Sesión 10Transcripción

Arte figurativo y arte abstracto

EL ARTE FIGURATIVO

Imágenes de la pintura al óleo 'Bañista' (h. 1885-90) de Paul Cézanne y su foto de referencia.Arte figurativo es el término que califica aquellas obras de arte en las que se reconoce por su apariencia externa el modelo del natural representado..Pese al equívoco que pueda causar la palabra "figurativo", no representa únicamente figuras: retratos y naturalezas muertas. Abarca también otros géneros como el paisaje o escenas, cualquier imagen reconocible por su parecido con la realidad.Características del arte figurativoPara ser figurativa es imprescindible que la obra de arte sea representativa de la apariencia de cosas reales. Eso no implica que el artista figurativo esté obligado a copiar e imitar figuras. El tema que quiera comunicar ha de ser reconocible por su aspecto, pero se puede aproximar a su representación con distintos énfasis:A. Veracidad: Los elementos de la obra están supeditados a imitar las apariencias, a dar la impresión de forma y espacio y crear la ilusión de realidad.

Mímesis: se imita la naturaleza como fin esencial del arte. Realismo: se procura representar las cosas tal y como son, con objetividad. Naturalismo: se ahonda en el realismo con el determinismo y los métodos de la ciencia experimental.

B. Distorsión: Los elementos de la obra representan solo las características generales de las figuras. Se sintetizan los elementos visuales, se deforma o estiliza acorde con la interpretación que hace el artista de la realidad.

Idealización: se usan formas más geométricas y sintetizadas. Expresionismo: se exagera y deforma el referente para resaltar sus rasgos más característicos o comunicar

una interpretación más personal e introspectiva. Simbolismo se interpretan las figuras por su significado en un contexto cultural.

Funciones del arte figurativo hasta la aparición de la fotografíaEs muy frecuente que estos énfasis e ideales estéticos se plasmen en la obra de arte en distinto grado y, sobretodo, mezclados entre sí.Así se puede ver en la historia del arte donde distintas corrientes artísticas se han ido sucediendo o contraponiendo con mayor o menor anhelo de figuración naturalista o simbólica.Tanto el arte prehistórico como el arte antiguo se caracterizan por una representación de la figura humana figurativa, sintetizada y en ocasiones exagerada por los cánones simbólicos y religiosos.El arte grecorromano parte de estas formas rígidas y geométricas. Pero con el concepto de mímesis como fin del arte, la observación más detenida lleva a un mayor equilibrio entre la geometría idea y el naturalismo.Durante la Edad Media predominan de nuevo el arte figurativo al servicio de la religión y la representación se vuelve esquemática y sobretodo simbólica.En el Renacimiento surgen nuevos modelos de representación de bases científicas como el uso de la perspectiva lineal. Hay un ansia crecimiento por acortar las distancias entre representación y realidad que durará hasta el siglo XVIII.

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Pese a que corrientes como el Manierismo busquen una interpretación más subjetiva y expresiva, la recreación de la realidad domina el arte figurativo hasta el siglo XVIII.Con la aparición de la fotografía en el siglo XIX se cuestiona la función de la pintura cuando existe un instrumento que se considera capaz de imitar con más objetividad la realidad.

EL ARTE ABSTRACTOEjemplo de artes gráficas abstractas de Joan Miró. Joan MiróEl arte abstracto es más fácil de entender y apreciar cuando se sabe qué es más allá de una escueta definición superficial, cuáles son sus características y su historia: origen, desarrollo e importancia.Qué es abstractoLa abstracción es el acto y el resultado de abstraer (del latín abstrahĕre: extraer, resumir lo más sustancial). El adjetivo abstracto califica lo que no se puede percibir directamente a través de los sentidos, aquello que excluye lo concreto y se aleja del aspecto exterior de una realidad.Es decir, algunos de los sinónimos de abstracto son: indefinido, general o conceptual. Y algunos de sus antónimos: definido, particular o figurativo.Qué es arte abstractoLa abstracción en el arte es un lenguaje visual independiente de la representación del natural cuya expresividad reside en el valor y organización de sus elementos. Por lo tanto, el arte abstracto es un concepto opuesto al de arte figurativo que se aplica a varias disciplinas artísticas.Características del arte abstractoSe aleja de la mímesis de la apariencia externa. La obra de arte abstracta existe

independientemente de la realidad.El grado de abstracción puede ser parcial o absoluto. En el arte abstracto puro no existen rastros reconocibles figurativos, mientras que la abstracción parcial conserva partes del referente a la vez modifica otras.Énfasis en la propia expresividad de los elementos esenciales del arte y su organización.También los materiales y procedimientos adquieren significado más allá de su aspecto técnico.El título de las obras puede ser explicativo y ayudar a transmitir un mensaje.Origen del arte abstracto

La abstracción no es un invento del arte moderno occidental. Hay una infinidad de muestras de formas geométricas y estilizadas empleadas desde el origen del arte en la prehistoria, y otras culturas llevan siglos practicando y admirando artes visuales abstractas como la caligrafía.¿Entonces por qué se considera un punto de inflexión la aparición de la pintura abstracta pura a principios del siglo XX?

Volviendo al arte occidental, desde el Renacimiento en adelante la preocupación por recrear la ilusión de la realidad tangible domina artes visuales como la pintura o la escultura. No será hasta la llegada del Impresionismo que los pintores inviertan las prioridades en la representación y den una mayor importancia al procedimiento pictórico que los aleja de las apariencias externas de la realidad.

El término impresionistas les fue impuesto de modo peyorativo por el crítico Louis Leroy al ver la obra de Monet Impresión atardecer o Impresión sol naciente en la exposición de 1874. Lo habitual era exponer en el Salón Oficial, pero los nuevos artistas, conocidos como "Los Rechazados", tenían que buscar lugares alternativos donde les permitieran exhibir sus obras. Así, la primera exposición impresionista tuvo lugar el 15 de Abril de 1874 en el Salón del fotógrafo Nadar. Las figuras principales del movimiento fueron Eduard Manet, Degas, Claude Monet, Auguste Renoir, Morisot, Pisarro y Sisley.

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La abstracción se va abriendo camino a medida que el arte figurativo entra en crisis con las mejoras en el joven campo de la fotografía y la difusión de este nuevo procedimiento para captar la realidad. Los movimientos de vanguardia del siglo XX, como el expresionismo o el cubismo, reaccionan contra el realismo explorando distintas maneras en que pueden manipular los elementos de una obra independientemente de la realidad.

El Expresionismo es una corriente artística que busca la expresión de los sentimientos y las emociones del autor más que la representación de la realidad objetiva. Revela el lado pesimista de la vida generado por las circunstancias históricas del momento. La cara oculta de la modernización, la alineación, el aislamiento, la masificación, se hizo patente en las grandes ciudades y los artistas, creyeron que debían captar los sentimientos más íntimos del ser humano. La angustia existencial es el principal motor de su estética. El Expresionismo se inicia con un periodo preliminar representado por el belga Ensor y el noruego Munch. El movimiento expresionista se desarrolló principalmente en Alemania.En 1905 se constituye en Drede el grupo Die Brücke (El Puente), coetáneo al movimiento fauvista francés. Mientras los fauves se movían por intereses meramente plásticos cuyos temas eran intrascendentes, los alemanes, con una técnica similar en cuanto a la intensidad de las siluetas y las masas cromáticas, prefiriendo los tonos oscuros, difieren por la plasmación de las angustias interiores del hombre y sus preocupaciones existenciales. En el grupo Die Brücke, influido por Munich, destacan Nolde y Kirchner. Son artistas comprometidos con la situación social y política de su tiempo.

Los orígenes del Cubismo giran en torno a 1907, fecha en la que Picasso concluye Las Señoritas de Avignon, que será el punto de partida.George Braque junto con Picasso son los inspiradores del movimiento y algunos de los principales maestros son Juan Gris, Fernand Leger, Jean Metzinger y Albert Gleizes, pero con anterioridad, Cézanne ya habría marcado el camino.El Cubismo es un arte mental, se desliga completamente de la interpretación o semejanza con la naturaleza, la obra de arte tiene valor en sí misma, como medio de expresión de ideas. La desvinculación con la naturaleza se consigue a través de la descomposición de la figura en sus partes mínimas, en planos, que serán estudiados en sí mismos y no en la visión global de volumen. Así un objeto puede ser visto desde diferentes puntos de vista, rompiendo con la perspectiva convencional y con la línea de contorno. Desaparecerán las gradaciones de luz y sombra y no se utilizarán los colores de la realidad, apareciendo en las representaciones el blanco y negro. Las formas geométricas invaden las composiciones. Las formas que se observan en la naturaleza se traducirán al lienzo de forma simplificada, en cubos, cilindros, esferas. Nunca cruzaron el umbral de lo abstracto, la forma siempre fue respetada.Los principales temas serán los retratos y las naturalezas muertas urbanas.

Se considera que el arte abstracto puro nace en 1910 en Munich de la mano del artista ruso Wasily Kandinsky quien expone las primeras ideas sobre el arte abstracto en “De lo espiritual en el arte”.Varias teorías contemporáneas y posteriores han intentado explicar por qué surge la abstracción pura:

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El deseo de alejamiento de la realidad por motivos tan diversos como que ella estaba dicho todo lo que había que decir sobre la representación de la realidad, como consecuencia del deseo de evasión de la crisis y el desorden social del momento o como manifestación de la perplejidad e impotencia del artista en contexto histórico dado.El ansia de representación de lo absoluto. Una vuelta a la esencia del arte con elementos más limitados y constantes que los que se pueden encontrar en la realidad, la creencia de que el arte no se podrá identificar con otra realidad que no sea el propio arte o el anhelo utópico de crear y comunicar a través de un lenguaje visual universal.

Un ejemplo de Abstracción: Jackson Pollock. Composición" de Jackson Pollock de 1948. Óleo sobre lienzo. Expresionismo Abstracto. WashingtonEl expresionismo abstracto es un movimiento contemporáneo dentro de la abstracción pictórica, que apareció en los años '40 en los Estados Unidos, como arte financiado durante la Guerra Fría. Se considera el primer movimiento genuinamente estadounidense

Jackson Pollock (1912-1956)El psicoanálisis de Jung y la obra de Picasso, un Picasso que Pollock conoce a través de la retrospectiva del MOMA de 1939, así como el descubrimiento del arte aborigen, en especial de la pintura de arena practicada por los indios norteamericanos, llevaron a Pollock a concebir la pintura como resultado de la experiencia vital del artista, casi como una radiografía del propio yo. No todo, sin embargo, era improvisación, rapidez. Después de una primera fase de automatismo, procedía a una fase de reflexión en busca de la coherencia y unidad que garantizaban la vida de la obra de arte. En todo el proceso creativo de Pollock, mucho más importante que las técnicas utilizadas, o incluso que el propio resultado, era el método de trabajo. El mismo Pollock ha descrito en más de una ocasión su peculiar manera de enfrentarse al cuadro; Pollock, por ejemplo, nunca trabajaba sobre el caballete, sino sobre el suelo, para poder así estar literalmente dentro de la pintura; además, eliminaba las herramientas típicas del pintor, como el caballete, la paleta y los pinceles, sustituyéndolos por varillas o

cucharas, y usaba como material una pasta espesa mezclada con arena y vidrio molido. Además, Pollock fue el primer pintor de la época que trabajó por impregnación en la tela cruda, procedimiento que tuvo gran repercusión no solo entre los artistas de su generación, sino también de la generación posterior, la de la abstracción pospictórica. Alrededor de los años 1938 y 1939 renuncia a las influencias foráneas, especialmente las europeas. Por estos años descubre la forma de expresión irracional y primitiva; los ritos y las imágenes totémicas de los aborígenes americanos alimentan su obra, que queda imbuida de carácter mágico y simbólico. A partir de 1946, con la introducción del dripping, Pollock se impone como maestro de la concepción gestual característica de la action painting. Hasta 1951, coincidiendo con su período en blanco y negro, realiza un gran número de telas abstractas de gran formato; cuadros all over, sin centro, dominados por el color y por la inmediatez de ejecución, de gran tensión y dramatismo y de un poderoso ritmo vital, respuesta a sus emociones. Desde 1953 hasta su trágica muerte, en 1956, Pollock abandona el dripping y retorna a la primitiva figuración expresionista, con una adopción de antiguas temáticas relacionadas con los motivos totémicos de los años cuarenta. La influencia de Pollock, uno de los artistas de esta generación que con su obra ponía de manifiesto las preocupaciones estéticas de su tiempo, se dejó sentir en sucesivas generaciones tanto en América como en Europa.

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Análisis: Sobre el lienzo de gran dimensión observamos un conjunto de manchas y finas líneas que se superponen dando la sensación de que el cuadro no tiene límites al extenderse por todo el espacio de la tela, (primero pintaba y luego recortaba el lienzo).Al analizarlo vemos que el artista utiliza una composición libre donde prescinde de la perspectiva, y donde no existe un centro de atención, ni una jerarquía. Los trazos son enérgicos y rápidos, y las formas son grumos, siluetas, gotas…. Resultado del método de trabajo de Pollock, que consistía en escurrir o lanzar con fuerza grandes cantidades de pintura sobre el lienzo sin tensar, extendido en el suelo, técnica comúnmente denominada como dripping.Distribuye los colores y las formas de modo espontáneo, sin programar lo que va a pintar, sino que improvisa plasmando en el lienzo lo que en ese momento siente, convirtiendo la pintura en una liberación del subconsciente. (Pisaba por encima del cuadro para dejar las huellas)En el lienzo los colores utilizados no interactúan entre ellos como era característico en la pintura.Cuando pinta, Pollock, no utiliza las herramienta comunes a todo pintor, paleta, pinceles, espátula…sino que se decanta por los palos, cuchillos, el propio bote de pintura cuyo contenido derrama sobre el lienzo . Experimentó con muchos materiales como pigmentos sintéticos, acrílicos, barnices, aluminio y esmaltes, a lo que suma arena, cristales … No trabajaba sobre el lienzo, si no metido en él Se relacionó su arte con el "automatismo", como si su pintura tuviera que ver con los movimientos automáticos generados por los fenómenos psíquicos del artista.140 MILLONES DE DÓLARES. JACKSON POLLOCK "NO.5", 1948, VENDIDO EN 2006

Otras obras de PollockNúmero 1 Tipo de obra: Pintura al Óleo y pintura acrílica sobre tela. 2,69 x 5,30 m. Estilo: Expresionismo abstracto Cronología: 1950Localización geográfica: Museo de Arte moderno de Nueva YorkDescripción y análisis de la obra:La Composición nº 1 es una obra de dimensiones enormes, de una medida que quiere imitar un muro de obra. La tela está totalmente cubierta de color en expresión estilística de un absoluto horror vacui que será un elemento

característico de la obra de Pollock y de otros miembros del expresionismo abstracto.Los colores son utilizados directamente tal como salen de los tubos. Pollock emplea colores puros, rojo, blanco, negro, con los cuales forma Iineas que se curvan sinuosamente unas sobre las otras, mostrando un ritmó paroxístico. No hay un motivo que centre la vista deI espectador, sino que se ha de limitar a pasar la mirada por toda la superficie de la pintura. Es una obra total que se ha de disfrutar íntegramente. Este cuadro es una imagen de una intensidad casi apocalíptica gracias a la rapidez y a la energía psíquica de su ejecución, que son palpables en el cuadro.Para llenar el lienzo escoge los materiales que le proporciona la industria, barniz, esmaltes, con colores de cualidades tímbricas y potentes. La obra se realiza sin un plan previo y, «como el jazz, se construye al mismo tiempo que se interpreta». Lo importante es la inmediatez, el acto de pintar más que el resultado final. No existe, por tanto, un tema, ni un espacio determinado, ni una disposición compositiva, ni figuración. Su acción responde a un impulso libre, automático, principio ya utilizado por los surrealistas, y el resultado es un espacio puramente óptico y totalmente cubierto («all over»). La pintura es un vehículo de expresión de sentimientos, pero no hay nada que descifrar.

Veamos qué predomina en el arte actualAlgunas obras de ARCOmadrid 2017

1. Blanket Infected with Smallpox de Joanna Rajkowska (2015). Lo que parece una toalla es para esta artista la representación de la guerra del Taller de imagen Sesión 08

germen colonial, que se promulgó en 1700 a partir de la donación de mantas infectadas de viruela a los nativos colonos. La escultura captura una historia arraigada de un desajuste moral y profesional entre la intención de infligir dolor o aliviarlo.

2. Untitled de Roni Horn (2016). La obra de este artista es una de las más extravagantes de todo ARCO debido a su representación ligada a los emperadores egipcios y a su elevado coste, cerca del millón de dólares.

3. Luna de Antonio Ballester Moreno (2016). Esta obra representa una de las generalidades del artista, que a través del papel y bolígrafo pretende expresar su libertad creativa.

4. An Unholy Alliance de Cristina Garrido (2016). Aunque estos objetos parecen una colección de piedras, en realidad son una serie de páginas que con papel maché la artista ha dado forma esférica. Su crítica va hacia la elevada cantidad de páginas de publicidad que existen por encima de los contenidos informativos en todos los medios de información.

5. Ética, Loquera y Mohicana de Israel Martínez (2016). Este artista mexicano representa a través de esta obra el origen de varios grupos punk de su localidad al colocar el parche de un grupo musical sobre una gorra de la marca Nike. Con ello pretende llevar un crítica a la sociedad y huir de los tópicos.

6. Anti-globalización de Pedro G. Romero (1999-2009). Estas monedas anti católicas en las que aparece el símbolo de la amistad representan para el artista la ruptura con los términos económicos, dejar de ser "católico, universal, general, en definitiva, dejar de ser todo".

7. Our Silence collected in a Book de Lia Perjovschi (1989). La artista crea a través de varios recortes de guías de viaje una esfera que muestra la cercanía del mundo y las diferencias culturales que este tiene.

8. Untitled de Alexander Calder (1953). Este artista ha logrado gran relevancia internacional gracias a sus esculturas de formas uniformes. Con

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esta pintura Calder representa el sol junto a varios planetas en las líneas planas, debido a su gran admiración por la astronomía.

9. The Butcher's Arms de Adriano Costa (2016). La obra de este artista brasileño pretende colarse en la sociedad contemporánea para expresar en forma de graffiti un grito de guerra contra los tópicos. "Mi novio es vegano", exclama el autor.

10. La mancha de sangre de Ricardo Carreira (1966/2008). Esta obra es para el artista una crítica a todo aquello que signifique guerra, en especial a las matanzas vietnamitas de los años 60. Con ello el autor pretende exponer la muerte de estas personas como si estuviesen ocurriendo al lado suya.

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Un ejemplo de arte figurativo: Antonio López García (Tomelloso, Ciudad Real, 6 de enero de 1936) es un pintor y escultor español.

Antonio López es uno de los representantes del realismo contemporáneo español. Su obra se caracteriza por un sentido investigador de la realidad y está considerado como el padre de la escuela hiperrealista madrileña. Su estilo ha influido en numerosos artistas como Toral o Villaseñor.En el año 1985 fue galardonado con el Premio Príncipe de Asturias y en enero de 1993 es nombrado miembro de la Real Academia de San Fernando.

Antonio López García es el hijo mayor de un matrimonio de labradores acomodados de la localidad castellano manchega de Tomelloso.En 1949 se trasladó a Madrid para preparar su ingreso en la Academia de Bellas Artes de San Fernando, donde coincidió con diversos artistas como Enrique Gran, Amalia Avia, y Lucio Muñoz, con los que conformó lo que se ha venido a llamar Escuela madrileña. Permaneció en la academia entre 1950 y 1955. En 1955, y gracias a una beca, viajó a Italia, donde conoció de primera mano la pintura italiana del Renacimiento. Sufrió así una pequeña decepción al contemplar en vivo las obras maestras que solo conocía por reproducciones, y que hasta ese momento veneraba. Comenzó a revalorizar la pintura clásica española, que tan bien conocía, gracias a las frecuentes visitas al Museo del Prado, especialmente Diego Velázquez.En 1990 el director de cine Víctor Erice filmó El sol del membrillo, filme en el que se recoge el proceso creativo del artista mientras pinta un membrillero del patio de su casa. En 2008, su obra Madrid desde Torres Blancas alcanzó en una subasta de Christie's de Londres el 1.918.000£, la mayor cantidad pagada hasta ese momento por una obra de un artista español vivo.En el año 2014 creó una gran expectación la entrega y presentación de uno de sus cuadros más ambiciosos, La familia de Juan Carlos I, cuya realización le ocupó durante 20 años. El cuadro ha sido sometido a numerosas modificaciones formales por el pintor manchego. Desde hace unos días, la tela, de 3,40 metros de longitud por tres metros de altura, se encuentra en el Palacio Real, en una sala contigua a la Capilla Real, hasta donde ha sido trasladada desde el domicilio del pintor en el distrito de Chamartín.

Método de trabajo“Una obra nunca se acaba, sino que se llega al límite de las propias posibilidades”. Con estas palabras Antonio López resume su particular modo de acercamiento al objeto a pintar. Sus cuadros se desarrollan a lo largo de varios años, décadas en ocasiones, con una plasmación lenta, meditada, destilando con cada pincelada la esencia del objeto o paisaje, hasta que el artista consigue plasmar la esencia del mismo en el lienzo.El pintor busca entre la realidad que le rodea aquellos aspectos cotidianos, que él recoge con un tratamiento pleno de detallismo, rozando lo fotográfico. Sus preferencias van desde las vistas de Madrid hasta los retratos de sus familiares, pasando por los objetos más cotidianos y cercanos.A lo largo de la mayor parte de su carrera artística, Antonio López ha desarrollado una obra independiente, en medio de un panorama artístico estructurado en base al informalismo y la abstracción. Tampoco parece tarea fácil vincular la obra de López con las tendencias realistas europeas más recientes, o con el hiperrealismo americano.

El realismo del pintor Antonio López, ahora en un lujoso libro que cuesta 4.500 eurosLos lienzos de Antonio López, más que pinturas, parecen fotografías. El realismo de este genio se recoge ahora en un lujoso libro. El libro se titula 'Cuerpos y flores', edición en español e inglés, de gran formato, en la que se muestran sus obras más representativas, desde los primeros trabajos hasta los más actuales.Una de sus últimas obras, un óleo sobre tabla 'Mujer en la bañera', y expuesto por la galería Marlborough, se vendió por un precio de 2,5 millones de euros.Mirando hacia atrás, señala un cambio sustancial en su obra cuando decide pintar del natural, sin necesidad de apoyos o referentes externos: “La fotografía señala, por muy buena que sea y por muy ampliada que esté, no te da los datos que necesitas para pintar un cuadro. No te da los datos del color y la luz; no te da el sonido, la emoción de estar en el lugar""Desde el 60, pinto directamente del natural, y tengo la sensación de que nunca acabo los cuadros. Trabajo a partir del tema, añadiendo cosas, tratando de profundizar en él, pero el motivo tiene tal grandeza, es tan amplio y

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cambiante que nunca tengo la sensación de haber llegado hasta el final.” La explicación está en la emoción desde la que nace la obra, y en su relación con el motivo, que explica como un “diálogo con el natural”. La realidad es, por tanto, vista desde un lado cálido, emotivo, no como una imagen fría que se debe reproducir.López profundizó en los protagonistas de estos nuevos proyectos: “Las flores y los desnudos. ¿Por qué no voy a pintar personas desnudas? A mi edad uno tiene derecho a ello”, bromeó. Le atraen las flores y las personas “porque están al mismo nivel, son seres vivos que crecen, envejecen, se arrugan y mueren”. Confesó precisamente que su edad ya le afecta a la hora de trabajar, por ejemplo por la pérdida de vista: “Debería pintar menos volúmenes, porque ya no puede ver de lejos todas las ventanas de los edificios, pero cojo unos prismáticos y lo sigo haciendo”.“Viendo su esfuerzo (de Miguel Ángel) y los medios que hoy tenemos, creo que lo que hacemos es bastante poca cosa”. “¿Qué le diría a alguien que cree en Dios?”. “Pues que tiene mucha suerte”.Pinta con gran lentitud, de forma meditada, buscando la esencia del objeto representado. Sus cuadros se desarrollan a lo largo varios años, retocándolos en infinidad de ocasiones hasta que los considera definitivamente acabados.Antonio López expresa así su forma de pintar: "Una obra nunca se acaba, sino que se llega al límite de las propias posibilidades" o "Cuando estás pintando por ejemplo una calle, lo que estás viendo es tan extraordinariamente impresionante que a mí, desde luego, me cuesta muchísimo trasladar una parte de aquello. Eso es lo que me hace tardar tanto. Yo no puedo resolver todo ese espectáculo con rapidez".Su creación abarca desde lo pictórico hasta lo escultórico. Sus esculturas son de gran verismo, como Hombre y mujer.¿Crees que el arte puede ser un hecho trascendente? Es que trascendente puede ser comer. El arte es algo que pertenece al hombre. Para mí el arte es algo que me reconforta, que me llena la vida. Es una de las cosas nobles del hombre. El hombre tiene una parte de sombra y otra parte de luz. De ahí procede el gran arte, porque luego hay un arte que es una mierda, que es indigno y que nace de lo canalla que es el hombre. Ese es el arte malo. “Ahora empiezo un cuadro, lo abandono, puedo pasarme así 20 o 30 años. Tengo muchas obras sin acabar”

Sus obras

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Un ejercicio de cine: La escena de la ducha de PSICOSIS de Alfred Hitchcock (1960)

‘Psicosis’ es una mítica película rupturista que crea la tendencia de alejarse de los cánones clásicos a la hora de construir el discurso fílmico. Es una película experimental que trabaja desde el concepto de cohesión entre puesta en escena y trama de una manera magistral. Hitchcock preconcebía la película en su cabeza antes de rodarla. Dominaba como uno de los mejores todas las posibilidades creativas y comunicativas que podía ofrecer un plano y ponía en jaque al espectador más observador.Taller de imagen Sesión 08

Psicosis: el terror en la ducha.El asesinato de Marion Crane (Janet Leigh) en la ducha a manos de Norman Bates (Anthony Perkins) es la secuencia principal de la película Psicosis, y una de las más famosas escenas de la historia del cine. Aunque Hitchcock concibió la escena original sin música, el compositor Bernard Hermann insistió en introducir el sonido de unos violines chirriantes, para intensificar las imágenes. El resultado fue tan satisfactorio que Hermann dobló su sueldo. Hoy en día, la melodía de los violines durante la escena de la ducha es uno de los detalles más

recordados de esta cinta. Janet Leigh fue la actriz que protagonizó la escena de la ducha en Psicosis. Sin embargo, la modelo Marli Renfro dobló el cuerpo de la protagonista en algunas tomas y cobró 500 dólares por ello.Marion había decidido regresar a Phoenix, limpia, y en consecuencia, cuando entra en la ducha era como si estuviera en la intensificación de las aguas bautismales. El aerosol dando golpes sobre ella era para purificar la corrupción de su mente, purgar el mal de su alma. Ella era como una virgen de nuevo, tranquila, en paz.Con frecuencia se afirma que, a pesar de su carácter gráfico, la ''escena de la ducha'' nunca muestra un cuchillo pinchando carne. Sin embargo, un cuadro a cuadro muestra que el cuchillo sí penetra visiblemente la piel por una fracción de pulgada, aunque sólo una vez, y de forma breve (sólo tres fotogramas de la película, o una octava parte de un segundo) en cuanto a ser subliminales.Una leyenda urbana dice que los gritos de Janet Leigh, la protagonista, fueron impulsados por una bestial ducha de agua fría. Leigh lo negó en su libro de memorias, insistiendo en que Hitchcock mantenía el agua caliente y cómoda para la filmación.La escena de la ducha se rodó en 7 días, dura 3 minutos, presenta entre 71 y 78 ángulos (el número exacto se desconoce) de cámara y más de 50 planos. La mayoría de los planos son extremadamente cortos, excepto en los planos que se dirigen a la ducha antes y justo después del asesinato. La combinación de los planos es de tan corta duración en la secuencia que resulta más impactante, más subjetivo, más incontrolado, y más violento de lo que las imágenes presentarían por sí solas o en un ángulo más amplio.En la escena parecen el plano detalle, por ejemplo, cuando aparece el desagüe de la ducha; el primer plano, cuando aparece la mujer duchándose; el primerísimo primer plano cuando el asesino acuchilla a la mujer...Y en algunas ocasiones se utiliza el ángulo contrapicado, por ejemplo, para enfocar la alcachofa de la ducha mientras sale el agua, también aparecen ángulos picados, por ejemplo, cuando la mujer después de ser acuchillada se agarra a las cortinas de la bañera. También aparece un plano general corto cuando el asesino huye de la escena del crimen. En la primera parte de la escena predominan el primer plano y el plano detalle. En la escena del asesinato se combinan primer plano, primerísimo primer plano y plano detalle. La rapidez con la que se cambia de plano en el momento del asesinato impide ver el rostro del asesino y da la sensación de violencia a la hora de asesinar a la mujer.Un dato muy curioso es que en los planos que se enfoca la alcachofa de la ducha con una una angulación contrapicada, el objetivo de la cámara no se moja, ya que Hitchcock ordenó tapar algunos orificios de la alcachofa de la ducha, para así evitar que se mojara el objetivo de la cámara. Otra curiosidad que cabe destacar, es que el rostro de la mujer no se corresponde con su cuerpo, ya que son dos mujeres diferentes. Para reproducir el sonido de las cuchilladas, se clavó el cuchillo en un melón o una sandía, y para imitar la densidad de la sangre, se utilizó sirope de chocolate.La escena del ojo de Marion en el que la cámara lo muestra en primer plano y empieza a alejarse girando sobre si misma, fue muy difícil para Leigh, ya que la ducha seguía funcionando y el salpique de agua la hacía parpadear.El agua se va por el sumidero y va girando mientras es tragada por el agujero. De forma metafórica, la vida de Marion se escapa por el sumidero. En un solo movimiento de cámara Hitchcock transmite la idea fundamental de la película: “El que la hace, la paga”. Del sumidero al ojo del cadáver (castigo); del cadáver al dinero que ha robado (delito); del dinero que ha robado a la casa de Norman (verdugo) que sale de la casa gritando.El movimiento de cámara alrededor del ojo pareciera que lo está desenroscando, para buscar quién ha sido el culpable de su muerte. Este movimiento, unido a su recorrido en plano secuencia, si se hubiese grabado fragmentado no se apreciaría la relación tan marcada entre el castigo, el delito y la ley. No obstante, como curiosidad, introduce un plano de la ducha en medio de la secuencia porque la actriz no era capaz de aguantar la

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respiración todo el tiempo que duraba el plano. Además Leigh debía llevar unas lentillas. Sin embargo están eran demasiado incómodas así que Leigh tuvo que aguantar con el ojo de esa forma ella sola durante todo el plano.Para lograr el plano de debajo de la ducha tuvo que construirse una ducha especial para que al salir el agua el agua rodease la cámara sin mojar el objetivo.Anthony Perkins no pudo rodar la escena de la ducha debido a que estaba en Nueva York preparando una obra de teatro. En su lugar la persona que lleva el traje es un técnico con caracteristicas físicas parecidas a las de Perkins.

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