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INSTITUTO UNIVERSITARIO DE TECNOLOGIA INDUSTRIAL
“RODOLFO LOERO ARISMENDI”
I.U.T.I.R.L.A
EXTENSION CIUDAD GUAYANA
SEDE PUERTO ORDAZ
DISEÑO GRAFICO
TERCER SEMESTRE - NOCTURNO
Principales Movimientos Artísticos entre 1950-2000
Bachilleres:
Aronico Vanessa C.I. 20.807.667
Puerto Ordaz, febrero de 2013
ÍNDICE
Introducción 3
Movimientos artísticos 4
Arte Contemporáneo 4
Expresionismo abstracto 5
Arte Óptico o Op-Art 6
Cinetismo 8
Minimal Art 10
Hiperrealismo 11
Post-Modernismo 14
El individualismo 15
Ecléctico 17
El comic con la función de expresar emociones y pasiones violentas, con
un estilo totalmente mecánico y distante.18
Aproximación hacia los nuevos lenguajes que determinan el arte del siglo
XXI. Arte conceptual, integración de las artes.19
Arte Conceptual 20
Arte y Nuevas tecnologías 22
Orígenes y Desarrollo de las nuevas tecnologías 24
Conclusión 27
Referencias 28
Anexos 29
INTRODUCCIÓN
El surgimiento y desarrollo de los movimientos artísticos, se encuentra en
constante evolución desde el siglo XX, la pintura ha tenido significativas técnicas
buscando nuevas formas más elaboradas, entre ellas tenemos el arte óptico, el
cinetismo, el hiperrealismo, entre otros.
Las artes tienen diferentes caracteres, el más predominante es el religioso, por
las grandes pinturas que poseen las iglesias católicas dominantes en Europa,
donde el perfeccionamiento hace surgir nuevas formas más complejas.
MOVIMIENTOS ARTÍSTICOS
Un movimiento artístico o estilo artístico es una tendencia o estilo referente al
arte con una filosofía o meta específica en común, seguida por un grupo de artistas
repercutores durante un período (como el movimiento dadaísta o el pop-art); o
característico de un periodo más extenso de la Historia del Arte (como el
renacimiento o el barroco); o restringido a un lugar determinado, con lo que se
habla entonces de una escuela artística.
Cada movimiento o estilo artístico refleja el arte con ciertos rasgos similares
durante una etapa de tiempo, siendo un fenómeno de expresión artística que
manifiesta las características propias de la época en el que surge. Los movimientos
o estilos artísticos se clasifican por los historiadores del arte o de la literatura
atendiendo a distintos criterios de periodización. De tal modo que, por ejemplo,
para las creaciones culturales de la civilización occidental del siglo XVII a la
primera mitad del XVIII, se ha acuñado el término barroco y, aunque los productos
artísticos de las distintas artes no tengan una conexión inmediatamente evidente
entre sí, se designan habitualmente como arquitectura barroca, pintura barroca,
música barroca o literatura barroca.
Arte contemporáneo
Se suele definir como el arte elaborado después de la Segunda Guerra Mundial.
Los museos de arte denominan arte contemporáneo a las colecciones de este
periodo.
En sentido amplio, el arte contemporáneo es el hacer artístico que se desarrolla
en nuestra época. En el caso del arte contemporáneo, se desarrolla desde la teoría
pos testructuralista la cual ha acuñado el término "postmoderno", ya que desde esa
teoría se vislumbra la imposibilidad de seguir creando desde los preceptos de la
originalidad y la novedad (elementos propios de la modernidad); en lugar de ello se
apunta a elementos como reinterpretaciones, re significaciones y el giro lingüístico
con el fin de ampliar el concepto de arte y establecerlo como un acto comunicativo.
Expresionismo abstracto
El Expresionismo abstracto es un movimiento pictórico contemporáneo dentro
de la abstracción, en concreto, las tendencias informalistas y materias posteriores
a la Segunda Guerra Mundial. Surgió en los años 1940 en Estados Unidos y se
difundió, décadas después, por todo el mundo. Se considera el primer movimiento
genuinamente estadounidense dentro del arte abstracto, y ejemplo del liderazgo
que, en materia de artes plásticas, asumió Estados Unidos después de la Segunda
Guerra Mundial.
Características:
Preferencia por los grandes formatos. Trabajaban normalmente con óleo
sobre lienzo.
Generalmente son abstractos en el sentido de que eliminan la figuración. No
obstante, hay excepciones y algunos emplean trazos figurativos,
apareciendo figuras reconocibles, como ocurre con las Mujeres de Willem
de Kooning. Las telas presentan un aspecto geométrico que las hace
diferentes de movimientos precedentes, como el surrealismo.
Una de las características principales de los expresionistas abstractos es la
concepción de la superficie de la pintura como all over (cobertura de la
superficie), para significar un campo abierto sin límites en la superficie del
cuadro: el espacio pictórico se trata con frontalidad y no hay jerarquía entre
las distintas partes de la tela.
El cromatismo suele ser muy limitado: blanco y negro, así como los colores
primarios: magenta, amarillo y cian. Los pintores expresionistas que
redujeron la obra a prácticamente un solo color, estaban ya anticipando el
arte minimal.
Este tipo de cuadros, con violentos trazos de color en grandes formatos,
presenta como rasgos distintivos la angustia y el conflicto, lo que
actualmente se considera que refleja la sociedad en la que surgieron estas
obras.
Pioneros
Se considera a líder de este movimiento o iniciador del mismo a Arshile Gorky
(1904-1948), armenio exiliado a Nueva York desde 1925. Recibe la influencia del
surrealismo y sirve de puente entre la pintura europea de entreguerras y la escuela
norteamericana. Hacia el año1936 abandona la figuración y, bajo la influencia de
Roberto Matta, descubre un nuevo lenguaje formal, optando por las figuras
abstractas biomorfas. Aunque tendió a la abstracción y la espontaneidad, no
prescindió completamente del dibujo ni renunció a controlar la pincelada.
Muy cerca del surrealismo estuvo siempre la obra de William Baziotes (1912-
1963), quien profundizó en la tendencia, de raíz jungiana, a investigar los mitos
antiguos y el arte primitivo. Desde 1941 usó el «automatismo» pictórico, creando
imágenes biomórficas con su sentido mítico.
Cabe finalmente mencionar la obra de Hans Hofmann (1880-1966), importante
como docente. Su pintura tenía una base cubista, pero se fue haciendo abstracta
en los años cuarenta, presentando en sus cuadros zonas de color que
contrastaban entre sí; el estilo es emocional y vigoroso.
Con el fin de la segunda guerra mundial y el regreso a Europa de muchos de los
exiliados, acabó atenuándose la influencia surrealista y el movimiento se hizo más
genuinamente norteamericano.
Se fue escindiendo en dos tendencias que pueden definirse como action
painting y campos de color. La primera de ellas enfatizaba más el gesto físico de
pintar, mientras que en la segunda se centró en la aplicación del color en grandes
áreas.
Arte Óptico o Op-art
El Op Art surge a finales de la década de los '50, para asentarse en los años
'60. Su finalidad es la de producir la ilusión de vibración o movimiento en la
superficie del cuadro. Se diferencia del arte cinético por la total ausencia de
movimiento real. Fue rápidamente aceptado por el público por sus estudiadas
formas, que influyeron en otras áreas del arte como la publicidad, la gráfica y la
moda.
Mediante la repetición de formas simples y un habilidoso uso de colores, luces y
sombras, los artistas ópticos lograban en sus obras amplios efectos de movimiento,
brindándole total dinamismo a superficies planas, las cuales terminaban siendo
ante el ojo humano espacios tridimensionales llenos de vibración, movimiento y
oscilación.
A mediados del siglo XX varios artistas como Josef Albers, Victor Vasarely y
M.C. Escher empezaron a explorar en sus obras distintas formas de confundir al
ojo. En los sesenta se inventó el término arte óptico para nombrar ese tipo de
trabajo, ya que cada vez más artistas abstractos escogían ese estilo. Los artistas
ópticos no estaban interesados en pintar los objetos de la vida cotidiana como los
artistas Pop, que eran sus contemporáneos.
El movimiento quedó definido a partir de una exposición celebrada en 1965 en
el Museo de Arte Moderno de Nueva York titulada The Responsive Eye que
agrupaba a una serie de artistas de distintas nacionalidades seguidores de esta
tendencia. Entre sus principales representantes estaban la británica Bridget Riley y
los estadounidenses Ellsworth Kelly y Kenneth Noland. También se inscriben
dentro de esta corriente el español Eusebio Sempere y el colombiano Omar Rayo.
Las cuidadas formas del Op Art gozaron de una rápida y entusiasta aceptación por
parte de la crítica y del público y pronto se convirtió en punto de inspiración para
modistas, publicistas y gente de las artes gráficas.
Además el arte óptico o cinético (como muchos lo llaman) es uno de los
movimientos artísticos que más se relacionan con la investigación científica, al
estudiar el color, la influencia de la luz y el movimiento en los cambios cromáticos y
su percepción en la retina humana.
Destacaron entre los representantes del Op Art:
Victor Vasarely
Bridget Riley
Frank Stella
Josef Albers
Lawrence Poons
Kenneth Noland
Richard Anuszkiewicz.
Cinetismo
Arte cinético, cinetismo, "Op art" o arte óptico, en líneas generales podemos
definirlo como la forma de crear que se basa en el movimiento de los elementos
que componen la obra o que se disponen en el espacio de la representación
gráfica. Los autores, usando técnicas ópticas y de una ejecución de la obra muy
estudiada, generan sensaciones de movilidad, para ello usan los conocimientos
técnicos como son el juego con luces y sombras, el contraste de colores, el tamaño
y proporcionalidad de los objetos, incluso aplican, a sus obras, de pequeños
motores dotándolas de movimiento.
Su creador fue Víctor Vasarely. Húngaro de origen (1908). Vasarely señala que
fue durante este período en el Bauhaus de Budapest, que "el carácter funcional de
la plasticidad" le fue revelado. Empezó como artista gráfico, y no fue sino hasta
1943 que se volcó a la pintura. Se afincó en Francia. El cinetismo era importante
para Vasarely por dos razones: una es personal, el hecho de que, según nos dice,
"la idea del movimiento me ha perseguido desde mi niñez"; y la otra es la idea más
general de que una pintura que vive por medio de efectos ópticos existe
esencialmente en el ojo y en la mente del espectador y no simplemente en la pared
se completa a sí misma cuando se la mira.
El arte cinético puede abarcar una buena cantidad de categorías de objetos.
Están ante todo, aquellas obras de arte que, a pesar de ser estáticas de hecho,
parecen moverse o cambiar. Pueden ser de dos o de tres dimensiones: En primer
lugar destacaremos las obras ejecutadas por Vasarely en planos separados y con
pantallas y objetos tridimensionales, dependiendo su cinetismo de la acción de la
luz y de los fenómenos ópticos tales como, la tendencia del ojo a producir
imágenes latentes al ser sometido a contrastes muy brillantes de blanco y negro, o
la yuxtaposición de ciertos tintes. Segundo, las composiciones móviles de
Alexander Calder, cuyos elementos componentes de la obra se mueven al azar, sin
energía mecánica, impulsados por corrientes de aire o cambios de temperatura. En
el Tercer estadio situamos a las obras accionadas por medios mecánicos y que
usan motores, luces, electroimanes o incluso agua, para dotar de movimiento y
ciertos efectos ópticos a las obras. La siguiente etapa en la pintura óptica está
representada por obras que tienen un muy ligero relieve. A menudo esta dimensión
adicional es usada para proveer planos de color, que se mueven a medida que el
espectador cambia su posición en relación a ellos.
Minimal Art
"Minimal Art" o "Estructuras Primarias" denomina a un grupo de artistas que
aspiran a un estilo más estricto geométricamente pero donde la imposición del
orden no es inflexible sino más bien moderada. Las diferentes formas están
reducidas a estados mínimos de orden y complejidad desde el punto de vista
morfológico. Las obras Minimal personifican estados de máximo orden con los
mínimos medios o complejidad de elementos y está más interesado por la totalidad
de la obra que por las relaciones entre las partes singulares o por su ordenamiento
composicional; por eso abunda la Gestalt simple: "el todo es más importante que
las partes". .Tanto las propiedades del material, como las de la superficie y el color
permanecen constantes con objeto de no desviar la atención de la obra como un
todo.
La "Pintura minimalista" es la aplicación del minimalismo al campo pictórico. Se
trata de una pintura abstracta que se originó en los Estados Unidos, concretamente
en Nueva York, en la década de los años 1960, desarrollándose durante los años
1970.
Historia
Se considera que es una reacción contra las formas pictóricas del
expresionismo abstracto. Como influencia del minimalismo en la pintura se cita a
Ad Reinhardt y sus "Pinturas negras", realizadas al final de su vida. Igualmente, se
cita como precedente la tendencia "pintura de los campos de color", dentro del
"expresionismo abstracto". Estas obras reduccionistas estaban en claro contraste
con las pinturas «mínimas» pero llenas de energía de un Willem de Kooning o
Franz Kline y tendían más hacia la "pintura de los campos de color" de Barnett
Newman y Mark Rothko. También se ha apreciado la influencia del "Arte del
Constructivismo “en esta tendencia.
Los pintores minimalistas recibieron, además, las influencias del compositor
John Cage, el poeta William Carlos Williams, y del arquitecto Frederick Law
Olmsted. De manera explícita afirmaron que su arte no era una expresión de sí
mismos, en completa oposición a los expresionistas abstractos de la década
precedente. Muy pronto crearon un estilo minimalista, entre cuyos rasgos estaban:
formas rectangulares y cúbicas, que no eran metáfora de nada; igualdad de las
partes del cuadro, repetición, superficies neutras, materiales industriales, todo lo
cual lleva a un impacto visual inmediato. Suelen realizar telas de gran formato en
los que predomina, ante todo, el color.
El primer pintor a quien se relaciona específicamente con el minimalismo fue
Frank Stella, cuyas pinturas a rayas fueron destacadas en la exposición de 1959,
"16 Americanos", organizada por Dorothy Miller en el "Museo de Arte Moderno de
Nueva York". La anchura de las rayas en las pinturas de Stellas quedaban
determinadas por las dimensiones de la madera usada para construir el marco que
sujetaba al lienzo. En el catálogo de la exposición, Carl Andre señaló que «el arte
excluye lo innecesario, Frank Stella ha entendido necesario pintar rayas. No hay
nada más en esta pintura». Aunque a partir de esta exposición, Stella recibió una
atención inmediata, artistas como Ralph Humphrey y Robert Ryman habían
comenzado a explorar formatos monocromáticos a finales de los años
1950.Posteriormente en 1980, se produjo una renovación de la pintura minimalista
con las tendencias "Neo-geo" y "Neo-minimal".
Hiperrealismo
El hiperrealismo es una tendencia radical de la pintura realista surgida en
Estados Unidos a finales de los años 60 del siglo XX que propone reproducir la
realidad con más fidelidad y objetividad que la fotografía. A veces se confunde con
el foto realismo que es menos radical.
El hiperrealismo tiene un origen en la tradición pictórica estadounidense,
favorable a la literalidad del trampantojo, como muestran los cuadros de finales del
siglo XIX de William Harnett o John Haberle. Los artistas hiperrealistas tratan de
buscar, con el más radical de los verismos, una transcripción de la realidad usando
los medios técnicos y fotográficos de la manipulación de las imágenes. Consiguen
con la pintura al óleo o la escultura, el mismo detallismo y encuadre que ofrece la
fotografía.
En la década de los 1920, los pintores del precisionismo ya trabajaron con la
ayuda de fotografías fielmente reproducidas (como en el caso de Charles Sheeler,
pintor y fotógrafo a la vez). Pero es innegable que el arte pop sigue siendo el
precursor inmediato del hiperrealismo, pues toma la iconografía de lo cotidiano, se
mantiene fiel a la distancia de su enfoque y produce las mismas imágenes neutras
y estáticas.
Chuck Close utiliza la fotografía como medio para hacer sus retratos, que se
apartan totalmente del retrato tradicional y se acercan más hacia el cartelístico y
sugestivo principio cinematográfico del primer plano en superpantalla, hacia la no-
distancia de la técnica de la instantáneas y hacia el gesto objetivador de las
fotografías clínicas y policiales. En su obra trata problemas como la percepción del
espectador y la focalidad. Close no parte de la realidad sino que la aborda
indirectamente a través de la fotografía que proyecta sobre el lienzo.
Como todos los foto realistas, no hay huellas de pinceladas y el artista parece
estar ausente; los cuadros se cubren con una fina capa de pintura, aplicada con
pistola y pincel, siendo raspada si es necesario, con una cuchilla para que no
quede ningún relieve, ninguna materia.
Richard Estes, conocido por sus cuadros de escaparates y escenas urbanas,
utiliza varias diapositivas del mismo objeto, de modo que en sus cuadros se ve no
sólo el escaparate sino también lo que hay dentro de la tienda y lo que se refleja en
el cristal. Sus lugares públicos están desiertos, en un modo de abstraer la
funcionalidad de lo representado que es típica del foto realismo.
Don Eddy pinta coches y David Parrish motos. El francés Jean Olivier Hucleux
pinta cementerios de personas y cementerios de coches, en un realismo que es
una repetición de la realidad. Ed Ruscha, a caballo entre el arte pop y el foto
realismo, pinta gasolineras, cuadros de palabras y hace libros de fotografías.
Otras características del foto realismo son la exactitud en los detalles,
contrastada con la irrealidad del efecto espacial y la capacidad de convertir en
temas pictóricos los detalles visuales de la realidad. Estos pintores ejercen un alto
grado de conceptualismo al plasmar la diferencia entre el objeto real y su imagen
pintada: lo real, trasladado al lienzo mediante la cámara fotográfica, fotografiado
mediante recursos pictóricos. Al utilizar la fotografía en el proceso de la realidad al
cuadro, lo real queda roto y manipulado dos veces, en el cuadro y en la fotografía,
de ahí el aspecto de irrealidad que diferencia el foto realismo del realismo
tradicional.
Otros artistas estadounidenses de esta tendencia son Robert Cottingham, John
Kacere, Paúl Staiger, Robert Bechtle, Richard McLean, Malcolm Morley y John de
Andrea.
Algunos artistas que, sin ser específicamente foto realistas, han utilizado la
fotografía como medio de expresar la realidad son el francés Christian Boltanski,
quien utiliza fotos de álbumes familiares de otras personas que según sus propias
palabras, serían, tras haber fallecido, la prueba de su existencia; el alemán
Gerhard Richter, que emplea fotografías desde 1962 de forma continuada, aunque
su trabajo ha explorado prácticamente todos los posibles terrenos de la pintura y
no es por tanto un foto realista puro como los anteriores. El americano Richard
Artschwager lleva fotografías de interiores a una superficie de celotex con un
granulado fino al que aplica un ligera mano de pintura blanca y negra.
Post Modernismo
El posmodernismo en sentido artístico abarca un gran número de corrientes
desde los años 1950 hasta la actualidad; es difícil precisar en general los límites
entre las realizaciones más arriesgadas del modernismo y las primeras obras
posmodernas, aunque algunas artes —entre las que destaca la arquitectura—
gozaron de un movimiento posmoderno programático y organizado desde muy
temprano. Los rasgos más notables del arte posmoderno son la valoración de las
formas industriales y populares, el debilitamiento de las barreras entre géneros y el
uso deliberado e insistente de la intertextualidad, expresada frecuentemente
mediante el collage o pastiche.
El cine y la televisión son hoy en día algunos de los medios de comunicación
más capaces de manifestar las características de este arte.
Arquitectura
La arquitectura postmoderna se desarrollará en torno a los años 60-80,
desechando los valores y lenguajes del movimiento moderno y postulando unos
nuevos órdenes basados en la recuperación y transformación deliberada y banal
de los órdenes clásicos. Simplemente como concepto antropomorfita.
Artes plásticas. Música
La transvanguardia (1979) es el primer movimiento artístico claramente
postmoderno y algunos movimientos artísticos de 80 como la Movida madrileña
podrían encuadrarse también dentro de la postmodernidad en las artes plásticas y
la música, aunque sus autores no tuvieran estricta conciencia de su inclusión.
Cine
Uno de los síntomas sociales más significativos de la posmodernidad se
encuentra en la saga de películas Matrix, y otras como Blade Runner, Buffalo 66,
American Beauty, El club de la lucha, Linha de Passe y toda la filmografía de Larry
Clark en general, especialmente enKids, Ken Park, y Wassup Rockers donde el
realce de la estética y la ausencia de culpa causal, unidos a la percepción de un
futuro y una realidad inciertas, se hacen evidentes. En todos ellos observamos
preeminencia de los fragmentos sobre la totalidad, ruptura de la linealidad
temporal, abandono de la estética de lo bello al estilo kantiano, pérdida de la
cohesión social y, sobre todo, la primacía de un tono emocional melancólico y
nostálgico.
Literatura y posmodernidad
Aunque no es fácil hablar de autores posmodernos, sí se reconocen
características de la posmodernidad en muchos de los autores de la literatura
contemporánea, como los estadounidenses Paul Auster, Giannina Braschi,
Thomas Pynchon y Don DeLillo, el alemán Winfried G. Sebald, la italiana Susanna
Tamaro, el francés Michel Houellebecq , Ariel.
El Individualismo
Si hay algo que ha caracterizado y diferenciado a Occidente del resto del
mundo ha sido el auge del individualismo que emergió tras el crecimiento del
secularismo en el Renacimiento y que desembocó en dos novedades: la corriente
humanista y el sistema capitalista. Sin el individualismo el arte y las ciencias hoy no
serían lo mismo, este nuevo estado psicológico fue el caldo de cultivo de la libertad
necesaria para que proliferaran diferentes formas de manifestar la creatividad y la
investigación de la realidad física, no sometidas a un poder censurador y limitador
de las ideas.
Arte es el individualismo, y el individualismo es una inquietante y desintegración
de la fuerza. Allí se encuentra su inmenso valor. Por lo que se busca es alterar la
monotonía del tipo, la esclavitud de la costumbre, la tiranía de la costumbre, y la
reducción del hombre al nivel de una máquina". Para el historiador anarquista
George Woodcock. El alma del hombre bajo el socialismo es la búsqueda de la
sociedad más favorable a el artista ... para Wilde el arte es el fin supremo, que
contiene en sí la iluminación y la regeneración, a la que todos los demás en la
sociedad debe estar subordinada ... Wilde representa el anarquista como esteta ".
La palabra individualismo de esta manera se ha utilizado para referirse a una
personalidad con una fuerte tendencia hacia la creación propia y la
experimentación en oposición a la tradición o la opinión popular de masas y el
comportamiento
Escritor anarquista Murray Bookchin describe una gran cantidad de anarquismo
individualista como personas que "expresaron su oposición únicamente en forma
personal, especialmente en el tracto de fuego, conducta escandalosa, aberrante y
estilos de vida en los guetos culturales de fin de siclo de Nueva York, París y
Londres. Como un credo, el anarquismo individualista permaneció en gran medida
un bohemio estilo de vida, más evidente en sus demandas por la libertad sexual ("
amor libre ") y enamorado de las innovaciones en el arte, el comportamiento y la
ropa".
En el jardín imperfecto libro: el legado del humanismo, humanista, filósofo
Tzvetan Todorov identifica el individualismo como una importante corriente de
pensamiento sociopolítico dentro de la modernidad y como ejemplos de lo que
menciona Michel de Montaigne , François de La Rochefoucauld , Marqués de
Sade, y Charles Baudelaire En La Rochefoucauld, se identifica una tendencia
similar a la estoicismo en el que "la persona honesta trabaja su ser a la manera de
un escultor que busca la liberación de las formas que están dentro de un bloque
demármol , para extraer la verdad de que la materia ". En Baudelaire se encuentra
el excelente rasgo en el que se busca para cultivar "la idea de la belleza dentro de
uno mismo, de las pasiones de una satisfacción de sentir y de pensar".
Ecléctico
Eclecticismo es una especie de estilo mixto en las bellas artes, cuyos rasgos
son tomados de varias fuentes y estilos. Considerablemente, el eclecticismo casi
nunca constituyó un estilo específico en el arte: es caracterizado por el hecho que
esto no era un estilo particular. En general, el término describe la combinación con
un trabajo solo de una variedad de influencias principalmente de elementos de
estilos diferentes históricos en la arquitectura, la pintura, y las artes gráficas y
decorativas
El término "ecléctico", fue usado por primera vez por Johann Joachim
Winckelmann para caracterizar el arte del Carracci, que se incorporó a sus
elementos en pinturas a partir del Renacimiento y las tradiciones clásicas. De
verdad, Agostino, Annibale y Lodovico Carracci habían tratado de combinarse en la
línea del arte de Miguel Ángel, el color de Tiziano, el claroscuro de Correggio, la
simetría de Rafael y la gracia.
En el siglo XVIII, Sir Joshua Reynolds, la cabeza de la Academia Real de Artes
en Londres, era uno de los más influyentes defensores del eclecticismo. En el
sexto de sus famosos Discursos académicos (1774), escribió que el pintor puede
usar el trabajo de la antigüedad como "una revista" de características comunes,
siempre abrirse al público, de dónde cada hombre tiene un derecho de tomar los
materiales que a él le complacen. En el siglo XIX, en Inglaterra, John Ruskin
también suplicó para el eclecticismo.
El eclecticismo arquitectónico es una tendencia artística en arquitectura que
mezcla elementos de diferentes estilos y épocas de la historia del arte y la
arquitectura. Se manifiesta en Occidente entre 1860 y finales de los años 1920.
El término ecléctico viene del verbo griego escoger, puesto que lo que harán los
arquitectos, y artistas en general, de esta época, será escoger de toda la Historia
del Arte lo que más les interesa. También se utiliza para definir este período la
palabra Historicismo, que se refiere a una nueva visión de la Historia, en la que se
indaga filosóficamente. Eclecticismo o Historicismo no se refieren a lo mismo, el
historicismo es el uso de un lenguaje anterior y el eclecticismo es el uso de varios
lenguajes anteriores en una misma arquitectura. Será un período complicado de la
historia de la arquitectura en el cual existirá una superabundancia de tendencias
que se entrecruzan, y unas muy diversas versiones de carácter nacional, ya que
cada país intenta resucitar sus tradiciones más autóctonas, coincidiendo con los
movimientos nacionalistas o regionalistas.
EL COMIC CON LA FUNCIÓN DE EXPRESAR EMOCIONES Y PASIONES
VIOLENTAS, CON UN ESTILO TOTALMENTE MECÁNICO Y DISTANTE.
El cómic es un medio de comunicación formado por un conjunto de imágenes,
denominadas viñetas, que se ordenan formando una secuencia narrativa. El
lenguaje del cómic se caracteriza por la integración de imagen y texto. La narración
espaciotemporal y el empleo de una serie de convencionalismos, marcan la
importancia del cómic como lenguaje. Algunas de las características del lenguaje
del cómic, como el encuadre, los puntos de vista o el montaje, son comunes a
otras manifestaciones artísticas como la fotografía, la ilustración o el cine. Sin
embargo, comparado con otros medios que también utilizan las imágenes para
expresarse, como la ilustración o la publicidad, destaca por el predominio del
lenguaje narrativo. Los convencionalismos del cómic: los elementos cinéticos Los
elementos cinéticos son signos gráficos en forma de rectas o comillas, que indican
la trayectoria o el movimiento de personajes y objetos. Estas líneas permiten
transmitir la idea de movimiento a la viñeta y aportan el dinamismo y la acción. Los
recursos cinéticos esenciales son las líneas cinéticas y la descomposición del
movimiento.
Hay que saber representar bien las emociones para ayudar a los lectores a
sentir lo que sienten los personajes. Si no, llevaría a la confusión. Imaginemos que
nuestro personaje está triste pero tiene la cara sonriente. A no ser que esté
intentando realizar un sarcasmo, esto llevaría a la confusión. Convendría ver
películas, cuentos, imágenes en Internet, obras de teatro, etc, para así ir
recogiendo todas estas emociones.
También podemos imaginarnos a nosotros mismos cuando nos hemos puesto
con esas sensaciones según nuestras experiencias en la vida cotidiana. Ir
practicándolas nos ayudará a reforzar la expresión dramática. Si hacemos esto,
ponernos delante de un espejo y que nos hagan una foto o dibujar esas
expresiones. Todo esto nos servirá para realizar mejor nuestro dibujo. En el caso
de "Cuttlas", esto no viene recogido, con lo que habría que utilizar otro tipo de
recursos (onomatopeyas, contenido de los diálogos, decorados) que ayuden a
representar estas sensaciones. Por ejemplo, si está feliz, unas viñetas llenas de
florecitas, trompetas sonando y tirándose confeti alrededor, pues pueden ayudar a
contextualizar las sensaciones del personaje.
APROXIMACIÓN HACIA LOS NUEVOS LENGUAJES QUE DETERMINAN EL
ARTE DEL SIGLO XXI. ARTE CONCEPTUAL, INTEGRACIÓN DE LAS ARTES.
Finalmente, lo que las nuevas tecnologías nos ofrecen, tanto en el caso del
diseño como en el del arte, aunque a niveles y en dimensiones completamente
distintas, es una capacidad técnica cuyos límites aún no podemos vislumbrar.
Quienes tuvimos la fortuna de vivir el tránsito, a veces tortuoso, entre la máquina
de escribir y la computadora o entre la radio y el televisor, podemos, tal vez con
mayor facilidad, prefigurar que los nuevos medios técnicos expandirán
enormemente -y de hecho han expandido y continuarán haciéndolo- tanto las
posibilidades del arte como las del diseño. No sólo esos medios nos ofrecen un
repertorio de signos ampliado de modo casi exponencial, sino también nos ofrecen
nuevas posibilidades combinatorias, particularmente porque la gramática se ha
abierto, ha relajado sus viejas normas y ha generado otras, ya que nuevas
unidades hacen posible no sólo más combinaciones realizables, sino que también
generan nuevas reglas y, de este modo, afectan la gramática de ese lenguaje.
La cultura digital produce una “nueva generación de vocabulario plástico que
expande cualquier noción tradicional de estética”, con lo que “la nueva
mediatización del espacio de creación arquitectónico incrementa la posibilidad de
conceptualizar espacialmente, afecta a la materialidad, expande los límites de
inventividad, destruye los parámetros de racionalización formal y, por último, obliga
al diseño a ser una ciencia de comunicación en 3 ó 4 dimensiones”
Arte Conceptual. Integración de las Artes.
Arte conceptual
Tras el despojamiento material del minimalismo, el arte conceptual renuncia al
sustrato material para centrarse en el proceso mental de la creación artística,
afirmando que el arte está en la idea, no en el objeto. Incluye diversas tendencias:
el arte conceptual lingüístico, el más purista de la conceptualidad, centrado en la
relación arte-lenguaje (Joseph Kosuth); el arte povera, centrado en las
instalaciones, generalmente de materiales detríticos (Mario Merz, Jannis Kounellis);
el body-art, con el cuerpo humano como soporte; el land-art, que utiliza la
naturaleza como soporte, con un marcado componente efímero; el bio-art, que usa
técnicas biológicas; etc.
El arte conceptual, también conocido como idea art, es un movimiento artístico
en el que las ideas dentro de una obra son un elemento más importante que el
objeto o el sentido por el que la obra se creó. La idea de la obra prevalece sobre
sus aspectos formales, y en muchos casos la idea es la obra en sí misma,
quedando la resolución final de la obra como mero soporte.
El arte conceptual como movimiento emergió a la mitad de los años sesenta, en
parte como una reacción en contra del formalismo que había sido articulado por el
influyente crítico Clement Greenberg. Sin embargo, desde las décadas de 1910 y
1920 el trabajo del artista francés Marcel Duchamp (principal artista) serviría como
precursor, con sus trabajos llamados ready-mades. Daría a los artistas
conceptuales las primeras ideas de obras basadas en conceptos y realizadas con
objetos de uso común.
Los precursores inmediatos del arte conceptual pueden buscarse en el resurgir
de las Vanguardias tras la II Guerra mundial, en una compleja serie de
intercambios culturales entre Europa, EEUU y Japón. Dos figuras destacan como
manantiales de nuevas ideas: el antes mencionado Marcel Duchamp (que emigró a
EEUU durante la I Guerra Mundial) y el compositor estadounidense practicante del
budismo zen John Cage. Sin embargo, fue en los límites de la pintura, donde se
concentraron las actividades vanguardistas. En EEUU, Robert Rauschenberg y
Jasper Johns transformaron la pintura con objetos cotidianos y eventos fortuitos, y
cuestionaron su situación privilegiada. En Japón, las obras basadas en la
performance del grupo Gutai ampliaron el informalismo y la action painting hasta
transformarlos en actos rituales de agitación. En Francia e Italia, Yves Klein y Piero
Manzoni respectivamente desarrollaron prácticas vanguardistas paralelas en las
que realizaron el contenido ideal de la experiencia artística a partir de su
concepción alternativa del significado metafísico del monocromo. En cada paso, la
ampliación hasta la destrucción de la idea de la pintura alentó un interés por lo
efímero y lo inmaterial que prefiguró el "arte conceptual" con conciencia de su
propia identidad subsiguiente. El arte conceptual emplea habitualmente materiales
como la fotografía, mapas y vídeos. En ocasiones se reduce a un conjunto de
instrucciones documentando cómo crear una obra, pero sin llegar a crearla
realmente; la idea tras el arte es más importante que el artefacto en sí.
Arte y Nuevas Tecnologías
Las artes visuales y la tecnología, en un sentido estricto, siempre estuvieron
vinculadas, dado que toda producción de imágenes –desde las imágenes pintadas
con carbón y tierra en las cuevas de Altamira hasta las imágenes digitales,
pasando por la fotografía, el cine y el video-, supone una tecnología de producción,
es decir: una técnica, una serie de instrumentos y de procedimientos, ciertas
condiciones de eficacia, una habilidad, un saber. Sin embargo, la relación entre
arte, ciencia y tecnología ha ido fluctuando a lo largo de la historia del arte.
En la Grecia Antigua estaban tan íntimamente vinculados, que había un solo
término para denominar ‘arte’ y ‘técnica’: tekhne. Arte, ciencia y tecnología, como
diversos dominios de la creatividad humana, mantuvieron este vínculo estrecho por
siglos, siendo el Renacimiento uno de sus momentos más fructíferos. La
producción de Leonardo da Vinci es un ejemplo paradigmático del cruce entre lo
artístico, lo científico y lo tecnológico, así como la incidencia que las
investigaciones en el campo de la óptica tuvieron para el desarrollo de la
perspectiva, y los cambios que ella supuso en el sistema de representación de la
pintura.
Luego estas disciplinas fueron separándose cada vez más. Las investigaciones
de Newton y su modelo mecanicista del universo, la profundización de ese
paradigma científico durante la Revolución Industrial, el Romanticismo en el arte,
fueron profundizando ese divorcio entre el arte y la ciencia. La tecnología y la
ciencia se ponen al servicio del desarrollo industrial y comercial, alejándose del
ámbito de lo estético. La emoción, la imaginación y lo subjetivo formarían parte del
dominio de lo artístico, mientras que la ciencia se ocupa de lo racional, lo objetivo y
lo real.
A lo largo del siglo XX, diversos acontecimientos irán minimizando la dualidad
arte-tecnología. A principios del siglo, las vanguardias artísticas reavivarán este
vínculo. El movimiento futurista, el dadaísmo, el constructivismo, la bauhaus y otras
estéticas racionalistas, integran la ciencia y la tecnología en sus propuestas. En el
proyecto utópico de las vanguardias, el desarrollo científico y tecnológico son, por
su poder transformador, factores fundamentales para la creación de una nueva
sociedad.
En los años sesenta, algunas experiencias artísticas que involucran la
tecnología y los medios de comunicación (entre ellas, el surgimiento del videoarte)
favorecerán el acercamiento entre arte y tecnología que las vanguardias de
principio de siglo habían iniciado. Luego el desarrollo progresivo de las nuevas
tecnologías audiovisuales y de comunicación, y las actuales aplicaciones creativas
de la tecnología informática, hacen que hoy pueda hablarse de una nueva
integración entre arte y tecnología.
La relación entre Arte, Ciencia y Tecnología, como áreas de producción y
conocimiento, fue variando a lo largo de la historia.
• Grecia Antigua
• Renacimiento
• S VIII (Revolución Industrial; Romanticismo)
• S XX (vanguardias históricas; experiencias artísticas de los años 60;
nuevas tecnologías audiovisuales; informática aplicada al arte)
En las sucesivas etapas y períodos de la historia del arte, los artistas fueron
incorporando al repertorio de técnicas y medios tradicionales, las tecnologías
desarrolladas por la época en que les tocó vivir, en la medida en que éstas fueron
haciéndose accesibles.
La relación entre Arte, Ciencia y Tecnología, como áreas de producción y
conocimiento, fue variando a lo largo de la historia.
• Grecia Antigua
• Renacimiento
• S VIII (Revolución Industrial; Romanticismo)
• S XX (vanguardias históricas; experiencias artísticas de los años 60; nuevas
tecnologías audiovisuales; informática aplicada al arte)
En las sucesivas etapas y períodos de la historia del arte, los artistas fueron
incorporando al repertorio de técnicas y medios tradicionales, las tecnologías
desarrolladas por la época en que les tocó vivir, en la medida en que éstas fueron
haciéndose accesibles. En el siglo XX los rápidos avances tecnológicos fueron un
motor fundamental para el surgimiento del arte de vanguardia y la explosión de una
serie de manifestaciones artísticas que revolucionaron el campo de las artes
plásticas: el collage, el fotomontaje, la fotografía.
En nuestros días, para referirse a ciertas producciones del arte contemporáneo
(videoarte, arte de Internet, instalaciones interactivas, arte robótico, bioarte) se
vuelve a destacar el vínculo entre el arte, la ciencia y las denominadas nuevas
tecnologías, aunque, paradójicamente, la historia de estas “nuevas tecnologías” se
inicia hace casi dos siglos.
Orígenes y desarrollo de las nuevas tecnologías
En el S XVIII la Revolución Industrial aceleró el desarrollo de la productividad en
diferentes áreas generando una gran cantidad de adelantos en la producción de
maquinaria y de nueva tecnología. Estos adelantos en la industria fueron
aprovechados para el desarrollo de técnicas que rápidamente fueron tomadas por
los artistas como medios alternativos para la creación.
La invención y el desarrollo de la fotografía a mediados del S XIX, representó
uno de los mayores logros técnicos y culturales del siglo. La cámara fotográfica fue
el primer dispositivo tecnológico del que se apropiaron los artistas. En un
comienzo, los pintores tomaban fotografías como modelos para pintar, pero
cuestionaban el estatuto artístico de la fotografía por el hecho de que no implicaba
un trabajo manual sobre la materia. Recién en las primeras décadas del siglo XX,
artistas pertenecientes a las vanguardias históricas, comienzan a valorar la
fotografía como material artístico en sí y no simplemente como registro o
documentación. Surgen los fotomontajes dadaístas. Man Ray y Mohogoly-Nagy
comienzan a realizar fotografía artística y trabajan con sobreimpresiones y
montaje. Es decir, manipulan el material fotográfico con fines artísticos. Luego será
empleada también como medio para registrar y documentar performances,
happengins, y obras de arte conceptual. Actualmente la fotografía ocupa un lugar
central en el campo de las artes visuales y son múltiples los usos y propuestas
estéticas que emplean esta técnica.
El cine, nacido a fines del siglo XIX, al incorporar la imagen en movimiento,
revolucionó todos los modos anteriores de producción de imágenes y
comunicación trayendo un nuevo espíritu de experimentación en el arte. Por otra
parte, incrementó la ilusión realista de la fotografía e incorporó una nueva
dimensión espacio/temporal ya que, mientras que en la foto la imagen se hace
materia, la imagen proyectada es impalpable y fugaz.
En la década del ’50 la televisión ya se había convertido en un medio de
comunicación de masas, llevando las imágenes en movimiento a los hogares. La
imagen televisiva es una señal eléctrica en la que están registrados los trazos
luminosos de lo real, invisibles para el ojo antes de su emisión. La posibilidad de
realizar transmisiones televisivas en vivo elimina la distancia temporal entre el
registro y la visualización. Esta distancia temporal es ineludible en el caso de la
fotografía y del cine, ya que se trata del registro de imágenes fijadas a un soporte
por procedimientos químicos, cuyo movimiento se consigue por medios mecánicos.
La creación y registro de la imagen de televisión y de video se efectúa, en cambio,
por procedimientos electromagnéticos.
En la segunda mitad del siglo XX, a partir de la revolución electrónica, el
desarrollo de los medios digitales fue estrechando el vínculo entre el arte, la ciencia
y las nuevas tecnologías. Actualmente el uso de las computadoras y de Internet
como instrumento para la creación, reproducción y difusión de la expresión
artística, constituye un nuevo nexo entre el arte y las nuevas tecnologías.
Se denomina “nuevas tecnologías” de representación y producción de imágenes a
aquellas tecnologías que incorporan la máquina como intermediario entre el
hombre y la realidad, o entre el hombre y la imagen representada, es decir:
• la fotografía
• la cinematografía
• el video
• la computadora; los medios digitales; Internet
CONCLUSIÓN
Un movimiento artístico es una tendencia referente al arte, con una filosofía o
estilo común, seguida por un grupo de artistas durante un período (como el
movimiento dadaísta o el pop-art), o característico de una época más extensa de la
Historia del Arte.
Los movimientos o estilos artísticos se clasifican por los historiadores del arte o
de la literatura atendiendo a distintos criterios de periodización.
En el siglo XX muchos de estos movimientos, tuvieron gran importancia no solo
en la pintura y escultura, sino también en el cine, la fotografía, la música y la
literatura.
Aparte de los movimientos artísticos, en esta época nació el comic tal y como lo
conocemos, que revoluciono la forma de expresión en el arte.
Actualmente, las nuevas tecnologías, están revolucionando el arte, añadiéndole
más dimensiones e infinidad de nuevos caracteres.
REFERENCIAS
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Enero del 2013 de:
http://books.google.es/books?
id=y6709Jr7JD0C&printsec=frontcover&hl=es&source=gbs_ge_summary_r&
cad=0#v=onepage&q&f=false
• Arte Cinético. Wikipedia, la enciclopedia Libre. Recuperado el 30 de Enero
del 2013 de: http://es.wikipedia.org/wiki/Arte_cin%C3%A9tico.
• Historieta. Wikipedia, La enciclopedia libre. Recuperado el 30 de Enero del
2013 de: http://es.wikipedia.org/wiki/Historieta
• Movimientos artísticos del Siglo XX. Monografias.com. Recuperado el 30 de
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Art%C3%ACsticos-Del-Siglo-Xix-y/93222.html
• Movimientos artísticos del Siglo XX. Buenas Tareas. Recuperado el 30 de
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Artisticos-Del-Siglo-Xx/1184015.html
• Movimientos artísticos. Slideshare. Recuperado el 30 de enero del 2013 de:
http://www.slideshare.net/plotem/trabajo-de-plastica
ANEXOS
2. Arte Óptico1. Arte Cinético
3 Minimal Art
5 Híper-Realismo4. El post Modernismo
6. El Individualismo
8. Arte Ecléctico
7. Arte Conceptual
9. Comic (Calvin y Hobbes)
