Echoes of the Grand Canal - Idagio · 2019. 9. 4. · Die Motette „In furore iustissimae irae“ schrieb Vivaldi um 1723, als er sich in Rom aufhielt. Der erste Interpret war also

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Echoes of the Grand Canal

Music from Tiepolo’s Venice

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JOHANNES PRAMSOHLERleader and director

DIANA HALLERmezzo-soprano

PHILIPPE GRISVARDharpsichord

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Vivaldi • Hasse • Platti • Gajarek

Echoes of the Grand CanalMusic from Tiepolo’s Venice

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ENSEMBLE DIDEROTon period instruments

Johannes Pramsohler, violin I

Simone Pirri, violin I (4-7, 12-15, 20-23), violin II (1-3)

Roldán Bernabé, violin II (4-23), viola (1-3)

Mario Konaka, violin II (4-7, 12-15, 20-23)

David Glidden, viola (4-7, 12-15, 20-23)

Gulrim Choï, cello

François Leyrit, double bass (1-7, 12-15, 20-23)

Philippe Grisvard, harpsichord & organ

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Giovanni Benedetto Platti (1697–1763)Harpsichord concerto in F Major *01 Allegro ............................................................................... 04:2502 Adagio .............................................................................. 03:3403 Presto ............................................................................... 05:02 Sigismund Martin Gajarek (c1689–1723)Cantata “Armida disperata” * 04 [Recitativo:] “E pur vivo, e non spiro?” ............................... 02:0205 [Aria:] “Olà Tesifone” ......................................................... 04:0806 [Recitativo:] “E voi, delizie amene“ ..................................... 01:4607 [Aria:] “Parto, ma per partire” ............................................ 01:55

Antonio Vivaldi (1678–1741)Trio sonata in C Major, RV 6008 Allegro-Adagio .................................................................. 01:3109 Allegro .............................................................................. 02:0310 Adagio .............................................................................. 02:2811 Allegro .............................................................................. 02:30

Echoes of the Grand Canal

* world premiere recordings

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Antonio VivaldiIn furore iustissimae irae, RV 626Motetto per soprano, due violini, viola e basso12 [Aria:] “In furore iustissimae irae” ....................................... 04:4013 [Recitativo:] “Miserationum Pater piisime” .......................... 00:4514 [Aria:] “Tunc meus fletus” .................................................. 05:4515 Alleluia .............................................................................. 01:35

Giovanni Benedetto PlattiSonata for violin, cello and basso continuo in G Minor16 [without indication] .............................................................. 02:1417 [without indication] ............................................................ 02:0818 Largho .............................................................................. 02:2919 Presto ............................................................................... 01:53 Johann Adolph Hasse (1699–1783)Alta nubes illustrataMotetto a Soprano solo con stromenti (Dresden manuscript)20 [Aria:] “Alta nubes illustrata” .............................................. 09:1221 [Recitativo:] “Diffulgite, o funeste vos peccatorum” ............ 02:5522 [Aria:] “Coelesti incendio amoris” ...................................... 10:1123 Alleluja .............................................................................. 03:00

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Deutsch

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Mit Farbe und Pinsel Wände durchbrechen, einen unendlichen Raum zaubern und die Gesetze der Schwerkraft überwinden – Giovanni Battista Tiepolos illusionistische Blicke in den Himmel und seine fein abgestuften Farbpartituren, die die Nuancen des Lichts auffächern, haben die Zeitgenossen fasziniert. Neidlos bezeichneten sie ihn als „Der beste Maler Venedigs“. Und so nennt auch die Staatsgalerie Stuttgart ihre Ausstellung zu Tiepolos 250. Todestag im Jahr 2020. Welche Musik erklang zu der Zeit, als Tiepolo an seinen großen Gemälden arbeitete – in Venedig, seiner Geburtsstadt und seinem Lebensmittelpunkt, und in Würzburg, wo er Anfang der 1750er Jahre die Fresken der Residenz malte? Welche Klänge kommen seinen pastellfarben aufgebauschten Wolkenkompositionen nahe? Was entspricht musikalisch der Grandezza seiner Helden, der Anmut seiner Heiligen-Figuren, der Verspieltheit seiner Puttos? Diese Fragen waren der Ausgangspunkt dieser CD, einer Art Playlist für Tiepolo. Die Staatsgalerie Stuttgart verwendet diese Einspielung auch für ihren Audioguide zur Ausstellung: Wer die viel befahrene B14 überquert hat, lässt am postmodernen Museumseingang den Verkehrslärm hinter sich und tritt mit Musik des 18. Jahrhunderts im Ohr ein in Tiepolos Welt und Zeit.

Tiepolos Fresko „Apollon und die Kontinente“ schmückt das Treppenhaus der Würzburger Residenz. Es ist das größte zusammenhängende Deckenfresko der Welt – eine prachtvolle Inszenierung des zeremoniellen Weges durch die Residenz. Das Bildprogramm spiegelt das Selbstverständnis und den Herrschaftsanspruch des Würzburger Fürstbischofs Carl Philipp von Greiffenclau. Er hat Tiepolo und seine beiden Söhne 1752 mit dieser Arbeit beauftragt. Apollon, der Gott der Künste, schwebt vom Himmel herab, hinter ihm erstrahlt die

EINFÜHRUNG – Deutsch

Eine Playlist für Tiepolo

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aufgehende Sonne und färbt Wolken, Götter und Menschen in das charakteristische Tiepolo-Rosa. An den Seiten: Die vier Kontinente (damals war Australien noch nicht entdeckt), in detailfreudigen Szenen dargestellt, mit diversen exotischen Tieren und Menschen unterschiedlichster Couleur. Auf der Europa-Seite spielen Kunst, Religion und Musik die Hauptrolle. Hier hat Tiepolo den Architekten der Residenz, Balthasar Neumann, porträtiert, und in einer Ecke sich selbst. Außerdem drei Musiker, von denen der Violone-Spieler möglicherweise Giovanni Benedetto Platti darstellt (eine Vermutung, die sich leider nicht belegen lässt). Platti wurde in den 1690er Jahren in Venedig oder Padua geboren, wuchs in Venedig auf, wo er Mitglied der Musikergilde „arte de sonadori“ war und fand 1722 am Fürstbischöflichen Hof von Würzburg eine bestens bezahlte multi-tasking-Anstellung als Komponist, Oboist, Cembalist, Flötist, Tenor und Gesangslehrer. Tiepolo und Platti sind sich sicher in Würzburg begegnet, denn Platti blieb bis zu seinem Tod im Jahr 1763 am Hof. Hier komponierte er eine Fülle von Instrumentalmusik – jede Menge Sonaten, 28 Cellokonzerte und mindestens 11 Cembalokonzerte, von denen noch 9 erhalten sind. Das Cembalokonzert F-Dur schrieb Platti um 1740. In den beiden Rahmensätzen dienen die Ritornelle der Streicher als Pfeiler, dazwischen darf das Cembalo solistisch hervortreten. Das unbeschwerte Strahlen der heile-Welt-Tonart F-Dur (da sie für Flöten und Oboen so günstig liegt, verwenden die Komponisten sie traditionell für Hirten- und Weihnachtsmusiken) durchbricht Platti immer wieder mit verminderten Akkorden, chromatischen Gängen, plötzlichen harmonischen Eintrübungen und rhythmischen Überraschungen. Im Mittelsatz in d-Moll regieren Pathos, große Gesten und ausladende Melodien; mehrfach gewürzt mit der Dissonanz des Neapolitanischen Sextakkords, dem klanglichen Symbol für Klage und Seelenschmerz. Rudolf Franz Erwein Graf von Schönborn, der Bruder des Würzburger Fürstbischofs, war ein begabter Cellist. Er besaß eine riesige, ständig wachsende Notenbibliothek (die heute noch erhalten ist!) und bestellte auch bei Platti etliche Werke für sein Instrument: Für ihn entstanden Plattis Cellokonzerte und etliche kammermusikalische Werke, in denen das Cello


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bemerkenswert selbstständig geführt ist; darunter die Triosonate g-Moll. Triosonaten dieser Zeit sind üblicherweise für zwei Geigen und Basso continuo, wobei sich Cello und Cembalo die Bass-Stimme teilen. Hier aber sind (eine!) Geige und das Cello als Melodieinstrumente absolut gleichberechtigt. In den langsamen Sätzen umschlingen sie sich in ausdrucksstarken Melodielinien und reiben sich lustvoll in Vorhaltsdissonanzen aneinander, in den beiden schnellen fugierten Sätzen werfen sie sich gegenseitig voll Spielfreude die musikalischen Gedanken zu.

Mehrmals hat Tiepolo Sujets aus Torquato Tassos Kreuzzugs-Epos „Das befreite Jerusalem“ gemalt: Innerhalb einer Serie von Leinwandbildern für einen venezianischen Patrizierpalast und später als Fresken-Zyklus in der Villa Valmarana in Vicenza. Tassos Episode von Rinaldo und Armida ist auch ein beliebtes Sujet auf der barocken Opernbühne. Lully und Händel, Vivaldi, Jommelli, Gluck, Haydn und viele andere haben den Stoff als Oper vertont; zusätzlich gibt es unzählige Kantaten – darunter diejenige von Sigismund Martin Gajarek. Er wurde um 1689 in Dalmatien geboren, gelangte 1716 als Organist an den Markgräflichen Hof von Bayreuth und stieg fünf Jahre später zum Hofkapellmeister auf. Bis zu seinem frühen Tod mit Anfang 30 blieb er in diesem Amt. Zuvor hatte Gajarek eine Studienreise nach Venedig unternommen; dort entstand 1721 die Kantate „Armida disperata“ (Die verzweifelte Armida), eines seiner wenigen erhaltenen Werke. Die Musik malt das Psychogramm eines gebrochenen Herzens: Der Kreuzritter Rinaldo hat die schöne Zauberin Armida verlassen. Sie kann es kaum fassen, dass sie trotz dieses riesigen Schmerzes noch lebt und atmet. Die abenteuerlichen Harmonien, mit denen sie ihre Flüche herausschleudert, verraten, wie sehr sie außer sich ist. In ausladenden Koloraturen und rasenden Läufen macht Armida in ihrer ersten Arie ihrer Empörung Luft – Tesifone, eine der Rachegöttinnen, und die Furien fachen ihre Hassgefühle an. Das nächste Rezitativ schildert, wie Armida all ihre glücklichen Erinnerungen verbannt und ihren Hunger nach Rache füttert. Wutschnaubend und mit üblen Verwünschungen zieht

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sie von dannen; die prasselnden Sechzehntel-Wiederholungen im Orchester schildern ihren bebenden Zorn. Diese zweite Arie bricht in der Handschrift nach 41 Takten ab. Philippe Grisvard hat die Schluss-Takte rekonstruiert. Venedig, die berühmt-berüchtigte Hochburg der Lustbarkeiten und Vergnügungen, hatte schon in der Barockzeit Babyklappen. Vier davon befanden sich direkt neben den Ospedali, Venedigs Waisenhäusern für Mädchen – einer Mischung aus Kloster und Konservatorium, das den Mädchen eine hervorragende musikalische Ausbildung ermöglichte. Jedes der vier Ospedali hatte seinen eigenen Chor und sein eigenes Orchester; natürlich konkurrierten sie miteinander. Die regelmäßigen Konzerte der Ospedali zählten zu den Touristenattraktionen der Stadt, zeitgenössische Reiseführer listen sie unter den Top Ten auf. Tiepolo hatte immer wieder Kontakt zu den Ospedali. Für eines davon, das Ospedaletto, malte er 1715/16 sein frühestes erhaltenes Werk: die Opferung des Isaak. Dort lernte er auch seine spätere Frau Cecilia kennen, die als jugendliche Halbwaise einige Zeit in der Obhut dieses Hauses verbrachte. Fast 40 Jahre später malte er das Fresko „Aufnahme Mariens in den Himmel“ für die Kirche des Ospedale della Pietà. Diesem Waisenhaus war Antonio Vivaldi eng verbunden: zunächst als Priester; seit 1704 unterrichtete er dort viele Jahre als Geigenlehrer. Etliche seiner Concerti und seiner geistlichen Werke hat er für die musizierenden Waisenmädchen geschrieben. Vivaldis Notendrucke und Handschriften seiner Werke waren in ganz Europa verbreitet. Die Triosonate C-Dur etwa ist in der Schönborn-Wiesentheidschen Musikaliensammlung überliefert. In allen vier Sätzen sind die beiden Geigen völlig gleichberechtigt: Im ersten Allegro geben sie sich einem improvisiert wirkendenden Rausch aus wilden Skalen, Dreiklangsbrechungen und Bariolagetechnik hin – eine Klangorgie über dem ruhigen Bass-Fundament, das hauptsächlich aus langen Liegetönen besteht. Im zweiten und letzten Satz wirbelt durch beide Violinstimmen schnelles Figurenwerk, jeder spielt mal Doppelgriffe, teilweise sind die Partien in parallelen


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Terzen geführt. Im dritten Satz müssen die beiden Geiger beweisen, dass sie auch ganz im Unisono spielen können – das wirkt schlicht, ist aber ausgesprochen heikel. „Das Schwerste was es gibt“, sagt Johannes Pramsohler, „und dazu noch in einem ‚hinkenden’ Rhythmus! Ein Kompendium der Geigen- und Ensembletechnik, versteckt in einer großartigen Sonate.“ Wahrscheinlich hat Vivaldi sie für seine fortgeschrittenen Schülerinnen komponiert, die damit an ihrer Technik feilen konnten. Die Motette „In furore iustissimae irae“ schrieb Vivaldi um 1723, als er sich in Rom aufhielt. Der erste Interpret war also vermutlich ein Sopran-Kastrat. Der Text entwirft das Schreckens-Szenario eines Gerichts, bei dem der arme Sünder vor einem zornigen, strafenden Gott steht. Die Musik beweist, dass in Vivaldis Adern Opernblut floss: Er schreibt ein atemberaubend virtuoses Konzert für Stimme, ohne Rücksicht auf Geschwindigkeits-Beschränkungen oder sonstige technische Schranken. Hämmernde Tonwiederholungen im Orchester, rasende Koloraturen und haarsträubende Dissonanzen inszenieren ein großes Donnerwetter – in Da-Capo-Form, wie auch in der Oper der Zeit üblich. Nach dieser eindrucksvollen Machtdemonstration bittet der Sänger in einem knappen Rezitativ um Erbarmen, die Musik bewegt sich in unorthodoxen verminderten Akkord-Brücken von Es nach D. Die zweite Arie handelt von den Tränen der Reue, die sich in Bußtränen verwandeln: Zeit für einen innigen, schlichten Ruhepol. Die Singstimme wird durchgehend von der ersten Geige gestützt und bewegt sich in wiegenden Achtelrhythmen, über weite Strecken ohne das Fundament des Continuo. Das abschließende Alleluja greift noch einmal den spektakulären Gestus des Beginns auf. Diese Musik möchte ihre Hörer in Ehrfurcht und Staunen versetzen und nutzt alle ihr eigenen Überwältigungsstrategien – ganz so wie die Malerei und Architektur der Zeit. „Die Wolke in der Höhe erstrahlt im goldenen Glanz der Sonne. Sie leuchtet auf und färbt sich rot in ihrem hellen Schein“ – was sich wie eine Beschreibung einer Tiepolo-Wolke

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liest, stammt aus einer Motette des Komponisten Johann Adolph Hasse. 1699 wurde er in Bergedorf bei Hamburg geboren, in seiner Jugend lernte er das Handwerkszeug eines Opernkomponisten bei Alessandro Scarlatti in Neapel, und bald brachte er es in ganz Europa zu Ruhm und Ehre. Venedig war seine Wahlheimat: hier wirkte er jahrzehntelang als Komponist für das Ospedale degl’ Incurabili; in Venedig fand und heiratete er auch seine Frau, die Primadonna Faustina Bordoni. Die Hasses waren das Erfolgsduo am Sächsischen Hof in Dresden, wo Hasse 1733 das Amt des Hofkapellmeisters antrat: Er schrieb für sie, sie sang für ihn. „Alta nubes illustrata“ ist aber nicht Faustina Bordoni in die geläufige Kehle geschrieben, sondern der Sängerin Maria Teresa Tagliavacca gewidmet; Sopranistin am Ospedale degl’ Incurabili. Die Wolke dient in dieser Motette als Sinnbild für die gläubige Seele, die vom göttlichen Licht der Sonne erleuchtet wird. Hasse schreibt eine lebensfroh-kraftstrotzende Da-capo-Arie. Sie erstrahlt in großen, virtuosen Koloraturenketten; von der Sängerin verlangen sie einen beträchtlichen Tonumfang (d’-c’’’) und absolute musikalische Schwindelfreiheit. Sicher nicht zufällig steht diese Arie in G-Dur: Die italienische Tonsilbe für G ist ‚sol’ – das Wort für Sonne. Ein Accompagnato-Rezitativ vertreibt die trüben Schatten der Sünde aus dem Herzen, die folgende Arie schildert in demütiger Verhaltenheit eine Art Ekstase-Erfahrung: die Seele, entflammt vom Feuer der himmlischen Liebe, fällt entkräftet zu Boden und ist gleichzeitig vom Entzücken erfüllt: Stammelnde Seufzerfiguren in der Singstimme, begleitet von gedämpften Streichern. Das abschließende Alleluja ist eine phantasievolle Variante der Eingangsarie und verströmt noch einmal gleißendes musikalisches Sonnenlicht. Doris Blaich


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BIOGRAFIEN – Deutsch

„Weitgehend unbekannte Musik erhält vom Ensemble Diderot Interpretationen, die jede letzte Faser an rhythmischer und melodischer Vielfalt aus ihren Phrasen herausarbeiten, während die großen Repertoirewerke vor Phantasie nur so sprühen,“ schreibt der britische GUARDIAN in einer Kritik zur Doppelveröffentlichung der beiden CDs „The London Album“ und „The Paris Album.“ Von MDR FIGARO als „das Spezialensemble für die kleine Besetzung im Barock“ und vom französischen Magazin CLASSICA als „bestens vorbereitet, um in die Fußstapfen der legendären Musica Antiqua Köln zu treten“ beschrieben, hat sich das Ensemble in den zehn Jahren seines Bestehens mit seiner akribischen und leidenschaftlichen Arbeit europaweit einen Namen gemacht. Kern des Ensembles ist eine Gruppe von vier Musikern um den Geiger Johannes Pramsohler, die sich der Erforschung und Aufführung des Standardrepertoires der barocken Kammermusik verschrieben haben. In Paris beheimatet, verdankt es seinen Namen dem französischen Schriftsteller, Philosophen und Enzyklopädisten Denis Diderot und widmet sich vor allem dem unerschöpflichen Fundus an Triosonaten, Quartetten und größer besetzten Ensemblewerken des 17. und 18. Jahrhunderts. Ein dicht gedrängter Terminkalender und die unermüdliche Probenarbeit geben dem Ensemble eine Verbundenheit, wie sie der eines festen Streichquartetts entspricht. Das Ensemble Diderot ist gefeierter Gast auf europäischen Bühnen und Festivals und wurde zu Residenzen nach Royaumont (Frankreich), Aldeburgh (Großbritannien) und als „Rheinsberger Hofkapelle“ in die Schlossanlage von Friedrich dem Großen und Prinz Heinrich von Preußen in Rheinsberg/Brandenburg eingeladen. 2018 gab es u.a. umjubelte Debüts in der Kölner Philharmonie und im Wiener Konzerthaus.

Ensemble Diderot

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Immer von einem kammermusikalischen Ansatz ausgehend, tritt das Ensemble Diderot auch in Orchesterstärke auf. So kamen u.a. Händels Concerti grossi Op. 6, Bach-Kantaten und Opern wie Purcells Dido und Aeneas, Falstaff von Antonio Salieri und das Oratorium Athalia von Georg Friedrich Händel zur Aufführung. Seit 2018 gehört auch ein Chor zum Ensemble. Konzertmitschnitte werden oft von internationalen Rundfunkanstalten übertragen. Seine vielbeachteten und als „maßstabsetzend“ bezeichneten CD-Einspielungen für Audax Records werden regelmäßig mit internationalen Preisen, wie dem Diapason d’Or, Preis der deutschen Schallplattenkritik, Gramophone Editor’s Choice, BBC Music Magazine choice und CD des Monats (Record Geijutsu, Japan) bedacht. Das Ensemble Diderot ist Artist in Residence im Euregio Kulturzentrum Gustav Mahler in Toblach (Südtirol) und wird von der Caisse des Dépôts et consignations, vom französischen Kultusministerium (DRAC Ile-de-France) und der Fondation Orange gefördert.

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Die kroatische Mezzosopranistin Diana Haller ist Ensemblemitglied der Oper Stuttgart, wo sie alle ersten Partien ihres Faches, wie z.B. Cherubino (Le nozze di Figaro), Rosina (Il Barbiere di Siviglia), Dorabella (Cosí fan tutte), Orlowsky (Die Fledermaus), Angelina (La Cenerentola), Ruggiero (Alcina), Komponist (Ariadne auf Naxos), Adalgisa (Norma), Ariodante und Giulio Cesare singt. Gastengagements führen die Künstlerin u.a. an die Mailänder Scala, Hamburgische Staatsoper, Semperoper Dresden, Oper Köln, das Opernhaus Zürich, die Salzburger Festspiele und die Festspiele Savonlinna. Diana Haller ist Preisträgerin mehrerer Wettbewerbe, so gewann sie u.a. den 1. Preis beim 8. Internationalen Wettbewerb für Liedkunst der Hugo-Wolf-Akademie Stuttgart und wurde 2013 in der Opernwelt zur Nachwuchssängerin des Jahres gewählt. Sie hat ein umfangreiches Lied- und Konzertrepertoire, das sie zu den bedeutendsten Konzertveranstaltern, wie z.B. Amsterdam Concertgebouw, Maggio Musicale Firenze, Kölner Philharmonie, Heidelberger Frühling, Schubertiade Hohenems führt. Eine rege Zusammenarbeit gibt es mit Orchestern wie dem NDR Symphonieorchester, dem Sinfonieorchester Zagreb und dem Symphonischen Orchester Vorarlberg. Diana Haller studierte am Giuseppe Tartini Konservatorium in Triest, an der Royal Academy of Music in London sowie an der Staatlichen Hochschule für Musik und Darstellende Kunst in Stuttgart bei Dunja Vejzovic. Sie wird weiter von Brigitte Fassbaender betreut. Ihre Diskografie umfasst Werke von Händel und Bach (Chor des Bayerischen Rundfunks/Concerto Köln), eine Aufnahme von Gounods Faust (Universal Music) und ein Soloalbum mit Schumann- und Wolf-Liedern.

Diana Haller

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Philippe Grisvard studierte Klavier und Oboe bevor er begann, sich für Alte Musik zu interessieren und in die Cembalo-Klasse von Anne-Catherine Bücher aufgenommen wurde. Danach studierte er Cembalo und Generalbass an der Schola Cantorum Basiliensis in der Klasse von Jesper B. Christensen und Fortepiano bei Edoardo Torbianelli. Heute lebt Philippe in Paris und spielt als gefragter Cembalist mit Orchestern wie Le Poème Harmonique, dem Chamber Orchestra of Europe, Le Cercle de L’Harmonie, l’Achéron, Les Nouveaux Caractères, La Fenice, La Chapelle Rhénane, Scherzi Musicali, und Opéra Fuoco. Regelmäßig arbeitet er auch mit Le Concert d‘Astrée unter Emmanuelle Haïm als Cembalist und Fortepianist. Philippe Grisvard ist außerdem festes Mitglied des Ensemble Diderot. Er hat an mehr als 50 Aufnahmen teilgenommen, u.a. für Labels wie Ricercar, Virgin, Harmonia Mundi, Eloquentia, Accent, Linn records und Audax. Sein Solo-Debüt gab er mit einer CD mit Werken von Händel.

Philippe Grisvard


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English

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INTRODUCTION – English

Breaks through walls with paint and brush, conjures up endless space, transcends the laws of gravity – Giovanni Battista Tiepolo’s illusionistic glances in the heavens and his finely graduated color compositions that fan out the nuances of light fascinated his contemporaries. They ungrudging called him “Venice’s best painter.” And this is also what the Staatsgalerie Stuttgart has named its 2020 exhibition in commemoration of the 250th anniversary of Tiepolo’s death. What music was heard in the time in which Tiepolo worked on his large paintings – in Venice, the city of his birth and main place of residence, and in Würzburg, where he painted the frescoes in the Residence in the early 1750s? What sounds come closest to his pastel-colored, billowing cloud compositions? What corresponds musically to the grandeur of his heroes, the grace of his saints, the playfulness of his putti? These questions were the starting point for this CD, a kind of playlist for Tiepolo. The Staatsgalerie Stuttgart uses this recording also for its audio guide to the exhibition: Those who cross the busy B14 highway leave the traffic noise behind them at the postmodern entrance to the museum and step into Tiepolo’s world and time with music of the eighteenth century in their ears. Tiepolo’s fresco Apollo and the Continents adorns the stairwell of the Würzburg Residence. It is the world’s largest contiguous ceiling fresco – a magnificent staging of the ceremonial passage through the Residence. The image program reflects the self-perception and claim to power of the Würzburg Prince-Bishop Carl Philipp von Greiffenclau. He granted the commission for this work to Tiepolo and his two sons in 1752. Apollo, the god of the arts, floats down from heaven. Behind him, the rising sun shines and colors the clouds, gods,

A Playlist for Tiepolo

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and people in Tiepolo’s characteristic pink. On the sides: the four continents (Australia had not yet been discovered), depicted in highly detailed scenes with diverse exotic animals and people of various complexions. On the side showing Europe, art, religion, and music play the main roles. Tiepolo portrayed here the architect of the Residence, Balthasar Neumann, and, in a corner, himself. Moreover, three musicians of whom the violin player possibly depicts Giovanni Benedetto Platti (a hypothesis that unfortunately cannot be substantiated). Platti was born in Venice or Padua in the 1690s, grew up in Venice where he was a member of the musicians guild “arte de sonadori,” and in 1722 found a very well-paid multi-tasking engagement as composer, oboist, harpsichordist, flutist, tenor, and voice teacher at the court of the prince-bishop of Würzburg. Tiepolo and Platti surely met in Würzburg, since Platti remained at the court until his death in 1763. He composed an abundance of instrumental music there – all kinds of sonatas, twenty-eight cello concertos, and at least eleven harpsichord concertos of which nine are still preserved. Platti wrote the Harpsichord Concerto in F Major in ca. 1740. In the two outer movements, the string ritornelli serve as pillars between which the harpsichord is allowed to come to the fore as soloist. Time and again Platti disrupts the carefree radiance of the ideal-world key of F Major (which is so advantageous for the flutes and oboes that composers traditionally employed it for shepherds’ and Christmas music) with diminished chords, chromatic passages, sudden harmonic turbidities, and rhythmical surprises. In the middle movement in D Minor, pathos, large gestures, and expansive melodies dominate; it is repeatedly spiced with the dissonance of the Neapolitan sixth chord, the sonic symbol for sorrow and emotional anguish. Rudolf Franz Erwein Count of Schönborn, the brother of the Würzburg prince-bishop, was a talented cellist. He owned a huge, constantly growing music library (which is today still extant) and ordered several works for his instrument also from Platti: Platti’s cello concertos and a number of chamber music works were written for him, works in which the cello is treated with remarkable freedom, including in the Trio Sonata in G Minor. Trio


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sonatas of this time are usually for two violins and basso continuo, whereby the cello and harpsichord share the bass part. But here the (one) violin and the cello are absolutely on a par as the melody instruments. In the slow movements, they entwine with each other in expressive melodic lines and sensually clash against one another in suspended dissonances; in the two fast, fugal movements, they enthusiastically toss the musical thoughts back and forth. Tiepolo painted subjects from Torquato Tasso’s crusade epic Jerusalem Delivered on many occasions: within a series of pictures on canvas for a Venetian patrician palace and later as a cycle of frescoes in the Villa Valmarana in Vicenza. The episode dealing with Rinaldo and Armida was also a popular subject on the Baroque opera stage. Lully, Handel, Vivaldi, Jommelli, Gluck, Haydn, and many others set the story as an opera. Moreover, there are countless cantatas – including that by Sigismund Martin Gajarek. Gajarek was born in 1689 in Dalmatia, went in 1716 as organist to the margravial court of Bayreuth, and advanced five years later to the position of court Kapellmeister. He held this post until his untimely death in his early thirties. Gajarek had previously undertaken a study trip to Venice. It was there that the cantata Armida disperata (Despairing Armida), one of Gajarek’s few surviving works, was written in 1721. The music paints the psychogram of a broken heart: the crusader Rinaldo has left behind the beautiful sorceress. She can hardly believe that she still lives and breathes in spite of the immense sorrow. The adventurous harmonies with which she spits out her curses reveal how furious she is. In sweeping coloraturas and breakneck runs, Armida expresses her outrage. Tesifone, one of the goddesses of revenge, and the furies stoke her feelings of hatred. The next recitative describes how Armida banishes all her happy memories and feeds her hunger for revenge. In a mad fury and with evil curses, she departs; the crackling sixteenth-note repetitions in the orchestra depict her tremulous wrath. This second aria breaks off after forty-one measures. The concluding measures were reconstructed by Philippe Grisvard.


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Venice, the infamous bastion of revelry and pleasures, had baby hatches already in the Baroque era. Four of them were right next to the ospedali, Venice’s orphanages for girls – a cross between convent and conservatory that ensured the girls an outstanding musical training. Each of the four ospedali had its own choir and its own orchestra; and of course they competed with one another. The frequent concerts of the ospedali numbered among the city’s tourist attractions; contemporary travel guides listed them among the top ten. Tiepolo had frequent contact with the ospedali. For one of them, the Ospedaletto, he painted his earliest surviving work in 1715/16: the Sacrifice of Isaac. There he also met his future wife Cecilia, who as a young half-orphan spent some time in the care of this house. Almost forty years later, he painted the fresco The Assumption of Mary into Heaven for the church of the Ospedale della Pietà. Antonio Vivaldi was closely associated with this orphanage: initially as a priest; starting in 1704 he was active as violin teacher there for many years. He wrote a number of his concertos and sacred works for the musically active orphan girls. Printed editions and manuscripts of Vivaldi’s works found dissemination throughout Europe. The Trio Sonata in C Major, for example, is preserved in the Schönborn-Wiesentheid Music Collection. In all four movements, the two violins are entirely equal: in the first Allegro, they dive into a seemingly improvised frenzy of wild scales, triadic arpeggios, and bariolage passages – an orgy of sound over a steady bass fundament that mainly consists of long sustained tones. In the second and last movements, rapid embellishments whirl through the two violin parts; each violin has double stops to play, in some instances the parts are written in parallel thirds. In the third movement, the two violinists have to show that they can also play in unison – this might seem simple, but is actually quite tricky. It is “the most difficult thing of all,” says Johannes Pramsohler, “and in a ‘limping’ rhythm to boot! A compendium of violin and ensemble technique concealed in a marvelous sonata.” Vivaldi probably composed it for his advanced pupils, who would have used it to hone their technique.


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Vivaldi wrote the motet In furore iustissimae irae in ca. 1723 while sojourning in Rome. The first performer was presumably a soprano castrato. The text depicts the nightmare scenario of a court in which poor sinners stand before a wrathful, punitive God. The music proves that opera blood flowed in Vivaldi’s veins: he wrote a breathtakingly virtuoso concerto for voice, without regard for speed limitations or other technical constraints. Hammering note repetitions in the orchestra, breakneck coloraturas, and hair-raising dissonances produce a great storm – in da capo form, as usual in the operas of the period. After this impressive demonstration of power, the singer pleas for mercy in a brief recitative; the music moves in unorthodox progressions of diminished chords from E-flat to D. The second aria has to do with the tears of remorse that turn into tears of repentance: time for an intimate, unpretentious haven of tranquility. The voice is supported throughout by the first violin and moves in swaying eighth-note rhythms, over long stretches without the fundament of the continuo. The concluding Alleluja takes up once again the spectacular gesture of the opening. This music wants to inspire awe and astound its listeners, and uses all its own strategies of conquest – just like the painting and architecture of the time. “Illuminated by the golden glow of the sun, the cloud on high radiates in splendor, reddens.” – that what reads like a description of a Tiepolo cloud stems from a motet by the composer Johann Adolph Hasse. Born in 1699 in Bergedorf near Hamburg, while growing up he learned the tools of the trade of an opera composer from Alessandro Scarlatti in Naples, and soon attained fame and honor throughout Europe. Venice was his chosen place of residence: he was active there for decades as a composer for the Ospedale degl’Incurabili. In Venice he also found and married his wife, the prima donna Faustina Bordoni. The Hasses were the star duo at the Saxon court in Dresden, where Hasse assumed the post of court Kapellmeister in 1733. He wrote for her, she sang for him. However, Alta nubes illustrata was not composed for Faustina Bordoni, but rather dedicated to the singer Maria Teresa Tagliavacca, a soprano at the Ospedale degl’Incurabili. The cloud in this motet serves as a


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symbol for the devout soul that is illuminated by the divine light of the sun. Hasse wrote a da capo aria full of zest for life and bursting with energy. It shines in large, virtuoso series of coloraturas. It demands of the singer a considerable range (d’–e”’) and an absolute musical head for heights. It is certainly not a coincidence that this aria is in G Major: the Italian tone syllable for G is “sol” – the word for sun. An accompagnato recitative dispels the gloomy shadows of sin from the heart. The following aria depicts in humble reticence a kind of ecstatic experience. The soul, inflamed by the fire of heavenly love, falls exhausted to the ground and is simultaneously filled with delight: stuttering sigh figures in the voice part, accompanied by the muted strings. The concluding Alleluja is an imaginative variant of the opening aria and again exudes glistening musical sunlight.

Doris Blaich


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BIOGRAPHY – English

“Even music that is distinctly subfusc receives performances that squeeze every last morsel of rhythmic or melodic variety out of their formulaic phrases, while the authentically first-rate really sparkle with imaginative life,” writes The Guardian in a review of the recent release of two albums with English and French Trio Sonatas by the Ensemble Diderot. Described as “the ensemble for Baroque chamber music” by the German MDR and praised for its “warm tonal brilliance and razor-sharp definition” by Gamophone Magazine, Ensemble Diderot established itself in recent years as one of the foremost European chamber music groups performing exclusively on period instruments. The French music magazine Classica qualified them as “splendidly prepared to follow in the footsteps of the legendary Musica Antiqua Köln.” The ensemble’s core consists of four musicians around violinist and founder Johannes Pramsohler, who devote themselves to the exploration and performance of the baroque chamber music repertoire. The ensemble is based in Paris and owes its name to the French philosopher Denis Diderot. It dedicates itself primarily to the inexhaustible heritage of trio sonatas, quartets and larger ensemble sonatas of the seventeenth and eighteenth centuries. A busy schedule and meticulous rehearsal have given the group a cohesion akin to that of a permanent string quartet. The ensemble has been an acclaimed guest on stages and festivals at home and abroad, and was invited as ensemble-in-residence to Royaumont (France) and Aldeburgh (Great Britain). In 2018 it gave its acclaimed debuts at the Cologne Philharmonie and Vienna’s Konzerthaus. Always taking chamber music as the starting point, Ensemble Diderot also appears in an orchestral formation. Performed in this way were Handel’s Concerti grossi op. 6,

Ensemble Diderot

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Bach cantatas, and operas such as Purcell’s Dido and Aeneas, Falstaff by Antonio Salieri, and the oratorio Athalia by George Frideric Handel. Since 2018 the ensemble has had its own chorus. Live concert recordings are regularly broadcast by international radio stations. Its highly regarded CD recordings for Audax Records, which have been referred to as being “standard-setting,” have been awarded international prizes on a regular basis, including the Diapason d’Or, Preis der deutschen Schallplattenkritik, Gramophone Editor’s Choice, BBC Music Magazine choice, and CD of the Month (Record Geijutsu, Japan). Ensemble Diderot is in residence at the Euregio Cultural Centre in Toblach, Italy, and receives support from the French Ministry of Culture, the Caisse des dépots et consignations, and the Fondation Orange.

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The Croatian mezzo-soprano Diana Haller is an ensemble member of the Stuttgart Opera, where she sings all the important roles of her character type, including Cherubino (Le nozze di Figaro), Rosina (Il Barbiere di Siviglia), Dorabella (Cosí fan tutte), Orlowsky (Fledermaus), Angelina (La Cenerentola), Ruggiero (Alcina), Komponist (Ariadne auf Naxos), Adalgisa (Norma), Ariodante, and Giulio Cesare. Guest engagements have taken the artist to Milan’s La Scala, the Hamburg State Opera, the Semperoper Dresden, the Cologne Opera, and the Zürich Opernhaus. Diana Haller has been a prizewinner at a number of competitions, including, among others, first prize at the 8th International Competition for Art Song of the Hugo Wolf Academy Stuttgart. She has presented her extensive Lied and concert repertoire at renowned concert venues, such as the Amsterdam Concertgebouw, the Maggio Musicale Firenze, the Cologne Philharmonie, Heidelberger Frühling, and the Schubertiade Hohenems. She maintains an active collaboration with orchestras such as the NDR Symphonieorchester, the SWR Symphonieorchester, the Symphony Orchestra Zagreb, and the Symphonisches Orchester Vorarlberg. Diana Haller studied at the Giuseppe Tartini Conservatory in Trieste, the Royal Academy of Music in London, and the Staatlichen Hochschule für Musik und Darstellende Kunst in Stuttgart with Dunja Vejzovic. Sie is currently coached by Brigitte Fassbaender. Her discography includes works by Handel and Bach (Chorus of the Bavarian Radio/Concerto Köln), a recording of Gounod’s Faust (Universal Music), and a solo album with Lieder by Schumann and Wolf.

Diana Haller

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Philippe Grisvard was born in Nancy and studied piano and oboe before becoming interested in Early Music. After harpsichord lessons with Anne-Catherine Bücher, he studied at the Schola Cantorum Basilensis with Jesper B. Christensen (harpsichord and basso continuo) and with Edoardo Torbianelli (fortepiano). Today, Philippe lives in Paris and plays regularly with Le Poème Harmonique, the Chamber Orchestra of Europe, Le Cercle de L’Harmonie, l’Achéron, Les Nouveaux Caractères, La Fenice, La Chapelle Rhénane, Scherzi Musicali and Opéra Fuoco. He often performs as a guest with Emmanuelle Haïm’s Le Concert d’Astrée on the harpsichord as well as the fortepiano. Philippe is a core member of the Ensemble Diderot. He participated in more than 50 recordings for labels such as Ricercar, Virgin, Harmonia Mundi, Eloquentia, Accent, Linn records and Audax. His first solo recording is a CD with works by Handel.

Philippe Grisvard

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Français

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Ouvrir les murs avec de la peinture et des pinceaux, créer comme par magie un espace infini et vaincre les lois de la gravité : les ciels de Giovanni Battista Tiepolo avec leurs perspectives illusionnistes et leurs partitions de couleur qui, grâce à de subtils dégradés, déclinent les nuances de la lumière, ont fasciné ses contemporains. Sans aucune jalousie, ils lui ont conféré le titre de « meilleur peintre de Venise ». C’est également le nom qu’a repris la Staatsgalerie de Stuttgart pour l’exposition qu’elle présente en 2020 à l’occasion des 250 ans de la mort de Tiepolo. Quelle musique entendait-on à l’époque où Tiepolo travaillait à ses grandes peintures, que ce soit à Venise, sa ville natale et le centre de sa vie, ou bien à Wurtzbourg où, au début des années 1750, il a peint les fresques de la Résidence ? Quels sons s’apparentent à ses compositions boursouflées de nuages aux couleurs pastel ? Qu’est-ce qui correspond à la grandeur de ses héros, à la grâce de ses figures de saints, à l’espièglerie de ses putti ? Ces questions ont servi de point de départ à la réalisation de cet album qui constitue une sorte de playlist dédiée à Tiepolo. La Staatsgalerie de Stuttgart utilise aussi cet enregistrement pour l’audioguide qui accompagne l’exposition. Le visiteur, qui vient de traverser le trafic dense de la nationale B 14, quittera devant l’entrée postmoderne du musée le bruit de la circulation automobile pour entrer dans l’univers et l’époque de Tiepolo avec de la musique du 18e siècle dans les oreilles. La fresque de Tiepolo intitulée Apollon et les continents orne le grand escalier de la Résidence de Wurtzbourg. C’est l’ensemble de fresques d’un seul tenant le plus grand au monde que l’on trouve sur un plafond – une mise en scène somptueuse du parcours solennel à travers la Résidence. Le programme pictural reflète l’image que le Prince-évêque Carl Philipp von Greiffenclause se faisait de lui-même. Il a commandé ce travail en 1752 à Tiepolo et ses deux

Une playlist pour Tiepolo

INTRODUCTION – Français

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fils. Apollon, le dieu des arts, descend du ciel, derrière lui le soleil levant rayonne et colore les nuages, les dieux et les humains du rose caractéristique de Tiepolo. Sur les côtés : les quatre continents (à l’époque on n’avait pas encore découvert l’Australie), représentés dans des scènes riches en détails, avec divers animaux et personnes exotiques aux couleurs les plus variées. Du côté de l’Europe l’art, la religion et la musique tiennent le rôle principal. Ici, Tiepolo a fait le portrait de l’architecte de la Résidence, Balthasar Neumann, et là, dans un coin, il s’est représenté lui-même. On peut voir, en outre, trois musiciens, parmi lesquels le violoniste représente probablement Giovanni Benedetto Platti (une supposition que l’on ne peut malheureusement pas prouver). Platti est né dans les années 1690 à Venise ou à Padoue, il a grandi à Venise où il était membre de la guilde des musiciens « arte de sonadori ». En 1722, il a trouvé un emploi « multitâche » très bien rémunéré à la cour du Prince-évêque de Wurtzbourg en tant que compositeur, hautboïste, claveciniste, flûtiste, ténor et professeur de chant. Tiepolo et Platti se sont très certainement rencontrés à Wurtzbourg car Platti est resté à la Cour jusqu’en 1763. Il y a composé une multitude de pièces de musique instrumentale – toutes sortes de sonates, 28 concertos pour violoncelle et au moins 11 concertos pour clavecin dont 9 sont conservés. Platti a composé le Concerto pour clavecin en fa majeur vers 1740. Dans les deux mouvements-cadre les ritournelles des cordes servent de piliers entre lesquels le clavecin peut se distinguer par des solos. Platti brise de façon répétée au moyen d’accords diminués, de mouvements chromatiques, de perturbations harmoniques soudaines et de surprises rythmiques, le rayonnement insouciant du monde intact en fa majeur (comme cette tonalité convient parfaitement pour les flûtes et les hautbois, les compositeurs l’utilisent traditionnellement pour des musiques pastorales ou de Noël). Et en réaction dans le mouvement intermédiaire en ré mineur : le pathos, les grands gestes et les mélodies amples, plusieurs fois agrémentées de la dissonance de l’accord de sixte napolitain, symbole sonore de la plainte et de la douleur de l’âme.


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Rudolf Franz Erwein, comte de Schönborn, le frère du Prince-évêque de Wurtzbourg était un violoncelliste doué. Il possédait une gigantesque bibliothèque de partitions qui ne cessait de s’accroître (et qui existe encore de nos jours!), il commanda à Platti nombre d’œuvres pour son instrument : c’est pour lui que Platti a écrit les concertos pour violoncelle et un nombre important d’œuvres de musique de chambre dans lesquelles le violoncelle est conduit d’une façon remarquablement autonome, dont la Sonate en trio en sol mineur. Les sonates en trio de cette époque sont composées habituellement pour deux violons et une basse continue, le violoncelle et le clavecin se partageant la voix de basse. Mais ici les instruments mélodiques, un seul (!) violon et le violoncelle, sont à égalité parfaite. Dans les mouvements lents, ils s’entrecroisent pour former des lignes mélodiques expressives ou bien se heurtent plaisamment pour créer des dissonances de retardement, dans les deux mouvements fugués au rythme rapide ils se renvoient mutuellement les pensées musicales de façon enjouée. Tiepolo a peint à plusieurs reprises des sujets empruntés à l’épopée des croisades La Jérusalem libérée de Torquato Tasso, au sein d’une série de toiles destinées au palais d’un patricien de Venise, et plus tard dans un cycle de fresques pour la Villa Valmarana à Vicenza. L’épisode de Renaud et Armide est aussi un sujet de prédilection sur la scène de l’opéra baroque. Lully, Händel, Vivaldi, Jommelli, Gluck, Haydn et de nombreux autres compositeurs ont écrit des opéras à partir de ce sujet : il existe en outre d’innombrables cantates, parmi elles celle de Sigismund Martin Gajarek. Ce dernier est né vers 1689 en Dalmatie ; parvenu en 1716 comme organiste à la cour du margrave de Bayreuth, il accédera cinq ans plus tard à la charge de maître de chapelle de la cour, qu’il occupa jusqu’à sa mort prématurée alors qu’il était à peine âgé d’une trentaine d’années. Auparavant Gajarek avait entrepris un voyage d’études à Venise : c’est là qu’est née en 1721 la cantate Armida disperata (Armide désespérée), une de ses rares œuvres qui aient été conservées. La musique dépeint le psychogramme d’un cœur brisé : le chevalier croisé Renaud a abandonné

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la belle magicienne Armide. Celle-ci ne peut croire que, malgré cette douleur immense, elle puisse encore respirer et vivre. Les harmonies audacieuses avec lesquelles elle profère ses malédictions montrent à quel point elle est hors d’elle. Dans le premier aria, Armide donne libre cours à son indignation au moyen d’amples coloratures et de roulades effrénées. Tisiphone, une des déesses de la vengeance, et les Furies excitent sa haine. Le récitatif suivant décrit comment Armide chasse tous ses souvenirs heureux et nourrit son désir de vengeance. Fulminant de colère et se répandant en terribles malédictions, elle se retire : les répétitions de double-croches qui crépitent dans l’orchestre illustrent ses tremblements de colère. Le deuxième aria s’interrompt au bout de 41 mesures dans le manuscrit. Philippe Grisvard a reconstitué les mesures de conclusion. Venise, ce haut lieu à la réputation sulfureuse des plaisirs et des divertissements avait déjà à l’époque baroque des « tours d’abandon de bébés». Quatre de ces dispositifs se trouvaient directement à côté des Ospedali, les orphelinats de Venise pour jeunes filles, un mélange de cloître et de conservatoire qui leur permettait de profiter d’une excellente formation musicale. Chacun des quatre Ospedali avait son propre chœur et son propre orchestre, naturellement ils étaient en concurrence les uns avec les autres. Les concerts réguliers des Ospedali comptaient parmi les attractions touristiques de la ville, les guides de voyage de l’époque les placent dans le « top ten ».

Tiepolo était régulièrement en contact avec les Ospedali. En 1715/16, il a peint pour l’un d’entre eux, l’Ospedaletto, son œuvre la plus ancienne qui soit conservée : Le Sacrifice d’Isaac. C’est là également qu’il fit la connaissance de sa future femme, Cécilia, une jeune demi-orpheline qui passa un certain temps sous la protection de cette institution. Presque 40 ans plus tard, il peignit la fresque intitulée Le Couronnement de la Vierge pour l’église de l’Ospedale della Pietà. Antonio Vivaldi était étroitement lié à cet orphelinat : il y officia d’abord en tant que prêtre, puis, à partir de 1704, il y enseigna de nombreuses années

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comme professeur de violon. Il a écrit plusieurs de ses concertos et de ses œuvres sacrées pour les orphelines qui pratiquaient la musique. Les partitions et les manuscrits de Vivaldi étaient diffusés dans toute l’Europe. La Sonate en trio en do majeur, par exemple, est conservée dans la collection de musique Schönborn-Wiesenheidt. Dans les quatre mouvements, les deux violons ont rigoureusement le même rôle : dans le premier allegro, ils s’abandonnent à une ivresse qui donne l’impression d’être improvisée, faite de gammes sauvages, de ruptures de triples accords et de bariolage, une orgie sonore qui se déroule sur le fond calme de la basse qui est composé essentiellement de longues notes tenues. Dans le deuxième et dernier mouvement, un ensemble de figures rapides tourbillonne à travers les deux voix de violon, chacun joue des doubles-cordes, les parties évoluent de temps en temps en tierces parallèles. Dans le troisième mouvement, les deux violonistes doivent montrer qu’ils peuvent aussi jouer à l’unisson, cela paraît simple, mais en fait, c’est particulièrement délicat : « C’est ce qu’il y a de plus difficile », explique Johannes Pramsohler, « qui plus est, sur un rythme ‘boiteux’ ! Un abrégé de technique de violon et de musique d’ensemble, dissimulé dans une sonate grandiose. » Vivaldi l’a vraisemblablement composée pour ses élèves avancées qui pouvaient ainsi peaufiner leur technique. Vivaldi a écrit le motet In furore iustissimae irae vers 1723, alors qu’il séjournait à Rome. Le premier interprète était donc probablement un castrat soprano. Le texte présente le scénario horrifique d’un tribunal où le pauvre pécheur se tient devant un Dieu de colère et de châtiment. La musique prouve que Vivaldi avait l’opéra dans le sang : il écrit un concerto à la virtuosité époustouflante, sans égards à des limitations de tempo ou autres contraintes techniques. Des sons martelés dans l’orchestre, des coloratures effrénées et des dissonances stupéfiantes mettent en scène un imposant orage, sous forme de da capo comme c’était l’usage dans l’opéra de l’époque. Après cette impressionnante démonstration de force, le chanteur dans un bref récitatif en appelle à la miséricorde, la musique présente des


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transitions non orthodoxes de mi dièse vers ré. Le deuxième aria est consacré aux larmes de remords qui se transforment en larmes d’expiation : c’est un moment de calme ferveur et de simplicité. La voix chantante est soutenue en continu par le premier violon et évolue dans des rythmes de croches, sur de longs segments sans le fondement de la basse continue. L’Alléluia final reprend le geste spectaculaire du début. Cette musique voulait plonger ses auditeurs dans le respect et l’étonnement et elle utilise toutes les stratégies qui lui sont propres pour subjuguer, tout comme la peinture et l’architecture de l’époque. « Le nuage dans le ciel rayonne dans l’éclat doré du soleil. Il brille et se colore de rouge dans sa clarté lumineuse » – ce qui se lit comme la description d’un nuage de Tiepolo provient d’un motet du compositeur Johann Adolph Hasse. Il est né en 1699 à Bergedorf près de Hambourg ; dans sa jeunesse, il a appris le métier de compositeur pour orgue auprès d’Alessandro Scarlatti à Naples et bientôt il s’est fait une réputation dans toute l’Europe. Venise était sa patrie d’élection : il y fut actif pendant des décennies comme compositeur pour l’Ospedale degl’ Incurabili. C’est à Venise également qu’il a fait la connaissance de la primadonna Faustina Bordoni qui devait devenir sa femme. Les Hasse formaient un duo à succès à la cour de Saxe à Dresde, où Hasse occupa à partir de 1733 le poste de maître de chapelle : il écrivait pour elle, elle chantait pour lui. Alta nubes illustrata n’est pas écrit, comme d’habitude, pour Faustina Bordoni mais est dédié à la chanteuse Maria Teresa Tagliavacca, soprano à l’Ospedale degl’ Incurabili. Dans ce motet, le nuage symbolise l’âme croyante qui est éclairée par la lumière divine du soleil. Hasse écrit un aria da capo plein de joie de vivre et débordant d’énergie. Il rayonne sous forme de grands enchaînements virtuoses de coloratures ; il exige de la chanteuse une amplitude considérable (ré1 au do3) et une absence absolue de vertige musical. Ce n’est certainement pas un hasard si cet aria a été écrit en sol majeur : « sol(e) » désigne en italien le soleil. Un récitatif accompagné chasse les ombres du péché qui troublent le cœur, l’aria qui suit décrit avec une réserve


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humble une sorte d’expérience extatique : l’âme, embrasée par le feu de l’amour céleste, tombe au sol, épuisée, et en même temps elle est gagnée par le ravissement : les soupirs et les balbutiements dans la voix chantée sont accompagnés par les cordes assourdies. L’Alléluia final reprend, en le variant avec beaucoup d’imagination, l’aria du début, et dégage une fois encore une éclatante lumière solaire. Doris Blaich

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« Mais la vraie révélation vient de la fosse. Le trop méconnu Johannes Pramsohler, en digne héritier de Reinhard Goebel, y dirige son Ensemble Diderot avec un raffinement digne des plus grands. » Le Figaro. Depuis désormais 10 ans, l’Ensemble Diderot s’installe comme référence dans le paysage musical d’Europe. Plaçant la curiosité au cœur de sa démarche musicale, il revendique l’héritage du philosophe du même nom : ouverture d’esprit, soif de découverte et humilité face à la connaissance. Il s’est construit autour d’un quatuor d’interprètes, Johannes Pramsohler et Roldán Bernabé (violons), Gulrim Choi (violoncelle) et Philippe Grisvard (clavecin), reconnu pour son approche innovante de la sonate en trio qu’il aborde et défend comme une formation chambriste constituée. Cette vision mise au service d’une homogénéité d’ensemble, brillante et puissante, imprègne leurs interprétations en formation orchestrale comme dans leurs productions d’opéra et d’oratorio. Applaudi sur les scènes et dans les festivals français et internationaux, l’ensemble a effectué des séjours d’artiste en résidence à Royaumont (France), Aldeburgh (Grande-Bretagne), dans le Brandebourg comme « orchestre de la cour de Rheinsberg » au château de Frédéric II de Prusse. En 2018, il se produit notamment au Konzerthaus de Vienne et à la Philharmonie de Cologne. Depuis 2018, l’Ensemble Diderot tisse des liens étroits avec l’Athénée Théâtre Louis Jouvet à Paris. Ses concerts sont régulièrement diffusés sur les ondes internationales. Réalisés pour Audax Records, ses enregistrements, principalement consacrés à des trésors méconnus, sont d’ores et déjà considérés comme des références et reçoivent l’accueil enthousiaste du public et de la presse : Prix de la critique discographique allemande,

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Diapason d’or, ffff Télérama, BBC Music Magazine Choice, Gramophone Editor’s Choice, Disque du mois dans Record Geijutsu au Japon. L’Ensemble Diderot est en résidence au Euregio Kulturzentrum Toblach en Italie. Il est soutenu par la Caisse des dépôts et consignations, le Ministère de la Culture (DRAC Ile-de-France) et la Fondation Orange.

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La mezzo-soprano croate Diana Haller est membre de l’Opéra de Stuttgart où elle chante toutes les parties de sa tessiture, par exemple, Cherubin (Les noces de Figaro), Rosina (Le Barbier de Séville), Dorabella (Cosí fan tutte), Orlowsky (La Chauve-souris), Angelina (La Cenerentola), Ruggiero (Alcina), le compositeur (Ariane à Naxos), Adalgisa (Norma), Ariodante et Jules César. En tant qu’artiste invitée, elle se produit entre autres à la Scala de Milan, au Staatsoper de Hambourg, au Semperoper de Dresde, à l’Opéra de Cologne et à l’Opernhaus de Zurich. Diana Haller est lauréate de plusieurs concours, elle a, entre autres, gagné le Premier prix du 8e Concours international d’art lyrique de l’Académie Hugo Wolf de Stuttgart. Elle a un large répertoire de lieder et de concert qui lui permet de collaborer par exemple avec le Concertgebouw d’Amsterdam, le, Maggio Musicale de Florence, la Philharmonie de Cologne, le Printemps de Heidelberg, et la Schubertiade de Hohenems. Elle entretient une collaboration étroite avec différents ensembles comme le NDR Symphonieorchester, le SWR Symphonieorchester, l’Orchestre symphonique de Zagreb et celui du Vorarlberg. Diana Haller a étudié au conservatoire Giuseppe Tartini de Trieste, à la Royal Academy of Music de Londres ainsi qu’à l’Université d’Etat de la musique et des arts de la scène de Stuttgart auprès de Dunja Vejzovic. Elle est par ailleurs encadrée par Brigitte Fassbaender. Sa discographie comprend des œuvres de Händel et de Bach (Choeur du Bayerischer Rundfunk/ Concerto Köln), un enregistrement du Faust de Gounod (Universal Music) et un album en soliste avec des lieder de Schumann et Wolf.

Diana Haller

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Après des études de piano et de hautbois, Philippe Grisvard est initié au clavecin par Anne-Catherine Bucher au conservatoire de Nancy. En 1999 il est reçu à la Schola Cantorum de Bâle dans la classe de clavecin et basse continue de Jesper B. Christensen. Par la suite, Philippe est invité à collaborer avec Le Poème Harmonique, le Chamber Orchestra of Europe, Le Cercle de l’Harmonie, L’Achéron, Les Nouveaux Caractères, La Fenice, La Chapelle Rhénane, Scherzi Musicali, Opéra Fuoco, L’Achéron, Pygmalion, le Freiburger Barockorchester, ainsi que Le Concert d’Astrée au sein duquel il collabore régulièrement, au clavecin comme au pianoforte. Philippe est membre fixe de l’Ensemble Diderot. Philippe Grisvard a participé à plus de 50 enregistrements, notamment pour les labels Ricercar, Virgin, Harmonia Mundi, Accent, Linn records, Audax. Un disque consacré à Händel marque ses débuts discographiques de soliste.

Philippe Grisvard


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INTRODUCTION – Japanese

　　　絵具と絵筆をもって壁を突破し、無限の空間を幻出し、重力の法則を克服してしまう ― ジョヴァンニ・バッティスタ・ティエポロの騙描し絵のような天国の情景描写と光の微細な陰翳を一面に展開した精緻なグラデュエーションをもつ色彩画の作品群は同時代人たちを魅了した。彼らはティエポロを惜しみなくこう呼んだ。「ヴェネツィア最高の画家」と。この呼び名は、シュトゥットガルトの国立美術館がティエポロの没後250年を記念して2020年に催行する展覧会のタイトルともなっている。生地であり主な居住地でもあったヴェネツィアで巨大油彩画に取り組んでいるとき、あるいは1750年代初頭にフレスコ画を描いたヴュルツブルクの宮殿で、ティエポロはどのような音楽を聴いたのだろうか？ティエポロがパステルカラーで描いた渦巻く雲の諸作品に最もよく合うのはどのような音楽だろうか？ティエポロが描いた英雄達の威風に、聖人達の美徳に、キューピッド達の嬉戯に対応するのはどんな音楽だろうか？　これらの問いが、今回のCD、ティエポロのための或るプレイリスト、の出発点であった。シュトゥットガルトの国立美術館は今回の録音を展覧会のオーディオガイドにも使うことになっている。交通量の多い高速道路B14号線を渡り、車道の喧騒を後目にポストモダン様式の美術館の入り口に立ち、一歩足を踏み入れた者は、その耳にティエポロの時代にティエポロの世界で鳴り響いていた18世紀の音楽を聴くのだ。　ティエポロのフレスコ画《アポロンと四大陸》はヴュルツブルク司教館の階段の吹き抜け部を飾っている。ひと繋がりの天井フレスコとしては世界最大の作品であり、宮殿の儀礼的な廊下に荘厳な雰囲気を醸し出している。この画の構成はヴュルツブルク司教領の

ティエポロのための或るプレイリスト

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君主であったカール・フィリップ・フォン・グライフェンクラウ司教の自己像および権力志向を反映したものである。司教は1752年、このフレスコ画をティエポロとティエポロの二人の息子に発注した。芸術の神であるアポロンは天から月下へと遊弋している。アポロンの背後には朝日が輝き、雲、神々、地上の人々をティエポロに独特なピンク色で染め上げている。四方には四大陸（当時オーストラリアはまだ発見されていない）が極めて緻密な情景として描き込まれ、異国情緒豊かな動物や様々な肌の色や容貌を持つ人々が描写されている。ヨーロッパを示す一面では、芸術、宗教、音楽が主な役割を果たしているが、ここにティエポロは宮殿の設計者であるバルタザール・ノイマンの姿を描いており、一角にはティエポロ自身も描き込まれている。さらには、三人の音楽家が描かれているが、ヴィオローネを弾いているのはジョヴァンニ・ベネデット・プラッティであるかも知れない。（残念ながらこの推測は立証できない。）プラッティは1690年代にヴェネツィアあるいはパドヴァに生まれ、ヴェネツィアで成長して当地の音楽家のギルド《アルテ・デ・ソナドーリ》の組合員となった。1722年にプラッティは作曲家兼オーボエ奏者兼チェンバロ奏者兼フルート奏者兼テノール歌手兼声楽教師という非常に多岐に渡る職務を以って、ヴュルツブルク司教の宮廷に高級で雇われた。ティエポロとプラッティがヴュルツブルクの宮殿で顔を合わせたことは確実である。というのも、プラッティは1763年に死去するまで宮廷に留まっていたからである。この地でプラッティは非常に多くの器楽曲を書いたが、その中には、あらゆる種類のソナタ、28曲のチェロ協奏曲、少なくとも11曲のチェンバロ協奏曲（9曲が現存）が含まれる。　プラッティはチェンバロ協奏曲ヘ長調を1740年前後に作曲した。第一楽章と第四楽章では弦楽器群のリトルネッロが支柱となり、その間でチェンバロがソロ楽器として前景に出てくる。ヘ長調という理想郷的な雰囲気を持つ調性（フルートやオーボエがヘ長調を吹きやすいため伝統的に羊飼いの音楽やクリスマスの音楽にはヘ長調が使われた）の持つ悩みのない流れを、プラッティはたびたび減和音や半音階的な旋律、唐突な和声的混濁、

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人を驚かせるリズム等によって中断する。ニ短調の楽章の中間部は、パトス、巨大な仕草、そして大袈裟な旋律が曲を支配する。この楽章では繰り返し「ナポリの六度」が緊張感を醸し出しているが、この和音は悲しみと感情的な懊悩を表わす音楽的象徴である。　ヴュルツブルク司教の兄シェーンボルン伯ルドルフ・フランツ・エルヴァインは自身が優れたチェロ奏者であった。伯爵は絶えず拡大を続けた巨大な音楽蔵書を有しており（この蔵書は現存している！）、プラッティにチェロのための曲をいくつか委嘱した。プラッティのチェロ協奏曲やチェロが目立って活躍する多くの室内楽曲、例えばト短調のトリオ・ソナタなどは、伯爵のために書かれたものである。当時のトリオ・ソナタは通常二挺のヴァイオリンと通奏低音という編成であり、チェロとチェンバロが通奏低音パートを一緒に弾く形であったが、トリオ・ソナタト短調では一挺（だけ！）のヴァイオリンとチェロが旋律楽器として完全に対等な関係にある。緩徐楽章においては、ヴァイオリンとチェロは表情豊かな旋律線の中で互いに絡み合い、繋留された不協和音の中では官能的にぶつかり合う。テンポの速い二つのフーガ楽章では、二つの楽器は遊び心たっぷりに音楽的思考を投げ合うのである。　ティエポロはトルクァート・タッソによる十字軍にまつわる叙事詩《解放されたエルサレム》からとった主題を様々な場面で描いている。ヴェネツィアのある貴族の宮殿のためにキャンヴァス地に描かれた連作やヴィツェンツァのヴィラ・ヴァルマラーナにある一連のフレスコ画がこの例である。　リナルドとアルミーダのエピソードもバロック・オペラの舞台においては人気の主題であった。リュリ、ヘンデル、ヴィヴァルディ、ヨンメッリ、グルック、ハイドンをはじめ多くの作曲家がこの物語をオペラに仕立てている。さらには、この主題による無数のカンタータがあるが、ジギスムント・マルティン・ガヤレクによるカンタータもそのひとつである。ガヤレクは1689年、ダルマチアに生まれ、1716年にオルガニストとしてバイロイト辺境伯の宮廷


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へ入り、五年後には宮廷楽長の地位にまで上り詰める。ガレヤクは三十代前半で夭逝するまでこの地位にあった。ガヤレクは一度ヴェネツィアを修学のために訪れているが、カンタータ《嘆きのアルミーダ》が書かれたのはまさにヴェネツィアに於いてであった。1721年に書かれたこの作品はガヤレクの数少ない現存作品の一つであり、傷心の精神状態というものを描写している。十字軍士リナルドは美貌の魔女アルミーダを残して旅立った。アルミーダはあまりにも深い悲しみの中で、ほとんど生きていることさえ分からないほどであった。彼女が吐く呪いの言葉に付けられた大胆な和音は、いかに彼女の憤激が大きなものであったかを表わしている。全音域に渡るコロラトゥーラと恐ろしい速さの楽句によって、アルミーダは激昂した心を歌う。復讐の諸女神の一柱であるティーシポネーと憤怒によって彼女には憎悪の感情が掻き立てられる。その次に続くレチタティーヴォではアルミーダがいかに幸福な記憶をすべて失い復讐心を肥大させていくかが描写される。そして狂気と邪悪な呪詛のただ中で彼女は絶命する。オーケストラがパラパラと奏する十六分音符の繰り返しは、彼女の身震いするほどの激怒の表現である。このカンタータの第二アリアは41小節の後で未完に終わっていたが、フィリップ・グリスヴァールによって完結部が補完された。

　乱痴気騒ぎと快楽の悪名高い拠点、ヴェネツィア。そのヴェネツィアではバロック時代には既に「赤ちゃんポスト」が設置されていた。四つの「赤ちゃんポスト」はオスペダーリ、すなわちヴェネツィアの女子孤児院の真横に設けられていたが、修道院と芸術学校を足して二で割ったようなものであった女子孤児院で少女たちは抜きん出た音楽的訓練を受けることができたのであった。四つの女子孤児院はそれぞれの合唱隊とオーケストラを持ち、言うまでもなく互いにそのレベルを競っていた。女子孤児院によって度々催されたコンサートはヴェネツィアを訪れる旅行者にとって大きな呼び物のひとつであり、同時代の旅行ガイドではこれらのコンサートがトップ10にリストされている。


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　ティエポロは女子孤児院とたびたび連絡を取っており、そのうちのひとつであるオスペダレットのために、ティエポロは現存する最初期の作品である1715/16年作の《イサクの犠牲》を描いている。ここでティエポロは後に妻となるチェチーリアと出会うが、彼女はときどき実家で過ごすこともある年若い半孤児であった。ほぼ40年後にティエポロはフレスコ画《聖母被昇天》をピエタ慈善院の附属教会のために描いたが、この孤児院はアントニオ・ヴィヴァルディと縁が深い。ヴィヴァルディは当初ここの聖職者であり、1704年からヴァイオリン教師としての活動をこの孤児院で活発化したのである。ヴィヴァルディはいくつかの協奏曲や宗教音楽を音楽の才能豊かな孤児たちのために書いた。ヴィヴァルディの作品は出版あるいは手写譜の形でヨーロッパ中に広まった。例えば、トリオ・ソナタハ長調はシェーンボルン‐ヴィーゼンハイト音楽コレクションの中に保存されていたものである。この作品では全四楽章において二挺のヴァイオリンが完全に対等に扱われる。冒頭のアレグロで二挺のヴァイオリンは、荒し々い音階、三和音のアルペッジョ、バリオラージュの楽句 ― 主に長い保続音を受け持つ一定のバス音の上を跳ね回る音型 ― 等からなる即興演奏かと見まがうような狂騒に突入する。第二楽章と最終楽章では、二挺のヴァイオリンが急速な装飾句とともに疾駆する。どちらのパートにも重音があり、平行三度の重音部分もある。第三楽章にはユニゾンで弾く場面さえある。ユニゾンは単純そうに見えるかも知れないが、実際には極めて厄介なものである。「ここが一番難しい」とヨハネス・プラムゾーラーは言う、「足を引きずるようなリズムでヘマをしやすいんです！ひとつの素晴らしいソナタの中に、ヴァイオリンとアンサンブルのテクニックの総目録がこっそり入っているんです。」ヴィヴァルディは恐らく上級レベルの生徒たちが技術を磨き上げるためにこのソナタを作曲したのだろう。　ヴィヴァルディは1723年、モテット《正義による怒りで》をローマ滞在中に書き上げた。初演を行ったのはソプラノ・カストラートだったのではと推定される。テクストは、怒りに


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満ちて厳罰を下さんとする神の前に立つ哀れな罪人たちという恐ろしい裁きの場面を描いたものである。この音楽は、ヴィヴァルディの血管にはオペラの血が流れていたことを証立てていると言えよう。というのも、速度の限界やその他の技術的な制約にはお構いなしに、ヴィヴァルディは息を呑むほどの技巧的協奏曲を声楽のために書いているからである。当時のオペラで普通に見られたダ・カーポ形式で書かれ、オーケストラで奏される激しい繰り返し音の連打、猛烈なスピードのコロラトゥーラ、ぞっとさせる不協和音が大嵐を演出する。嵐の威力が印象的に示された後で、ソリストは短いレチタティーヴォで慈悲を請い、音楽は変ホの減和音からニの減和音へと非正則な進行をみせる。第二アリアは悔悟の涙に関わるものだが、これは贖罪の涙へと変わるのであり、この曲は個人の内面的でありのままの、静けさの聖域のための時間である。歌手は全面的に第一ヴァイオリンに支えられながら、通奏低音による基礎を欠いたまま長い時間、揺れ動く八分音符のリズムで動き続ける。最後を締めくくるハレルヤでは再び開始部の目を瞠る仕草が繰り返される。この音楽は鑑賞者に畏怖と驚嘆の念を喚起することを意図しており、当時の絵画や建築と同じく、そのためにあらゆる戦略を駆使しているのだ。　「太陽の黄金色の彩光に照らされて、天高きところ雲は輝き、明るい輝きの中で朱に染まり」　ティエポロが描いた雲の描写であってもおかしくないこの一節は、ヨハン・アドルフ・ハッセの作曲によるあるモテットからの引用である。1699年にハンブルクに近いベルゲドルフに生まれたハッセは、長じて後にナポリでオペラ作曲家に必要な技法の手ほどきをアレッサンドロ・スカルラッティから受け、すぐに全欧的な名声と名誉を手に入れた。ハッセはヴェネツィアに居を構え、以後数十年に渡ってオスペダーレ・デリ・インクラビリの作曲家として活動的な人生を送る。また、ハッセはヴェネツィアの地でプリマ・ドンナであったファウスティーナ・ボルドーニと出会い結婚した。ハッセ夫妻はドレスデンのザクセン選帝侯の宮廷に大人気の二人組として迎えられ、この宮廷で1733年、ハッセは宮廷楽長


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の地位を得る。ハッセは妻のために曲を書き、ファウスティーナは夫のために歌うのであった。しかし、《アルタ・ヌーベス・イッルストラータ（天高きところに彩雲）》は彼女のために書かれた作品ではなく、オスペダーレ・デリ・インクラビリのソプラノ歌手であったマリア・テレサ・タッリャヴァッカに捧げられた一曲である。このモテットに描写される雲は信仰深い魂の象徴であり、神の光を受けて輝いている。ハッセは生きる喜びと活力に満ち溢れたダ・カーポ・アリアをひとつ書いている。この作品の白眉は大規模で技巧的なコロラトゥーラだが、歌手には相当な声域（d’ ‐ e’’’）が要求され、音楽的に最高峰の自在な技巧が必要である。このアリアがト長調で書かれているのは決して単なる偶然ではない。ト音のイタリア音名ソ（sol）は太陽の意味にも通じるため、この調が選ばれたのであろう。レチタティーヴォ・アッコンパニャートの一節では心から罪の陰が払拭され、後続するアリアでは慎み深い寡黙の中に、ある種の恍惚が描き出されている。天国の愛に焼き尽くされた魂は、力尽き果てて地上に落下するのだが、同時に歓喜にも満たされている。弱音器をつけた弦楽器に伴奏された声楽パートに途切れ途切れに出てくる溜め息のフィグーラはこの歓喜の表現である。最後を締めくくるアレルヤは創意に富んだ冒頭アリアの変奏であり、煌めく音楽的な太陽光を放つ一曲である。ドリス・ブライヒ


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　アンサンブル・ディドロは、2008年、ヴァイオリン奏者ヨハネス・プラムゾーラーにより結成された。パリを拠点に、17・18世紀に作曲されたバロック・トリオ・ソナタのレパートリーを発掘し、古楽器を用いて演奏する活動を積極的に行っている。アンサンブルの名称は、18世紀フランスの啓蒙思想時代を生きた著述家・思想家・哲学者のドゥニ・ディドロにちなんで付けられた。その精力的で高い技術に裏打ちされた演奏は賞賛の的となっており、間違いなく近年の欧州における特筆すべきバロック室内合奏団である。　アンサンブル・ディドロは、フランス国内はもとより世界各国のホールや音楽祭に招かれているほか、フランスのアミリー及びイギリスのオールドバラへは、レジデント合奏団（必ず招かれる合奏団）として招聘されている。2010年には、“ラインスベルク宮廷楽団”として、プロイセンのフリードリヒ大王とその弟ハインリヒが過ごしたブランデンブルクのラインスベルク宮殿お付きの合奏団となった。　 2012年、アンサンブル・ディドロはエルブレ（フランス／ヴァル＝ドワーズ県）のロジェ・バラ劇場と共同制作を開始し、同劇場にて、17世紀イタリアの巨匠たちの音楽を織り交ぜながら、トルクァート・タッソの長編叙事詩を台本にしたモンテヴェルディ作曲のミニオペラ

《タンクレディとクロリンダの戦い》を大々的に上演した。2014年からはパリ郊外のロワイヨモン修道院より定期的に招かれ、時にはオーケストラ編成での演奏も行っている。アンサンブル・ディドロのコンサートのライヴ録音は定期的に各国の放送局より配信されているほか、オーダックス・レコーズ(Audax Redords)レーベルからは、歴史に埋もれた知られざる作品に光を当てたCDが出ており、決定盤との評価を得ている。

アンサンブル・ディドロEnsemble Diderot

BIOGRAPHY – Japanese

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　クロアチア出身のメゾ・ソプラノ。トリエステのジュゼッペ・タルティーニ音楽院、ロンドンの王立音楽アカデミーを経て、シュトゥットガルトの国立音楽演劇大学にてドゥーニャ・ヴェイソヴィッチに師事。卒業後は20世紀を代表するドイツのオペラ歌手のひとり、ブリギッテ・ファスベンダーにも学ぶ。　シュトゥットガルト州立歌劇場のオペラ研修所を経て、最年少で同劇場の専属歌手に採用され、これまでに『フィガロの結婚』のケルビーノ役、『セビリアの理髪師』のロジーナ役、『コジ・ファン・トゥッテ』のドラベッラ役、『こうもり』のオルロフスキー公爵役、『チェネレントラ』のアンジェリーナ役、『アルチーナ』のルッジェーロ役、『ナクソス島のアリアドネ』の作曲家役、『ノルマ』のアダルジーザ役、『アリオダンテ』のアリオダンテ役、『ジュリオ・チェーザレ』のジュリオ・チェーザレ役等多彩な役柄を演じているほか、ミラノ・スカラ座、ハンブルク州立オペラ、ドレスデンのゼンパー・オーパー、ケルン歌劇場、チューリヒ歌劇場にも客演している。　第8回シュトゥットガルト国際声楽コンクール優勝をはじめ、受賞歴は数多い。　リート及びコンサート活動にも幅広いレパートリーを誇り、アムステルダムのコンセルトヘボウ、ケルン・フィルハーモニー等世界有数のホール、フィレンツェ五月音楽祭、ハイデルベルク春音楽祭、シューベルティアーデ音楽祭、ザルツブルク音楽祭等著名なフェスティバルへ出演。旧ハンブルク北ドイツ放送交響楽団、南西ドイツ放送交響楽団、ザグレブフィルハーモニー管弦楽団、フォアアールベルク交響楽団等の楽壇とも活発に共演している。

ディアナ・ハラーDiana Haller

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　バイエルン放送自主制作レーベルBL Klassicより、ヘンデルのデキシート・ドミヌス及びJ.S.バッハのマニフィカト(バイエルン放送合唱団／コンチェルト・ケルン)、Naxosレーベルよりグノーの『ファウスト』をリリースしているほか、シューマンとヴォルフのリート集のソロアルバムを録音している。

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フィリップ・グリスヴァール

　フランス北部ナンシー生まれ。ピアノとオーボエを学んだのち古楽に関心を深め、チェンバロをアンネ・カテリーネ・ブッヒャーに師事。その後名門バーゼル・スコラ・カントールムにてチェンバロと通奏低音をイェスパー・クリステンセンに、フォルテピアノをエドアルド・トルビアネッリに学ぶ。　現在はパリを拠点に、ル・ポエム・アルモニーク、ヨーロッパ室内管弦楽団、レ・セルクル・ドゥ・アルモニー、ラシェロン、レ・ヌーヴォー・カラクテール、ラ・フェニーチェ、ラ・シャペル・レーナン、スケルツィ・ムジカーリ、オペラ・フォーコ管弦楽団、アンサンブル・ディドロ等著名な団体と定期的に演奏している。またフランスの古楽系女流指揮者エマニュエル・アイム率いるル・コンセール・ダストレーにもチェンバロやフォルテピアノで頻繁に客演しており、歌劇「妖精の女王」、オラトリオ「復活」、オーランド、歌劇「アグリッピーナ」、オラトリオ「天地創造」、歌劇「ジュリアス・シーザー」、歌劇「偽の女庭師」、オラトリオ「時と悟りの勝利」、歌劇「アルチーナ」等数々のプロジェクトに参加。新進気鋭の古楽合奏団アンサンブル・ディドロの中心的メンバー。これまでにリチェルカーレ、ヴァージン、ハルモニア・ムンディ、エロクエンティア、アクサン、リン・レコーズ、オーダックス・レコーズ等様々なレーベルより50以上のレコーディングに参加している。

Philippe Grisvard

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Lyrics

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Armida disperata 4 RecitativoE pur vivo, e non spiro?E pur queste pupilleNon avventan saette al dislealeLa cui fuga rimiro,Che sciogliendo le vele all’aure, ai venti,Parte festoso e ride del mio male?Ah sventurata Armida!Ahi perfido Rinaldo e non ramenti:Ciò che reggia donzellaConsacrandoti ‘l core Contr’il suo sangue oprò contro l’onore?Mà fuggi pur ingratoEd abbandoni l’infelice esangueBersaglio delle fiereChe da letal sopore oppressa langue;Sconvolgerò gli abissiDesterò rie procelle e all onde assortoSia l’infido elemento

A un infido amator, e tomba, e porto.

Die verzweifelte Armida4 RezitativUnd ich lebe doch, und sterbe nicht?Und trotzdem schleudern diese Augenkeine Pfeile an den Verräter,dessen Flucht ich beobachte,und der, die Segel im Wind hissend, fröhlich fortzieht und über mein Unglück lacht.Ach unglückliche Armida!Ach niederträchtiger Rinaldo, hast du doch vergessen,dass eine königliche junge Frau,dir ihr Herz schenkend, gegen ihr eigenes Blut, gegen ihre Ehre gehandelt hat. Aber fliehe doch, Undankbarer,und überlasse die bleiche Unglücklichedem Fraß der wilden Tiere,die, unterdrückt, in tödliche Erstarrung vergeht; Ich werde die Abgründe erschüttern,ich werde furchtbare Stürme heraufbeschwören, und die verschlingenden Wellen werden als unbeständiges Elementfür einen unbeständigen Liebhaber Grab und Hafen sein.

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Armide désespérée4 RécitatifEt je vis encore, et n’expire point ?Et pourtant ces yeuxNe décochent aucune flèche à ce traîtreDont j’observe la fuite,Et qui, déployant les voiles aux vents,S’en va joyeux et se rit de mon malheur ?Ah, infortunée Armide !Ah, perfide Renaud et tu as donc oubliéQu’une royale jeune filleQui, en te consacrant son cœurContre son propre sang, a agi contre son honneur ?Mais fuis donc, ingrat,Et abandonne la morte malheureuse,En proie aux bêtes sauvagesEt qui, opprimée, se languit d’une mortelle torpeur ;J’invoquerai les enfers,Je réveillerai les cruelles tempêtes, et englouti par les ondes,Que l’élément infidèle soitPour un amant infidèle, la tombe et le port.

Despairing Armida4 RecitativeAnd I live yet, and do not die?And yet these eyes do not shootarrows at the traitor,whose flight I watchand who, hoisting the sails in the wind,cheerfully departs and laughs at my misfortune.Alas, unfortunate Armida!Alas, perfidious Rinaldo, have you forgottenthat a royal young woman,in consecrating her heart to you,acted against her own blood, against her honor.But flee, ingrate,and leave as prey for the wild animalsthe pale wretchwho, oppressed, languishes in deadly drowsiness;I shall shake the abysses,I shall conjure up dreadful storms, and the engulfing waves,as a capricious element, will bea grave and harbor for a capricious lover.

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5 AriaOlà TesifoneCon l’altre furieSpirate rabbia,Rabbia spirateDentro il mio cor.

Sù, sù, spargetemiNel petto fervidoRancor ed odio,Sdegno e furor.

6 RecitativoE voi, delizie amene, orti felici, Ove Pomona e Flora, Tra canore sireneE dolci vezzi ed amorosi affetti, All’empio infido mostroPrimavera gentil faceano ogn’ora,Voi memorie funeste,Itene al nero occaso,Vesti la terra inabitata, incoltaStanza d’orride larve,Ch’io vado intanto a preparar vendetta.Avrà il più fiero ed animoso duceIn don tutta me stessa.

5 ArieHeda, Tisifone,mit den anderen Furienverbreitet euren Zorn,weht siein mein Herz.

Auf, auf, verbreitetin meiner eifrigen BrustGroll und Hass,Empörung und Wut.

6 RezitativUnd ihr, angenehme Freuden, reizende Gärten,wo Pomona und Florazwischen singenden Sirenensüße Reize und liebevolle Zuneigungendem grausamen, untreuen Monster gabenund zu jeder Stunde Frühling verbreiteten.Ihr, fatale Erinnerungen,kommt auf die Seite der schwarzen Dämmerung,überzieht das brache, unbewohnte Land,auf dass es sich mit schrecklichen Dämonen fülle,während ich meine Rache vorbereite.Der stolzeste und temperamentvollste Führerwird von mir Besitz ergreifen.

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5 AriaHolà Thésiphone,Avec les autres Furies,Expirez votre rage,Votre rage soufflezDans mon cœur.

Allons, allons, répandezDans mon cœur ardentHaine et rancœur,Colère et fureur.

6 RécitatifEt vous, délices amènes, jardins délicieux,Où Pomone et Flore, Parmi les sirènes chantantes,Prodiguaient de douces caresses et d’amoureux baisersAu cruel monstre infidèleAu temps du noble printemps,Vous, mémoires funestes,Allez vers le noir crépuscule,Habillez la terre inhabitée, inculte,Qu’elle se remplisse d’horribles fantômes ;J’irai entre-temps préparer ma vengeance.Le chef le plus courageux et le plus orgueilleuxPrendra possession de moi-même.

5 AriaHey there, Tesiphone,with the other furiesblow your anger,blow angerinto my heart.

Come on! Come on! Spreadinto my fervent breastmalice and hate,indignation and rage.

6 RecitativeAnd you, pleasant joys, lovely gardens,where Pomona and Flora,among singing sirens,gave the cruel, unfaithful monstersweet delights and tender affections,and produced gentle spring at all hours.You, distressful memories,come to the side of the black twilight,cover the fallow, uninhabited landso that it becomes filled with terrifying demons,while I prepare my revenge.The most proud and malevolent spiritwill take possession of me.

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Che voglia il teschio infameAvanti gli occhi miei,Troncar al busto indegno del rio ribaldo,E invano Armida invocherai Rinaldo.

7 AriaParto, ma per partireIl petto l’alma e cuoreAl crudo traditoreChe m’oltraggiò così.

In furore iustissimae irae12 AriaIn furore iustissimae iraetu divinitus facis potentem.Quando potes me reum punireipsum crimen te gerit clementem.

13 RecitativoMiserationum Pater piisimeparce mihi dolentipeccatori languenti,o Jesu dulcissime.

Ich will den widerlichen Schädelvor meinen eigenen Augen sehen,und den unwürdigen Körper des Grausamen zerschneiden,und vergebens wird Armida Rinaldo anrufen.

7 ArieIch gehe und zerreißedie Brust, das Herz und die Seeledes grausamen Verräters,der mich so geschmäht hat.

In furore iustissimae irae12 ArieIn der Tobsucht Deines gerechten Zornesübst Du göttlich Deine Macht aus.Wann immer Du mich Schuldigen bestrafen kannst,stimmt das Vergehen selbst Dich milde.

13 RezitativDu gütigster Vater des Mitgefühls,verschone mich reuenden,müden Sünder,o süßer Jesus.

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Je veux voir le crâne infâmeDevant mes propres yeux,Et trancher le buste indigne du cruel misérable,Alors en vain Armide tu invoqueras Renaud.

7 AriaJe pars, mais pour déchirerLa poitrine, l’âme et le cœurDu traître cruelQui ainsi m’outragea.

In furore iustissimae irae

12 AriaDans la fureur de la plus juste colère,toi, tu exerces un pouvoir divin.Puisque tu peux me punir, moi qui suis coupable,la faute elle-même te porte à la clémence.

13 RécitatifPère très saint de miséricorde,épargne-moi quand je souffre,moi, le pécheur languissant,ô très doux Jésus !

I want to see the vile skullbefore my own eyes,and cut up the unworthy body of the cruel one, and Armida will cry out in vain for Rinaldo.

7 AriaI go, but to rendthe breast, the heart, and the soulof the cruel traitorwho insulted me so.

In furore iustissimae irae

12 AriaIn the fury of your most righteous ire,You divinely wield your power.When you can punish my wrongdoing,That fault itself makes you merciful

13 RecitativeMost holy Father of compassionO Jesus most gentle,Spare me, a wearySinner, in my distress.

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14 ArieDann wird mein Klagender Freude weichen,wenn für Dichmein Herz vergeht.

Mach dass ich weine,mein holder Jesus,und meine Tränenwerden mein Herz mit Freude füllen.

15 HallelujaHalleluja, halleluja

Alta nubes illustrata20 ArieDie Wolke in der Höhe erstrahlt im goldenen Glanz der Sonne, leuchtet auf, färbt sich rot in ihrem hellen Schein.Es frohlocken die heiteren Gefilde.

Vom Schimmer der Gnade geziert, prangt die Seele in strahlender Schönheit.Selbst die Himmel, erfüllt von überströmender Freude, preisen sie in ihrer Pracht.

14 AriaTunc meus fletusEvadet laetusDum pro te meumLanguescit cor.

Fac me plorare,mi Jesu care,et fletus laetum,fovebit cor.

15 AlleluiaAlleluia, alleluia

Alta nubes illustrata20 AriaAlta nubes illustrata solis rutilo fulgore, suo candore nitescit, rubescit.Aurae placidae laetantur.

Gratiae lumine exornata fulget anima Nintendo.Ipsi coeli amplius gaudendoSuum candorem admirantur.

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14 AriaMes larmes finissentalors par être joyeusestandis que mon cœur languit pour toi.

Fais-moi pleurer,mon cher Jésus,et mes larmes réchaufferontmon cœur de joie.

15 AlléluiaAlléluia, alléluia.

Alta nubes illustrata20 AriaLa nuée dans les hauteurs, illuminée par l’éclat brillant du soleil, se met à briller, à rougeoyer à sa pure clarté.Les souffles paisibles se réjouissent.

Embellie par les rayons de la grâce,l’âme n’est que brillance et lumière.Les cieux mêmes, dans une joie grandissante,admirent ses reflets.

14 AriaThen my lamentingWill turn to tears of joy,As my heartGrows calm before you.

Make me weep,My beloved Jesus,And my tears will warmMy heart with joy.

15 AlleluiaAlleluja, alleluja.

Alta nubes illustrata20 AriaIlluminated by the golden glow of the sun,The cloud on high radiates in splendor, reddens.The placid skies rejoice.

Adorned by the light of grace,The soul shines in glory.The heavens themselves, filled with joy,Admire its splendor.

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21 RezitativWeicht, unselige Schatten der Sünde, und ihr, todbringende irdische Laster, weicht für immer aus meinem Herzen.Meine Seele, von erhabenem Feuer entflammt, erfreut sich der ewigen, himmlischen Liebe allein.Licht der göttlichen Gnade, erleuchte du meinen Geist.

Erfüllt ist die glückliche Seele, die eins ist mit Gott und die schon auf Erden die himmlischen Wonnen erahnt. Gott, ich verstumme bei dem Gedanken, tief ergriffen bin ich und fröhlich in all meinem Leid.

22 ArieEntflammt vom Feuer der himmlischen Liebe, in einer lodernden Flamme, falle ich kraftlos zu Boden.

Du, o Gott, richte mich wieder auf, tröste Du mich.Teuer und süß sind diese Qualen, von köstlichem Entzücken erfüllt.Liebendes, reines Herz, freue dich und frohlocke.

23 HallelujaHalleluja, halleluja.

21 RecitativoDiffulgite, o funeste vos peccatorum umbrae et vos terreni lethales, pravi affectus corde statim recedite.Inflammatum pectus sublimi ardore solum gaudet caelesi aeterno amore.Divinae gratiae lumen tu mentem guaeso illustra.O quam beata anima fortunata quae Deo plene conjunctaet jam in terris sentit delicias caeli. Ah Deus, haec cogitando deficio, rapta sum gaudeo penando.

22 AriaCoelesti incendio amoris accensa in flamma ardori cado exsanguis. Tu me restaura, o Deus, tu me solare.Sunt carae dulces penae jucundo affectu plenae.Amando, o purum cor, gaude, laetare.

23 AlleluiaAlleluia, alleluia.

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21 RécitatifFuyez, ô funestes ombres des péchés, et vous, mauvaises passions terrestres, porteuses de mort, retirez-vous sans retard de mon cœur.Mon être, enflammé d’une sublime ardeur,n’a pour seule joie que l’éternel et céleste amour.Toi, lumière de la grâce divine, éclaire mon esprit, je t’en supplie.Ô combien bienheureuse l’âme fortunée pleinement unie à Dieuet qui goûte déjà sur terre les délices du Ciel. Ah, Dieu, en songeant à cela je défaille,Je suis saisie, je me réjouis au milieu de mes peines.

22 AriaEnflammée par le céleste incendie de l’amour,Toute brûlante d’une ardente flamme, je tombe sans force.Toi, ô Dieu, restaure-moi ! Réconforte-moi !Ces tourments sont précieux et doux, Pleins d’un délicieux transport.En aimant, ô cœur pur, Réjouis-toi, sois dans l’allégresse.

23 AlléluiaAlléluia, alléluia.

21 RecitativeDisperse, o you dark shadows of sins;And you death-bringing worldly vices recede now from the heart.The soul, kindled by a sublime fire,Rejoices alone in the heavenly love of eternity.Light of divine grace, I seek you; enlighten my spirit.How blessed is the fortunate soul which is conjoined fully with God and experiences the delights of heaven already on earth.O God, I fall silent in thought, I am raptured, and rejoice in pain.

22 AriaKindled by the love of heaven,burning with an ardent flame, I fall to the ground exhausted.You, o God, restore me, comfort me.These pains are dear and sweet, filled with delightful pleasure. In love, o pure heart, rejoice, be glad!

23 AlleluiaAlleluja, alleluja.

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Appendix

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Ensemble Diderot discography

ADX13707 – Mondonville: Trio Sonatas Op. 2

ADX13705 – Meister: Il giardino del piacere

For the complete catalogue please visit www.audax-records.fr

ADX13701 – The Dresden Album ADX13704 – Montanari: Violin Concertos

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ADX13715 – German Cantatas with Solo Violin

ADX13711 – Ristori: Cantatas for Soprano | Oboe Concerto

ADX13717 – The Paris Album ADX13718 – The London Album

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ADX13721 This recording is a co-production with Südwestrundfunk SWR and the Staatsgalerie Stuttgart

Executive Producer: Dr. Doris Blaich, SWRExecutive Producer for Audax Records: Johannes PramsohlerRecording Producer: Moritz Bergfeld, SWRBalance Engineers: Burkhard Pitzer-Landeck, Boris Kellenbenz, SWREditing: Christian Jaeger Organ tuner: Peter KranefoedProduction Coordinator: Siglinde Schwarz, SWRTranslations: Howard Weiner (English), Laurent Cassagnau (French), Yoh Murakami (Japanese)Translations (lyrics): Howard Weiner (English), Jean-François Lattarico (French), Johannes Pramsohler (German)Photography: Alexander Kluge, SWRDesign: Christian MöhringInside cover image: G.B. Tiepolo “Rinaldo enchanted by Armida” Residenz Würzburg © Bayerische Schlösserverwaltung

Recording: Südwestrundfunk, 11 – 14 February 2019, SWR Stuttgart, Funkstudio© and 2019 AUDAX Records

Instruments:Harpsichord: M. Griewisch, Bammental 2001, after Aelpidio Gregori, c1700Organ: G. & H. Klop, 1992

Thanks to:Universitätsbibliothek Rostock, Sächsische Landesbibliothek - Staats-und Universitätsbibliothek Dresden, Staatsbibliothek zu Berlin, Musikaliensammlung der Grafen Schönborn-Wiesentheid, Iñaki Encina Oyón, Renate Steinmann, Steffen Voss, Kotomi Yamazaki

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Documents

Echoes of the Grand Canal - Idagio · 2019. 9. 4. · Die Motette „In furore iustissimae irae“ schrieb Vivaldi um 1723, als er sich in Rom aufhielt. Der erste Interpret war also