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índice

Noni de lori meyersAlejandro de lori meyers Alfredo de lori meyers

Fotografía por Susana Romero. Retoque fotográfico por Ramon Fuguet (www.digital.fuguet.org).

Al principio de vuestra carrera tocabais en fies-tas salvajes en casa de amigos. ¿Qué recordáis de aquella época y qué supuso el primer disco?

Tocar en ese tipo de fiestas fue la ma-nera que empezamos como banda, así que guardamos unos recuerdos mara-villosos. Eran una locura increíble. Por ejemplo, una vez estábamos tocando en una casa de unos tíos en Mánchester y creíamos que el suelo iba a hundirse… Nunca olvidaremos aquella época ni el primer álbum porque todo era nuevo para nosotros. Fue la primera vez que los cinco tuvimos la oportunidad de re-

correr el mundo y, en cierto modo, se-guimos siendo la misma banda. Puede que ahora hayamos crecido, pero eso también hace que tengamos una idea más clara de qué queremos lograr con nuestra música.

El nuevo álbum se titula “Holy Fire” (War-ner, !"#$) y tiene un sonido mucho más su-cio que los dos anteriores. ¿Qué sorpresas nos deparan sus canciones?

Podéis esperar once nuevos temas que suponen una clara progresión en nues-tra discogra!a. No creo que ninguno

de los dos singles de presentación que se han editado sean representativos del sonido del disco, puesto que este esconde una gran diversidad de textu-ras y de matices. En algunas canciones solamente aparecemos Jimmy y yo, sin el acompañamiento de la batería, y es como una vuelta a lo esencial. Pero des-pués encuentras temas contundentes como “Inhaler”, así que podemos decir que hay muchos tipos de elementos en el álbum. Me resulta muy complicado explicarlo, aunque al escucharlo, siento que es un disco con una gran paleta de colores.

En varias entrevistas he leído que os gusta mucho viajar y que para este nuevo trabajo incluso fuisteis a Australia para grabar las maquetas del nuevo álbum. ¿Cómo fue esa aventura por las Antípodas?

Fue un viaje espectacular. Hicimos va-rias sesiones de grabación en una isla a la que solamente se puede acceder en barco y que está poblada, casi en su totalidad, por arañas. Creemos que es importante alejarnos de la ciudad y de nuestros ambientes habituales para te-ner la oportunidad de grabar en sitios distintos.

El álbum ha sido producido por Flood and Alan Moulder, un dúo que ha trabajado con artistas como U!, New Order y Nine Inch Nails. ¿Podrías contarnos cómo fue la expe-riencia de colaborar con ellos y alguna anéc-dota de la grabación?

Fue un placer enorme trabajar con Flood y con Moulder. Para que te hagas una idea, Flood es como el director y Moulder es más como un doctor. La mayor parte de las sesiones de “Holy Fire” fueron en directo y, durante las primeras semanas, ellos nos animaron a grabar las cancio-nes como si estuviésemos preparando

una simple maqueta. Esa mentalidad nos ayudó a tocar de una manera mucho más natural, sin la preocupación de que todo sonara perfecto.

Gracias al éxito de la canción “Spanish Sahara” en !"#", habéis creado cierto suspense para el lanzamiento del nuevo álbum. ¿Os gusta ser misteriosos con vuestros seguidores?

Es bonito aportar un poco de emoción porque las cosas se han vuelto muy pre-decibles, es como si existiera una plantilla y muchas bandas se limitan a seguirlo. Es interesante romper los esquemas de vez

foals

Texto por David Moreu.

el fuego sagrado del rock — De vez en cuando aparece una banda predestinada a revolucionar el circo de la música y convertirse en un icono

generacional. Todos afirman que el secreto consiste en estar en el sitio adecuado, en el momento oportuno y tener un sonido novedoso, aunque son muchos los candidatos al trono y sólo uno el elegido. Este parece ser el caso de Foals, un quinteto de Oxford que mezcla el rock de guitarras afiladas con todas las influencias imaginables. Recientemente han presentado su tercer álbum y hemos hablado con Yannis Philippakis, su cantante, para descubrir

qué esconden las nuevas composiciones.

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en cuando, aunque no sabemos cómo evo-lucionarán las cosas en el futuro, es una sensación excitante porque nos aburrimos muy deprisa de las cosas.

¿Crees que los artistas deben romper las nor-mas para llegar a un público más amplio?

No, simplemente creo que el secreto es escribir buenas canciones. Algunas ban-das reciben más atención de los medios de comunicación por el hecho de rom-per las reglas, pero eso sólo es un hecho puntual que no tiene repercusión en el futuro. En Youtube circula una entrevista

con los hermanos Gallagher que resume perfectamente este tema. Te recomiendo que la busques, por cierto, yo estoy de parte de Noel.

Vuestras canciones mezclan el rock con la música rave y dance. ¿En qué territorio os sentís más cómodos? ¿Estamos presenciando un resurgir del rock de guitarras?

Nunca pienso en esa diferencia cuando es-toy en un escenario tocando. La reacción del público es lo que realmente marca mi nivel de diversión y, a veces, los géneros musicales son irrelevantes. “Inhaler” ha

ido creciendo mucho en los conciertos, pero de una manera distinta a cómo lo hicieron “Hummer” o “Cassius”. Siem-pre habrá grupos de rock con guitarras, aunque solamente volverá a estar de moda cuando algún gurú mediático de West London diga que se trata de lo último. Todo tiene que ver con la visibilidad de la música, más allá de si es excitante o no. A veces, los momentos más emocionantes en la historia del rock de guitarras han su-cedido cuando nadie le prestaba atención al género. Cuando la gente dice “vivimos en el reino de las guitarras”, entonces es la época en la que salen los peores discos.

Ahora que estáis embarcados en la promoción del disco, ¿podrías contarnos cómo se viven los cambios de la industria musical desde dentro?

La industria discográfica está jodida, todo está cambiando y la gente está perdiendo sus trabajos. El hecho de que HMV esté cerrando sus tiendas en Inglaterra hará que las cosas empeoren todavía más. Nosotros nos sentimos muy afortunados de poder grabar mú-sica, además de tener un mánager y un sello que entienden perfectamente lo que queremos hacer, sin querer cambiar nuestra manera de ser.

En marzo tocaréis en el Royal Albert Hall de Londres, un lugar emblemático gracias a los conciertos de Led Zeppelin y The Who. ¿Cómo afrontaréis esa noche tan especial?

En giras anteriores hemos tocado en lugares como The Brixton Academy y en otras salas que forman parte del circuito habitual. Al final acabas tocan-do en los mismos sitios que el resto de bandas. Por eso queríamos hacer algo especial, será inolvidable tocar una no-che en ese espacio majestuoso. Además, no creo que sea una experiencia que se repita.

Para terminar la entrevista, ¿qué planes tenéis para este año y qué bandas nos recomendáis?

Estaremos de gira hasta que no quede nin-gún lugar para visitar. Por lo que a artistas se refiere, me gustan bastante Petite Noir, una banda de Oxford que se llama Solid Gold Dragons y Jagwar Ma de Australia. También me han llamado la atención los adelantos de Savages y Palma Violets.

www.foals.co.uk

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Texto por Miguel Díaz y Carla Linares. Fotografía por Rocky Schenck.

A estas alturas no creo que nadie dude de que Mark Oliver Everett es un genio. Después de la trilogía formada por el excelente y visceral

“Hombre Lobo” y los más irregulares y eminen-temente acústicos “End Times” y “Tomorrow Morning”, “Wonderful, Glorious” (E Wor-ks/ Vagrant, !"#$), su décimo álbum de estu-dio, captura de manera brillante sus señas de identidad. El blues aguardentoso de “Hombre Lobo”, el órgano Casio de “Beautiful Freak” o la centelleante inocencia agridulce de “Blin-king Lights And Other Revelations”, aparecen en un disco que crea algo nuevo con los mim-bres del pasado.

En el intento siempre inútil de entender al genio parece obligado, en su caso, mencionar su biogra%a. Si estás leyendo estas líneas, es muy probable que hicieras lo propio con “Co-sas Que Los Nietos Deberían Saber” (Blackie Books, !""&), el libro donde Mr E daba buena cuenta de su azarosa existencia y cómo, gracias a la música, consiguió sobrellevar la tragedia. Entre otras, la desaparición de su padre, el sui-cidio de su hermana y el cáncer de su madre que forjaron aquel oscurísimo “Electro-shock Blues” (#''&). Y es que nada como ese libro resume de manera tan gráfica la capacidad del artista para sobreponerse a los golpes de la vida.

“¿Sabes lo que es caer al suelo/ llorar todo lo que tienes dentro / hey, tío, ahora estás viviendo de verdad? ¿Has hecho alguna vez el amor con una chica bonita? / te hizo sentir que el mundo no es tan horrible / hey, tío, ahora estás viviendo de verdad”.

Necesidad o no, Mr E se ha ido reinven-tando una y otra vez a si mismo. Así, “Dai-sies Of The Galaxy” ("###), grabado en el sótano de su casa, fue el contrapunto luminoso y optimista a “Electro-shock Blues”, y con “Souljacker” ("##$) llegaron la barba kilométrica y las pulsiones hard-rockeras, incluso desafiantes. Porque, a pesar de esa fama de “Mr Nice Guy”, del chico que se enamora de la chica con no-vio, como en la preciosa “That Look You Give That Guy” (“Hombre lobo”), la mú-

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eelssica de Eels también tiene un componente moody, malhumorado y fiero. Porque E también puede estar listo para pelear si es preciso.

“Wonderful, Glorious” suena a todo esto y más. No es un disco redondo, pero sí un disco de notable alto. El propio E, en plena promoción europea del álbum, nos llamó por teléfono para contárnoslo. Y aunque su música sea manifiestamente más elocuente que sus palabras, el artista nos dejó huellas de su genialidad así como de su seco y particular sentido del humor…

Musicalmente hablando, se trata de un álbum muy variado, quizá el más diverso de su carre-ra. Hay blues-rock (“Stick Together”), ritmos de batería distorsionados (“Peach blossom”) e incluso aproximaciones a la psicodelia en “I Am Building A Shrine”, que recuerda un poco a Rocky Erickson…“Bueno, es sólo la música

que nos apetecía hacer. En realidad no en-cuentro ninguna relación entre este disco y los nueve anteriores”

En cuanto a las letras, Everett suena fiero, in-cluso un poco “broncas” a veces (“Don’t mess up with me/ I’m up for the fight”, canta en

“Kinda Fuzzy”). Así, los ritmos alegres a veces contrastan con un tono duro (como en el single

“New Alphabet”), como si el artista lo hubiera hecho a propósito. “Al principio salió de manera

inconsciente, pero tengo que decir que he sido un luchador. Es una parte importante de mi “maquillaje” como persona. Y por eso aparece en las letras”

El componente agridulce marca de la casa apa-rece en “On The Ropes”, una de las mejores letras del disco, y en la cual el E ¿ficcional? dice no estar noqueado, pero sí contra las cuerdas.

“Me queda lucha suficiente dentro de este corazón cansado/ quizá no consiga todo lo que arriesgo/ pero soy un hombre que siempre sale adelante”. Le pregunto si se trata de la canción más melancólica del disco… “Aunque hay una tristeza en ella,

no me parece una canción melancólica. Me parece una canción también esperan-zadora y triunfante. No sabemos cómo termina la historia. Él no está “fuera de la carrera” y ha hecho todo lo que podía para ganar”.

Unos de los mejores momentos los podemos encontrar tanto en “On The Ropes” como en la bella y atmosférica “The Turnaround” en las que aparecen elementos de “supervivencia” con los que sería fácil relacionar al artista… “En

realidad esta canción no es una historia sobre mi, no es autobiográfica. Pero hay cosas en ella con las que me puedo rela-cionar. De hecho es algo con lo que todos nos podemos sentir identificados en algún momento de nuestras vidas. Si eres inteli-gente puedes hacer un esfuerzo para dar un giro a tu vida”.

Me parece entonces un buen momento para mirar al pasado y confesarle cuál es mi can-ción favorita del grupo. Está, por supuesto, en

“Hombre Lobo”, y se titula “Beginner’s Luck”. Por su letra me parece una de las mejores can-ciones jamás escritas para ligar…“But now I

found you and I know that we will be/ so very happy, if you could only see/ that I was made for you and you were made for me”. Mr E ríe por primera vez en la entre-vista. “¿Canción para ligar? (risas). No sé. No con!o en mis canciones para eso. Sólo con!o en mi encanto personal (más risas).”

No puedo evitar terminar el artículo sin reco-mendar, si es que alguien aún no lo ha leído, el libro “Cosas Que Los Nietos Deberían Saber”, de obligada lectura para todos los fans de la música. Le pregunto si, desde que lo publicó, hay algo más que le gustaría decir a los nietos.

“Sí, voy a tener que escribir una secuela llamada “Cosas Que Los Bisnietos Debe-rían Saber (más risas)”.

www.eelstheband.com

No me cansaré de escribir que Yani Como es uno de los grupos más infravalorados de nues-tra escena indie. Su disco “#$ Maneras De Reparar Un Corazón” (precioso título), con su nostalgia y sus historias sobre relaciones truncadas a golpe de melódico indie-pop de guitarras, fue mi compañía perfecta en ande-nes y estaciones de tren cuando aún estudiaba. Desde su posición de fans de la música en general, curtidos en mil batallas parece que hubieran estado mirando los toros desde la barrera. Pero, tras el notable “Nada Es Lo Que Parece”, “Eso Sí Que Lo Sé” (Art de Troya, !"#!) contiene la suficiente inspiración y buenas canciones como para colocarles por fin en el lugar que se merecen. Javier Ajenjo, cantante y principal compositor de la banda, nos lo presenta.

Antes de hablar de las canciones, háblame un poco del proceso de composición. Porque si bien es cierto que sois un grupo básicamente de pop de guitarras, el violín de Alma tiene cada vez mayor importancia en vuestras can-ciones, llevando el peso de la melodía en va-rios temas. ¿Cómo trabajáis?

El violín es una parte di!cil, no es como una guitarra. A veces intentamos que

lleve un poco la parte “directora” de la canción, de la melodía, y otras que sirva como apoyo, como colchón de las melo-días. En cualquier caso, es la parte más trabajada, es di!cil hacer que no suene repetitivo, que no suene el mismo soni-do. Además, se ha convertido en nuestro toque de distinción, absolutamente. No creo que haya ningún grupo que tenga el violín como un instrumento principal. Para nosotros, es una parte fundamental de la épica de las canciones y de la ban-da, y creo que nos ha distanciado de las bandas habituales.

Por ejemplo, el violín del final de “Relojes” me parece ciertamente eufórico.

La verdad es que es un tema que crece mucho, y el final es muy bruto, es como si llegáramos a un éxtasis al final, que es importante para la canción. La idea de

“Relojes” es que el tiempo corre, que cada vez corre más deprisa y el violín refleja perfectamente la idea de la canción.

En cuanto a las letras, parece que has pasado a escribir más en primera persona que nunca, por ejemplo cuando hablas del “beso en Moby

Dick/ sonando Pimodán” en “Eso sí que lo sé”. ¿Es tu disco más autobiográfico?

Sí, claro, por ejemplo “Eso Sí Que Lo Sé” habla toda de una relación y de una persona en concreto. De las cosas que han quedado ahí, como posters que han quedado puestos en la pared. En gene-ral, en este disco me he desprendido de la “tercera persona”, que igual ha estado más presente en nuestro material anterior. Ahora sí estoy escribiendo en primera persona, y hay mucho de autobiográfico, pero hay mucho también de esa sensa-ción que tenemos toda la banda, y yo el primero. Esa sensación de que faltan

“discos políticos”. Nos ha salido sin que-rer un disco tremendamente “político”. No por la política en sí, porque no somos ni de políticas ni de ONGs ni nada, sino porque creo que refleja bastante bien la sensación que vivimos en general. El tra-tar de escapar, reflexionar sobre nuestro alrededor, darnos cuentas de cosas que antes ni se nos pasaban por la cabeza, por-que todo iba maravillosamente…

¿Quién es la chica de la agridulce y muy deu-dora de Teenage Fanclub “Volea Plegable”?

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Texto por Miguel Díaz. Fotografía por Juan Pérez Fajardo.

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Porque no sale muy bien parada…“De cuan-do en cuando las personas / que parece que te quieren/ ya no están”, cantas en ella.

Pues mira, en cierto modo habla de mis sentimientos hacia alguien. Es un reproche que me hago a mí mismo, en plan “Coño, tenía que haber estado allí”. Creo que va perfectamente con la idea de la volea, un golpe que siempre va a volver. Hay una persona que es la que me lo d%o: “Nunca estás”. Y sí, cuando te necesitan, pues a veces no estás.

Está claro que, en vuestras canciones y vues-tras reflexiones, sigue habiendo frases duras y nostalgia. Pero a veces es una nostalgia más optimista. Por ejemplo, en “Cortometraje”, mi canción favorita del disco, cantas “Y des-pués de tres vidas te encontré/ un regalo sor-presa fue volverte a ver”. ¿Estás de acuerdo?

Sí, es una canción más positiva. Habla sobre cosas inesperadas. Creo que, en el peor momento y cuando más jodidos estamos, que ya no podemos ir más abajo, de repente pasan cosas que no te esperas, y que te hacen volver a creer, a pensar y supongo que a estar vivo. Si tuviéramos

que filtrar todo lo que nos pasa sería te-rriblemente complicado. Igual que en

“Volea plegable”, cuando nos necesitan no estamos, en este caso es todo lo con-trario. Pensabas que nunca iba a ser igual, y nunca les ibas a volver a ver, y nunca ibas a tener una relación, y de repente pasa. Es una canción que a mí también me gusta mucho. Y que, de hecho, no iba a estar en el disco, porque es bastante diferente a lo que venimos haciendo, pero luego sí lo vimos. Vimos que es exactamente lo que decías, un rayito de luz dentro del álbum. Nos ha gustado cómo ha quedado, la hemos dado una vuelta de cómo estaba planeada antes de grabar, y al final se ha demostrado que tenía que estar.

Pongámonos a soñar, ¿con qué grupo te gus-taría tocar en el escenario principal en Sono-rama…!"#&?

Hay muchísimos, pero vamos, yo siempre lo he dicho, y quizá a base de pensarlo e intentarlo me gustaría algún día telonear a Radiohead. Así que si algún día sucede ese milagro…Pero vamos, nosotros vamos a tocar este año por segunda vez desde que empezó el festival, y creemos que lo

más importante es que una banda lleve su camino, y que llegue a donde tiene que llegar por sí misma. Y creo que es lo que hemos hecho.

Para terminar. ¿En qué punto está Yani Como como banda?

Que te conozca más gente es estupendo, pero decíamos esta tarde que somos una banda feliz, que somos capaces de ges-tionar cómo entendemos la música, ale-jados y a la vez cerca de todo esto. Con-sideramos que somos unos privilegiados. Este año estamos creciendo como banda, vamos a tocar en el Low Cost, que es un festival donde nos apetecía estar, ro-deados de bandas muy chulas. Vamos a hacer algunos bolos, y también para un grupo como nosotros es muy importante telonear a una banda que pueda meter a $.### personas. En definitiva, somos una banda bastante feliz, a pesar de nuestras canciones y de nuestra forma de reivin-dicar la vida.

www.yanicomo.es

M Ú S I C A

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P R O F I L E

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Un lugar para un único individuo — Rosa Barba inaugura exposición en MUSAC (León) bajo el título de Un lugar para un único individuo. Su obra ha sido anteriormente expuesta en otros lugares de la geografía española, desde Barcelona (La Pedrera) a Málaga (CAC), pasando

por Madrid (CA2M, MNCARS). Formada como artista en Alemania con estancias en Hungría, Países Bajos, Austria, Suecia y Estados Unidos, sus

creaciones han podido verse en enclaves tan paradigmáticos de la cultura contemporánea como Tate Modern, Jeau de Pomme y Centre Pompidou, así como la bienal de Venecia. La carrera de esta consolidada video-

artista fue reconocida con el premio Nam June Paik en 2010.

Texto por Beatriz Ah!ón.

rosa barba

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Barba es italiana de nacimiento (Agrigento, #'(!), aunque su vida y su obra se desarrollan en Berlín. En sus creaciones explora las posi-bilidades que le brinda el celuloide para crear alegorías a partir de la obra %lmica.

“La obra sugiere discontinuidades, pa-radojas y requiebros dialécticos que nacen en el intersticio del proceso de creación de la imagen y sus metáforas. Medios como el cine, la escultura, la ins-talación y el texto escrito se combinan para dar lugar al oxímoron y la ironía de un universo conceptual que desborda la realidad. “

Construir (el) espacio

De niña, Rosa sentía la necesidad de crear imá-genes y conjugar distintos tipos de narrativa. La fotogra%a analógica y el vídeo fueron sus herramientas desde el comienzo. Por aquel entonces no se preguntaba por el significado de sus creaciones y mucho menos el porqué. Simplemente, no podía parar de experimen-tar. Al principio, revelaba sus fotogra%as en la bañera. Más tarde, pudo construirse un pe-queño estudio de revelado. Su trabajo en un cine durante sus años de estudiante fue una fuente de inspiración para comenzar a trabajar con volúmenes. Aislando los diferentes instru-mentos y piezas integrados en la maquinaria de proyección, surgieron nuevos objetos que con-tradecían la lógica mecánica. Las instalaciones vinieron después, cuando empezó a estudiar arte y teatro y sus ideas comenzaron a expan-dirse en el espacio. La maquinaria retórica de Barba se pone al servicio de relatos subalternos.

“Documentales y sucesos aparentemente marginales cobran valor de documen-to histórico, más reales que los grandes acontecimientos políticos y económicos. Obviadas en el relato oficial de la Histo-ria, estas narrativas de lo cotidiano y lo fantástico cobran carta de naturaleza para explicar el tiempo que habitamos bajo la fórmula de la Postmodernidad.”

De hecho podría decirse que su obra se basa en el tiempo, en su doble vertiente en tanto que experiencia concreta y e%mera, y coordenada y concepto abstractos. El tiempo en la obra de Barba se vuelve sobre sí mismo, cual ritornello, para golpearnos por la espalda.

A menudo, como ocurre en outwardly, from Earth´s Centre (!""(), el punto de partida es un lugar real, en este caso la isla sueca Gotska Sandön, que cada año sufre un desplazamiento de aproximadamente un metro respecto de su actual ubicación. Sin embargo, la isla se con-vierte en el escenario de una ficción acerca de cómo anclar la isla al fondo marino. De este modo, se produce la transición de lo objetual a lo ideal, de lo real a lo fantástico, al tiempo que se evade la dimensión espacio-temporal. En Coro Spezzato (!""'), obra premiada con el Nam June Paik en !"#", se encuentran implica-dos espacialmente diferentes coros por medio de la proyección de frases de estos coros, que hablan acerca de un nuevo futuro colectivo. La instalación se convierte así en un archivo vivo de ideas, al tiempo que los ejes espacio y tiempo son de-construidos de un modo com-posicional.

Delicado equilibrio

El ejercicio de equilibrio entre realidades opuestas como quietud y movimiento, ma-terialidad y abstracción es un recurso formal y argumental en su obra, expresado a través de la combinación de distintos medios y la investigación de sus infinitas posibilidades.

“La idea que impulsa estas contradic-ciones es precisamente provocar la re-flexión en el espectador, que percibe la obra no como algo terminado, perfecto y por tanto, desactualizado, sino como una especulación formulada en tiempo continuo.” Lo mismo ocurre con la

alternancia dialéctica entre cámara como objeto %sico e imagen. Mediante su combi-nación y reformulación de sus presupuestos conceptuales, se parafrasea el proceso de construcción de la historia por el que un acontecimiento trasciende la eventualidad y pasa a los anales, convirtiéndose en un locus imaginario desde el que se explica la realidad. Las creaciones de Barba van en la línea rortyana; son un sarcasmo a propósito de las metáforas que dominan el verbo y el imaginario colectivos.

De este modo, el espectador se convierte en agente participativo del proceso de reflexión que toda obra debe entrañar. En tanto que objeto inacabado, la pieza sólo puede com-pletarse gracias a la involucración de la mira-

da de este espectador emancipado que le dota de sus últimos significados.

Un lugarpara un único individuo

Para su nueva exposición en MUSAC, Barba ha creado una obra site specific valiéndose de la arquitectura del museo y de su carácter móvil. Su ubicación en una zona de tránsito abierta a diferentes patios, les confiere a los distintos espacios del museo involucrados una ambigüe-dad y una permeabilidad entre sí. La pieza se configura como un elemento de ligazón entre distintos ámbitos, gracias a la utilización del lenguaje, la topogra%a y el sonido. La película principal, que da nombre a la muestra, una grabación en $)mm tomada desde un helicóp-tero y que muestra vistas aéreas de caravanas que, desde el aire, parecen libros abiertos.Un segundo proyector, situado en uno de los patios del museo, vuelca la imagen en el rever-so de la misma pantalla en donde se proyecta la película del interior a través de una ventana. La aparición de texto y la narración de una road movie completan la constelación de luz, movimiento y sonido. La artista juega con lo real y lo figurado, al tiempo que crea espacios ficticios, como también hace con Irreducible Relativity of Space, otra de las obras de la muestra que crea un lugar irreal en el patio por medio del impacto de la luz en una superficie cristalina. Parece que, una vez más, Rosa nos invita a participar de su particular atmósfera y a adentrarnos en sus metáforas. En MUSAC hasta el ' de junio de !"#$.

www.rosabarba.com

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Con “Wolfgang Amadeus Phoenix” (Glass note, !""') ascendieron a la clase elitista del refinado y exquisito pop francés, posicionán-dose junto a bandas como Daft Punk o Air, palabras mayores.

Su esperado quinto larga duración presentado bajo el nombre de “Bankrupt!” (Glass note, !"#$) nos devuelve a unos Phoenix superlati-vos donde su sonido más sintético se engarza con el pop de baile más guitarrero, mezcla perfecta para romper de nuevo todas las pistas y llenar festivales.

Lo cierto es que el talento de Phoenix es in-cuestionable, y que “Bankrupt!” es uno de los discos que más expectativas despertarán hasta que vea la luz el próximo mes de abril. Car-gando con la responsabilidad de ser cabezas de cartel de los festivales más importantes, las es-peranzas depositadas en la banda de Versailles son proporcionales al buen hacer que han de-mostrado durante los últimos años. Su nuevo álbum lejos de romper con todo, muestra una línea continuista que reduce distancias con la electrónica con un claro objetivo, superar el listón que marcó su anterior disco.

Si eres de los que desgastaron zapatilla bailan-do durante su actuación en aquel maravilloso Primavera Sound del !""', si te emocionaste a su son viendo “Somewhere”, o si desgañitas tu garganta cantando sus canciones mientras amenizan tus veladas, te preguntarás que ha sido de ellos tras un tiempo sin tener noticias

“Estos dos últimos años hemos tenido la oportunidad de descansar, cargar las pilas y sobre todo trabajar en el nuevo disco, somos muy meticulosos con el trabajo que hacemos”. Un paréntesis después de di-

gerir todo lo que derivó el acierto de su ante-rior álbum, para respirar tranquilo, levantar la mirada y fijar las nuevas metas de su recién estrenado “Bankrupt!”. Y es que a diferencia

Texto por Jaime Suárez.

phoenixde otros grupos capaces de abstraerse para escribir entre concierto y concierto, los miem-bros de Phoenix se planifican a su manera, sin prisas ni apreturas, buscando el momento idó-neo y el lugar apto para encajar todas las pie-zas que demandan sus canciones. “El último

trabajo nos ha mantenido muy ocupados. Durante el tiempo que estuvimos fuera de casa no compusimos nada, es una regla no escrita. A lo largo de una gira son muchas las emociones que se experimentan y aun-que quizás puedan favorecer el proceso creativo, creemos que debemos explorar esos sentimientos fuera de ella, encontrar el lugar y el momento entre tanto viaje no es sencillo”.

Partiendo de la base que “Bankrupt!” es un renovar espíritu y abrir nuevas ventanas a la inspiración este nuevo trabajo también sabe guardar la esencia de lo mejor de sus ante-riores trabajos y así declaráis a “Love Like a Sunset”, como una de las piezas angulares de “Wolfgang Amadeus Phoenix” y que sin duda podemos encontrar su alma inspirado-ra a la hora de concebir “Bankrupt!”… “Sin

duda “Love Like a Sunset” es una canción muy especial, nos costó mucho tiempo y esfuerzo, recuerdo que tardamos alre-dedor de dos años en terminarla, ofrecía muchas posibilidades, muchas variantes, pero no sabíamos que camino escoger para rematarla correctamente. Pero todo ese esfuerzo y trabajo no fue en vano, como tú comentas, captamos parte de su esencia y la hemos extrapolado a nuestro nuevo trabajo, así que de alguna forma el alma de “Love Like a Sunset” esta presente en

“Bankrupt!”…. Pero las fuentes de las que se nutre la inspiración de la formación gala van más allá, en cortes como “Entertaiment” o

“Chloroform” hacen un guiño al lejano orien-te, con unos sintetizadores prendados por el exótico encanto del neoyorquino distrito de

Chinatown “Sí es verdad, cuando compones una canción todo lo que se encuentra a tu alrededor influye inconscientemente sobre lo que haces, realmente cuando compones es imposible abstraerte de lo que te rodea.

“Entertaiment” es un tema vitalista que abre la puerta a nuestro trabajo para dar la vienvenida, “Entertaiment” son luces de colores en una noche de fiesta”. Pero sin

olvidan sus raíces, y su idiosincrasia francesa, que también está presente en “Bankrupt!” como en el estribillo de “The Real Thing” con un sonido un poco más oscuro como si Daft Punk pasase por la tourmix de Kevin Shields o en

“Bourgeious” y “Trying To Be Cool” uno de los temas más exquisitos del nuevo trabajo… “Nos

encanta el cine francés de los ochenta, es-tamos condicionados por aquellas películas que veíamos durante nuestra infancia, pe-lículas que dejan un poso diferente al cine que vemos ahora. Este disco está impreg-nado de sentimientos franceses y “Trying To Be Cool, es quizás una buena muestra de esto, es sonido ochenta sin complejos”.

Para Phoenix “Bankrupt!” es cambio, un nuevo camino que de manera dosificada los de Versailles han ido desvelando. Y que una vez filtradas la portada y el setlist, las piezas exógenas de “Bankrupt!” se esbozan aires modernos y así se constata desde su web don-de podemos observar como el nombre de la banda y del álbum aparecen escritos en ne-gro y en mayúsculas sobre un fondo que va cambiando de color rápidamente, casi como produciendo ataques epilépticos. Se vende cambio, al menos de imagen… “Todo cambia

de una manera vertiginosa en los últimos tiempos, nadie puede quedarse estático y ver como las cosas pasan alrededor sin hacer nada por adaptarse. Consideramos que el mayor cambio lo dimos en el an-terior trabajo, era el momento de dar un salto, cansados de cosas que eran demasia-

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do respetuosas y elegantes, intentamos potenciar aspectos más residuales de nuestra música”. Y es que las diferen-

cias intrínsecas, las que importan, no son tan drásticas como se presagiaban, se enfocan con más sutileza y menos dramatismo... “Creemos

que este álbum es el más minimalista de todos los que hemos hecho hasta la fecha, aunque podrá observarse una evolución, se mantienen aspectos de “Wolfgang” pero incluimos una línea más electróni-ca”. Así “Bankrupt!” el quinto corte del

nuevo disco, el cual da nombre al álbum, es un claro ejemplo de la atracción que ejercen los sintetizadores sobre Phoenix… “La elec-

trónica cada vez es más protagonista en la música contemporánea, esta nos gusta y nos ofrece muchos recursos, la electró-nica es una herramienta magnífica para hacer evolucionar un sonido”

Sin duda temas como “SOS In Bel Air” o “Drakkar Noir” están llamados a ser nuevos “hitazos” cargados de energía y saltos de rit-mo que inflaman los ánimos y que no hacen más que confirmar que estamos ante un nuevo éxito de los festivales de verano… “Tenemos

muchas ganas de tocar en directo y es verdad que temas como los que citas son muy adecuados para esas citas, son pura energía que se va desbordando poco a poco hasta intentar hacer enloquecer al público. Queremos que nuestros directos sean experiencias felices y únicas”

“Bankrupt!” no sólo son Hits, también incluye esos largos periodos instrumentales al que nos tienen acostumbrados, momentos atmosféri-cos que rompen con la dinámica y la línea que guardan el resto de las canciones, un respiro, compases que nos transportan a otro lugar, en este caso los cuatro minutos iniciales de

“Bankrupt!” son la escusa perfecta … “No de-bemos contemplar cada pista como algo individual sino más bien como un con-junto, donde se reflejan pasiones, emo-ciones, donde mezclamos sentimientos, se necesita un pegamento para que todo encaje. Intentamos proporcionar al disco del momento en el que el oyente disfrute de lo que el instrumento o la melodía le transmita. Nos encanta perdernos en las canciones, olvidar la posibilidad de que aparezca una voz, para después sorpren-der e incluirla de nuevo”.

Si de sobra es sabido que en Francia tienen especial predilección por los suyos, Phoenix

fue la excepción que confirma la regla arries-gándose a cantar en inglés… “Fuimos uno de

los primeros grupos franceses en cantar en inglés y eso supuso una gran barrera, aunque a pesar de ello no nos plantemos cambiar ese aspecto, crecimos escuchan-do grupos como Prince, The Clash o My Bloody Valentine, por ello nos decidimos por el inglés”. Más de diez años después

de su primer álbum, tras recorrer un sinuoso camino y predicar en salas medio vacías, con-siguen atraer la atención de sus compatriotas.

“Hubo momentos en los que nos preguntá-bamos porque seguíamos tocando en Fran-cia, pero no podíamos evitarlo. Ahora las cosas han cambiado, notamos una mayor aceptación y eso nos hace muy felices”.Y

es que a pesar de tenerlo todo en contra, se han convertido en un icono cool del pop, un referente en la música del siglo XXI, un hype. Ellos tratan de rehuir de estas etiquetas pero no les incomoda dejarse gustar… “Es gracioso

que los periodistas tengan que poner nom-bre a todo, a nosotros no nos parece mal que nos veáis de ese modo, es sinónimo que algo estamos haciendo bien, pero no estamos de acuerdo con esa definición”.

En un ataque de sinceridad y humildad, sorprende como una banda como Phoenix capaz de arrastrar a miles de personas a sus conciertos y que ciertamente a modificado su estatus como banda minoritaria, aún así siguen considerándose una formación al-ternativa… “Pertenecer o no al movimiento

“mainstream” no es una cuestión que atienda a la cantidad de fans que ten-gas en Facebook o al número de perso-nas que asistan a tus conciertos, va más allá. Se trata del enfoque que le des a tu propia música, a tu forma de trabajar”.

Entonces, ¿Dónde está el truco?, que pesar de todo lo que arrastran tras de si y de llevar juntos más de quince años no han visto la ne-cesidad de tomar distancia y alejarse de todo lo que supone formar parte de un conjunto de semejante repercusión. “Disfrutamos de

lo que hacemos, somos amigos desde la adolescencia y mantenemos la misma relación, no hay motivos para tomar un descanso”.

Poco queda más que contar, solamente hablar de próximas citas y es que gran parte de su gira para los próximos meses ha sido anuncia-da y el pasado mes de enero se confirmó que aterrizarán en Barcelona para tocar en recinto del Forum dentro del Primavera Sound, des-pués de cuatro años de ausencia. “Hemos sido

testigos de como el Primavera Sound se ha convertido en uno de los mejores fes-tivales del momento”. Felices por for-

mar parte del cartel de la cita catalana, no esconden que para ellos el Coachella significa algo especial… “Ha sido el lugar donde hemos

ofrecido uno de nuestros mejores con-ciertos, fue espectacular el recibimiento que tuvimos en "#$#, esperamos que este año se repita”.

Confesos admiradores de Sebastian Tellier, Phoenix se sienten seducidos por lo nuevo de Dirty Projectors “Swing lo Magellan”, tanto que lo incluirían en algún recopilatorio como ya hicieran en !""' cuando lanzaron junto con Kitsune “Kitsune Tabloid by Phoenix”, en el que incorporaron algunas canciones de sus artistas preferidos (Iggy Pop, Kiss, The #$th Floor Elevators, Urge Overkill…). Nuevos proyectos que tendran su continuidad de la mano de la estrecha relación entre So%a Co-ppola y Phoenix, relación que parece seguirá teniendo continuidad tanto en el terreno per-sonal como en el profesional, así la directora precisará de sus servicios para la banda sonora de su nuevo largometraje “The Bling Ring”.

Con el viento a favor, será el público quien juzgue si han encontrado la corriente correcta que haga de este álbum algo tan irresistible como su antecesor.

www.wearephoenix.com

“Este álbum esel más minimalista

de todos los que hemoshecho hasta la fecha…”

phoenix

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Acercarse a la barrera de los treinta es entrar en terreno pantanoso. Inevitablemente, quie-ras o no, te ves haciendo balance de todo lo que te ha pasado hasta ahora, de las veces que has llorado, besado, sufrido, reído hasta que te dolía la tripa y la boca, de cuántas veces te has enamorado o de si realmente has llegado a estar enamorado alguna vez. Lo quieras o no te encuentras a ti mismo mirando hacia el tiempo pasado, son casi tres décadas y en ese tiempo te han pasado muchas cosas. Noni, Alfredo y Alejandro, o lo que es lo mismo, Lori Meyers, acaban de atravesar esa barrera y lo celebran con un nuevo larga duración, porque pese a todo lo bueno y todo lo malo acontecido, hay que seguir hacia adelante.

Decididos a formar parte de la banda sonora de nuestras vidas, y defendiendo la etiqueta de música indie “porque entendemos el in-

die como independencia, de no seguir un canon establecido por una industria, no dejar que nos pusieran compositor y mantener nuestra personalidad costase lo que costase”, los granadinos presen-

tan “Impronta”(Universal !"#$), su espe-

rado quinto álbum de estudio del cual nos han ido revelando detalles con cuenta gotas, consiguiendo que se nos hiciese la boca agua y descubriéndonos su faceta más contundente basándose en una electrónica de riesgo sin perder ni un ápice de su ya característico so-nido. “Vamos aprendiendo del viaje, teniendo

claro nuestro objetivo pero sin que nos agobie, disfrutando del trayecto, real-mente nos gusta disfrutar del paisaje, al ir saboreando cada paso te permite crecer con cada disco y quedarte con lo especial de cada momento, nos hemos quedado con todo lo bueno que aprendimos con

“Viaje De Estudios”, “Cronolánea”, “Hos-tal Pimodán” y “Cuando El Destino Nos Alcance”. Inevitablemente cada nuevo disco lleva implícito todo lo investigado anteriormente, y a la hora de enfrentarte a un nuevo trabajo todo eso es lo que te hace decir si ahora quieres unos teclados más light, unas guitarras más fuertes, si quieres una mezcla de una manera u otra.”

Para la creación del álbum se aislaron del mundo exterior en una casa rural de la sie-

rra de Granada. Imaginarse al trío rodeado de amigos, instrumentos musicales, cómics, libros, discos, jamón y botellines, componien-do a las tres de la mañana bajo la tutela de Sebastian Krys y Ricky Falkner es sin duda alguna ir por el buen camino… “Ha influido

mucho ese tipo de tranquilidad, estar en un sitio súper alejado y poder disponer del sitio las veinticuatro horas del día... Estu-vimos muy bien y el ambiente del que nos rodeamos por supuesto que ha influido en el disco, pero lo que realmente se puede palpar en los temas que conforman este

“Impronta” son las personas que están detrás de cada tema, toda la gente que estuvo allí consiguió que alcanzáramos un clímax de familia, algo realmente im-portante. Arropados por nuestros amigos, nuestra familia, estábamos allí por el disco, nadie habló de dinero y la implicación en el proyecto de todos y cada uno era total. Sin duda fue magnífico”

Siguiendo un proceso de grabación similar al que utilizaron con “Cronolánea” , basado en la sencilla pero eficaz ecuación de una can-

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Texto por Carla Linares. Fotografía por Joaquín Calle.

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ción, un día de grabación, se necesita de una buena preparación previa y tener las cosas muy claras en la cabeza, llevar los deberes hechos y la lección bien aprendida, así en-viaron algunas maquetas a Sebastian y a Ricky disponiendo de una “pseudo” producción previa que les permitió poder disfrutar de más tiempo para descubrir y jugar con los sintetizadores. Aunque no todo podía ser vino y rosas, nos confiesan que con “Huracán” tuvieron alguna que otra dificultad… “Por el

“groove” y por el sonido que buscábamosdesde un principio, con un toque más six-ties y al mismo tiempo rockero, pudimos llegar a tener un par de discusiones, pero no eran discusiones en las que llegue la sangre al río si no de simplemente “quién me echa otra cerveza”… ¡Esas son nuestras típicas discusiones!” ríe divertido Noni.

Tras habernos presentado los singles “Plani-landia”, “El Tiempo Pasará” y “Emborrachar-me”, podemos ir intuyendo por dónde van los tiros, Noni nos confirma que efectivamente

“Impronta” se trata de un álbum concepto que va buscando dejar su granito, su iden-tidad...“ El Disco parte de una ruptura, de una

pérdida, visto desde muchos planos. He-mos volcado en él nuestros sentimientos y sí que había esa sensación de no querer dejarte nada, de apurar cada canción hasta el último segundo, pero no creo que fuera porque buscábamos un disco que “deja-se huella”, de haberlo hecho habría sido algo pretencioso, porque seguramente a quien más nos deje huella será a nosotros mismos.”

Curiosamente la canción que da título al álbum, “Impronta”, es el primer corte más lento que nos encontramos en el disco y la que nos anuncia que tampoco se han olvidado ni de las guitarras acústicas ni de los temas más melódicos y calmados “Son esas las can-

ciones importantes del disco, canciones que hacen que el resto de temas respiren y cobren fuerza. El grupo por ejemplo se muere por tocar en directo “Huracán”, pero yo tengo muchas ganas de tocar “Im-pronta”, por sus arreglos, por los sintes, porque supone un reto también.” Dos

temas, “Impronta” y “Huracan” , que entre sí no pueden ser más dispares, pero que in-dudablemente tienen la esencia más pura del

sonido Lori Meyers. Mientras que “Impron-ta”, escogida por Noni nos muestra su lado más tranquilo y sentimental sobre un fondo de sintetizadores, de baterías y bajos marca-dos, “Huracán” supone toda una incitación al desmelene a ritmo de rock & roll y de ritmos muy años *". Dos puntos de vista diferentes que explican y entienden el punto de vista de los lori sobre su nuevo trabajo.

Siguiendo el hilo conductor de la entrevista no podemos pasar por alto ni la extensa gira de

“Cuando El Destino Nos Alcance” ni el gran número de directos que después de tantos años la banda ha acumulado a sus espaldas, con una lista inagotable, seguro que elegir uno sobre el resto puede ser una tarea dura… “Me gustan

mucho los directos en salas, pero también los festivales, cada uno tiene su momento. Los que más “impronta” nos han dejado se podrían resumir así: Crecimos en un Contempopránea, triunfamos en un Be-nicassim y hemos tenido nuestros últimos amores con Sonorama, el Low Cost, el Territorios Sevilla fue increíble también... La verdad es que todos los festivales de es-tos últimos años han dejado mucha huella”

“Pese a que son tiempos difíciles,hagamos que este sea el año para hablar

del amor, de cosas bonitas y olvidartodo lo malo.”

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Desde ya podemos vaticinar que donde de-jarán huella será en cada festival en el que toquen este verano, pues sin duda este “Im-pronta” es un animal de directo donde todas las canciones en su totalidad son de ritmos rápidos y muy bailables, llevándonos a pensar en un álbum concebido por y para vivirlo en directo. “El mejor momento para escuchar el

disco es en un festival este verano (risas)... También lo puedes escuchar tomando una caña con los amigos, aunque bueno, creo que cada cual que escuche el disco sabrá encontrar su momento adecuado. Pero sí, la verdad es que hemos pensado mucho en el directo en este álbum, creemos que son canciones cuya intensidad y fuerza pueden provocar una respuesta muy guay.”

La simpatía y la cercanía de los granadinos es digna de romperse la camisa, como se dice mucho por el sur de nuestro país, imitando a Noni cuando el directo de la banda se acerca a su momento más álgido, haciendo suspirar de amor a todas y cada una de las fans féminas que se dejan la voz y la ropa interior a ritmo de sus canciones, “(risas), no lo puedo evitar ni me

lo planteo, siento la música de Lori Me-

yers y me intento expresar... Venimos de barrios que cuando hacía falta romperse la camisa, te la rompías. Y tal y como acaba la camisa después de cada concierto... ¡po-dría andar sola! Pero en realidad tengo que hablar de puta madre de los fans, nunca ha habido ningún problema, ni agobios, viven y disfrutan desde debajo de cada escenario todas las canciones... ¡se hacen y se hace polvo! ¡Estamos más enamorados nosotros de ellos que ellos de nosotros! Además yo también he ido a pedirle una foto a J Mas-cis de Dinosaur Jr...”

Prometen no parar en verano, queda mucho para que se desgasten y han podido compro-bar que pueden llegar a hacer su show con la misma intensidad todas las veces que sean ne-cesarias, tienen muchas ganas de volver a los escenarios y nosotros de verles actuar, “Pese

a que son tiempos di!ciles, hagamos que este sea el año para hablar del amor, de cosas bonitas y de olvidar todo lo malo.”

Porque al fin y al cabo todo se reduce a estar bien y apoyarnos en las cosas buenas que te-nemos a nuestro alrededor y de eso se basa

este “Impronta” que tras escuchar las trece canciones que lo forman, auguramos que con su “Impronta” los de Granada nos volverán a hacer cantar, bailar y disfrutar de sus can-ciones, olvidándonos del pasado, sin preocu-parnos por el futuro y viviendo el presente bailando, que así se vive mucho mejor. Que este sea el año de Lori Meyers.

www.lorimeyers.net

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Flying Lotus, Until The Quiet Comes — Ninja Tunes !"#! — Du-rante el Último lustro, FlyLo se ha convertido en una de las

principales referencias en lo que ha investigación musical se refiere al saber indagar en el pasado y cultivar el futuro mientras trata la música como una exploración sensorial. El californiano nos presenta ahora su cuarto larga duración integrado en la onda Warp Recs junto con otros pioneros del IDM, minimal y ambient como Boards of Canada, Aphex Twin ó Autechre, agobiado por la crítica tras sus magníficos predecesores “Los Ángeles” y “Cosmogramma” y con unas expectativas que FlyLo parece haber superado al menos a nivel personal. por Abel Molina.

Aliment, Holy Slap — La Castanya !"#! — Parece que este trío catalán son otros que también se rigen por la celebre frase de Calderón “Lo bueno si breve, dos veces bueno”. Once canciones en las que solo “Bad Blood” supera los dos minutos y medio de duración. Sin complicaciones ni lirismos Aliment ofrece caña y solo caña en las distintas variantes de power-pop, punk-pop y garage. Con una cerveza y con los colegas suenan mejor que con tu pareja y una copa. por Antonio Moreno Casero.

Eric Fuentes, Copper & Gold — BCore Disc, !"#$ — Clubes y penumbra, el barcelonés Eric Fuentes (ex Unifinished), man-

tiene la esencia del clásico estilo crooner en compañía de piano y con una producción sencilla donde la rugosa voz de Eric mantiene en segundo plano a guitarras. Timbre herencia hardcore aporta un nue-va dimensión al estilo con mayores intensidades y matices. No falta su homenaje a Frank Sinatra con su particular versión de “It Was a Very Good Year”, donde apela al romanticismo de la época dorada crooner. por Cristina Martín Gayo.

The Scantharies, The Scantharies — Mono Recordings, !"#$ — Música de contrastes, la banda del músico y productor anglo griego Andy Dragazis experimenta con diversos sonidos in-fluenciados por el garage y la psicodelia griega de los años 60 pero también sabe introducir elementos electrónicos y bases graves en temas como “The Bear”, mientras que tiende al oscurantismo con la presencia del órgano en “Hip Messiah” con unos ritmos más pausa-dos. por Cristina Martín Gayo.

Nataly Dawn, How I knew her — Nonesuch !"#$ — Nataly Dawn deja aparcado el encantador dúo” indie-youtubero

Pompla moose” para adentrarse con este LP en su aventura en so-litario. Un álbum a ratos inocente, a ratos excéntrico con evidentes ecos de Fiona Apple, Regina Spektor y Rufus Wainwright, en el que la cristalina y delicada voz de Dawn declama rimas ora naïf, ora amar-gas. Yque hace de éste un trabajo interesante que va ganando y sor-prendiendo con las escuchas. Canciones como “Why did you marry”,

“Back to the Barracks” o “Araceli” hacen que, efectivamente, merezca la pena conocer a Natalie Dawn. por Miguel Gabaldón.

Land Observations, Romanroads IV-XI — Mute !"#! — Este disco es el viaje minimalista de James Brooks (ex-miembro de Appliance) a través de hipnóticas sendas. Un ejercicio de geografía conceptual para amantes de paisajes sonoros. Con las notas de su guitarra eléctrica dispuestas en diversas capas y loops, Brooks confor-ma un sugestivo álbum que, a pesar de su aparente sencillez, crea un extraño y adictivo efecto: una impresión de desplazamiento perpetuo a la par que de estatismo y serenidad absolutos. Imagen musical de esas vías eternas, sepultadas pero siempre presentes, a las que hace referencia el título. por Miguel Gabaldón.

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Jim James, Regions Of Light And Sound Of God — ATO "#$% — Los discos en solitario de músicos que aún forman

parte de una banda mayor, suelen ser delicados, íntimos y honestos, resultado de la necesidad de expresión por encima de la ambición. Al frente de los irregulares My Morning Jacket, este músico de Ken-tucky se ha ido doctorando durante más de diez años en la fusión de estilos dispares como la psicodelia, el country, la electrónica y el indie , ahora nos ofrece la que bien podría ser su tesis doctoral. Liberado de los solos de Carl Broemel y la deriva hacia la “jam band” de su grupo madre, Jim James nos demuestra con su debut en solitario que no sólo es un brillante compositor; también es un avezado investigador en busca del envoltorio adecuado para sus canciones, alejándose de los sonidos sureños y adentrándose en la nueva ola de folk psicodélico, con tintes souleros y devaneos elec-trónicos, que roza la gloria con la despedida perfecta: “God’s Love To Deliver”. por Ignacio Simón.

Dropkick Murphys, Signed And Sealed In Blood — Born and Bred Records "#$% — Mucho me temo que el octavo disco de es-tos americanos de orgullosa ascendencia irlandesa no llegará a ser el favorito de la afición española, a no ser que alguien se haya pasado la infancia rodeado de sindicalistas y estibadores en un pub irlandés de los de verdad. Herederos del Celtic Punk de The Pogues, Dropkick Murphys tienen en la sencillez su principal virtud. Podría decirse que el grupo de Al Barr suena a un cruce entre Oi!, música celta y punk gam-berro, que su instrumentación ha crecido en cantidad y en calidad con el paso de los años y que su sonido se ha refinado desde su crudísimo debut de hace ya quince años. Pero la verdad es que lo que nos viene a la cabeza cuando escuchamos “Signed And Sealed In Blood” no es otra cosa que jarras de cerveza, rugby y alguna pelea que otra. Y eso no es necesariamente malo...por Ignacio Simón.

Clinic, Free Reigns — Domino Records "#$". — Tras la publica-ción en 2002 de su segundo largo “Walking With Thee” y acom-

pañar a Radiohead en su gira por todo el mundo, todo parecía indicar que la banda de Liverpool daría el gran salto al mainstream indie. Sin embargo, esto nunca sucedió. Lo cierto es que los de Liverpool parecen sentirse a gusto con su status de banda de culto, rehuyendo con absoluta elegancia la épica y la magnificencia, mostrándonos ahora un séptimo lanzamiento que sigue tanteando los rincones de un espacio oscuro que sólo ellos conocen y que nos van desgranando en sus sucesivas entregas. “Free Reigns” se abre paso con timidez entre ambientes experimentales y ritmos electrónicos, con una apertura tan brillante como intrigante, que encuentra una réplica desigual en los temas subsiguientes, entre los que destacan “King Kong” y la dulce e inesperada “For The Season”. por Ignacio Simón.

Françoiz Breut, La Chirurgie Des Sentiments — Green Ufos "#$" — Si mezclamos música, sensualidad y magia el resultado sería François Breut, quizá la mejor intérprete de la canción contemporánea francesa. “La Chirurgie Des Sentiments”, quinto álbum de esta cantante de Cherburgo, está repleto de grandes muestras de pop minimalista, con un sonido cercano a lo lo-fi, en los que samples y guitarras empas-tan a la perfección con la mágica y adictiva voz de la Breut. Dulzura, chansón francesa, pura sensualidad y mucha belleza para el oído, es lo que se puede sentir al escuchar “La Chirurgie Des Sentiments”. Te gustará si lo tuyo es sentarte en el sofá y dejarte llevar por los senti-mientos y sensaciones- que desprenden los once temas- hacia un viaje a lo más íntimo. por José Ruiz.

Guadalupe Plata, Guadalupe Plata — Everlasting records "#$% — El segundo LP de Guadalupe Plata, de homónimo nombre,

está cargado con trece potentes temas del más puro blues. Mantie-nen esos sonidos oscuros, incendiarios slides de guitarras, potente batería y ese “barreño” como bajo. Una perfecta combinación junto a los gritos, lamentos y alaridos desganados, con los que te trasladan a lo más profundo de los infiernos musicales, donde el ritmo te posee con “Oh My Bey”, “Esclavo” o “Milana”. Especial referencia hacia la colaboración de Walter Daniels con su armónica en “No Me Ama” y el pequeño homenaje hacia una de sus influencias musicales en “Fu-neral De John Fahey”. Si eres valiente, de espíritu enérgico y concen-trado, lo nuevo de Guadalupe Plata está pensado para ti. por José Ruiz.

Grises, No Se Alarme Señora, Soy Soviético — Origami Records, "#$% — Atentos al nuevo álbum de los donostiarras Grises, por-que el tracklist De “No Se Alarme Señora, Soy Soviético”, es el reme-dio perfecto contra la depresión y el pesimismo. Vitalidad abrumado-ra y gran positivismo desprenden sus canciones llenas de mensajes como: “Somos fuertes”, “todo irá bien” o “solo quiero reír, solo quiero olvidar”. Sintetizadores, coros y vientos hacen del segundo álbum de Grises, un proyecto enérgico, versátil y muy popero, por el que aso-man hits como “Cactus” o “Después De Todo”. Los de San Sebastián se atreven incluso con la incorporación de un coro infantil en “Despier-to”, a lo M83. Apto para quienes viven el día a día repleto de color y mucha energía. por José Ruiz.

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I Am Kloot, Let It All In — Shepherd Moon, "#$% — ¿Cómo sona-ría George Harrison en 2013? Pues, seguramente, como nos te-

nía acostumbrados: algo retraído y espiritual. No tenemos al más joven de los Beatles pero sí un proyecto que se aproxima en lo excepcional: el nuevo disco de I Am Kloot. En lo último de aquellos tres de Manchester que se juntaron allá por el 99, “Let It All In”, escuchamos diez temas de folk poético y familiar, que no renuncian a la sofisticación de melodías elaboradas. Con seis álbumes a las espaldas, líderes de lo acústico y de la escena folk británica, estos veteranos nos ofrecen temas que apa-ciguan el alma. Como muestra, “Let Them All In”, una canción deliciosa que repta sigilosamente por la dopamina de nuestro cerebro. Además, seguimos viendo ese grato saborcillo a los Elbow, con cuyos miembros han colaborado una vez más. por Lara Fernández Gutiérrez.

The History Of Apple Pie, Out Of View — Marshall Teller, "#$% — Para los nostálgicos de “todo tiempo pasado fue mejor”, llega el primer LP del quinteto de Londres: todo un revival de los años gloriosos del indie rock, una re-contextualización de las guitarras de los sesenta, una estampa sepia teñida de inocencia y romance pueril despreocupado. Eso sí, los ri!s llegan furiosos y sin avisar: para mues-tra, “Mallory”, un tema crujiente, el menos azucarado del álbum. Sin embargo, “You’re So Cool” carga un filtro shoegaze, una atmósfera de ensueño que se refleja en los ojos rasgados de Stephanie Min. Además, este pastel de manzana también lleva ingredientes psicodé-licos, cortesía del guitarrista de los Horrors, que ha producido el disco. Un trabajo quizá no muy profundo ni novedoso, pero estos jovenzue-los tienen mucho encanto. Démosles tiempo. por Lara Fernández Gutiérrez.

Night Works, Urban Heat Island — Loose Lips, "#$% — Gabril Ste-bbing, ex - Metronomy, debuta con una amalgama de electróni-

ca “buen rollera”, R&B y disco fuera de lo común. Un álbum original, con sintetizadores glaciales que nos ponen de buen humor ipso facto. De hecho, el single “Modern European”, que ya tiene video con Torre Ei!el y Louvre incluidos, desprende ese halo sibarita y hipster de flequillos y pitillos remangados, rodeados de dicha y aventuras que te auxiliarán los viernes cuando salgas del trabajo. Estas once pistas y su irresistible bass orientado al pop, ya lo han encumbrado a la cima de los poppers británicos. Qué esperar de alguien que compara la producción de mú-sica con “encontrarse a uno mismo en una ciudad extranjera y conocer a personajes desesperados por contarte historias”. Adentrémonos en su metrópoli personal. por Lara Fernández Gutiérrez.

Dutch Uncles, Out Of Touch In The Wild — Memphis Industries, "#$% — A la tercera va la vencida, dicen, y parece que así será con estos diez cortes que nos regalan los de Manchester. Mien-tras Duncan Wallis experimenta con su voz, podemos recrearnos en el dominio y variedad de percusión y cuerda. Limpieza de armonías synth-pop que nos harán pensar en numerosas ocasiones en los Phoenix, unos arreglados Swim deep o tal vez Wild Beasts. Disco que abre “Pondage” y se mantiene, ni rápido ni lento, con un cuidado trabajo de producción que se demuestra pista tras pista. “Flexxin” y “Pondage” candidatas favoritas. por Teresa del Hoyo

Aaron Thomas, The Blues And Greens — Everlasting Records "#$% — Cuatro años han pasado ya desde la publicación de “Made Of Wood” y parece que en este tiempo el australiano ha esta-

do haciendo muy bien los deberes. Manteniendo las raíces folk y rock de sus trabajos anteriores, este último LP se acompaña de un sonido mu-cho más orquestal que ya se nos revela desde el single de presentación

“How We Got Started”. Las intimistas letras de Thomas, menos oscuras en esta ocasión, se embriagan de instrumentos como el banjo de “A Fool Like Me”, el acordeón de “Night Time” o el piano de “Windows”, en unas melodías luminosas, maduras y llenas de matices donde los arre-glos toman el papel protagonista. Tras la escucha del disco, podemos decir que la espera ha valido la pena. por Sonsoles Pérez.

Delphic, Collections — Polydor. "#$% — La banda de Manches-ter regresa tras casi tres años de su notable disco de debut Acolyte (Polydor 2010). Pues bien, su último trabajo no es ni más ni menos que el fruto de una clara falta de inventiva. En total diez can-ciones que coquetean con el R&B, el hip hop y juraríamos que tam-bién lo hacen con el dubstep. El tema que abre fuego en este nuevo trabajo “Of the Young”, pese a sus ritmos pegadizos ya nos da la idea de que rompe con su predecesor Acolyte. Solamente los temas “Bai-ya” y “Atlas” aportan ese rayo de luz que nos hace recordar aquella banda que lleno nuestra vida de color allá por 2010. Esperamos que

“Collections” suponga un punto de inflexión para la banda del norte de Inglaterra y recuperen de nuevo su esencia para futuros trabajos. por Alberto Rodríguez.

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Balthazar, Rats — Banquet Records "#$" — Balthazar regresan a los ruedos tras su álbum debut “Applause”. El quinteto belga

nos regala un trabajo detallista, en el que se aprecia su gusto por las composiciones de pop clásicas. Bajo una magnífica portada se es-conden diez minuciosos temas que traen a la memoria las canciones creadas por el maravilloso dúo formado por Alex Turner y Miles Kane.

“Rats” es un álbum maduro, reposado, plagado de armonías vocales, con una acertada orquestación y una mimada mezcla. Las mejores muestras se recogen en temas como “The Oldest of Sisters”, “Later” o

“Lions Mouth”. por Beatriz Buitrón Álvarez.

Villagers, Awayland — Domino Records "#$% — Tras un álbum de-but nominado a los Mecury Prize, Villagers, la banda lidera-da por Conor J. O’Brien, regresa con un disco versátil, una miscelánea de estilos. La fecunda creatividad del artista irlandés ha distancia-do su segundo trabajo de su primogénito otorgándole interferencias electrónicas, una orquestación exuberante, arreglos cinematográficos y preciosas armonías instrumentales. La pasión de O’Brien por la lite-ratura se evidencia en las letras de las canciones, inspiradas por la muerte de su hermana, las dificultades de una larga gira y su propia vulnerabilidad. “Earthly Pleasure”, “The Waves”, “The Bell” y “Nothing Arrived” son joyas de gran valor. por Beatriz Buitrón Álvarez.

Night Beds, Country Sleep — Dead Oceans Records "#$% — “Country Sleep” es el álbum debut de Night Beds o lo que es

lo mismo; Wiston Yellen. La historia de este disco se asemeja a la de “For Emma, Forever Ago” de Bon Iver. Wiston adquirió una cabaña en Nashville que había pertenecido a Johnny Cash y se dedicó a com-poner una retahíla de canciones cuya temática gira en torno a la soledad. La ruptura con su novia fue el origen de este disco intimista, sosegado, bello, pero que, en ciertas ocasiones, peca de monótono. Su voz melodiosa y la hermosura de los coros convierten las cancio-nes en regalos para los oídos. Si bien “Ramona” es el tema más sobresaliente, no se deben pasar por alto “22” o “Borrowed Time”. por Beatriz Buitrón Álvarez.

Eels, Wonderful Glorius — Vagrant Records "#$% — “Wonderful, Glorius” supone una nueva aportación a la dilatada disco-grafía de Eels, donde el peso de las canciones se ha repartido entre varios hombros, dejando descansar ligeramente los de Mark Oliver Everett. Su banda se ha estabilizado y cada miembro ha participado en el proceso de experimentación mediante el cual se ha concebido este nuevo trabajo, trece cortes que integran distorsiones, guitarras sucias, folk y electrónica. Esta vez, las letras que Mr. E utiliza a modo de engranaje terapéutico, están salpicadas de optimismo. “Peach Blossom”, de las más aclamadas. por Beatriz Buitrón Álvarez.

El Perro del Mar, Pale Fire — Control Group "#$% — Desde que en 2009 la sueca Sarah Assbring publicara su “Love Is Not

Pop”, no habíamos vuelto a tener noticias de este singular grupo de denominación canina. Como una piedra semipreciosa, oscura por dentro y brillante por fuera, este nuevo disco muestra una potente sensibilidad basada en la electrónica y la música de baile. “Pale On Fire” y otros como “Love In Vain” o “Hold Of The Dawn” son muestra de una mezcla de referencias musicales de ascendente pop, y en oca-siones un tanto kitsch, combinadas con exquisito gusto y envueltas en el fuego helado de la voz de Assbring. por Caridad González.

Esben and the Witch, Wash The Sins Not Only The Face — Altafonte Music "#$% — Los de Brighton vuelven con un segundo disco, más literario y surreal tanto en sus letras como en sus ritmos, que a veces se rompen y se reconstruyen bajo la suave y sólida voz de Rachel Davies. Más confiados y focalizados, este segundo traba-jo refleja la madurez de una banda cuyo fuerte se encuentra en la creación de densas atmósferas de las que no es tan fácil escapar.

“Deathwaltz” y “Despair” son como una tentadora bajada a los pe-queños infiernos sonoros, aquellos que merecen la pena sin salir del cielo. por Caridad González.

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The Ruby Suns, Christopher — Sub Pop/Memphis Industries, "#$% — Sopla un viento inesperado cargado de referencias es-

candinavas. El nuevo disco de los neozelandeses ha virado su rumbo dejando atrás los sonidos africanos de “Sea Lion” para sintetizarse al máximo y apelar a ritmos más bailables. “In Real Life” o “Kingfisher Call Me” se revelan como una paleta de matices electrónicos detrás de los que se esconde el productor Chris Coady (Beach House). Las letras de Ryan McPhunn, de poca profundidad pero vestidas de tiros largos, nos siguen recordando a algo que ya hemos escuchado, a algo ochentero. por Caridad González.

Christopher Owens, Lysandre — Fat Possum / Turnstile; "#$% — Buena parte de la parroquia indie ya conoce la historia: el rubio cantante de Girls, después del gran éxito de “Father, Son, Holy Ghost”, anuncia para sorpresa de todos que abandona el grupo. Autobiográfico a más no poder, “Lysandre” lleva el nombre de una chica francesa que Owens conoció en la gira del grupo de 2008. Otro disco conceptual (llamémosle road trip album o love álbum), con una melodía que ejerce de hilo conductor del álbum (“Lysandre’s The-me”) y algunas canciones espléndidas. Entre ellas, la dulce “A Broken Heart”, “Here We Go Again”, donde resuenan los Belle & Sebastian más vitalistas, o “New York City”, la que más se parece a su antigua banda. por Miguel Díaz Herrero.

Andy Burrows, Company — Pias "#$% — El antiguo batería de Razorlight, ahora con We Are Scientists, sorprende con un dis-

co de pop adulto. Uh, “pop adulto”, que da miedo con sólo decirlo. Quizá porque puede sonar a gravedad, que la hay nada más empezar como en el tema “Company”, o a pop correcto con ligero falsete, des-taca “Keep On Moving On” que bien la podrían haber firmado Maroon 5. Poco o nada hay del saber hacer melódico de un, por ejemplo, Neil Finn. Todo suena demasiado correcto, impersonal, y radio friendly. A pesar de la abundancia de pasajes acústicos, no hay nervio ni emo-ción. Un pinchazo en toda regla, vamos. por Miguel Díaz Herrero.

Atoms for Peace, Amok — XL Recordings, "#$% — Flea y Thom Yorke llevaban tiempo preparando el debut de este supergru-po, cuya formación completan gente de la talla de Nigel Godrich o Joey Waronker (Beck, R.E.M.). Sin embargo, y a pesar de la electrónica impenetrable y sin melodías que el vocalista de Radiohead lleva (de-masiado) tiempo haciendo, tanto en solitario como con su grupo, espe-rábamos más de este disco. Sólo hay un par de temas que escapan un poco de la monotonía y las bases repetitivas: “Stuck Together Pieces”, donde podemos escuchar más el bajo de Flea, y el single “Judge, Jury And Executioner”. Para incondicionales de Yorke. por Miguel Díaz Herrero.

Anicet, Ensayos Sobre La Generación Perdida — guau records, "#$% — A pesar de ese título ligeramente pretencioso, el de-

but de la banda antes conocida como Anicet Lavodrama esconde mucha más honestidad y buenas canciones que la mayoría. Con una estructura de novela, dividida en tres capítulos (desde la infancia a la madurez) con sus acotaciones, Anicet realizan algunas interesan-tes observaciones sobre las relaciones y la vida adulta, en especial en “La Educación De La Mediocridad” y “Diario De a Bordo”, donde reflexionan sobre la paternidad. Y aunque patinen cuando se ponen demasiado graves como en “La Ciudad Del Suicidio” no importa, nos han ganado antes con sus bonitas metáforas deportivas, en la folkie

“Tu “No” Dolió Como El Codazo De Tassotti”. por Miguel Díaz Herrero.

Jamie Lidell, Jamie Lidell — Warp "#$% — A estás alturas cues-tionar su capacidad para fusionar la música negra con ritmos electrónicos no ha lugar. Músico de vanguardia, en este trabajo deja de lado el R&B de “Compass” (Warp, 2010) y se vuelca en un ritmo más funky. Un álbum lleno de capas, complejo y divertido. Una pro-ducción detallista, pulcra y exquisita puesta a disposición de rarezas como “Why_ya_Why” y hitazos como “Big Love”. Encontrarás melodías pegadizas en “You Naked” y exquisiteces como “Don’t You Love Me”. Vuelta a los beats ochenteros, al baile desenfrenado apto para los amantes del funk post-disco. por Jaime Suárez.

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Indians, Somewhere Else — &AD — El primer disco de Søren Løkke Juul de creación particular y cosecha propia nace des-

tinado a saciar nuestra sed neofolk como ya hicieron en su día grupos como Fleet Foxes o Bon Iver. Este debut, ya maduro y muy aclamado por la crítica, nos descubre un Juul íntimo y a la vez generoso con las sensaciones musicales que transmiten sus temas, como lo hacen

“Cakelakers” o “I am Haunted” cálidos y alentadores como compartir un fuego en mitad de un frondoso bosque. por Caridad González.

John Grant, Pale Green Ghost — Bella Union "#$% — John Grant es uno de aquellos tipos con maneras de crooner y voz rugosa capaz de insuflar feromonas a cualquier joven que ande despistada. Este es el segundo disco de Grant después de abandonar la formación The Czars. Su nuevo proyecto ha sido concebido en Islandia y ha conta-do con la participación de la mismísima Sinead O’Connor y en el John Grant consigue aunar con acierto la poderosa presencia del cantante norte-americano con anclajes y arreglos electrónicos. Aspereza y cier-to oscurantismo dotan al conjunto de personalidad y profundidad. por Oscar Villalibre Vicente.

Melody’s Echo Chamber, Melody’s Echo Chamber — Domino, "#$% — Detrás de Melody’s Echo Chamber encontramos a la

cantante francesa Melody Prochet ayudada en la producción por uno de los nombres mediáticos de 2012, que no es otro que el de Kevin Parker de Tame Impala. Este proyecto fraguado por las inquietudes de ambos artistas ha desembocado en este primer álbum de título homó-nimo. Un perla brillante de pop ensoñador afilada con la angulosa voz de Prochet y unos arreglos fronterizos a la baja fidelidad. El conjunto nos llega a recordar, especialmente con el corte “BisouMagique”, a los grandes Stereolab. por Oscar Villalibre Vicente.

Neil Halstead, Palindrome Hunches — Brushfire, "#$" — Neil Halstead es una de las voces más reputadas del panorama británico, especialmente por haber sido cantante y alma de la banda de culto Mojave 3. Halstead, mente inquieta, llega con este “Palin-drome Hunches” a su tercer disco en solitario. En él encontramos diez canciones de folk puro, fragilidad pasmosa y pocos arreglos. Pocos artificios le hacen falta para llegar a emocionarnos con su voz y su sensibilidad. Un disco bonito, simple y llanamente. Un ejercicio intros-pectivo y puro, que a veces nos recuerda a compadres como Little Wings. por Oscar Villalibre Vicente.

Phosphorescent, Muchacho — Dead Oceans, "#$% — El proyecto del compositor norte-americano Matthew Houck publica nue-

vo trabajo para seguir con su prolífica carrera. Phosphorescent han editado cuatro discos desde 2007, una buena muestra de la inquietud compositiva de Houck. Este cuenta que decidió marcharse una se-mana bajo el sol generoso de Méjico para componer las canciones de este disco. El resultado un trabajo de atmósferas muy presentes, tiempos lentos y canciones notables, como el single “Song For Zula”. Una fórmula que recuerda a Megafun o unos Akron/ Family más repo-sados. por Oscar Villalibre Vicente.

Sophie Hunger, The Danger Of Light — Two Gentlemen / Fever Productions "#$" — El cuarto disco de estudio de esta suiza es una explosión de ritmos atemporales en el que nos deleita con letras en inglés, alemán y francés, maestría típica de una poetisa dulce y fuerte, a partes iguales. Los ritmos cuidados así como el fluir lento y rápido, repartidos equitativamente, de las melodías folk con toques jazzísticos y corazón soul nos hablan de una producción límpida y ma-dura, que sigue la estela de sus discos anteriores. Quizás demasiado límpida: echamos de menos la frescura a la que nos tenía acostum-brados y que saca un poco la cabeza en regalos como “Like Like Like” o “The Fallen”. por Olalla Luque.

Pantha Du Prince, Elements Of Light — Rough Trade "#$% — Tras el eco de un carrillón durante un paseo matinal por Oslo, la

campana de Pantha Du Prince empezó a retumbar sin cesar. Su curio-sidad llegó a ensordecerle hasta que al final se postró ante los per-cusionistas nórdicos The Bell Laboratory. Estos últimos afinan címbalos, marimbas, campanas tubulares y hasta un sinfín de instrumentos de percusión idiófona que ornamentan el favorable “Elements Of Light”. Cual doppelgänger de Steve Reich, Hendrik Weber engalana una so-nería llena de vibraciones contrapuestas para llegar una vez más a la música electrónica por torrentes desconocidos. Pantha Du Prince rocks the bells anew. por Alejandro Rubio Rodríguez.

Yo La Tengo, Fade — Matador "#$% — Nacida del amor carnal y prodigioso de Ira Kaplan y Georgia Hubley, Yo La Tengo son una autoridad independiente con una carrera casi tan prolífica como impoluta. En su decimotercer largo, “Fade”, la mano de John McEntire (Tortoise) como nuevo productor reluce en un lirismo impregnado de drama, fatalidad y envejecimiento. Todo ello viene tejido con una soberbia orquestación que humaniza al tiempo, paisaje, animales... Cada acorde, cada intervalo, cada cadencia, nos arrastra a una fa-lacia antropomórfica. Hasta el más mínimo detalle es dulcificado y dotado de sentimientos. por Alejandro Rubio Rodríguez.

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The Courteeners, Anna — V" Music "#$% — El último trabajo del cuarteto de Mánchester no se puede digerir ni con bicarbo-

nato sódico ni con sal de frutas. Provoca una severa acidez estomacal, una sensación de ardor por el pecho y por la garganta hasta desem-bocar en una náusea. La causa está en esa luctuosa terquedad que se tiene en nuestros días a la hora de recrear la distorsión analógica y también en la introducción de elementos electrónicos al repertorio, malabareando en dimensiones que se alejan mucho de la realidad. Así mismo, “Anna” saca a relucir sus vergüenzas, dejándoles en una situación tétrica. por Alejandro Rubio Rodríguez.

The Plea, The Dreamer’s Stadium — Planet Function "#$" — Tras probar suerte en Boston y ver que allí los pubs irlandeses no son iguales que los del Ulster, The Plea vuelven a casa y sacan su primer elepé: “The Dreamers Stadium”. Un trabajo que, a pesar de tener algún tema redondo como “Too Young To Die” con un bonus track folkie muy digno, la integridad del disco se mueve en un indie rock que parecíamos haber superado ya. Recuerdos a The Verve y a U2, con preponderancia a estos últimos no describe todo el potencial del disco, algo malo para el grupo y para nosotros. Y es que lo que Irlanda necesita son más Bloody Valentine(s) y Undertones para que Londres vuelva a mirar con envidia hacia el norte. por Víctor Cabo.

The Fresh & Onlys, Long Slow Dance — Souterrain Transmissions "#$" — Ya es oficial; The Fresh & Onlys dejan el garage y lle-

nan de jangle su nuevo disco, “Long Slow Dance”. Mientras que a sus madres esto les va a encantar, a muchos ha decepcionado esta nue-va suavidad de la banda. Sin embargo, han sabido moverse de una manera más que notable en este nuevo registro. Aunque las guitarras anacrónicas de temas como “Yes Or No” les hagan parecer sin rumbo o un pastiche poco elegante entre pasado y presente; es cierto que la elegancia pop que rezuman en temas como “20 Days & 20 Nights” nos lleva a las mejores melodías de The Smiths. Transportados de pronto a los mundos de Sarah Records. por Rafael C. Gardón.

Edwyn Collins, Understated — AED Records "#$% — Tras conocer las llamas de la enfermedad, el milagro de Edwyn Collins si-gue adelante. Fiel al rock & roll y el soul de su último disco, el ex líder de los Orange Juice nos regala un buen disco de los de antes, lleno de matices, con el optimismo y la duda de quién lo ha visto todo.

“Understated” se saborea mejor junto con su predecesor; si en aquel se preguntaba “What Is My Role?”, en “Dilemma”, el gran tema del disco, continua cuestionando incansable su mundo. Pero la alegría vuelve pronto a él; “Carry On, Carry On” tiene lo mejor de ese pop inglés de los setenta que es capaz de llenar de vida incluso una fábrica soviética. por Rafael C. Gardón.

Al Berkowitz, A Long Hereafter / Nothing Beyond — Green Ufos "#$% — Suenan a Oklahoma, pero son tres madrileños de

pura cepa y en la misma capital han engendrado esta obra maestra, exenta de cualquier etiqueta predefinida. Este disco es un cerebro en ebullición, y sus hemisferios constituyen un maremágnum de colores psicodélicos a lo Pink Floyd. Por sus conexiones neuronales, nave-ga una pizca de jazz, otra de crispado rock progresivo y muchos tintes experimentales. Su sonido fluye como una lava sólida, y va mutando a lo largo del álbum. Ahora entendemos esos tres años de silencio: un tiempo insuficiente para diseñar de forma tan meticulosa una base muy melancólica y, a veces, desquiciante. por Lara Fernández Gutiérrez.

Josh Ritter, The Beast In Its Tracks — yep roc records "#$% — Que es un compositor a lo grande, ya lo intuíamos. Que se ha divorciado de la también cantautora Dawn Landes, lo ha gritado él mismo a los cuatro vientos. Ahora, además, nos lo canta. Es el álbum con las letras más confesionales que ha generado nunca. Entre com-posiciones educadas y austeras, encontramos apologías al caos de las emociones y a la caída libre que sigue a una ruptura. Aún así ya ha pasado un tiempo, en el que Ritter ha enderezado su timón. Ahora navega en aguas serenas y, como resultado, emerge un disco que podría ser menos frío y sensato, pero aún vislumbramos lógicos ecos de tensión en un relato tan autobiográfico como universal. por Lara Fernández Gutiérrez.

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Texto por Lara Fernández.Fotografía por Roch Armando.

Cada concierto pone a sus fans en una pla-centera alerta, tras el salto a la fama del álbum debut de los de Normandía: “Be Your Own King” (Bella Union, !"#$), una colección de diez temas que alientan el es-píritu y nos cargan de la energía más po-tente. “Es nuestro primer LP, por lo que es

inmensamente especial. Habíamos estado mucho tiempo en el escenario, y ponernos a grabar fue algo raro. Nos costaba muchísimo sentirnos cómodos en el estudio, así que cogimos todo el equipo y nos fuimos al campo en busca de un ambiente familiar. Necesitábamos grabar donde nos sintiéramos como en casa para que nuestros sentimientos más profundos fluyeran. También comparti-mos mucho con Dan Levy, de ‘The Do’, que nos dio consejos muy valiosos”, co-

menta Morgane Colas, la vocalista.

“Be Your Own King” es un título revelador, desde luego, pero también una filoso%a. Una actitud, una arenga, una llamada al inconfor-mismo, una instrucción para enfrentarse al mundo con una sonrisa y mucha ironía, para conseguir tus metas, para ser ambicioso. “Tie-

nes toda una vida para ser tu propio rey”: es el mensaje de los Concrete Knives, en un disco enraizado en el pop, explosivo y juguetón, con bajos palpitantes. Las canciones son bas-tante diferentes entre si, y Morgane equipara esta mezcla heterogénea con la vida misma: “Así

es como nos sentimos. ¿Por qué vamos a crear sólo canciones alegres si no estamos alegres todos los días? ¿Acaso no llega la felicidad solamente tras la tristeza? Cada canción es independiente porque noso-tros no tenemos nada predefinido. El dis-co puede tomarse un poco como una crí-tica hacia el mundo occidental, ficticio y ciego, pero también pretendemos llenar de fuerza a quien nos escuche, para que afronte cualquier desa!o. Por ejemplo, la portada del álbum busca reflejar a un chico que trata de ser su propio héroe, es decir, quiere manejar su vida y tomar sus propias decisiones, porque si esperas a que alguien venga a salvarte te tirarás toda la eternidad. El álbum es un tipo

de motivación, pero, en realidad, lo más importante para mí no es analizar el mun-do, sino los sentimientos que la música, a nivel sensorial, producen. Esos son los que te pertenecen por completo”.

El primer single, “Wallpaper”, encierra un gran misterio. Muestra un sonido más serio y maduro que el resto del álbum, el folk psicodé-lico que lo envuelve crea una atmósfera difusa y oscura. Sobre él, la cantante asegura que “es

una canción muy íntima y psicológica, refleja muchos sentimientos. El video de este tema (un paisaje sombrío por el que deambulan máscaras y rostros inertes) ha sido dirigido por Julien Langendor&, en función de lo que a él le evocaba. Que-ríamos algo así, inquietante y en el borde de lo paranormal. Una especie de pesa-dilla”. Entre la música brillante y honesta

de esta banda francesa, también encontramos “Brand New Start”, un tema alegre y enérgico. Cuando sus ritmos empiezan a golpear, un car-naval de colores se pasea atrevidamente por tu habitación. “Recuerdo perfectamente cuando

lo grabamos. Yo acababa de llegar al gru-po y Nico (Nicolas Delahaye) había com-puesto este tema para un proyecto expe-rimental suyo. El hecho de que decidiera compartirlo con nosotros fue una especie de punto de inflexión para la banda. Fue realmente un nuevo comienzo, estábamos eufóricos. Tiene mucho significado esta

canción”. Pero si Morgane tiene que escoger su favorita para tocar en vivo, esa es “Roller Boo-

gie”: “Yo no canto, así que bailo y hago lo que me da la gana, porque en esta ocasión el vocalista es el teclado. Este tema es un homenaje a ‘Boogie Roller’, la película que tiene lugar en Venice Beach, California. La idea principal era escribir una historia clásica y así ha salido esta especie de re-creación, de trance positivo”. Un trance

positivo y psicodélico que, en el inicio de la canción, evoca a los grandes New Order.

Y no sabemos qué le evocaron a Simon Ray-monde, el jefe del sello Bella Union (que lleva a artistas como Fleet Foxes, M. Ward o Veronica Falls), pero seguro que algo muy bueno. De he-cho, se enamoro de estos jovenzuelos en cuanto

vio su fuerza sobre el escenario. “No teníamos prisa por firmar. Queríamos encontrar a alguien que nos gustara realmente, y llegó Simon. Nos descubrió en Montreal, mien-tras tocábamos en un festival. Le gustamos y quiso ficharnos”; cuenta Morgane. Así,

por la puerta grande de la industrial musical, se han convertido en el primer grupo francés que forma parte del sello. Algunos, ya los han convertido en los dignos herederos de B’)!, mientras que otros han encontrado en este dis-co fragmentos de la escena musical de Nueva York en los &". A ellos no les importan lo más mínimo estas etiquetas: “Algunos nos han dicho

que nos parecemos a B’'", y otros a Battles. ¡Qué más da eso! Sólo hacemos música, y todos los grupos somos siempre herederos de los que nos han precedido. Escuchamos música de los (#, pero también de mucho antes y, por supuesto, actual. Sólo tene-mos las herramientas en nuestras manos, y las usamos a nuestro antojo, de acuerdo a nuestra experiencia y a nuestro estado de ánimo, sin tratar de recrear un periodo o de inventar algo nuevo. El único objetivo es que la gente se lo pase genial cuando nos ve tocar”, asegura la vocalista.

Entre los grupos que han inspirado a estas vo-ces fuertes y particulares, está Archie Bronson Oufit, la que consideran una de las mejores bandas de la historia. Además, Morgane cuen-ta que también son muy fans “de otros grupos

más antiguos como Kleenex/ Liliput, Chin Chin, Delta ', o otros más ‘poppy’ como Talking Heads, Jonathan Richman o Pixies”. Con estas influencias, no nos

extraña que el resultado sea un EP tan audaz. A nosotros, ya nos han contagiado su vivacidad y sólo esperamos que crucen pronto los Pirineos, con su equilibrio perfecto de indie pop, para prender fuego a nuestros escenarios.

www.concreteknives.bandcamp.com

Con una mezcla entre exuberancia juvenil y mucho talento, Concrete Knives emerge como la banda que está revolucionando los escenarios europeos armados con guitarras resonantes, melodías elaboradas y, sobre todo, eufóricas voces colectivas que definen su sello personal.

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Iván López Munuera (#'&") es historiador de arte y especialista en Arte Contemporáneo, Estudios Culturales y Nuevos Medios. Pese a su juventud, cuenta con un dilatado currí-culum que incluye colaboraciones como crí-tico en revistas especializadas como “Arte y Parte”, actividad docente en la Universidad de Georgetown, labores de comisariado, do-cumentación y gestión en instituciones como Museo Nacional Centro de Arte Reina So%a, donde comisarió la muestra Los esquizos de Madrid. Figuración madrileña de los (", y ACAX (Agency for Contemporary Art Ex-change), Ludwig Museum, ARCO, Instituto Complutense de Ciencias Musicales y Mata-dero de Madrid, donde participa en el grupo de investigación y trabajo de Matadero, El Ranchito. Además, Munuera dirige su propio canal de televisión independiente, Fuzzy Now Broadcasting TV.

¿Por qué una exposición de música, arte y política?

Tanto el arte como la música y la política son terrenos que conforman nuestra vi-sión, entendimiento y posicionamiento crítico frente a la realidad. Son campos conectados entre sí que muchas veces son

Texto por Beatriz Ah!ón.

dejados de lado como espacios donde es posible desarrollar una emancipación per-sonal y colectiva. Para mí es importante resignificarlos y dotarlos de visibilidad como arenas donde es posible elaborar y poner en escena debates que construyen nuestro día a día. Siempre ha existido una relación entre arte y música, pero en los últimos cuarenta años es más visible, en-tre otros motivos por la aceptación de la música como un campo de conocimien-to esencial. La cuestión es dar cabida a los diferentes estilos musicales y poder analizarlos de manera concreta y conec-tada. El funk en la obra de Luis Jacob, el blaxplotiation o la música tipo Stax en las composiciones de Mickalene Thomas, los vodeviles de los años )# en la de Kalup Linzy o los Smiths en Aitor Saraiba, todos son esenciales y hacen emerger diferen-tes posicionamientos. Hay genealogías alternativas y archipiélagos de ironía que ponen en cuestión cómo se construyen nuestras historias o qué es considerado respetable y constitutivo de un saber.

¿Cómo llegaste a la idea de una exposición cuya temática fuera la música a través del so-porte arte?

A través de la visita a diferentes estudios de artistas, conversaciones con agentes, recuento de exposiciones contempo-ráneas y referencias continuas que me hacían preguntarme si, por ejemplo, una figura como David Bowie había sido más influyente en ciertos artistas contempo-ráneos que Bruce Nauman. Al mismo tiempo, la capacidad emocional y afectiva de la música permite generar una arena donde todos estamos inmersos y nos per-mite actuar como espectadores activos, participar con nuestros conocimientos y experiencias.

¿Cuál ha sido el impacto real de la música en nuestra sociedad?

A lo largo de los siglos XX y XXI se han dado toda una serie de acontecimientos que han tenido como centro gravitacional los diferentes conocimientos producidos en la música Pop (o formas musicales po-pulares urbanas, ya sea rock, punk, pos-tpunk, disco, tropicalismo, psicodelia, tecno, electro, hip-hop…) y que han varia-do por completo el tejido cultural y social. Unas acciones no siempre presentes en las historias al uso pero que, sin embargo,

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han producido una quiebra radical en la estética, las vinculaciones sociales y las interacciones con los órdenes es-tablecidos. La música entendida como una arena de lo político donde se ponen en juego diferentes posicionamientos, como una extensa atmósfera de relacio-nes que contiene canales de hegemonía, pero también archipiélagos de alternativa, ironía, desatención y disidencia. Porque sus variados sistemas de relación no son subculturas ajenas a un contexto global, sino agencias compartidas y posiciones de conocimiento conectadas entre sí, hibridadas y contaminadas, en las que es posible encontrar micro-espacios de descoordinación. Una arena política que ha influido de manera determinante en el presente, desvelando las implicaciones ac-tuales de muchas de las manifestaciones estéticas y artísticas de hoy día.

¿Crees que la música puede ser el motor del cambio, su banda sonora, o ambas cosas?

Creo que es importante visualizar el arte y la música no como espacios de contra-sociedad o subculturas ajenas a un mar-co global, sino como partes esenciales en un contexto amplio. En este sentido, la música puede actuar como motor de cambio y como banda sonora, de la mis-ma manera que el arte puede ayudar a representar y problematizar el lugar en el que nos encontramos o el espacio de deseo en el que queremos estar o vernos representados.

Al observar las obras da la sensacion que la exposición trata la figura del fan desde un punto de vista original...

El fan ha sido entendido habitualmente como una figura alienada, carente de voz, que acata los designios de la estrella o del mercado, pero esto no siempre es así. Las etnogra!as del fenómeno fan y los recuen-tos que de ellos hacen numerosos artistas contemporáneos como Jeremy Deller y Nick Abrahams, Luke Fowler, Lorea Al-faro, Christian Marclay, Francesc Ruiz o Momu & No Es, han permitido superar la lectura de la figura del espectador como un agente pasivo -un receptor acrítico y socialmente desorganizado, sin capacidad para intervenir en los procesos de produc-ción y significación de lo pop-, para re-interpretarlo como un agente activo que contribuye al desarrollo, elaboración y re-lectura de estos productos. El trabajo de diversos artistas ha documentado cómo en muchos casos los fans abordan proyectos de emancipación personal o colectiva en la manera en que se vinculan a las “estre-llas” de la música, de las que disponen de manera independiente, reprogramando las correlaciones entre icono e ideología en el ámbito de su experiencia cotidiana.

Pop politics tiene un cierto aire retro… ¿Qué fue de aquella juventud rebelde?

Para mí era esencial desligar la idea de “ju-ventu”’ como constitutiva de un contexto cultural ligado a la música. La música es intergeneracional y trasnacional. Cada ar-tista genera vínculos diversos al margen de su generación: de las canciones de Kurt Weil y Bertolt Brecht en la obra de Disco-teca Flaming Star al New Wave de Pettibon o la música de Amy Winehouse en Lorea Alfaro. Del mismo modo, he tratado de no abordar sólo aquellas tradiciones musica-

les que puedan provenir de Occidente: te-nemos desde las obras del japonés Lyota Yagi hasta la chicha del peruano radicado en México Gabriel Acevedo Velarde. Por otro lado, he querido que todos ellos estén al mismo nivel, pues sus trabajos lo me-recían: tenemos desde el premio Turner Jeremy Deller o el último León de Oro de la Bienal de Venecia Christian Marclay a figuras cuya trayectoria está elaborándose en tiempo presente, como June Crespo.

¿Qué papel juega la música en tus intereses como investigador?, ¿Y en tu vida?

Un papel crucial en ambos sentidos. Cons-truye los diferentes campos de conoci-miento, más aún en un terreno como el arte, que visibiliza de manera continua el lugar en el que nos situamos, lo dota de significación y crítica, y que, por supuesto, afecta a nuestro día a día.

¿Qué música escuchas?

Sé que parece una respuesta estereotipada, pero es muy variada: ahora mismo estoy escuchando un recopilatorio de Robert Crumb sobre primeras grabaciones en discos de pizarra (Gay Life in Dikanka. R. Crumb’s Old Time Favorites) y lo alterno con Frank Ocean, Arvo Part, The Smiths, Gang Of Four, El H%o y John Talabot.

En Pop Politics:Activismos a 33 revoluciones, Munuera

aborda la dimensión política de la música y su importancia para comprender los movimientos

sociales de nuestro tiempo.

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Un joven apocado y, en apariencia, distraído que, en realidad, escupe su alma en cada can-ción. Un trovador astuto y existencialista, que vuelca en la música una pugna interna: cada ilusión y cada hastío. “{Awayland}” (Domino Records, !"#$) su nuevo álbum, constituye una catarsis. La exteriorización más pura de una mente lúcida e inconformista, que dice buscar la verdad de la vida dónde sólo puede hallarse: en el origen.“Cuando empecé a componer sólo

tenía una cosa clara: quería ser un niño, un lienzo en blanco. Quería hacerme las preguntas que una mente aún no corrupta se hace sobre el origen del universo, sobre la inmensidad del cosmos, sobre mi insig-nificancia, y la tuya. Todo es susceptible de ser cuestionado y, a veces, lo olvidamos al crecer. Los niños ven la vida de una forma distinta, su perspectiva aún no está envenenada por la sociedad”.

Así, sin pedanterías, O’Brien se convierte en experto de su propia existencia, y de la del resto de los mortales. “{Awayland}” es un pro-yecto tan ambicioso, que cuesta creer como alguien se ha lanzado de cabeza, y sin frenos, a tocar en un disco épico, con un asombroso estilo cinematográfico, el folk anglosajón como lo habíamos conocido hasta ahora. “La com-

posición ha sido di!cil, porque he juga-do mucho con las texturas, buscando algo

muy experimental. Me metí de repente en el terreno de la electrónica, meses y meses enganchado a la guitarra y al sintetizador, practicando sonidos. Aho-ra nuestros conciertos son mucho más pesados técnicamente: llevamos teclados y más maquinaria, aunque por supues-to mantenemos una importante parte acústica. En realidad, creo que tuve que aprender cómo se hace la música techno”,

afirma entre risas. Se erige así como uno de los mejores vocalistas del año, con una voz expre-siva y controlada que, en ocasiones, incluso te susurra al oído, como en “In A Newfound Land You Are Free”, tema que “intenta li-

diar con la locura total que impera en el mundo”. También es el caso de “My

Lighthouse”, una balada “de búsqueda”, in-trospectiva y endemoniadamente triste, que demuestra que no hay que hacer fuegos arti-ficiales para engendrar algo sublime. Pero si hablamos de momentos acústicos y emociona-les, debemos acudir a “Nothing Arrived”, en cuyo estribillo Conor te suelta: “I waited for something, and something died / So I waited for nothing, and nothing arrived” y, además, te lo acompaña con un video demoledor so-bre un tal Terrence Bliss, un hombre tímido y fracasado, con una vida mediocre, que ni siquiera se alegra cuando le toca la lotería. ¿Quiere transmitirnos una filoso%a horrible

de la vida? ¿Que no esperemos nada de ella? ¿Que recelemos de la posibilidad de una bue-na suerte repentina? Todo lo contrario: “No

busco que quien la escuche se identifi-que con Terrence. Quiero transmitir que tenemos muchas cosas alrededor que no valoramos, me gustaría remover alguna conciencia”.

Además de melodías sosegadas, toda historia de fantasía que se precie ha de tener un dina-mismo sorprendente, y este álbum no podía ser menos. Ahí está “The Waves”, una can-ción hipnótica cuyo final constituye el mayor clímax del disco, un tsunami furioso a base de guitarras distorsionadas y una electrónica deliciosa. ¿Cuál es el secreto para fundir sin-tetizadores propios de OMD con una lírica colmada de inquietudes y pretensiones poé-ticas? Sólo los Villagers lo saben, y no parecen están dispuestos a revelarlo. Lo único que po-demos decirte es que en sus Ipods lo que más suena últimamente es puro techno minima-lista, como lo lees: “Escucho electrónica como

Plastikman o también Ataxia, mucho es-tilo Ambient, aunque también Funk. Soy muy ecléctico”, cuenta O’Brien.

A estas alturas de la entrevista ya nos hemos dado cuenta (si no lo habíamos hecho ya al es-cucharlo) de que todas las canciones utilizan

No sabemos si, como reza su nombre,son aldeanos o más bien cosmopolitas, pero los Villagers

llevan cosechando éxitos desde su debut en 2010. Con aquel “Becoming a Jackal”, que se presentaba con un folk humilde

y brillante, se hicieron con la nominación al Mercury Prize. Poco a poco, los ojos verdes e inteligentes de Conor O’ Brien,

el vocalista, dejaron entrever su personalidad.

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Texto por Lara Fernández. Fotografía por Rich Gilligan.

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la metáfora como bala. No hay más que echar un vistazo a algunos títulos como “Judgment call”, “Earthly Pleasure” o la citada “In A Newfoundland You Are Free”. En algunos casos, como en “Passing A Message” el men-saje, diluido entre vibraciones psicodélicas, es diáfano: “I learned how to listen to the folks on TV/ They are passing a message that means nothing to me”. Sin embargo, también hay mucho material sepultado. “No todo lo que

quiero transmitir es evidente, de hecho mi mensaje es más bien críptico. Tienes que regresar a las canciones para encon-trar nuevos matices, que en la primera o la segunda escucha no se manifiestan”,

afirma Conor. Matices que no siempre son lúgubres. De hecho, “The Bell” es un tema cargado de humor. “{Awayland} es una tragi-

comedia, un conglomerado del desastre que supone la vida en sí misma. He queri-do poner las cosas divertidas junto a la os-curidad y la melancolía. Referencias muy dark, muy profundas, junto a la risa y la diversión; momentos ridículos, momentos bellos. Así es nuestra naturaleza humana”.

De este modo, nos invita a experimentar nos-talgia, ilusión y sentimiento de culpabilidad (a veces, al mismo tiempo) en sólo once cancio-

nes. Las texturas son gloriosas, puedes tocar las melodías, y hay momentos que realmente cortan el aliento. La reciente muerte de su her-mana, lecturas de Heidegger, Sartre o Camus y su vulnerabilidad innata, ya presente en el ante-rior trabajo, han sido las principales fuentes de inspiración. Pero si hay algo que hizo a Conor darse cuenta de que este nuevo proyecto iba a ser rompedor y radicalmente distinto a lo que había hecho hasta ahora, fue una experiencia soporífera en su última gira: “Fue demasiado

larga, más de dos años; una y otra vez to-cando las mismas canciones. Pero lo que más me fastidiaba era que, al final, había muchas de ellas que ya no las sentía, que había cambiado de opinión respecto a cuando las escribí. Cuando canto ante una audiencia, quiero que la gente se inspire de la misma magia que me inspiró a mí al componerla. Por eso cuando empecé este álbum quise abrir mi mente hasta el límite, estar lo más receptivo posible, expandir mi imaginación y mi curiosidad innata. No quería inclinarme hacia los sentimien-tos que se reproducen comúnmente en las canciones, quería algo distinto. Pensé: a ver, ¿cómo me voy a sentir cuando toque muchas veces estas canciones? También

por eso hemos modificado la parte ins-trumental, porque queremos disfrutar al máximo de la puesta en escena. Todo será mucho más dinámico esta vez”.

Así, entre acantilados, fuertes propósitos y verdes leyendas, “{Awayland}” se ha cocido a fuego lento en el norte de Irlanda. Quizás de ahí surge esa atmósfera expansiva, con potente instrumentación y voces que recuerdan a los Radiohead de los '"; esos espejismos de cria-turas exóticas, y una extrañeza fónica enraizada en el folk, muy del estilo Alt-J, que te obliga a darle al play una vez tras otra. Un imaginario vivo a través de versos rídiculos, densos, serios, espléndidos, agudos. Quizá los enamorados de la introspección absoluta de su primer trabajo, o los completos detractores de “esa música que no es tal, porque está hecha por máquinas”, es decir, de cualquier inclusión electrónica, pongan pegas esta vez a los Villagers. Pero renovarse y no perder la esencia es algo muy complicado, y no olvidemos que, hasta ahora, ningún teclado, sintetizador o caja de ritmo ha creado arte por sí mismo.

www.wearevillagers.com

92 villagersmúsica

La música, como quizás también el futbol o otras disciplinas,está llena de héroes anónimos. Tapados que han desarrollado una

prolífica y genial trayectoria a espaldas de las páginas más doradas del éxito comercial. Nombres solo deletreados por unos cuantos. Seguidores

que tratan a estos artistas semi-anónimos con devoción y con cariño desmesurado, por el mal trato de la caballería comercial. Thalia Zedek

es, sin duda, uno de esos nombres.

94música

thalia zedekTexto por Oscar Villalibre. Fotografía por Lana Caplan.

Esta cantante y compositora norteamericana lleva desde los años &" cimentando una carre-ra aclamada por la crítica y desconocida por gran parte del público. Considerada y valo-rada con el pedigrí suficiente para ser colo-cada al lado de otros nombres más laureados como los de Patti Smith, Kim Gordon o Kim Deal. Nada más y nada menos. Su música se vertebró durante sus inicios con bandas como Uzi y Live Skull, antes de formar Come junto a Chris Brokaw de Codeine. Este fue el punto más álgido de su palmarés, hasta la disolución de la banda en !""#. Luego Zedek tomó su propio nombre y empezó a fraguar su proyec-to musical más personal liderando una nueva banda (Thalia Zedek’s Band), y que en !""& publicó “Liars and Prayers” (Thrill Jockey). Un disco notable que ha sido el único con-suelo sonoro hasta la llegada de “Via” (Thrill Jockey, !"#$) y la confirmación de qué Thalia Zedek sigue en la brecha creativa. Alejada del foco mediático, pero igualmente intensa y aclamada por sus más fervientes seguidores.

Así pues casi cinco años de silencio. Tiempo en qué hemos conocido poco sobre las peri-pecias de la compositora de Washington D.C. Aprovechando nuestra entrevista con ella, la primera pregunta parece fácil. ¿Qué ha suce-dido en todo este tiempo? Thalia Zedek nos responde “estuvimos rodando bastante con la

banda con nuestro anterior disco entre "##( y "##*, hasta que nuestro batería Daniel Coughlin, que llevaba mucho tiempo con nosotros, dejó la formación a principios de "#$#. Entonces estuvimos algún tiempo buscando a fondo un nuevo batería. Finalmente hicimos un gran ha-llazgo con Dave Bryson de Son Volt. Nos pusimos a trabajar rápidamente, aunque no habíamos tocado mucho de nuestro viejo material con él, así que nos dedi-camos a improvisar y a escribir nuevas canciones. No queríamos hacer las cosas demasiado rápido, sin pensarlas.” Años

de cambios y de cogerse las cosas con calma, en resumen. Una buena y honesta manera de encarar la composición musical, sin duda. ¿Pero por qué ahora? Como el vino que se oxigena y desprende sus taninos para abrazar el paladar, parece haber llegado el momento para este “Via”, el nuevo trabajo de Zedek y su banda. Y sobre el por qué ahora Thalia aclara que “con los chicos nos reuníamos una

vez a la semana más o menos para tocar las canciones y crear nuevas composiciones. Llegamos a un punto en el que considera-

ba que teníamos suficiente material para poder grabar un disco, pero a la vez quería esperar, simplemente porqué tenía ganas de escribir una buena canción más. Lue-go, hacia mayo del año pasado, nuestro nuevo batería, Dave, nos anunció que habían ofrecido un trabajo a su mujer en Buenos Aires y que se irían para allí en julio. Entonces me pregunté qué pasaría con todas aquellas canciones que ya ha-bíamos compuesto. Así que reservamos el estudio y nos pusimos a grabar las pistas básicas antes de verano, posteriormente, en septiembre, cuando nuestro productor tenía un hueco en la agenda, acabamos de terminar las voces y las mezclas. Con todo Thrill Jockey – sello que ha editado

“Via”- hubiera podido publicar el LP has-ta marzo, pero nos dejaron tiempo para buscar otra vez un nuevo encargado de tocar la batería. Finalmente ha sido Dave Norton, que había tocado con mi pianista Mel en la formación Victory at Sea. Es un tipo impresionante y ya hemos escrito algunas nuevas canciones con él.”

Un silencio no forzado. Para Thalia Zedek y su banda han sido tiempos de creación sin estridencias, a fuego lento. Pero sin que ello no haya significado falta de baches y traspiés en el camino. Vaivenes con denominación de origen en la carrera de la cantante norte-americana. Así, la llegada de Dave Norton a la batería esperemos comporte una tregua a los cíclicos cambios en esta formación, que desde !""& transita en la creación de potentes composiciones indie-rock. Una mujer porten-tosa y de genio innegable. Su anterior disco

“Liars & Prayers” (!""&) ya dejó muestras de su capacidad para liderar una formación, y de sus cabales para pilotar un sonido específico dentro de los parámetros de la escuela rock norteamericana. Así mismo, “Via” nos llega como una obra con diferencias sonoras respeto a la anterior, aunque sin abandonar sus patro-nes más básicos. Sobre las diferencias entre ambos discos, ella comenta que “el sonido que

se puede encontrar en los dos álbumes es muy diferente. La paleta de sonoridades es mucho más amplia. “Via” es un trabajo menos oscuro y más espacioso. Quizás es un poco menos introspectivo y un poco más extrovertido o expresivo”. Pasos

medidos, proyecto de largo recorrido, nada de trucos efectistas sin valor añadido. Guita-rras electrizantes, muchos pasajes densos y el peso de las letras. Una poderosa ecuación

de tranquilidad y intensidad. Un conjunto de elementos polinómicos que vienen a dar un resultado lustroso, con picos de magnificencia materializados en cortes como “Lucky One” o “Walk Away”. A razón de la composición del disco, Zedek explica que “a las canciones

se les ha de dejar hacer su propio cami-no, más que intentar forzarlas a qué to-das ellas formen un mismo ambiente. A mi parecer todas las canciones de este disco son muy diferentes las unas de las otras. Por otra parte, sobre los temas de qué tratan las canciones, hay un poco de sensación de derrota en ellas. Pero el mensaje inherente es que a veces tienes que atravesar tiempos di!ciles y compli-cados, pero siempre acabas triunfando y venciéndoles al final de todo.”

Ciertamente el peso del pasado y las dificul-tades cíclicas en las vidas mundanas son un cabo recurrente en el puerto desde el que ha zarpado este disco. En definitiva, aquella sensación de cierta penumbra y de tormento apegada a la carrera de Thalia Zedek. Una auténtica superviviente del circuito musical, que va sumando años y discos a espaldas de la comercialidad. De ella emana un aire de respeto y genialidad, no pasado por alto por la crítica, que la ha situado en un, seguramente merecido, pedestal. “Me siento muy halagada

por conocer que soy alguien aclamada por la crítica. Es muy bonito saber que algo a lo que dedicas mucho tiempo y esfuerzo a hacer es valorado por los otros”, sentencia Thalia Zedek para

concluir esta entrevista. El reconocimiento, pues, vaya siempre por delante.

www.zedek.sowrong.org

thalia zedek 95

97espacio Km.0 jonathan notario

Parque fluvial abandonado19/01/13 – 13/10/13

Un lugar para un único individuo19/01/13 – 09/06/13

The Artist’s Studios (Los talleres de la artista)09/03/13 – 28/09/13

Laboratorio 987

vues partielles, vistas parcialesCiclo expositivo La forma y el querer-decir19/01/13 – 16/06/13 Proyecto Vitrinas

Auditorium / Display19/01/13 – 16/06/13

Programación expositiva primer semestre 2013

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música 106

Hoy es uno de esos días que aparecen marca-do en rojo en el calendario, y no porque sea festivo, sino porque hoy podré hablar con Iran Kaplan, miembro de Yo La Tengo, grupo con-siderado de culto dentro del panorama musical independiente. Y es que hablar con él es un lujo, como lo es toda su discogra%a y por su-puesto su último trabajo Fade (Matador, !"#$).

Una primera escucha del álbum nos lleva a pensar en la mortalidad, pero además entre los surcos de este magnífico “Fade” parece existir, dentro del mismo, un mensaje oculto: “No te

voy a contar de qué trata, creo que tiene que ser cada persona que escuche el dis-co, quien tiene que llegar a sus propias conclusiones. Si tú crees que se centra en la muerte, la mortalidad del ser hu-mano... es tu conclusión y es válida”. Lo que sí es evidente es que nos encon-

tramos ante un trabajo más escueto que los anteriores: “Nos gustan las canciones cortas,

pero a la hora de hacerlo nosotros... sim-plemente antes no nos salía, o sentíamos que la canción no podía acortarse, que tenía que ser así. ¡Esta vez sí que nos ha salido!”. ¡Vaya si les ha salido y de qué

manera! La espera que algunos hemos tenido que soportar hasta la aparición de este trabajo ha merecido la pena, todo un lustro, desde su último trabajo “Popular Song” (!""') “...pero

no hemos parado de hacer cosas. He-mos tardado casi dos años en terminar el disco, ya que hemos estado trabajando en proyectos paralelos, haciendo otras cosas. ¡Pero nunca nos olvidamos de Yo La Tengo!”

Los nervios y miedos presentes al inicio de la conversación van desvaneciéndose, tal y como sugiere el título del disco y me pregunto si Yo La Tengo intenta, a lo largo de los diez temas que componen el disco, hablarnos de sus mie-dos: miedos no superados, nuevos miedos... “no

te voy a contestar a eso”, me responde entre risas, aunque seguidamente añade “la

verdad es que creo que siempre te estás enfrentando a nuevos miedos, ¿no? Las cosas van cambiando, se convierten en algo más fácil o más di!cil, o en algo mu-cho más duro. De alguna manera, enfren-tarte a nuevos miedos es algo que siempre ha ido unido a la banda. Diría que uno de los progresos más importantes de Yo La Tengo ha sido superar esos miedos, creo que realmente lo es todo”. Kaplan subra-

ya que “aún a riesgo de parecer repetitivo, te diré que uno de los mensajes del disco es

que tienes que descubrir su significado por ti mismo”.

Así que primera lección: debes seguir el con-sejo del maestro. Darle al play y dejarte llevar, dejar que canciones como por ejemplo “Is That Enough” te hagan plantear la importancia relativa de las cosas. Que mientras escuchas el álbum se pare el tiempo y te olvides de tus pro-blemas, tus metas y de los sueños por cumplir:

“no sé si ese era el objetivo final, pero te diré que te acercas bastante al significado del álbum sí. ¡La música salvó mi vida y diría que también salvo la tuya!”

En “Fade” encontramos también canciones como “Ohm”, “Paddle Forward” o “Stupid Things”, ejemplo perfecto del Yo La Tengo de toda la vida. Pero en general parece que su eta-pa más noise o ese amateurismo buscado quedó olvidado, lo que me hace pensar que tal vez este pseudo-giro en su sonido tenga que ver con el cambio de productor… “creo que este “nue-

vo sonido” más calmado, o más cuidado siempre ha estado con la banda... Sí que es cierto que el grupo de los últimos veinte años parece completamente diferente al de los diez primeros, pero siempre hemos sido nosotros, hemos dejado que las cosas fueran saliendo y ocurriendo por sí solas”.

Sí, habéis leído bien, Yo La Tengo llevan juntos casi treinta años y eso es mucho tiempo. Tiem-po en el se me antoja necesario, tal y como se describe en la canción “I’ll Be Around”, el apoyo de la pareja, de los amigos… “Una de las

cualidades de este grupo, bajo mi punto de vista, es que es una unidad pequeña, muy cercana, y eso conlleva un gran beneficio, somos muy buenos amigos, llevamos via-jando juntos más de dos décadas! Hemos sido una constante que siempre ha estado ahí. Somos los tres nombres que siempre aparecen en el diario de la banda”.

Con el transcurso de los años y escenario tras escenario, Yo La Tengo nos han regalado tanto su música como versiones de otros grupos que han ido enriqueciendo y redondeando sus com-posiciones. Basta con oír “Cornelia and Jane”, primer corte del álbum en el que aparece la voz de Georgia, para que me venga a la mente Nico y The Velvet Underground. La curiosidad me mata, necesito saber cuáles son los grupos que impulsaron el nacimiento del mito Yo La Ten-go: “U&, mucha gente, la verdad. Pero quienes

más nos han ayudado han sido las bandas con las que nos juntábamos a mediados de

los +# y en los años (#, en los comienzos de la banda, realmente nos animaron mucho a que siguiéramos con esto”.

“Fade” nos trasmite un ritmo que parece ha-berles llevado a una nueva re-invención, incor-porando nuevos matices: percusión o arreglos de viento, como comprobamos en “Before We Run”: “Dejamos que cada canción siga su curso,

no nos lo planteamos. Nos gustan los retos, pero no sabemos qué es lo que va a ocurrir.”

Así que este nuevo sonido no está estudiado y realmente todo es más espontáneo de lo que parece ser: “Con cada canción vamos viendo

qué elementos faltan, cuáles sobran o qué estaría bien añadir. La gente que toque la guitarra sabrá lo que intento decir. Sim-plemente pasa”.

Así poco a poco hemos llegado al final de la conversación, y yo no puedo negar que he dis-frutado como un niño pequeño. Al igual que disfruté devorando la biogra%a de la banda

“Big Day Coming” escrita por Jesse Jarnow. Kaplan nos confiesa que “no he leído el libro

final, sí que he leído partes antes de que se publicara”. Aunque en legítima defensa

añade “apenas leo los artículos que se escriben sobre la banda. Así que un libro, con sus cientos de páginas, todas hablando de mí, de nosotros... Sería una tarea dura”. El li-

bro describe su historia: “una historia diferente, que por qué no se iba a contar... Uno de los motivos por los que estuvimos de acuer-do con que se escribiera era porque nos gustaba la idea de que la gente pudiera leer nuestra historia”. Yo no puedo estar

más de acuerdo ya que nos encontramos ante una narración muy interesante, reveladora y no exenta de cierto matiz dramático, “puede

que a lo mejor no haya sido tal en la rea-lidad, pero no sé, a la gente parece que le gusta..”, nos explica, además según uno

de sus protagonistas “el libro convierte una historia antigua en algo nuevo y quizás un poco de drama hace que sea más... in-teresante, ¿no?”

Con drama o sin él, Yo La Tengo siguen sien-do una de las bandas más interesantes de esta era de la modernidad. Iran Kaplan nos invita y nos incita a descubrir el verdadero significado de “Fade” y yo os aseguro que si en el limbo hay hilo musical, yo estaré preparado con este álbum bajo el brazo.

www.yolatengo.com

yo la tengo

entrevista marta wainwright 107Música

Texto por Nuno Torres

yo la tengo

Era domingo, un sol de otoño templaba la espera de los distinguibles y heterogéneos degustadores del singular encanto de Justin Vernon. Próximos a las tediosas colas y ajenos a todo lo que ocurría en el exterior, tres jóve-nes encantadoras de aspecto risueño y frágil, saborean, en un restaurante con solera, la gastronomía imperdible del turista que visita Madrid por primera vez. Amablemente, una vez repuestas las fuerzas perdidas durante un fin de semana cargado de actividad, conceden unos minutos de conversación, todo prepara-do y dispuesto para abrir el espectáculo.

Ser elegidos por el líder de Bon Iver para ac-tuar como teloneros en los conciertos progra-mados durante su gira europea es solamente uno de los distintos logros que han conseguido este trío británico desde que hace poco más de dos años lanzaran su primer EP “Facing West” (Daddy Max Records, !"#") “Nos encontrába-

mos las tres juntas en una habitación de un hostal quejumbroso en Birmingham, estábamos viendo en televisión la entrega de los Grammy, y recuerdo que Bon Iver subía a recoger el premio por el mejor álbum, entonces encendí el ordenador y

tenía un correo en mi bandeja, íbamos a telonear a una de nuestras bandas favo-ritas, comenzamos a saltar sobre la cama, nos volvimos completamente locas. Está siendo muy divertido compartir experien-cias con ellos, aunque lo que más valora-mos es la oportunidad de aprender que nos han brindado”.

El trío de Watford ha sido señalado como la nueva esperanza del folk británico. Después del éxito cosechado por Mumford & Sons, las grandes discográficas han comenzado una persecución frenética tratando de encontrar un grupo con potencial, que posea buenas maneras y que sea susceptible de alcanzar resultados parejos a los que obtienen los londinenses. The Staves junto con First Aid Kit, Lisa Hannigan o Laura Marling cumplen los requisitos, parece que el folk funciona y las críticas acompañan “Si lees la prensa y te

crees las cosas buenas que escriben de ti, entonces has de dar el mismo valor a los comentarios negativos. Desde luego lo mejor para nosotras es no detenernos demasiado en lo que opinan de nuestro trabajo, hagamos las cosas como las sa-

bemos hacer y que el público disfrute lo que escribimos.”

Con el nivel de actividad que acumulan en los últimos meses, tienen claro que es lo más complicado a la hora de escribir nuevo material. “Es sumamente complejo hacer un

paréntesis y conseguir un poco de tiempo para escribir. Hay artistas que son capa-ces de componer en cualquier lugar, no necesitan demasiado para crear. Nosotras en cambio, necesitamos concentrarnos, estar en un lugar tranquilo, en silencio, solas. Ahora es prácticamente imposible encontrar un hueco que nos permita es-cribir nuevos temas”.

Emily, Camilla y Jessica aparte de ser com-pañeras dentro de la banda son hermanas, y aunque se pudiera ver como un arma de doble filo, son las propias protagonistas las que están encantadas de compartir esfuerzos en un pro-yecto que se ha estado germinando durante toda una vida. “Nos encanta cantar juntas, su-

pone una gran satisfacción, nuestras per-sonalidades encajan muy bien, cuando estamos las tres realmente nos divertimos

Han llamado la atención de artistas como Tom Jones o Fionn Regan, prestigiosos productores se ofrecen a trabajar con ellas, y van de gira con bandas de primer nivel internacional sin tener disco propio. Entonces, ¿qué

ofrece este grupo folk de una ciudad satélite de Londres? La respuesta, melodías angelicales, voces aterciopeladas y ligeras, armonías trazadas

con escuadra y cartabón. Una fórmula sencilla pero elegante.

Texto por Jaime Suárez

108música

the staves

109the staves

mucho. No tenemos secretos, hemos de ser muy honestas, decir lo que pensamos realmente, exteriorizar lo que sentimos y complementar lo que hacemos individual-mente para que el colectivo crezca y nos convirtamos en una banda cada vez me-jor, tenemos la suficiente confianza para decirnos las cosas a la cara sin que genere malestar”. La excelente relación que

mantienen, y el conocimiento que tienen cada una de sus otras hermanas, se traduce en una delicada complicidad que se deja ver cada vez que suben al escenario y desvelan su intimidad ante el público “Cuando estás

delante del público con tus hermanas, la confianza que tienes es enorme, y la emo-ción alcanza otro nivel, cruzar miradas en mitad de una canción, acordarte de cuando se compuso y porqué, es verda-deramente bonito, no imagino hacer esto con alguien que no sean ellas”.

Es imposible no estremecerse ante sus voces cristalinas, que bien sean resultado de ins-tintos fraternales y semejanzas en el tono o simplemente por una década de práctica y trabajo duro, se entrelazan a la perfección

y se traducen en armonías de alta costura como en “Pay Us No Mind”. Pero más allá del continente está el contenido, el mensaje, el aroma personal y reflexivo que desprende la lírica del disco en canciones como “Mexi-co”, inquietudes y preguntas que nacen de alguien que se aleja de su hogar. “Llega un

momento en la vida en la que has de dar un paso hacia delante, has de buscar tu propio camino, no es nada sencillo en-contrar tu lugar. Pasamos mucho tiempo fuera de casa, y cuando visitamos la casa de nuestros padres, nos invade un senti-miento bizarro, piensas que ya no es tu casa, una sensación extraña de desarraigo di!cil de asimilar que se ha forjado en los últimos años, en los que hemos viajamos mucho, conocido y aprendido de per-sonas muy diversas”. En mundo global,

que ha alcanzado unos niveles enormemente altos en términos de movilidad y comunica-ción, son capaces de observar que no existe tanta diferencia entre personas de latitudes diferentes. “Te preguntas a ti mismo ¿qué sig-

nifica ser inglés o europeo? En muchas ocasiones conoces personas de otro lugares con las que tienes más puntos

en común que los que compartes con tus amigos de la infancia, es bastante desconcertante pero al mismo tiempo satisface que sea así”.

El camino acaba de empezar para ellas, con el primer disco en el mercado y un excitante !"#$ por delante es hora de disfrutar el momento.

“Carpe diem, no nos obsesionamos con el futuro, pero tampoco lo descuidamos, sa-bemos que hay que trabajar duro e inten-tamos, aunque resulte complejo, escribir nuevo material, al que quizás imprimamos un carácter más lo-fi y donde esté presen-te un poco de guitarra eléctrica, pero todo esto es un boceto mental, ahora es tiempo de saborear lo que tenemos”.

www.thestaves.com

quiquegonzález

Texto por Javier Mielgo.

Intentar describir y descubrir a estas alturas del partido a la figura de Quique González, re-sulta cuanto menos innecesario y redundante, cuando sin duda podemos afirmar que ya forma parte del selecto glosario de los narradores de los sentimientos y las emociones de una gene-ración, en definitiva de la vida.

Y a pesar de ello cuando uno se detiene en los temas del presente “Delantera Mítica” (!"#$) resulta inevitable hacer balance del paso del tiempo en la carrera del cantautor madrileño, que desde aquellas tímidas composiciones de

“Personal” o los primeros acordes de “Pájaros Mojados” hasta las imágenes nocturnas y since-ras de “No Encuentro a Samuel” se han colado por nuestra piel convirtiéndose en casi himnos generacionales apátridas.

La música surgida desde de las tripas; desde lo más hondo, donde el corazón, las mujeres y unas cervezas con los amigos de la infancia dan un paso al frente para descubrir lo esencial de esta vida con una charla infinita en la barra de cualquier bar.

Las composiciones de este “Delantera Mítica” aparecen reposadas, respirando pausadas, con-formado por unos temas que parecen cambiar la rabia, la fuerza y la piel de la calle por la reflexión y la serenidad de las canas. Temas que te desnudan como en “Parece Mentira” o te autoanalizas en “La Fábrica” (¿cuánto necesitas? /Ahora parece que tienes bastante y todavía no has oído la verdad/ Los viejos se han cansado de forzar la máquina /Dios se ha largado sin pagar….)

“En mi caso las canciones siempre van en paralelo a mi vida, trato de implicarme reflejando en ellas mi punto de vista so-bre ciertas cosas… Y sí, respondiendo a tu pregunta, la segunda parte de este disco tal vez sea más reflexiva, densa y etérea frente a una primera parte más rock”. Por-

que Señores “Delantera Mítica” es un trabajo sincero, humilde que habla desde dentro de lo cercano, de los recuerdos, de los amigos y la fa-milia…. “Delantera Mítica” es una metáfora de la

amistad y la lealtad. Mi “delantera mítica” son mis amigos del barrio, aquellos con los que jugaba al fútbol en la calle cuando era un niño… nunca pensé en otro título para el disco. Cuando empecé a escribir las can-ciones quería hablar de cosas diferentes al abandono y el sufrimiento que eran el eje de “Daiquiri Blues”. Cuando escribí esta canción decidí llamarla así y me pareció la mejor manera de acabar el disco.”

“Las Chicas Son Magníficas” es una rendición completa, sin premisas te entregas para dar las gracias (“Yo te di mis naves y nubes, mi %sico y mi química/ Mis amigos vienen del lumpen, las chicas son magníficas. Nos ofrecen camas y lumbre, nos toman la matrícula. Las mejores huyen, las chaquetas crujen a la luz de la luna”) un tema exquisito, confeccionado en un medio tiempo, sólo apto para muy pocos y donde la magia de Antonio Vega, parece estar presente como esencia del mismo… “Es una canción que

inicialmente planteamos con piano y nos dio ciertos problemas de estructura, luego me olvide del piano y pensamos en hacerla de una forma más acorde con lo que pide el disco, quitando el piano que tal vez daba excesiva gravedad al tema… Es un de los temas que más me gustan del disco, he te-nido la inmensa suerte en mi vida de que las chicas me han querido mucho y muy bien, soy un privilegiado en ese aspecto.”

“Delantera Mítica” traspira honestidad y sencillez, una sinceridad que sólo los temas que salen desde dentro de uno son capaces de transmitir. Sólo así se puede entender y agrade-cer el esfuerzo que suponen temas como “Me Lo Agradecerás” y “No Encuentro a Samuel”.

…“Llevo componiendo así desde el prin-cipio, creo que para trasmitir tienes que ahondar en tus cosas “rascar hasta el hueso”, el proceso de creación conlleva sufrimiento, pero cuando lo consigues tienes la sensación de haber resuelto un problema que tenías dentro… Es di!cil de explicar, realmente es un misterio como surgen los temas.”

Un trabajo que puede navegar entre las aguas de Neil Young, Ryan Adams, Lucinda Williams, y el mismísimo Dylan, grandes referentes del combate a corta distancia, en el cuerpo a cuer-po. Porque en los medios tiempos es donde se pelea la batalla, para que el rock y blues ganen la partida, nada fácil ni sencillo…. “Sin duda ha

sido di!cil, por mi propia exigencia y tam-bién por el respeto a la gente que sigue mi trayectoria me ha resultado complicado. Este es sin duda el disco que más me ha costado escribir enfrentándome al miedo a repetirme, a decir de la misma manera cosas que ya había dicho anteriormente.”

Un paso adelante que supone un giro para dejar atrás las huellas de “Daiquiri Blues” un giro que encoge tu corazón y duele, un paso al frente sólo apto para valientes inconscientes. El momento de los himnos generacionales pasó. Canciones que no volverán, algunos sabrán deleitarse con este compendio de rock clásico,

otros quizás lo repudiaran, pero “Delantera Mítica” es desde ya el mejor disco de Quique González, un álbum lleno de buenos temas, en los Quique se ha dejado la piel estrofa a estro-fa, desde el principio hasta el final. Un trabajo que con el transcurso del tiempo aparecerá en las listas de los medios entre los más grandes, otorgándole el reconocimiento que destila unas letras sinceras y reales, cargadas de amargura y optimismos a partes iguales, como la vida…

““Delantera Mítica” me ha supuesto un gran esfuerzo, tal vez lo contento que estoy con el resultado haga que lo esté disfrutando tanto. No sé si será un punto de inflexión en mi trabajo, mi carrera la conforman nueve discos ya, he ido poco a poco e imagino que seguiré por el mismo camino. Espero que haber hecho este disco me ayude ha hacer cosas distintas en próxi-mos proyectos, y sobre todo espero poder disfrutarlo y “celebrarlo” en el escenario.”

Nueve trabajos para darnos cuenta que la figura de Quique González poco a poco se va hacien-do cada vez más grande y autoritaria dentro del mundo del rock, un esfuerzo y logro poco reconocido y que por desgracia pasa un poco desapercibido, buscando un símil futbolístico, Quique González es el Xabi del Real Madrid, que sin deslumbrar por lo mediático de un Cristiano Ronaldo, eres el jugador que aporta la clase y calidad que toda gran casa necesita tener en su filas… “ (Risas), bueno no se si seré

un Xabi, pero se agradece. La música la-mentablemente en España no forma parte de la cultura popular de una forma real, a diferencia de otros países como EEUU, Francia, Argentina, Portugal… Es una lás-tima que no se cuide, pero en mi caso en particular yo estoy contento con la gente que me sigue y con mi trayectoria. No creo que merezca más atención de la que ten-go, soy un tipo que hace canciones tengo muchos seguidores que vienen a verme y el respeto de mis compañeros, con eso me vale.” Sinceridad y genio, sólo nos que-

da abrir nuestras tripas y coger el consejo que encierra “Delantera Mítica” para los tiempos que están por llegar…“No me atrevo mucho a

dar consejos la verdad, pero creo que es un buen momento para tomar responsabi-lidad individual como ciudadano, dejar de discutir en los bares y tratar de hacer cosas, pensar y que surjan nuevas iniciativas. En definitiva hacer examen de conciencia y cuestionarnos hacia dónde nos lleva una situación como la que estamos viviendo.”

www.quiquegonzalez.com

111música quique gonzález

THE MAZE

PORSERGIODE LUZ

Estilismo: Luis Miguel Aznar — Maquillaje y Peluquería: Ramón TorcadoModelo: David López Fraile —Asistente de fotogra!a: Carlos Lorenzo

Pagina anterior: Americana, camisa y pajarita Garcia Madrid, Pantalon Levi´s Esta página: Chaquetón Sisley, Camisa

Garcia Madrid, Pantalón Dockers,Reloj Folli Follie, Botas Medwinds.

Esta página: Traje Garcia Madrid, Camisa La Quinta del Sol, Cinturón y pajarita Garcia Madrid, Reloj Folli Follie, Zapatos Medwinds.Pagina siguiente: Traje y camisa Denny Rose, Corbata Garcia Madrid, Reloj Folli Follie.

paulineen la playa

Texto por Sonsoles Pérez

En un frío día del invierno madrileño nos re-unimos con las hermanas Álvarez en la cafetería de un céntrico hotel de la capital. El motivo no puede ser mejor; la presentación a prensa del último trabajo de Pauline en la Playa, “El Mundo Se Va a Acabar” (Siesta !"#$). Charlamos con Alicia y Mar que a pesar del tiempo glacial y de las mil entrevistas anteriores, las de G+ón se nos presentan del mismo modo que su música: cáli-das, serenas y cercanas.

Desde la tímida guitarra con las que arranca “El Mundo Se Va a Acabar”, tema que abre su nuevo trabajo y que da nombre al nuevo disco de Pau-line en La Playa, las hermanas Álvarez ponen la pauta de un nuevo trabajo con el que dan un paso más en su carrera manteniéndose fieles a su identidad; letras llenas de poesía y figuras líricas donde tienen cabida rasgueos de guita-rra, distorsiones y algún pellizco electrónico, sin abandonar el pop y los sonidos orquestales.

“El Mundo Se Va a Acabar” se trata de un disco más expansivo y lleno de luz, que mira hacia afuera y que pone toda la carne en el asador. Arte, poesía y talento en estado puro.

Lo primero que nos llama poderosamente la aten-ción es el título, que nos hace dudar si estamos ante un nuevo rumbo del dúo, pero es Alicia la que nos ayuda a centrar el norte y nos da la expli-cación al por qué de tan agorero título … “La can-

ción como tal resume muy bien el espíritu de todo el álbum. Juega con las dinámicas, es muy intensa…,que son las constantes que se pueden encontrar en “El Mundo Se Va a Acabar”. Los trabajos anteriores eran más introspectivos y este es más grandilocuente, muy potente. Ya con “Física del Equipaje” (Siesta "#$#) empezamos a abrir un poco más y en este hay una continuidad que es de apertura total” Mar apostilla… “Enten-demos que se puede interpretar como una sentencia, pero no es un disco pesimista para nada. Hay una reflexión de dónde es-taremos dentro de un millón de años, pero precisamente eso pone en valor el momento que estamos viviendo, que además es bue-nísimo. Tiene más un sentido de aprovecha el momento, vive esta vida tuya llena de amor porque inevitablemente se va a acabar. También es verdad que nos ha tocado vivir tiempos di!ciles y eso se cuela en el disco, es irremediable”

Destaca en el apartado de colaboraciones la par-ticipación de Nacho Umbert y Nacho Vegas po-niendo el toque varonil a los coros de “Desalojo” y “Universo” respectivamente, colaboraciones boomerang de peso…“Queríamos coros de chicos

porque nunca habíamos tenido a hombres haciéndonos los coros, tener la posibilidad de contar con Nacho Vegas diciendo cosas tan bonitas como “aunque todo este amor me abra como una flor”… Lo comentába-mos en el estudio, ¡qué maravilla escucharle decir estas cosas! Él es mucho más trovador, no suele emplear esas metáforas tan poé-ticas. La melodía del single, “Universo”, era perfecta para él.” nos razona Alicia, y

continúa Mar…“Con Umbert en “Desalojo” la conexión es total, fue amor a primera vista. Para nosotras es de lo mejor que hay ahora en el panorama… ¡Nuestros Nachos son un lujazo! A ver si nos los conseguimos llevar al directo”

Y es que desde el primer momento que uno es-cucha a Pauline en la Playa, queda fascinado por la meticulosidad y el esmero con el que se cuida hasta el más mínimo detalle: la dicción es per-fecta, las melodías y las voces están muy cuidadas, por donde se cuelan instrumentos de viento que acompañan a las cuerdas, bases pop con toques de jazz o de bossa nova… La minuciosidad en los arreglos, de los que ellas se ocupan, es absoluta.

“Los arreglos son una parte fundamental. Nosotras hacemos las canciones, las graba-mos en el estudio de casa, vamos montando la maqueta y cuando ya está el arreglo claro quedamos con el músico y se ensaya. Todo está estudiado al milímetro porque es exac-tamente así como queremos que suene, que cante así el violín o que le conteste de esa manera el acordeón.”

Adentrándonos en los temas que componen “El Mundo Se Va a Acabar” el oyente descubre una instrumentación abundante, con proliferación de cuerdas, viento, percusión o instrumentos tradi-cionales que aportan matices exquisitos a la base de guitarras y que empujan las letras dotándolas de una fuerza y delicadeza deliciosas. El ejemplo perfecto “Aishiteru “, un tema de orfebrería emo-cional quizás complejo de trasladar al directo…

“Pues depende. A veces se te pone todo de cara y te puedes llevar a toda la banda, pero si no se puede pues se adaptan todos los arreglos a un par de instrumentistas para que nos acompañen. Lo último que hicimos fue ir solas con las guitarras a Granada y estábamos encantadas de que por fin se nos escucharan las guitarras, que con tanto “pollo” de instru-mentos a veces casi no se escuchan. Las can-ciones empiezan así, con dos guitarras que se entrelazan y unos arpegios. Cuando no se puede llevar a la banda te llevas la canción desnuda y te das cuenta de que también fun-ciona y de que es otra manera de escucharla.”

Temas que se arropan de poesía, para cantar y contar sobre los problemas más cotidianos acunados por figuras oníricas, ambientes fabu-losos, como salidos de un cuento, casi como si de pequeños poemas o haikus se trataran como en “Todas Las Flores” donde las verdades se pre-sentan como versos arropadas por unas guitarras asperas que ensalzan la belleza de los mismos… sin duda una forma diferente de contemplar el mundo, como nos confirma Alicia “Por supuesto,

es una forma de re-interpretar la realidad. Es fascinante jugar a que lo que te rodea tiene más lecturas. Lecturas poéticas, fan-tásticas… es muy divertido sacar otros sig-nificados de lo que nos rodea. Somos muy de metáfora”

Y es que a pesar de las melodías delicadas y de la suavidad en las voces, en sus letras tratan el dolor, la soledad, el desamor o la pérdida como en “El Tiempo” , dulzura que esconde letras que saben dar una patada en los dientes y que aleja a Pauline del estereotipo de música de Chicas para Chicas “Es una lectura muy simplista, muy

machista, pero vamos, que este tipo de in-terpretaciones te las encuentras siempre y en todos los ámbitos y en la música también. Nos han preguntado que si el indie nos pa-rece machista: ¡pues claro! Como todo lo demás, ni más ni menos… Lo que pasa es que esperas que la gente más alternativa, más antisistema, batalle más contra eso… lo esperas pero no te lo encuentras.”

El tiempo llega a su fin pero no sin antes pregun-tarme, viéndolas tan apacibles y serenas, si echa-ran de menos su época con las Undershakers, el desmelene sobre un escenario. Mar lanza un suspiro que nos provoca una carcajada “Ay yo

un poco sí”, mientras que Alicia parece un poco más reticente a mirar hacia atrás “Los

conciertos de Pauline tienen momentos muy intensos, pero de otra forma. Lo de la posturita en el escenario es deudor de una época y un momento, con veintidos o veintitrés años te apetece. Lo que más echamos de menos eran esas giras. Éramos cinco amigas de viaje en una furgoneta, nos lo pasábamos pipa”

Honestas y llenas de calidad, las doce pequeñas joyas que encierra el nuevo álbum de las her-manas Álvarez, componen el trabajo maduro, generoso y franco de uno de los mejores grupos del panorama pop actual. Y si el mundo se va a acabar, a mí que me encuentre escuchando Pauline en la Playa.

www.paulineenlaplaya.com

música pauline en la playa117

118música

the joyformidable

Texto por Jaime Suárez. Fotografía por James Minchin.

Dos años después de su gran rugido, este trío gales ha confirmado que son tan brillantes como se presagiaba , convirtiéndose en la más firme

esperanza del rock de las islas. La dirección que han tomado con el lanzamiento de su segundo trabajo donde los lazos se han fortalecido, para ganar en autoestima todo hace apuntar hacia un horizonte sin

fronteras, donde todo puede pasar y donde nos vaticina una primavera agitada, llena de expectación y emociones.

the joy formidable 119

Las primeras impresiones son siempre im-portantes, en todos los sentidos. Cuando hablamos de música si cabe, tienen incluso mayor relevancia. Pocas veces damos segun-das oportunidades o nos desdecimos de nues-tra primera opinión, un buen primer disco te permite tomar una buena posición, “The Big Roar” (Canvasback Music, !"##) fue toda una declaración de intenciones, un anuncio, una carta de presentación incontestable. “A

posteriori, tal y como han marchado las cosas parece que la elección del título fue premonitoria. Cuando grabamos nuestro primer álbum no imaginábamos, no esperábamos una respuesta así, aun-que llevábamos una trayectoria ascen-dente, lo notábamos en los conciertos.” Wolf ’s Law (Canvasback, !"#$), atien-

de a otros motivos, lejos de hacer referencia a al mundo animal, el álbum toma su nombre del termino científico que acuño el cirujano alemán Julius Wol,. “Esta teoría defiende que

cuando un ser vivo se encuentra en si-tuaciones de estrés, sus huesos se hacen más fuertes. Una metáfora que descri-be muy bien el mensaje que deseamos transmitir, hablamos de curación y de mirar al futuro desde una perspectiva positiva.”

La vida es algo dinámico, un continuo cam-bio y lo que nos rodea tiene una incidencia directa en lo que hacemos y viceversa, las circunstancias bajo las que se compuso su anterior disco no son los mismas que han acompañado en la escritura y grabación de su nuevo trabajo. “Cuando estábamos

componiendo en el primer disco nos encontrábamos en medio de una si-tuación claustrofóbica e intensa, eran momentos muy turbulentos para noso-tros en el terreno personal, creo que ese sentimiento fue trasladado y plasmado en el álbum. Se puede oír la frustración y la agresividad que por aquel entonces experimentábamos”. Ahora, parece que la tempestad ha amainado en las vidas de estos galeses. “Antes de empezar a trabajar en este LP, nos situamos en un mundo más tranquilo, habíamos hallado una senda con mucha más claridad y eso se ha traducido en una mayor confian-za, no solo como banda, sino desde un punto de vista individual. Hemos expul-sado las cosas que nos atormentaban y el resultado es un disco en el que nos sentimos más centrados y más seguros de nosotros mismos.”

El esqueleto continúa siendo el mismo, no desaparecen los ri,s afilados y potentes marca de la casa, pero ensanchan horizontes y am-plían su rango de variables. “Hay una mayor

diversidad en la instrumentación, com-posiciones más ambiciosas de cuerda, y la presencia de coros, son elementos que alejan este trabajo del debut. Este largo bebe de influencias celtas y orientales, que lo dotan de un toque épico y gran-dilocuente”. De esta forma definen ellos

mismos el sonido del álbum.

Lo nuevo de The Joy Formidable, ha sido con-cebido en muchos lugares, todos ellos circuns-criben y sirven para encuadrar y comprender la atmósfera en la que se situaba la banda. “Ha

sido construido principalmente en la ca-rretera, durante la gira, el aroma de cada sitio en el que estuvimos ha quedado impregnado, esto explica el ligero caos que aborda el disco. Hay que destacar el tiempo que nos tomamos Maine. Nos alojamos en un cabaña hecha de troncos de madera alejados de la civilización, en pleno invierno. No había mejor lugar para perderse, la naturaleza y el aisla-miento acabó por filtrarse en el proceso de grabación, fue una experiencia salvaje y extraordinaria”. Su amor por el medio

ambiente queda latente en “The Leopard And The Lung”, canción que se centra en el acti-vista keniata Wangari Maathai .

“Wolf ’s Law”, ha sido el corte de presentación. Una épica construcción, que comienza con un tempo lento, edificada sobre los cimientos de un piano triste, melancólico y la sublime voz de Ritzy, todo ello acaba por transformarse en un tema post-rock, puro ruido y potencia.

“Es una canción de aliento, que habla de despertar la esperanza en alguien a quien quieres. Se trata de intentar recuperar el tiempo perdido.” La plasticidad visual

que acompaña el video es altamente valorada. “El video es asombroso, una obra de arte. La canción y el video se concibieron como un trabajo conjunto. Se muestran los círculos de la vida, su dinamismo, y el paso del tiempo. Muestra el viaje general de todo ser vivo.”

Wolf ’s Law es un trabajo que contiene una extraordinaria carga lírica, un elocuente ideario político que parte de lo personal a lo global, con reflexiones sobre la sociedad de consumo, el ecologismo y una original for-ma de cuestionarse el orden y equilibrio es-

tablecidos. “No estamos de acuerdo, ni somos cómplices de un mundo que se mueve cada vez más por cuestiones materiales. Estamos horrorizados ante la cultura de la celebridad, engrandecer a personas o cosas carentes de mérito, simplemente porque son más comerciales. Utilizamos nuestro trabajo para expresar esta sensa-ción de decepción, hemos de ser fieles a lo que pensamos y mostrar nuestro punto de vista a través del altavoz que nos ofre-ce la música.” Ser ellos mismos, no ser

pretenciosos, ni crear tendencia, simplemen-te hacer reflexionar a quien les escucha, sobre la sociedad anestesiada que acaece durante estos tiempos. “La música es un discurso, que-

remos desafiar a la gente a involucrarse, reaccionar y sentir por ellos mismos, que lo que hagamos sirva de catalizador.”

El crecimiento ha sido notable desde que pu-blicaron su primer largo, dos años intensos en los que han teloneado bandas de la talla de Foo Fighters o Muse. “La experiencia ha

sido magnífica, nos ha permitido mos-trar nuestra a música a un público más amplio, a nuevas audiencias. Ha sido un tiempo de contrastes absolutos ya que compaginábamos la gira junto a Muse con nuestros propios conciertos, por lo tanto sentimos que hemos vivido lo mejor de los dos mundos, tocar delante de grandes multitudes y compartir la in-timidad con la gente que aprecia lo que hacemos. Disfrutamos con el desa!o de conquistar a un público nuevo”.

La banda tiene confirmada una gira europea en la que presentarán su último trabajo. El público español deberá seguir esperando, pues de momento no han cerrado ninguna fecha dentro de nuestras fronteras.

www.thejoyformidable.com

120música

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Saludo tímido. Gorro de lana en la cabeza, tez pálida. Tonos oscuros en la vestimenta. Tenden-cia a hablar flojito y con recurridas miradas al suelo. Así es Andrew Bird. Un artista de carrera prolífica y mentalidad compleja. Recientemen-te ha pasado por Barcelona para presentar su nuevo trabajo “Hands Of Glory” (Mom & Pop, !"#!), un disco con ocho canciones, a camino entre un larga duración y una extensión. Una suerte de híbrido bautizado como acompaña-miento del “Break It Yourself” (Bella Union, !"#!), que Bird publicó hace unos meses. “Yo

sólo he hecho un puñado de canciones nuevas que podrían haber sido otro disco nuevo. Pero lo han querido llamar acom-pañamiento del anterior, pues de acuerdo. No lo sé, quizás es una nueva aproxima-ción para presentar nuevo material. Pero todo ello forma parte de la industria y de la forma de hacer de los sellos. Son cosas a las que yo realmente no doy mucha importan-cia. Cuando tengo material fresco quiero que salga para el público lo más rápido posible”, comenta Andrew al respecto.

Son las cinco de la tarde y estamos sentados en un patio al aire libre, con un frío imperante, hablamos con él sobre este nuevo trabajo, sobre su proceso creativo y sobre su prolífica carrera. Su nuevo “Hands Of Glory” parece un paso más en la búsqueda del cantante de Illinois en las raíces del folk norte-americano y el pop de melodía perfecta. El disco suena profundo, me-nos luminoso de lo que nos tenía acostumbra-dos. Un sonido reposado que nos llega a evocar a las músicas del western, a los territorios de la antigua reunificación con banda sonora de Jace Everett. En este sentido Andrew señala que “el proceso de grabación fue bastante rápido.

Durante la pasada gira, entre concierto y concierto componía canciones y luego las llevaba al estudio para grabar. Algunas eran nuevas y otras viejas. Y nos poníamos a tocar con la banda estos temas y íbamos viendo lo que aportaba cada uno. Fue todo un poco curioso. Las tres primeras piezas del disco las grabamos en una iglesia, en pleno junio, con mucho calor. Unas condi-

ciones duras que vivimos y que se reflejan el sonido. Luego, el siguiente mes después de acabar la gira, fuimos al estudio que tengo en mi granja. El clima era muy seco y había varios incendios forestales por las cercanías, y entonces las canciones tienen algo de todos estos elementos que había en el ambiente a nuestro alrededor”.

El seco y viejo oeste empapando las canciones de estas ocho canciones. Elementos que pare-cen mancomunarse en su máxima expresión en cortes como “Spiorgraph” o “Three White Horses”. Auténticas delicias reseñables desde la primera escucha. Primera de muchas. Por-qué Bird consigue componer melodías muy horizontales, capaces de aguardar bien el paso del tiempo. Algo que quizás haya desarrollado gracias a su formación como músico clásico, y que con los años ha ido aprendiendo y evolucio-nando hacia terrenos más pop. Es el momento, pues, de preguntarle en qué punto de su apren-dizaje continuo se sitúa, en qué posición de su carrera (de fondo) musical se encuentra. Suspi-ra, y pensativo, cuenta que “cuando empecé mi

carrera, con veintiséis años, vivía la mú-sica desde una faceta más de fan. Iba a las tiendas de discos y quería conocer todo lo que sonara por el mundo. Iba aprendien-do y absorbiendo todo lo que podía, hasta que empecé a escribir y a tocar con otros músicos para poner todo ello en práctica. Entonces con los años he ido asumiendo que la música tiene un elemento social importante; la gente baila, hay un hecho comunal en todo ello, no es algo cerrado. He ido aprendiendo, especialmente en mis primeros años. He visto como la música es como la vida, algo cambiante y conecta-do, no como un compartimiento estanco”.

En este sentido, al hablar de referencias con nombres y apellidos para sus composiciones añade que “antes de publicar “Break It Your-

self ” escuchaba mucha música country y música del sur de América, como The Staple Singers. Y más recientemente me he interesado mucho por los cantautores norteamericanos, por su capacidad de

composición y de crear con las palabras. Estas cosas cambian. Cuando era más jo-ven The Band me parecían muy aburridos, y ahora los encuentro realmente increí-bles”. Así mismo, más allá de referencias

estilísticas, palpables en “Hands Of Glory” de todos modos, una de sus características forma-les más destacables es la constante temática que significan conceptos como la muerte, el peca-do o el componente moral y religioso. Andrew Bird dice sobre ello lo siguiente: “Estoy muy

fascinado sobre aspectos del imaginario cultural de los últimos trescientos años sobre temas como el más allá o el sentido de la vida. Cosas como la mística y todo lo que la rodea son aspectos muy universa-les que conciernen a todo el mundo. Son cosas que quería plasmar en mis nuevas canciones. Me encanta hablar sobre te-mas relacionados con todo este misterio relacionado con la muerte o las catástro-fes. Es algo grande. Además lo místico me ayuda a la hora de componer. En mi vida personal no soy una persona practicante a nivel religioso, pero entiendo toda esta temática como algo que me afecta, algo que versa mucho sobre las energías”.

Sus respuestas muestran un Andrew Bird in-teresado por temas vitales de los más etéreos, pero también por lo que sucede bajo las gomas de sus zapatos. Preguntado sobre la subida del IVA cultural que sufrimos en España, Andrew dice conocer la situación. Entiende que la me-dida se intenta hacer para reactivar la economía pero ella sólo hace que a los artistas foráneos les resulte menos atractivo venir a nuestro país por el dinero que pierden. Sus reflexiones vie-nen seguidas de preguntas sobre la situación de crisis que vivimos aquí. Se muestra preocupado y alarmado por los índices de paro juvenil que padecemos. El entrevistado preguntando al entrevistador. Papeles cambiados para dar por concluida la entrevista y despedirnos de Bird.

www.andrewbird.net

andrew birdtexto por Oscar Villalibre

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jesús ramiro

viajar,vivir,degustar

126gastronomía

restaurante vinkeles (hotel the dylan)

cocinero: dennis kiupers

La alta gastronomía, o mejor dicho, la gastronomía gourmet, aún en momentos de crisis, continúa abriéndose camino. Aunque realmente lo hace entre los pocos clientes que aun quedan de ese perfil, ya que con la actual crisis cada vez es más difícil que muchas personas tengan como opción gastar algo de dinero en los mejores restaurantes. Eso ocurre para los que tienen un buen nivel adquisitivo o para aquellos que sin tenerlo “profesan” una gran pasión por este tipo de gastro-nomía, aunque en este caso, limiten el número de ocasiones que de ella disfrutan.

En mi último viaje a Amsterdam quise visitar algún “templo del buen comer” y tras investigar e informarme un poco, (mi pasión gastronómica me “obliga” a hacer esa investigación previa en cada viaje), observé que si bien es una ciudad de gran afluencia turística, ofrece pocas alternativas de grandes mesas, sobre todo si lo comparamos con las grandes ciudades europeas como París, Londres o Madrid. Tras sopesar varias alternativas, la que a priori más me gus-tó fue la del Restaurante “Vinkeles”, ubicado en el hotel “The Dylan”.

La primera impresión al entrar en el hotel y atra-vesar algún pasillo que otro entre chimeneas fue la de encontrarnos en un ambiente de lo más selecto y romántico. Cuando llegamos al res-taurante la decoración me pareció muy agradable y tuve la sensación de que todo iba a ser perfecto.

Desde los aperitivos hasta los postres todos los platos fueron sobresalientes, de muy buen nivel, elaborados con una gran técnica por el chef Dennis Kiupers. El servicio también estuvo a la altura y tuve la suerte de estar atendido pro un camarero holandés que dominaba muy bien el español, lo cual se agradeció. En este tipo de restaurantes, muchas veces sucede que cuando los visita un extran-

jero, rápidamente acude alguien que te puede explicar los platos.La carta de vinos estaba correcta, aunque algo desorbitada en el pre-cio, quizás por causas ajenas a los sumilleres. De hecho los grandes impuestos en algunos países a veces provocan que los vinos estén casi diez veces más caros que en la bodega de origen…, sobre todo me refiero a los vinos españoles que son los que conozco bien.

Pero la media de la comida y vino, al final estuvo, en la relación calidad-precio, dentro de lo habitual para este tipo de gastronomía.

Lo que también volví a comprobar, es que en la gran gastronomía, hoy en día uno tiene la percepción de que da igual la ciudad o el país en que te encuentres…, se produce “una cierta sensación” de que existe una clonación del tipo de cocina ya que los platos coinciden en elaboraciones y técnicas. La cocina “adriática” (sí, me refiero hablando coloquialmente a la de Ferrán Adriá y no a la preciosa zona geografica del mar Adriático) está globalizada y no tie-ne fronteras. Indiscutiblemente, cada chef tiene su personalidad que marca las diferencias, pero por otra parte hay un sustrato común que marca poca o ninguna diferencia entre Nueva York, Berlín o Madrid o cualquier otra ciudad importante del mundo.

evaluacióncomida 8,5 / servicio 8,5 / vino 8 / ambiente 8,5 / media 8,37

keizersgracht, %'& ⁄ $#$( –gb –amsterdamwww.vinkeles.com ⁄ restaurant@vinkeles.com

127jesús ramiro

Primavera Sound — No agotaron abonos la noche de La Gala, pero sí lo han hecho mes y medio más tarde. Efectivamente, tal y como se pronosticaba aquella noche, los abonos para el festival Primavera Sound se han ago-tado. Que no cunda el pánico, aún quedan disponibles entradas de día, para el jueves 23, viernes 24 y sábado 25 de mayo. Para aquellos afortunados seres que disponen de abono y para los que todavía (¡a estas altu-ras!) andan debatiéndose entre el asistir o no, os recordamos que faltan dos meses (bueno exactamente son 94 días, que los llevo bien contados) para que el Primavera Sound vuel-va a abrir sus puertas y sus escenarios para ofrecernos los directos de Blur, Phoenix, Nick Cave & The Bad Sees, Tame Impala, Dexys, Deerhunter, Band Of Horses, My Bloody Valen-tine, The Jesus & Mary Chain y un larguísimo etcétera que todos los que estarán allí pre-sentes intentan aprender de memoria con un ligero temblor de piernas mientras piensan en las solapaciones, pero qué se le va a hacer, así son los festivales, y en esta guerra, el Primavera Sound me gana.

SONAR — En el 20º aniversario del festival, la organización presenta un cartel en el que aparte de los ya confirmados como gran-des cabezas del festival Pet Shop Boys y el electropop irlandés de Two Door Cinema Clubdestacan otras gendes figuras emergen-tes como es el rey del dubstep Skrillex, consi-derado la sensación de la música electrónica del momento, Skrillex llevará su espectáculo el viernes 14 de junio al Festival Internacio-nal de Música Avanzada y New Media Art (Sónar) de este año. El productor y DJ de Los Ángeles, convertido en la nueva explosión de la música de baile en EE.UU. lidera el movi-miento del “brostep”, un estilo que parte del dubstep británico, amplificando sus frecuen-cias ácidas en beneficio de los bajos. Otro de los aspectos sobre los que poner la lupa es el ámbito colaborativo del presen-te cartel y es que desde la organización del Sonar parece a ver primado la exclusividad de las actuaciones intentando generar la unión de esfuerzos entre dos artistas para concebir algo superior a la suma por sepa-rado de ambos talentos, solo así se puede entender el nutrido número de dúos que actuarán en la próxima edición del festival los días 13, 14 y 15 de junio. Entre las parejas ya confirmadas pode-mos encontrar de todo. Desde el disco house cósmico de los nórdicos Todd Terje y Linds-trøm, el techno asfixiante de Pariah y Blawan bajo el nombre Karenn o el trap bailable de Hudson Mohawke y Lunice como TNGHT

hasta la delicada mezcla poético musical de Bradien y Eduard Escofett o la unión de fuer-zas de los dirigentes de Raster-Noton, Alva Noto y Byetone bajo el emblema Diamond Version. Al atractivo de este formato “dupla para la ocasión” hay que añadir el hecho de que muchas de estas parejas vienen a pre-sentar en exclusiva como es el caso de"Pascal Comelade"y"Richard Pinhas, que darán su úni-co concierto del año para presentar su álbum colaborativo “Flip Side Of Sophism”. Aparte el presente cartel se completa con las propuestas de Hot Natured, Liars, Lindstr*m & Todd Terje, Maceo Plex, Gold Panda, Baauer, Darkstar, Vatican Shadow, Delorean, Foreign Beggars, Sound Pellegrino Thermal Team o Matthias Zimmermann.

Jane Joyd en GPS — Un año después del lanzamiento de su agota primera referen-cia, “Shy Little Jane Presents: The Dramatic Tale Of Her Animals”, Jane Joyd publica en marzo la segunda entrega de la saga de estos fantásticos Ep’s que lleva por título

“Shy Little Jane Presents: So Lost In This Bleak Winter Landscape” El segundo trabajo de Jane Joyd mantiene el poso folk a base de arreglos con instrumentos clásicos, y añade ahora sonidos electrónicos que generan atmósferas tan bellas como sobrecogedoras donde la impresionante voz de"Elba Fernández preside la función. El presente Ep continúa avanzando el carácter conceptual de la artista: si antes fueron cuatro animales, ahora son cuatro paisajes; si antes eran postales las que acom-pañaban a la música, ahora son fotografías que permiten a Elba Fernández profundizar en unas letras de nuevo intimistas, donde la naturaleza humana es el principio y el fin. Nuevos temas destilados de un folk mínimo en el planteamiento y grandilocuente en las formas, un folk deudor de una delicadeza ins-trumental, por el detalle que transporta a una música animista, articulada por sensaciones e impulsos antes que por acordes y partituras.

Nuevos conciertos que reafirmarán a esta artistaza como una de las figuras más a tener en cuenta y que podremos disfrutar en Marzo de la mano de GPS.

Próximos conciertos Jane Joyd:Viernes ' de Marzo. Bilbao, Cotton Club. GPS

Viernes $) de Marzo. Castellón, Sala Magic Box.Sábado $( de Marzo. Valencia, Sala Matisse. GPS

Jueves "$ de Marzo. Madrid, Sala El Sol. GPSSábado "% de Marzo. Granada, Sala Planta Baja. GPS

Sábado "* de Abril. Sevilla. Sala Malandar.

SOS -.&. — El festival SOS 4.8 intenta con-solidarse con su sexta edición. Se celebrará los días 3 y 4 de mayo en su tradicional emplazamiento en el recinto de la Fica en la capital murciana, Justice y The xx son dos de los cabeza de cartel confirmados para el SOS 4.8 2013. Los ingleses aprovecharán su visita para seguir presentando las canciones de su aún reciente segundo álbum, “Coexist” (Young Turks, 2012), mientras que el dúo pa-risino acudirá esta vez a Murcia para ofrecer un set como DJs. El cartel del SOS 4.8 para esta edición del 2013 se completa con artistas de la talla de M83 Bloc Party , Vitalic VTLZR o Modeselektor a nivel internacionala. Dentro del panorama nacional las confirmaciones vienen de la mano de .L.A, Jero Romero, Extraperlo, Grises o Javiera Mena .

L.E.V. Laboratorio de Electrónica Visual — Oneohtrix Point Never, Tim Hecker , Emptyset + Joanie Lemercier,Clark, Andy Stott, Raime, Pole y Kid606 son solo algunas de las confir-maciones presentes para el L.E.V. Laborato-rio de Electrónica Visual del 2013. Una sexta edición que se celebrará en los diferentes espacios que conforman Laboral Ciudad de la Cultura en Gijón. La cita ineludible para todos los aman-tes de las nuevas tendencias electrónicas se celebrará los días 3 y 4 de mayo y se podrá disfrutar de una selección de artistas centra-da en mostrar algunas de las propuestas más atractivas de la creación ligada a la música electrónica y las artes visuales. L.E.V. volverá un año más a tomarle el pulso al estado de la creación audiovisual internacional, con una selección de artistas centrada en mostrar algunas de las propues-tas más atractivas de la creación ligada a la música electrónica y las artes visuales. A la lista de artistas confirmados previa-mente y que incluía proyectos tan estimulan-tes como Clark, Andy Stott, Raime, Pole o Kid606, se añaden ahora las confirmaciones de tres artistas cuya obra investiga, desde

128noticias

noticias

diferentes prismas, las propiedades físicas del sonido y las diferentes formas de com-posición, tomando como punto de partida instrumentos analógicos y grabaciones de campo:"Oneohtrix Point Never, Tim Hecker y Emptyset + Joanie Lemercier. Oneohtrix Point Never es uno de los mú-sicos experimentales más excitantes que ha dado la electrónica de los últimos años. Autor de obras esenciales como “Rifts”, “Replica” o “Returnal”,Un artista clave a la hora de en-tender la renovación synth que inunda buena parte de las producciones sonoras actuales y que visitará L.E.V. 2013 para presentarnos su próximo trabajo, que verá la luz a lo largo de la primavera, y su nuevo directo AV. Por su parte el dúo con base en Bristol Emptyset continua su exploración de las propiedades elementales del sonido y las estructuras rítmi-cas. La obra de Emptyset cuestiona e investi-ga la frontera entre el noise y la música, y el potencial de la arquitectura y la tecnología y su influencia sobre el sonido.

Electrónica en Abril — La Casa Encendida.Lee Gamble, Rhodri Davies y James Ferraro completan el cartel de la XI edición de Electrónica en Abril y que se suman a los nombres de LV & Spoek Mathambo, Virgo Four, Sun Araw, Rashad Becker y Eli Keszler para formar el cartel definitivo de Electrónica en Abril 2013. Como novedad la edición de este año presenta un showcase del sello PAN el 14 de abril, que servirá de preámbulo al inicio del Festival el viernes 19 de abril. Como viene siendo habitual el ciclo Elec-trónica en Abril apuesta por algunos de los mejores exponentes de una post modernidad electrónica, artistas que a través del cuestio-namiento de lenguajes y técnicas musicales propias nos muestran nuevas perspectivas sobre las que acercarnos a la música electrónica. Para esto, nadie mejor que el británico Lee Gamble, a quien se conoce por sus lanzamientos en Entr´acte, pero que en el 2012 y de nuevo para PAN, ha entregado dos álbumes tremendos, uno, Diversions 1994-1996, deconstrucción literal del jungle, y otro, Dutch Tvashar Plumes, como fogonazo de techno avanzado. El responsable del colectivo CYRK actuará en directo el viernes 19. Por su parte, el galés Rhodri Davies aterrizará con su harpa, para, alejándose del reduccionismo para interpretar uno de los discos que más nos han sorprendido en 2012,

“Wound Response” (AltVinyl, 2012). Un torrente eléctrico, donde el harpa distorsionada y amplificada revive a Jimi Hendrix. Por último hay que destacar la figura de James Ferraro, enfant terrible de la meta modernidad electrónica, capaz de todo y que

el sábado 20 presentará en directo su álbum “Sushi” (Hippos in Tanks, 2012). Un artista que ha pasado de inventarse mundos sonoros ultra lo-fi a construirse realidades digitales, combinando bien su experiencia como con-sumidor con los sonidos virtuales en “Farside Virtual” (Hippos in Tanks, 2011), mostrando una personalísima mirada al sonido club en Sushi, donde quizá la parodia y lo referencial se olvidan o disimulan para acercarse de una manera lúdica a la bass music.

Zambujeira do Mar — pueblo situado en la costa sudoeste portuguesa, en la región del Alentejo. Hasta la fecha, Snoop Lion, Fatboy Slim, Solange, Cee Lo Green, Calvin Harris, SOJA y Avicii entre otros, han confirmado su participación en la edición de este verano. Uno de los secretos mejor guardados del circuito europeo festivalero, MEO Sudoeste se trata en realidad del fes0val portugués más grande. Conocido por su buen ambiente y cartel ecléctico; una mezcla de música urbana, electrónica, pop, rock, indie, reggae y hasta fado portugués, MEO Sudoeste garantiza variedad para todos los gustos. Ediciones anteriores del festival incluyeron las actuaciones de The Cure, Ben Harper, Chemical Brothers, Muse, The National, Kanye West, Underworld y Daft Punk, por nombrar solo algunos. A tan solo 50 kms del popular Algarve, MEO Sudoeste tiene lugar a las afueras de Zambujeira do Mar, pequeño pueblo pes-quero en la región costera del Alentejo, una zona muy conocida entre los aficionados al surf. El recinto y el camping están situados en un parque natural junto a un canal de agua dulce, a tan solo 10 minutos de algunas de las playas más bonitas del mundo y el mejor surf de Europa. Aquellos que adquieran un bono podrán disfrutar de hasta 9 días de camping incluido y lanzaderas gratuitas a Zambujeira do Mar y las playas cercanas, lo que hace de MEO Sudoeste la perfecta experiencia festival/va-caciones por tan solo 95# + gastos de compra. Bonos de 5 días (9 días de camping incl.) disponibles en Ticketmaster.

Mitsuo Miura. “Memorias Imaginadas” — Desde el 14 de marzo al 2 septiembre, 2013, podremos disfrutar en el Palacio de Cristal (Parque del Retiro, Madrid) la exposición

“Memorias Imaginadas.” De Mitsuo Miura. Mitsuo Miura (Iwate, Japón, 1946) presenta una instalación cuyos protagonistas esenciales son las formas geométricas y los

colores puros; dos elementos que se han convertido en los principales componentes del vocabulario artístico de Miura en los últimos años. Con ellos el espacio del Retiro se convierte en parte sustancial e integrante de la obra del artista. Para esta sede del Museo Reina Sofía, su propuesta parte de lo pictórico y se extien-de hacia lo espacial a través de círculos de colores distribuidos por el suelo y suspen-didos en la cubierta del palacio. Además, Miura incluye en este trabajo franjas de color situadas de manera intermitente en el zócalo del interior del edificio. Su modo de hacer se construye así como una memoria en la que se reactiva un espacio de lo posible, un área imaginaria de existencia incierta que sólo puede ser completada mentalmente. La pro-pia utilización de colores desvaídos remite a la representación de situaciones difusas. La transparencia que caracteriza el espacio expositivo y la posibilidad de que la luz exterior incida sobre el color, hace que su percepción se modifique levemente según el momento horario y las condiciones climáticas. Un juego visual que no se dirige hacia lo mo-numental y lo explícito sino hacia lo sugerido y lo íntimo. Su obra tiende a hacer dialogar los materiales expuestos con el espacio que los alberga, al tiempo que suscita referencias casi imperceptibles a elementos de la natura-leza, estilizados y reducidos a sus expresio-nes mínimas.

Super Bock Super Rock — Relativamente desconocido para el público español, Super Bock Super Rock es uno de los festivales más antiguos de Europa. Ediciones anteriores contaron con gigantes de la música como The Strokes, Arcade Fire, Muse, New Order, Pixies y Metallica por nombrar solo algunos. Para la presente 19ª edición del festival Super Bock Super Rock (SBSR) tendrá lugar del 18 al 20 de julio en la playa de Meco (Sesimbra), a pocos kilómetros al sur de Lisboa, Portugal. Junto a los cabezas de cartel Arctic Monkeys, The Killers y Queens of the Stone Age; Azealia Banks, Johnny Marr, Kaiser Chiefs, Chk Chk Chk y Owen Pallet son algunos de los grupos que actuarán en el festival portugués este verano. Dentro del es-cenario de música electrónica Antena @ Meco destacan las figuras de Carl Craig, Ricardo Villalobos, Ben Klock B2B Marcel Dettmann, Julien Bracht, Josh Wink, Expander, Freshkitos, Kinetic, Joao Maria & Miguel Neto, Henriq, Rui Vargas & Andre Cascais y Mary B. Un cartel completísimo, precios muy competitivos, buen tiempo, fácil acceso y la oportunidad de disfrutar de unas vacaciones en la playa o visitar Lisboa fuera de la expe-riencia del festival, convierten al Super Bock Super Rock en uno de los candidatos más fuertes del circuito europeo de festivales.

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