarse en ninguna casillamilitante. Dicen lo que sienten ypiensan en el momento que susensibilidad les impulsa. Muchascanciones han sido censuradaspor gobiernos autoritarios, perolos grandes músicos han sabidoexpresarlo todo, en forma decreativa metáfora. Así lodemuestra Charly García, elmayor poeta rockero argentino,en una canción que sorteó lacensura en tiempos de dictadura,interpelando la conciencia de losjóvenes15.

Un río de cabezasaplastadas por el mismo piejuegan cricket bajo la lunaEstamos en la tierra denadie, pero es míaLos inocentes son losculpables, dice su señoría,el rey de espadas No cuentes lo que hay detrásde aquel espejo,no tendrás poderni abogados, ni testigosEnciende los candiles quelos brujospiensan en volvera nublarnos el camino (“Aliciaen el país…”)

Charly García tiene muchascanciones de contenido político. Esmás, toda su obra tiene un sentidopoderosamente crítico hacia lasociedad oficial. Es irreverente tantoen el sentido social como en elestético. El gran mérito de su obra,

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en más de 40 años de acompañar lavida cotidiana individual y colectivade los jóvenes de esas generaciones,es haber sido capaz de captar elmalestar de la juventud en unasociedad moderna, en algunosaspectos, y en crisis permanente, enmuchos otros.(http://www.youtube.com/watch?v=5_pMP9_rgz0)

Esas motos que van a milSólo el viento te harán sentirNada más, nada más.Si pudieras olvidar tu menteFrente a mi, sé que tucorazónDiría que sí.No hay fuerzaalrededorNo hay pocionespara el amorDónde estás?Dónde voy?Porque estamosen la calle de lasensaciónMuy lejos del solque quema deamor.(Seminare)16

Chico Buarque es otrode los grandes líderesde la canción social.Sus letras (poemas)juegan con palabras eimágenes queexpresan momentos detensión histórica de su país y elcontinente. No olvidemos lacélebre “A pesar de você”, que fuecantada en el centro de São Paulopor más de un millón de personasque exigían elecciones directasen 1985. La genial capacidad depenetrar en la subjetividad de unalbañil en el conocido temaConstrucción17, una de laspiezas musicales claves de lacanción latinoamericana de lasúltimas décadas. O la genialcanción “Geni y el Zepelin”18, quemuestra el carácter ambiguo de lasociedad oficial que traiciona a laprostituta que los salvó del ataquede un capitán que venía a

destruirlo todo en un enorme zepelin. Canciónpolítica, literatura fantástica.

(…) Y a darse a hombre tan noble,Tan oliendo a brillo y cobre,Prefería amar los bichosAl oir tal herejíaLa ciudad en romeríaSu mano vino a besarEl prefecto de rodillas,El obispo a hurtadillas,El banquero y su millarAnda con él, ve GeniAnda con él, ve Geni,La que nos puede salvar,La que nos va a redimir,Se entrega no importa a quién,Bendita Geni

Fueron tantos los pedidos,Tan sinceros, tan sentidos,Que ella dominó su ascoEsa noche lancinanteEntregóse a tal amanteComo quién se da al verdugoTanta suciedad él hizoRelamiéndose de vicioHasta quedarse saciadoY no bien amanecíaPartió en una nube fríaCon su zepelín plateadoCon un suspiro aliviadoElla se acostó de ladoY trató de sonreírMas luego al rayar el díaLa ciudad en griteríaYa no la dejó dormir- tírenle piedra a Geni,Tírenle piedra a Geni,

Hecha está para aguantar,Hecha está para escupirSe entrega no importa a quién,Maldita Geni. (Geni y el Zepelin)

10. Obras digitales

La música electrónica es creación de artistas queexperimentaron desde los años 30 del siglopasado. Se caracteriza por la producción desonidos con instrumentos electrónicos quefueron evolucionando hasta convertirse en casiimprescindibles en gran cantidad de génerospopulares y masivos de todo el mundo. Lasprimeras incorporaciones a la música popularfueron realizadas por grupos rockeros en losaños sesenta. En la siguiente década su uso, en



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Muchas cancioneshan sido

censuradas porgobiernos

autoritarios, perolos grandesmúsicos han

sabido expresarlotodo, en forma decreativa metáfora.

forma de sintetizador, se popularizó y hasta seconvirtió en signo de status. Algunas bandasfamosas del rock inglés de los años setentadeben su éxito a los instrumentos electrónicos.Pink Floyd, Emerson Lake and Palmer, Yes, RickWakeman y muchos otros hicieron de estosinstrumentos, su sello de presentación.

En Alemania surgieron grupos que hacíanmúsica electrónica. Tangerine Dream y Kraftwerkse destacan por haber aprovechado susrecursos para adelantarse a un sonido creadoartificialmente en procesos más matemáticosque musicales. La computadora comenzó a serutilizada para procesar más recursos en laobtención de sonidos, melodía y ritmosprogramados. El tema “The Robots” deKraftwerk19 revela la artificialidad de esta nuevaforma de producir música. Las últimas décadasdel siglo XX y el inicio del presente, estánmarcados por el surgimiento de un estilo demúsica que ya ha generado una cantidadenorme de subgéneros. La música “Techno”, ysus derivados, es totalmente electrónica yacompaña la cultura “rave”.

11. Obras del siglo XXI

Sin embargo, la señal de los cambios en lamúsica está más allá de los contenidos verbalesde las canciones. La presencia de las nuevastecnologías en los procesos de composiciónmusical imprime la segunda dinámica para lamúsica contemporánea. En el presente, lamúsica está pasando a ser digital, lo que noconstituye en una novedad en sí, a no ser quedescubramos que ese paso significa que granparte de la música ya no está saliendo del cuerpo

y sus pulsiones vitales, sinodirectamente del cerebro. Paramuestra, escuchar la música“techno” o, como ejemplo detransición, las canciones delgrupo inglés Radiohead20 o delos argentinos Bajofondo TangoClub21 o Gotan Project22, quetienen en su música una basedigital altamente cerebral yespectaculares improvisacionescorporales con bandoneón opiano, combinados de maneraaltamente poética, musical yobviamente literaria.

Así, la tendencia moderna a lafragmentación de los lenguajestiene su opuesto en la integraciónprimordial de las primerasmanifestaciones humanas queson tan digitales comoanalógicas. Los humanos haninventado nuevas formasartísticas y lenguajes paraproyectar sus preocupacionescon la muerte, la vida, el amor, lasrelaciones con los semejantes,así como las frustraciones ybuenos momentos de la vidacotidiana. Siguen expresandosentimientos e ideas desuperación material y espiritual enmanifestaciones complejas en lasque lo estético se mezcla con lomitológico, político y científico,para celebrar la identidad yrecrear la vida personal ycolectiva, tal como ocurría enépocas prehistóricas.

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Citas1. http://www.youtube.com/watch?v=05ip-N0H1Ig

El grupo coral Perpetuum Jazzile produce música con sonidos del cuerpo para imitar la lluvia y los truenos en la interpretación del tema “Africa” del grupo Toto.2. Watzlawick, et. al. explican que toda traducción de lenguaje analógico a digital, o viceversa, supone siempre pérdida de información.3. http://www.fulltono.com/detalles.aspx?idm=44943

Maroyu es uno de los grupos más importantes de la Cumbia Boliviana, también conocida como “música chicha”. Hace parte del espacio de producción más importantede la cultura boliviana, articulando manifestaciones festivas y celebraciones populares que involucran gran parte de la población y generan el movimiento económicomás fuerte en el campo de la música. Sin embargo, la sociedad oficial excluye sistemáticamente esta cultura como consecuencia de su estructuración socio-racial. Eltema “Veneno para olvidar” expresa una característica frecuente en la cultura popular que es la mezcla del melodrama con el ritmo musical alegre apropiado para elbaile. El dolor convive con la alegría.

4. http://www.youtube.com/watch?v=QpaS2v-r7cEEn el tema “Tonight ensemble” el compositor Leonard Bernstein fusiona la canción principal de la película (tonigth), con el canto de las pandillas que se aprestan aenfrentarse en un encuentro que tendrá resultados trágicos. La mezcla del clima romántico con la tensión belicosa de los pandilleros acaba en una escena espectacularde integración de lenguajes estéticos que pasará, junto con toda la obra, a la historia mundial del arte y del espectáculo.

5. http://www.youtube.com/watch?v=rDHoTOgeNWE&feature=related Es la versión original de la película en inglés. También hay una versión doblada al español por el cantante Camilo Sesto en el siguiente link: http://www.youtube.com/watch?v=ULmYsWzHErkEs una integración y adaptación moderna de la literatura religiosa con música, teatro, baile, etc.

6. http://www.youtube.com/watch?v=aT-9Ro7p7jUUna obra maestra.

7. http://www.youtube.com/watch?v=rL82tYY5LLEEs una canción introspectiva que expresa cierta frustración con los ideales que generaron y alimentaron el movimiento hippie de los años sesenta. La presencia de laesposa Yoko Ono parece haber definido muchos de los actos de Lennon sino también la desintegración del grupo más importante del rock de esa época.

8. http://www.youtube.com/watch?v=4_fnaSda-zoSe recomienda ver también los demás temas de la obra, disponibles en youtube.com bajo el nombre de Alturas de Machu Picchu.

9. http://www.youtube.com/watch?v=Npsz91MSpt4&feature=relatedEsta canción fue grabada con el acompañamiento de la cantora argentina Mercedes Sosa.

10. http://www.youtube.com/watch?v=BfO6r1t0E9QSin comentarios.

11. http://www.pedroaznar.com.ar/audio/estoloes.mp3Es una grabación del álbum Fotos de Tokyo del año 1986. Pedro Aznar fue bajista del grupo Seru Girán, liderizado por Charly García y también invitado por elguitarrista norteamericano de jazz Pat Metheny. Hay un análisis de esta canción, según Gadamer, en el link: http://koine-liliana.blogspot.com/2008/04/el-juego-del-tiempo-en-esto-lo-estoy.html

12. http://www.youtube.com/watch?v=8oDjNETKjegEsta es una versión del cantante español Rafael

13. http://www.youtube.com/watch?v=rm-Eexth0Pw&feature=PlayList&p=D501D320C91FBE4B&playnext= 1&playnext_from=PL&index=3Traducción: Elevador es casi un sueño, Ejemplo para minar tu sueño, Sal de ese compromiso, No vayas en el (elevador) de servicio, Si el social (elevador) tiene dueño,no vayas, Quien cede el turno no quiere victoria, Somos herencia de la memoria, Tenemos el color de la noche, Hijos de todo azote, Hecho real de nuestra historia.

14. .http://www.youtube.com/watch?v=stJJeunz2ns&feature=PlayList&p=9DF03F9CF7681F9E&playnext=1 &playnext_from=PL&index=10115. http://www.youtube.com/watch?v=j3NUybAPvpg

Esa es una versión extraída de un documental en el que Pedro Aznar relata su visión no sólo del tema sino también del contexto político. La versión original tiene unacompañamiento de la banda completa y tiene otra sonoridad.

16. http://www.youtube.com/watch?v=5_pMP9_rgz0&feature=PlayList&p=D79E6126B6EB21C9&playnext=1&playnext_from=PL&index=31Una de las características de la cultura del espectáculo es el surgimiento de ídolos que son mitificados por sus seguidores por su capacidad de interpelar y lograridentificación no solamente con la persona, sino también con la propuesta ideológica de su discurso político y estético, presente en canciones, vestuario,comportamiento, etc. En esta cultura, los mitos son los cantantes y los rituales, sus conciertos.

17. http://www.youtube.com/watch?v=WsdFvPQj9m4La descripción de la estrofa principal va cambiando de sentido en base al movimiento de palabras en dentro las oraciones, aumentando la riqueza y detalle de lanarración, así como el sentido dramático de la canción que se apoya también en el aumento de la intensidad de la música.

18. http://www.youtube.com/watch?v=jsB—twZgng19. http://www.youtube.com/watch?v=VXa9tXcMhXQ

Este es un tema de los años 70 que muestra la artificialidad de la música electrónica.20. http://www.youtube.com/watch?v=i0s38lHIwRc

Radiohead es considerada una de las bandas más importantes de rock actual. Su estilo dramático y duro al mismo tiempo, más que celebrar la identidad de susseguidores, expresa la incertidumbre de un mundo contemporáneo. En este tema (Everything in Its Right Place) se puede apreciar el carácter analógico de la música,dado por los instrumentos acústicos y el uso del cuerpo: palmas, voz, etc.; junto con el digital trabajado como música electrónica y música concreta por la distorsiónde sonidos naturales. Al final del tema, todos los músicos salen del escenario pero la música sigue sonando, lo que demuestra que cada vez más los procedimientosmusicales son descorporizados.

21. http://www.youtube.com/watch?v=XJvG67qIfwMDurante los últimos años, el tango argentino ha experimentado una nueva renovación, consecuente de la primera impulsada por Astor Piazzolla, consistente en laadaptación de los ritmos y sonidos de este género popular a los recursos sonoros y tecnológicos de la música electrónica, dando como resultado un nuevo géneroaltamente creativo y moderno que incorpora elementos del rap, techno y otras formas musicales contemporáneas. Bajofondo (nombre actual de la banda) es una de lasmás representativas en el ámbito internacional.

22. http://www.youtube.com/watch?v=w-DkkpGk5h0Los músicos que controlan los instrumentos electrónicos (computadoras) en la parte posterior del escenario generan la base de la música. Al final del tema hay un solode bandoneón y uno de piano cuyo fondo es totalmente electrónico. Es una muestra de la transición que vive actualmente la música al ser todavía analógica y al mismotiempo digital. Es decir, ser originada desde el cuerpo y también desde el cerebro.

Referencia Bibliografía1. BOURDIEU Pierre (1995). Las reglas del arte, génesis y estructura del campo literario; Barcelona, Anagrama.

2. DUSSEL Enrique (2000). Europa, modernidad y eurocentrismo. en: La colonialidad del saber: eurocentrismo y ciencias sociales.Perspectivas Latinoamericanas. Edgardo Lander (comp.) CLACSO, Consejo Latinoamericano de Ciencias Sociales, Buenos Aires,Argentina. Julio, p. 246.

3. GIORA Regina Célia, Gonzalez Rey Frenando, Lenzoni Ana María, Lane Silvia, Araujo Yara (org) (1999). Arqueología das emoções;Petrópolis; Vozes.

4. GUARDIA Crespo Marcelo (2004). Música Popular y comunicación en Bolivia: las interpretaciones y conflictos; Cochabamba; UCB.2ª edición.

5. – (2008). Culturas raleadas, viles recursos de exclusión social; en: rev. Punto Cero año 13, n° 17; Cochabamba; Universidad CatólicaBoliviana San Pablo; Ciencias de la Comunicación Social. (p. 45-51)

6. – (2009). Expresiones analógicas entre las letras y sonidos; La Ramona – Opinión; 28 junio.

7. ORBORNE Harold; Estética e teoría da arte; Sao Paulo, Cultrix; 1983.

8. WATZLAWICK, BEAVIN & JACKSON; A Pragmática da Comunicação Humana; São Paulo; Cultrix; 1985.

Recepción: 25/08/2009Aprobación: 22/12/2009



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Descorporización de la producci n musical y reintegraci n ... · Palabras clave: Comunicación, música, lenguaje digital, lenguaje analógico, descorporización, espectáculo masivo