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Salvador Dalí
MATERIAL DE RECURSOS EDUCTIVOS: PROGRAMA DE IMÁGENES
These fourteen images represent only a small sample of the wide range of works
by Salvador Dalí featured in the exhibition. These materials are intended for use in your
classroom before, after or instead of visiting the exhibition. These materials were
prepared for use with grades 6 through 12. Therefore, you may need to adapt the
information to the particular level of your students. Please note that some of the images
included in this program contain nudity and/or violence and may not be appropriate for
all ages and audiences.
Museo de Arte de Filadelfia
16.2.2005 – 15.5.2005
SALVADOR DALÍ Philippe Halsman 1942 Fotografía Propiedad de Phillipe Halsman Galería Howard Greenberg, Nueva York. IMAGEN 1
Preguntas para discusión:
• Describe la manera en que Dalí aparece en la fotografía. • ¿Si Dalí pudiera hablar, que opinas que diría?
Este retrato de Dalí fue tomado cuando el artista tenía 38 años. Un amigo de
Dalí, Philippe Halsman, tomó la imagen y capturó la cara del artista animada por una
expresión maniaca. Desde sus días como estudiante en la Academia de Madrid, a Dalí
le gustaba vestirse de una manera excéntrica para exhibir su individualidad y su genio
artístico. En este retrato los bigotes de Dalí están estilizados en dos arcos simétricos,
acentuando la expresión inquieta de su cara. Con frecuencia, Dalí trataba su bigote
largo como una obra de arte, esculpiéndolo en la curva de un cuerno de rinoceronte o
tejiéndole billetes adentro. A diferencia de otras relaciones que Dalí tenía, su amistad
con Halsman fue muy estable, durando más de tres décadas. En 1954, Dalí y Halsman
colaboraron en la producción de Los Bigotes de Dalí, un libro de fotografías de Dalí
figurando los bigotes típicos del artista, esculpidos en formas raras e imaginativas, como
si fueran su propia personalidad. El libro es un diálogo de preguntas humorísticas sobre
Dalí y sus bigotes, junto con las respuestas ingeniosas del artista. ¿Por ejemplo: “Por
qué lleva usted bigote? Para pasar inadvertido.”
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PIERROT Y GUITARRA 1924 Óleo y collage 22” x 20” (55 x 52 cm.) Madrid, Museo Thyssen-Bornemisza. IMAGEN 2 Preguntas para discusión:
• ¿Qué partes de esta obra parecen ser pintadas? ¿Qué piezas son collage? ¿Es difícil decir cuales?
• ¿Cuáles son las formas que más resaltan? ¿Puedes encontrar los lugares
donde se repiten estas formas? • ¿Por qué piensas que un artista adoptaría las ideas de otro artista? Es eso
trampa?
Los planos fragmentados y abstractos de Pierrot y Guitarra demuestran
claramente el interés de Dalí en el Cubismo de los años 20. Como un artista jóven en
Madrid, los experimentos de Dalí con los estilos de la vanguardia (avant-garde) Europea eran mucho más avanzados que la mayoría de sus colegas y de sus maestros.
Dalí aprendió estos movimientos estudiando reproducciones de arte en los diarios de
Arte Moderno, incluyendo el diario Italiano Valori Plastici. Pierrot y Guitarra está
influenciado por los collages cubistas de Pablo Picasso, por el uso de la técnica de
collage y por el tema de Pierrot y la guitarra, imágenes que aparecen frecuentemente en
las obras de Picasso. No fué sino hasta dos años después de crear esta obra que Dalí
hizo su primer viaje a París y conoció a Picasso. Siendo Pierrot y Guitar una de las
primeras obras que Dalí creó, fué lo mas cercano a lo que él se aventuraba al pintar
formas abstractas. Durante su vida Dalí preferiría la forma clásica, las imágenes de
figuras y las preocupaciones científicas y evitaría arte pudiera considerarse sentimental
o pintoresco.
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DON SALVADOR Y ANA MARÍA DALÍ (RETRATO DEL PADRE Y DE LA HERMANA DEL ARTISTA) 1925 Lápiz en papel 20” x 11.8” (50 x 33 cm.) Madrid, Colección Juan Abelló. IMAGEN 3 Preguntas para discusión:
• ¿Cuáles son los adjetivos que usarías para describir al hombre en el dibujo de Dalí? ¿Cuáles son los adjetivos que usarías para describir a la mujer? Por qué?
• ¿Por qué piensas que Dalí escogió mostrar las caras de Don Salvador y Ana
María en gran detalle pero no sus cuerpos? ¿Piensas que el dibujo está terminado?
En su retrato de Don Salvador y Ana María, Dalí muestra a su padre con una
mirada severa e impasible. Aunque Dalí usa la luz y la sombra delicadamente para
representar las caras de su padre y su hermana, las figuras están delineadas
sencillamente. Dalí tiene éxito al usar ambas técnicas para expresar el volúmen y la
solidez de las figuras. Mira el reloj de bolsillo que cuelga del chaleco del padre o la caja
tridimensional de fósforos sobre la mesa. Observa cómo las líneas del saco del padre
son dibujadas en movimiento fluido. A pesar de su apariencia no terminada, este dibujo
estuvo entre las obras de la primera exposición individual que Dalí tuvo en la Galería de
Dalmau en Barcelona, España en el año 1925.
Dalí tuvo su primera instrucción formal en el dibujo a los doce años cuando su
padre lo matriculó en clases nocturnas en la Escuela Municipal de Dibujo. El padre de
Dali animó al joven artista comprándole materiales y libros de arte, pero no queria que
su hijo que siguiera una carrera como artista, porque no creyó que Dalí sería capaz de
ganar suficiente dinero con sus pinturas. La relación de Dalí con su padre siempre fue
una relación tumultuosa. Como niño, Dalí se sintió intimidado por su padre autoritario e
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imponente. Como adulto, Dalí raramente habló con su padre después de un roce que
los dos tuvieron sobre la relación entre Dalí con Gala, la cual empezó cuatro años
después que este dibujo fue terminado mientras ella todavía estaba casada con otro
hombre, el escritor Surrealista Paul Eluard.
FIGURA EN UNA VENTANA 1925 Óleo sobre tela 40” x 30” (103 x 75 cm.) Madrid, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia. IMAGEN 4 Preguntas para discusión:
• ¿Dónde está parada la chica? ¿Qué está mirando? ¿Por qué piensas que Dalí la posicionó de manera que solo podemos verla de espalda?
• ¿Cómo describirías el humor del cuadro? ¿Cómo afecta el uso del color el
humor general del cuadro? • ¿Qué relaciones visuales puedes encontrar entre la chica, las cortinas, la
ventana y el paisaje? ¿Qué elementos de la composición la conectan a la habitación?
Durante sus años como un estudiante en la Academia de Arte de San Fernando
en Madrid, Dalí experimentó con varios estilos de la vanguardia Europea inclusive el
Cubismo, el Futurismo y el Purismo. Dalí se matriculó en la Academia en Septiembre
del año 1922 después de pasar el exámen de la entrada, el cual consistió en crear un
sólo dibujo. Aunque Dalí no se sintió estimulado por el programa académico de la
escuela, desarrolló amistades cercanas con estudiantes que compartieron su pasión por
el modernismo. En Madrid, dos de sus mejores amigos fueron Federico García Lorca y
Luis Buñuel. Dalí, por criticar a sus instructores y por alentar disenso entre los
estudiantes, fue suspendido de la Academia el año siguiente y expulsado
definitivamente en 1926. Este fue el mismo año que Figura en una Ventana fue
exhibido por primera vez en Madrid en una exposición de arte moderno catalán. El
cuadro muestra la figura de una chica con su espalda al espectador, modelada por la
hermana de Dalí, llamada Ana María. Durante los veranos que pasaban juntos como
familia en Cadaqués, Ana María frecuentemente modeló para los dibujos y las pinturas
de su hermano: “Durante las horas que le modelé, nunca me cansé de mirar al paisaje
que ya, y para siempre, formaba parte de mí. El siempre me pintaba cerca de una
ventana, y mis ojos tuvieron tiempo de apreciar los detalles más pequeños.” Aunque
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Figura en una Ventana parece tradicional en muchos sentidos, los colores limitados y
las formas encurvadas y sencillas de la chica reflejan algunas corrientes del arte
moderno de la década de los 20.
EL PÁJARO HERIDO 1928 Óleo, arena y gravilla en cartón 22” x 26” (55 x 65 cm.) Tel Aviv, Museo de Arte de Tel Aviv, Colección de Mizne-Blumental IMAGEN 5 Preguntas para discusión:
• ¿Qué imagen se destaca en este cuadro? ¿Cómo demuestra Dalí que el pulgar se pudre?
• ¿Hubieras nombrado este cuadro El Pájaro Herido? ¿Por qué sí o por qué
no?
En el suelo o ‘playa’ de arena verdadera en el cuadro de Dalí del año 1928, El
Pájaro Herido, la carne podrida de un pulgar cortado y el esqueleto de un pájaro
aparecen juntos en el suelo. Dalí nombró estas imágenes de pudrición y de
repugnancia putrefacto. Él incluyó varias partes del cuerpo cortado y pájaros
esqueléticos en muchas de sus obras durante los años 20. El pulgar pesadilla
representa el temor de desmembramiento que Dalí dijo ser parte de su experiencia al
ver su pulgar atascado en su paleta de pintor, como si estuviese separado de su
cuerpo. Aunque Dalí desarrollaba activamente sus propios temas y estilos, estaba bien
enterado de las obras de artistas de la vanguardia Europea. El uso de la arena
verdadera que representa una playa agrega una textura tosca al suelo plano del cuadro
y es similar a la inclusión de la arena y de otros materiales en los collages Cubistas de
Picasso y en las obras de artistas Surrealistas, como André Mason.
Dalí gozaba hacer sentir a otros incómodos a través de su arte. Disfrutaba ver
las reacciones que la gente tenía a sus imágenes horribles y la manera como estos
contradecían su repugnancia seguir mirando las escenas morbosas. El contenido cada
vez más gráfico y perturbador de su arte causó que Dalí se alejara de la escena de arte
en Barcelona y Madrid, y galerías y críticos comenzaron a rechazar sus obras. Dalí dió
la bienvenida a esta separación ya que para él París era el centro del modernismo
verdadero e intentó exponer a sus cuadros en importantes galerías Parisienses.
Aunque él no era oficialmente un Surrealista, su obsesión con imágenes de sueños y de
la psicología humana lo dirigiría a unirse al movimiento el año siguiente.
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EL ENIGMA DEL DESEO 1929 Óleo sobre tela 43” x 59” (110 x 150.7 cm.) Munich, Bayerische Staatsgemäldesammlungen, Pinakothek der Moderne. IMAGEN 6 Preguntas para discusión:
• ¿Qué objetos reconoces en este cuadro? ¿Qué objetos esperarías encontrar en un paisaje? ¿Cuáles parecen estar fuera de lugar?
• ¿A qué te recuerda la forma grande de color amarillo-marrón? • ¿Cuántas veces puedes encontrar la frase “ma mere” en el cuadro? ¿Qué
significa “ma mère”? ¿Cómo imaginas que Dalí se siente sobre “ma mère”? • ¿Qué es un enigma? ¿Qué es enigmático de este cuadro?
En 1929, Dalí se unió oficialmente al movimiento Surrealista, un grupo de
artistas dedicados a explorar la energía creativa y el impacto de la mente inconsciente.
El grupo proclamó al psicólogo Sigmund Freud como el padre de su movimiento,
abrazando sus teorías psicoanalíticas como la inspiración de sus métodos artísticos y
de su arte. En aquel entonces, las obsesiones propias de Dalí y las traumas de su
niñez comenzaron a aparecer más prominente en su arte, debido a su estudio fanático
de las teorías de Freud.
En El Enigma del Deseo, Dalí recuerda a los paisajes de Catalonia de su
juventud. El paisaje desierto y expansivo se parece al gran llano de Ampurdán, el lugar
del hogar de la niñez de Dalí en Figueras, mientras que la forma de la estructura que
domina el cuadro es nostálgica de las piedras costeras en Cadaqués. Al contraste de
su forma de piedra, la superficie de la estructura parece ser suave y carnosa. Varias de
las preocupaciones de Freud que tiene Dalí salen de esta estructura, lo más obvio es su
obsesión con ‘ma mère’, francés para “mi madre.” Esta frase se repite más de una
docena de veces en los huecos de la forma enorme desgastada, que parece salir de la
cabeza floja de Dalí, la cual reposa en la arena al lado bajo-izquierdo. Este estilo de
pintar tan detalladamente al mismo tiempo que la composición total resulta ser
imposible de explicar, presenta una paradoja: todo parece verdadero, pero nada se
conforma con la realidad.
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EL ANGELUS DE GALA 1935 Óleo sobre tabla de madera 13” x 10” (32.4 x 26.7 cm.) Nueva York, El Museo de Arte Moderno, Regalo de Abby Aldrich Rockefeller, 1937. IMAGEN 7 Preguntas para discusión:
• ¿Por qué piensas que Dalí pintó a Gala dos veces en este cuadro? ¿Piensas que Gala está viendo su reflejo?
• ¿Qué correspondencia hay entre el cuadro detrás de la cabeza de Gala y el
cuadro de Dalí? El Angelus de Gala muestra a Gala dos veces como si estuviera mirando
fijamente su reflejo en el espejo. En el primer plano, Gala está sentada en un cubo con
su espalda hacia el espectador. A su izquierda está la imagen delantera de Gala que
mira al espectador, no a Gala. La simetría de la imagen doble es rota por el reemplazo
del cubo con una carretilla, un objeto que se refiere a la pintura enmarcada que cuelga
detrás de ella. El cuadro es una reproducción de El Angelus, una obra muy conocida
por el pintor francés del siglo diecinueve Jean François Millet. La obra representa a dos
campesinos, un hombre y una mujer, parados juntos a su carretilla en un campo vacío
rezando sobre una cesta pequeña de papas. Dalí estaba familiarizado con la imagen, la
cual estaba colgada en un salon de clase en la escuela donde éste asistió. Para él la
imagen había sido siempre inquietante. Él creyó que la mujer rezando era una mantis
religiosa que se preparaba a devorar a su pareja y Dalí era sospechoso que la cesta de
papas era un ataúd pequeño de un niño. Dalí hizo numerosas referencias al Angelus
del Millet en sus cuadros de la década de los 30 mientras que desarrollaba su “método paranoico-crítico,” un proceso creativo donde las imágenes que él pintaba fueron
infundidas con imágenes ocultadas y significados inspirados por sus obsesiones y sus
temores.
IMAGEN
NO DISPONIBLE
CONSTRUCCIÓN SUAVE CON FRIJOLES HERVIDOS: PRESENTIMIENTO DE LA GUERRA CIVIL 1936 Óleo sobre tela 39” x 39” (101.3 x 100 cm.) Philadelphia, Museo de Arte de Philadelphia, Colección de Louise and Walter Arensberg. IMAGEN 8 Preguntas para discusión:
• ¿Parece esta imagen de verdad? ¿Por qué sí o por qué no? • ¿Qué es una guerra civil? ¿Cómo piensas que la criatura de Dalí refleja la
guerra civil? ¿Qué otros objetos en el cuadro refieren a la guerra civil?
Cuando Dalí pinto su Construcción Suave con Frijoles Hervidos: Presentimiento
de la Guerra Civil, la Guerra Civil Española aún no había comenzado. De hecho, él
terminó el cuadro casi seis meses antes de que el ejército fascista de General Franco
desarzonó al gobierno socialista de la Segunda República Española. Aunque es
probable que Dalí cambió el título después del golpe militar para respaldar la fuerza
profética de su mente inconsciente, un ambiente volátil de la lucha social y política
había existido en el país durante años. Dalí comenzó sus estudios para la Construcción
Suave con Frijoles Hervidos en 1935, dibujando la anatomía deformada de la criatura
gigante. El monstruo agresivo se destruye a si mismo, rompiendo con violencia a sus
propios miembros, su cara torcida en una mueca tanto del triunfo como del tormento.
Dalí usa su ‘método paranoico-crítico’ retorciendo los miembros masivos en el perfil
de un mapa de España. Aunque Dalí pintó este cuadro como una crítica de los horrores
de la Guerra Civil Española, él no se juntó abiertamente al lado de la República ni al
lado del régimen fascista. De hecho, este cuadro es uno de las pocas obras que Dalí
pintó que trató con asuntos contemporáneos, sociales o políticos. A diferencia de otros
modernistas españoles, inclusive Pablo Picasso y Joan Miró, que utilizaron su arte para
hacer declaraciones políticas a favor de la República Española, Dalí prefirió quedarse
apolítico. Dalí no tomó lados ni aun cuando su hermana, Ana María, fue torturada y
encarcelada por soldados comunistas que luchaban para la República, ni cuando su
amigo de la Academia en Madrid, Federico García Lorca, fue asesinado por un pelotón
de ejecución fascista.
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APARECIDO DE CARA Y PLATO DE FRUTA EN UNA PLAYA 1938 Óleo sobre tela 45” x 57” (114.5 x 143.8 cm.) Hartford, Museo de Arte de Wadsworth Atheneum, Colección de Fondos de Ella Gallup Sumner y Mary Catlin Sumner. IMAGEN 9 Preguntas para discusión:
• ¿Alguna vez has visto algo que te hace recordar algo más? • Haz una lista de cada objeto identificable en este cuadro. • ¿Qué imagen ves cuando miras este cuadro por primera vez? ¿Qué otras
imágenes ves? ¿Puedes ver un perro? ¿Un paisaje? ¿Una mesa con un tazón de peras? ¿Una cara?
Para 1938 eran evidentes las diferencias progresivas, filosóficas y políticas que
Dalí tenía con los Surrealistas especialmente con el líder y fundador del movimiento,
André Breton, y esto causó la ruptura de Dalí del grupo. Breton pensaba que el arte de
Dalí era demasiado comercializado y que la fama creciente de Dalí amenazaba la
unidad de los Surrealistas. Breton se volvió mas crítico del éxito financiero de Dalí,
dándole el apodo anagramático ‘Avida Dollars’, describiendo lo que él percibió como la
avaricia de Dalí para el dinero y la fama.
Aunque Dalí ya no estaba asociado con los Surrealistas, el nunca abandonó sus
metas Surrealistas. Por ejemplo, continuó perfeccionando su ‘método paranoico-crítico’, un proceso creativo de interpretar pensamientos y sentimientos inconscientes,
eventualmente conviertiéndolos en ilusiones visuales muy detallados llamados
‘imágenes dobles’. Éstas imágenes dobles son actualmente composiciones
individuales que demuestran objetos y ambientes ordinarios de los cuales surgen
imágenes múltiples. El título Aparecido de Cara y Plato de Fruta en una Playa hace
referencia a tres de las imágenes que aparecen simultáneamente en el cuadro del 1938,
aunque un estudio cauteloso revela una cuarta imagen de un perro marron y blanco.
Los cuadros de doble imágenes de Dalí eran muy popular con el público Americano a
pesar del criticismo de André Breton que decía que los cuadros eran “diversiones a nivel
de crucigramas.” Lo irónico era que el público continuó asociando Dalí con los
Surrealistas, a pesar de que había sido expulsado del movimiento, una percepción que
ni él ni Breton podrían borrar.
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SOFÁ DE LABIOS DE MAE WEST 1938 Marco de madera tapizado con satén rosado 34” x 72” x 32” (86.5 x 183 x 81.5 cm.) Chichester, Los Fideicomisarios de la Fundación de Edward James. IMAGEN 10 Preguntas para discusión:
• ¿Te parecen reales los labios? ¿Te parecen seguros y consoladores o amenazantes y peligrosos?
• ¿Quién es Mae West? ¿Por qué piensas que Dalí eligió utilizar sus labios
como la inspiración para el sofá?
En Diciembre de 1931, Dalí propuso la idea del objeto Surrealista por primera
vez. Estas obras fueron creadas inicialmente montando objetos elegidos al azar, en
una clase de collage tridimensional sin ningún intento o consideración consciente de la
forma final del objeto. El Teléfono de la Langosta de Dalí es un ejemplo. Más adelante,
objetos Surrealistas, como el objeto antropomorfa Sofá de Labios de Mae West, fueron
creados con un plan y una atención más cuidadosa a su forma. Porque no fueron
funcionales, estos objetos cabían apropiadamente en el mundo Surrealista de
obsesiones, de deseos reprimidos y de las imágenes irracionales de los sueños.
El Sofá de Labios de Mae West fue inspirada por un diseño interior que Dalí veía
basada en las características faciales de Mae West, una actriz de Hollywood de los
años 30. Sus labios tomaron la forma de un sofá, su nariz la forma de una chimenea,
mientras que los ojos se transformaron en dos cuadros enmarcados que colgaban en la
pared del interior Surrealista. Edward James, amigo y patrón de Dalí, propuso que un
sofá verdadero fuera fabricado basado en el diseño de Dalí, y de esta manera la
producción del sofá fue un esfuerzo colaborativo entre los dos hombres.
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MI MUJER, DESNUDA, CONTEMPLANDO SU PROPIO CUERPO CONVIRTIÉNDOSE EN ESCALERA, TRES VÉRTEBRAS DE UNA COLUMNA, CIELO Y ARQUITECTURA 1945 Óleo sobre tabla de madera 24” x 20.5” (61 x 65 cm.) San Francisco, Colección Privada, préstamo a largo plazo al Museo de Arte Moderno de San Francisco. IMAGEN 11 Preguntas para discusión:
• ¿Qué semejanzas hay entre la figura realista de Gala y la forma arquitectónica en la distancia?
Aunque Dalí era famoso por sus contribuciones al arte moderno, especialmente
al movimiento Surrealista, había mantenido siempre un respeto y una pasión para el
clasicismo y admiraba artistas del Renacimiento, como Raphael, y maestros del siglo
diecisiete, como Vermeer. La primera bomba atómica cayó en Hiroshima en 1945, un
acontecimiento que afectó profundamente a Dalí, incitándolo buscar nuevas maneras de
expresar orden racional en sus pinturas. Encontró su inspiración en el clasicismo de la
pintura Italiana del Renacimiento.
Dalí usa cuidadosamente la línea y la sombra para definir las formas en su
composición de una manera realista, lo cual nos recuerda a los artistas clásicos que él
admiraba. Nota la forma elegante de Gala que se detalla con el uso cauteloso de la luz
y de la sombra o la cabeza idealizada pintada en la pared a su lado que parece una
estatua antigua Griega o Romana. Dalí también continúa incluyendo las imágenes
irracionales de muchas de sus obras anteriores. Como el título sugiere, la figura de
Gala aparece dos veces en el cuadro, primero de espalda en estilo fotográfico
demostrando su espalda encurvada y en segundo lugar como una estructura
arquitectónica que duplique la forma y las curvas de su cuerpo como si fuera un
esqueleto. Las dos imágenes de Gala recuerdan a las “estructuras suaves” o
“construcciones suaves” de Dalí, unas estructuras antropomorfas que expresan las
realidades cambiantes de la mente inconsciente.
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MADONNA DEL PUERTO LLIGAT (PRIMERA VERSIÓN) 1949 Óleo sobre tela 19” x 15” (49.5 x 38.3 cm.) Milwaukee, El Museo de Arte de Patrick and Beatrice Haggerty, Universidad de Marquette, Regalo de Sr. y Sra. Ira Haupt, 1959. IMAGEN 12 Preguntas para discusión:
• ¿Qué ha hecho Dalí a los objetos y a la gente en esta pintura? • ¿Por qué crees que Dalí hizo hoyos o ventanas en partes de las figuras? • ¿Qué objetos parecen estar fuera de lugar? Porqué Dalí incluiría estos
objetos? Muchos de los cuadros de Dalí después de la Segunda Guerra Mundial
demuestran un nuevo interés en imágenes Cristianas combinadas con exploraciones
visuales de los conceptos de la física nuclear. El nombró a este arte ‘Misticismo Nuclear.’ Dalí sentía que la ciencia y la religión eran interrelacionadas y que las
realidades científicas de la física nuclear era prueba del misticismo y de la fuerza de
Dios. Dalí mismo estaba profundizando su propio fe, demostrado por su matrimonio
Católico a Gala en 1958, veinticuatro años después de su ceremonia civil. Dalí basó su
composición para Madonna del Puerto de Lligat en la obra Madonna e Hijo con Ángeles
y Seis Santos de Piero della Francesca del año 1475, aunque mucha de las imágenes
son transformadas por el simbolismo personal de Dalí. Pinta a su esposa Gala como la
Madonna, sentada en un trono arquitectónico suspendido sobre las aguas de Puerto
Lligat, un pueblo costero en la costa de Catalonia donde Dalí y Gala pasaban mucho
tiempo juntos y era muy cerca del lugar donde Dalí habia pasado los veranos de su
niñez. En la esquina izquierda más baja del cuadro, un erizo de mar ocupa el espacio
donde normalmente ocupaba la imagen del donante (patrocinador financiero de una
obra de arte) en las pinturas del Renacimiento. Esta criatura marina era una que Dalí
utilizaba ocasionalmente como símbolo personal de fragilidad y de inseguridad. Dalí
presentó una versión más pequeña de esta composición al Papa Pío XII quién la
bendijo durante una visita del artista en el año1949.
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LA DESINTEGRACIÓN DE LA PERSISTENCIA DE LA MEMORIA 1952-54 Óleo sobre tela 10” x 13” (25 x 33 cm.) St. Petersburg (FL), Museo de Salvador Dali. IMAGEN 13 Preguntas para discusión:
• ¿Qué objetos ves en esta pintura? Parecen estar moviendose o están quietos? ¿Qué los hace parecer de esta manera?
• ¿Qué opinas que los rectángulos y los conos pueden representar?
En la década de los 50, Dalí ya era una celebridad, particularmente en los
Estados Unidos donde sus obras fueron exhibidas en varias exposiciones importantes y
donde también había colaborado en varios proyectos con cineastas famosos como
Alfred Hitchock y Walt Disney. Aunque su fama como artista fue originalmente un
resultado de su afiliación con el movimiento Surrealista, para ese entonces Dalí ya
había cambiado su foco de teorías psiconalíticos a la física atómica. Los avances
científicos en la comprensión de moléculas, de átomos y de partículas sub-atómicas
describieron una nueva clase de realidad para Dalí donde todo en existencia, del
ordinario al extraordinario, fue compuesto de las moléculas, las cuales estaban en un
estado continuo de flujo obteniendo y soltando energía constantemente. Mientras que
los Surrealistas declaraban que los objetos tenían una fuerza simbólica, la ciencia ahora
probaba que también llevaban una fuerza verdadera, en la forma de energía.
Quizás con el fin de demostrar a la diferencia entre el objeto Surrealista y el
objeto atómico, Dalí eligió basar la composición de La Desintegración de la Persistencia
de la Memoria en su cuadro del año 1931, La Persistencia de la Memoria, una obra que,
como Dalí, se había vuelto famoso. La Desintegración de la Persistencia de la Memoria
mantiene mucha de las imágenes del cuadro anterior como los cuatro relojes suaves
que se inclinan sobre un árbol estéril y el paisaje desierto de Puerto Lligat. Sin
embargo, en vez de la visión melancólica Surrealista del primer cuadro, Dalí presenta
aquí una vista del mundo dividido en partículas más pequeñas que, como el átomo,
tienen una energía enorme y potencialmente apocalíptica.
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RETRATO DE MI HERMANO MUERTO 1963 Óleo sobre tela 69” x 69” (69 x 69 cm.) St. Petersburg (FL), Museo de Salvador Dalí. IMAGEN 14 Preguntas para discusión:
• Describe la manera que Dalí pinta el rostro de su hermano. ¿Que rasgos de la cara puedes notar? ¿Qué edad parece tener el hermano de Dalí en esta pintura? ¿Por qué Dalí escogió representar a su hermano de esta manera?
• ¿Puede notar algunas otras imágenes en esta pintura que has visto en otras
obras de Dalí? Por qué escogería repetir estas imágenes en este retrato?
En Retrato de Mi Hermano Muerto Dalí expresa la influencia profunda en su vida
de un hermano que nunca conoció. Como el artista, su hermano mayor, fue nombrado
como su padre, Salvador Dalí. Trágicamente, el primer hijo falleció a la edad de 22
meses. Cuando Dalí nació menos de un año después, sus padres le nombraron igual
que su hermano muerto: Salvador. A través de su vida, Dalí luchaba contra el
sentimiento de que sus padres querían reemplazar a su hijo ausente y trató de
mantener una identidad propia bajo la enorme presión e insuficiencia que el sentía. En
este cuadro del año 1963, Dalí explora la identidad que el comparte con su hermano,
demostrando una imagen fantasmal de la cara de un chico. A diferencia de sus
imágenes ‘Místicas Nucleares’ que representen un mundo desatado en partículas
atómicas, Dalí construye aquí la imagen facial del chico creando una matriz de cerezas
oscuras y claras en un diseño que se parecen a los puntos de Benday que utilizó el
artista contemporáneo Roy Lichtenstein. Dalí describió a la imagen como un retrato
compuesto de él y su hermano muerto, donde las cerezas oscuras representaban la
imagen del Salvador muerto, y las cerezas claras representaban la imagen del Salvador
vivo. Añadiendo al retrato macabro es una escena del Angelus de Millet, demostrada
por las figuras minúsculas en el paisaje extenso y desierto. Dalí pensaba que Millet
había pintado originalmente al hombre y a la mujer rezando al lado del ataúd de su hijo
muerto, en vez de estar parados al lado de una cesta de papas como aparecen en el
cuadro final. De esta manera, la inclusión de la escena se vuelve una metáfora
conmovedora para el pesar incontenible de la pérdida del primer hijo de sus padres.
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