ISRAEL GALVÁN LO REAL

Coproducción MERCAT DE LES FLORS Del 16 al 19 de enero Horario 20:30h (domingo 18h). Precio 12€

MEDALLA DE ORO DE LAS BELLAS ARTES 2012 Concedida por el Consejo de Ministros (ESPAÑA)

2012 NEW YORK DANCE AND PERFORMANCE BESSIE AWARD Para una PRODUCCION EXCEPCIONAL (de un trabajo que amplía las fronteras de lo tradicional) Concedido por The Bessie Selection Committee (New York – U.S.A.)

PREMIO MAX DE LA ARTES ESCÉNICAS 2011 Al Mejor Intérprete Masculino de Danza PREMIO MAX DE LA ARTES ESCÉNICAS 2012 Al Mejor Intérprete Masculino de Danza A la Mejor Coreografía Concedido por la Fundación Autor y la SGAE (ESPAÑA)

GRAND PRIX DE DANSE 2009-2010 Concedido por el Sindicato de la Crítica (FRANCIA)

PREMIO NACIONAL DE DANZA 2005 en la modalidad de CREACIÓN

PRESENTACIÓN La culminación del trabajo de Israel Galván en estos últimos años llega con Lo Real, la lógica continuación de El final de este estado de cosas y la inmersión del coreógrafo y bailaor flamenco en una obra mayor. En una zona límite de su concepción del baile y del flamenco el bailaor sevillano se sumerge en un territorio que sabe imposible, más allá de su acostumbrado mundo simbólico y sus portentosas imaginaciones, el espacio de lo real no admite otra cosa que no sea la verdad, una cierta forma de la verdad. ARGUMENTO Se trata de una aproximación al tema, difícil y capital, del exterminio de los gitanos bajo el régimen nacionalsocialista en la Europa de los años treinta y cuarenta. El tema no permite, por su propia naturaleza, una narración al uso, más bien se trata de aproximarnos a éste con algunas preguntas. ¿Hay alguna diferencia entre la persecución finisecular de los gitanos europeos con respecto al exterminio nazi? ¿A qué se debe, sin embargo, la fascinación de los fascismos por el mundo folklórico de los gitanos españoles? ¿Puede el flamenco enseñarnos algo sobre cómo sobrevive una identidad a la propia idea de pueblo? Vemos, en el escenario, a un hombre, primero, después a una mujer, que van dando su vida. Vemos la atracción nazi, casi enfermiza, por el mundo sevillano de la Carmen o a la propia Leni Rienfesthal bailando como una gitana de las tierras bajas. Vemos, tras las bambalinas, a los gitanos de Europa aguantando apenas una vida de condenación que siguen, nos tememos, siguen aguantando hoy en día todo tipo de marcas y estigmas. Es verdad que a lo largo de toda la función, aquí y allá, hay momentos de alegría, amor, humor. La forma-de-vida que los gitanos encarnan sigue siendo una fuente de vida, a pesar de todo, siguen teniendo la fuerza para mirarnos a la cara y de frente. COLABORACIONES En esta ocasión no quería Israel Galván estar sólo en el escenario. No se trataba del trabajo de un sólo actor y, más que nunca, como el mismo Israel Galván dice, necesitaba bailar con las otras y los otros. Así, además de sus colaboradores habituales en la dirección, Pedro G. Romero y Txiki Berraondo, esta vez el protagonismo es, también, para dos grandes bailaoras, compañeras de generación además, Belén Maya e Isabel Bayón. También está la guitarra de Chicuelo y el cante de Tomás de Perrate y David Lagos. Las formaciones Sistema Tango, Proyecto Lorca y la bailarina Eloísa Cantón ponen el punto de vista hacía otras músicas. Emilio Caracafé, el Bobote y La Uchi completan un estimulante elenco.

ARGUMENTO

Lo Real no es propiamente una obra con argumento. Claro que suceden cosas, y muchas a la vez, apelando a distintos niveles de significación. Cómo las capas de una cebolla, los argumentos se van superponiendo más que sucediendo uno tras otros. Lo que sigue es entonces un programa, más que como una lista de sucedidos, como una serie de preguntas que podemos hacernos mientras vemos lo que va apareciendo sobre el escenario. PRÓLOGO Se corta el aire El punto de vista flamenco. Presentación del testigo y sus herramientas. PRIMERA PARTE. Un hombre: de los muertos crecen flores. Una mujer: el cielo tiembla y se cae. El flamenco es lo que habla, canta, baila: granaínas, malagueñas, verdiales. Suerte de exorcismo, el mal que crece dentro de mí. ¿Se preguntó alguien porqué Hitler in my heart, la composición de Antony and The Johnsons, es un fandango? Fandango, fado, predestinación, destino… Las mismas ciencias positivas que ayudaron a conocer el flamenco construyeron la maquinaria racista de exterminio. Antes de la modernidad, nuestra edad media. Anacronismo: a los gitanos se les persiguió siempre. Un arte degenerado. Tomás de Perrate mete por tonás el Karawane de Hugo Ball. ¿Qué significa ser orientales? Extraños compañeros de cama: judíos, homosexuales, testigos de Jehová, comunistas y gitanos. ¿Qué significado, entonces, podemos dar al orientalismo? Metástasis: donde Xenakis, antifascista, herido por sus mismos aliados, define con precisión la forma de la anomalía. Una música que sale de ahí, lo que en Europa llaman las clases delincuentes. Nos decían robagallinas, siempre al asalto del corral. Es posible imaginar a la vez el flamenco y a los nazis. La primera película de Tony Gatlif, Canta gitano: el maestro Mario Maya baila en el campo de concentración, Manuel de Paula por cabales, ábrase la tierra que me quiero morir…. INTERMEDIO: SÍMBOLOS NACIONALES Carmen, la chinche y la pulga ¿Y esa extraña fascinación? Un emblema nacionalista, Tiefland, en la que Leni Rienfestal hace de bailaora mientras los gitanos representan a los habitantes impuros de las tierras bajas. Y la pasión de Goebbels por nuestras estrellas cinematográficas agitanadas, por el folklore patrio. Más allá de la propaganda, se anuncia un mundo que hace iguales a los hombres y a sus mercaderías.

Carmen la de Triana o Mariquilla Terremoto. Nietzsche contra Wagner: no sólo Carmen, la música africana de Bizet, ¡jamás escuche una música tan verdadera, esa Jota de los Ratas que Chueca arroja a la cara del mundo desde la Gran Vía! En el reino de la mercancía los chamarileros estorban, sólo venden baratijas. Historias raras: una judía holandesa salva su vida gracias a su retrato como bailaora gitana; los dibujos de flamencas de Hannah en los barracones de Terezin; en el campo, Madame Fifí, la bailarina, desnuda ante el oficial de la Gestapo, le arrebata su pistola, lo mata y, a continuación, se suicida. ¿Hay juicio al final de la historia? ÚLTIMA ESTACIÓN: REALISMO SUCIO La muerte es un maestro bienvenido Pero, ¿qué cosa es un campo de concentración? A nosotros, la primera vez que nos detuvieron, nos llevaron detenidos al campo, como a mi padre, como a nuestros abuelos, como siempre a nuestra gente. Los gitanos no han contado su historia, no han contado en la historia. Meter voces gitanas en los Differents trains de Steve Reich. ¿Cómo empezar a contar nuestra historia sin ser absorbidos por la gran Historia? ¿Cómo seguir diciendo que somos pueblo sin aspirar a ser nación? ¿Es eso lo que la voz flamenca puede ofrecerle a los gitanos? Plegaria: la banda de judíos y gitanos interpreta La muerte es un maestro venido de Alemania, el tango de Paul Celán. Pies contra geografía. La tierra no es un país. El suelo no conoce los mapas. Para los fantasmas la representación no es un problema. Los que somos nadie, los que no tenemos nombre. El clap de una mano contra el cuerpo, la rodilla rota contra la tarima, una palma sorda, la respiración tartamuda, el sonido del aire al abandonar la garganta. En los márgenes de una carretera, al borde del camino, perdido, un vagón de cuerpos vivos y muertos. Intentar demoler el tiempo histórico alterando su ritmo, otra manera de contar. Nada se ve. Un, dos, tres. Un, dos, tres. Cuatro, cinco, seis. Cuatro, cinco, seis. Siete.

FICHA ARTÍSTICA Baile Israel Galván, Belén Maya, Isabel Bayón Cante Tomás de Perrate, David Lagos Guitarra Juan Gómez “Chicuelo” Saxofón Juan Jiménez Alba Piano Alejandro Rojas Marcos Percusiones Antonio Moreno Violín Eloísa Cantón Baile, cante y jaleos Caracafé, Bobote y Uchi Banda de gitanos y judíos Sistema Tango Actores Pablo Pujol y Pepe Barea Coreografías y guión musical Israel Galván Dirección artística Pedro G. Romero Dirección de escena Txiki Berraondo Dramaturgia Txiki Berraondo, Pedro G. Romero, Israel Galván Guión y documentación musical Pedro G. Romero Dirección musical Juan Jiménez Alba Música original Juan Gómez “Chicuelo” Repetidor de coreografía Marco de Ana Ayudante de dirección y regiduría Balbi Parra Diseño de iluminación Rubén Camacho Diseño de sonido Pedro León, Eloy Sansón Diseño de vestuario Soledad Molina Coordinación técnica Pablo Pujol Diseño y construcción decorados Pablo Pujol y Pepe Barea Productora Amapola López (A Negro Producciones) Producción ejecutiva y distribución A Negro Producciones (www.anegro.net) Cisco Casado y Chema Blanco Proyección de video Canta Gitano (1982), Tony Gatlif Producción Teatro Real de Madrid Coproducción Théâtre de la Ville de Paris, Mercat de les Flors, Stadsschouwburg Amsterdam + Flamenco Biënnale Nederland, Ludwigsburger Schlossfestspiele y el Festival Internacional de Música y Danza de Granada Con la colaboración Instituto Andaluz del Flamenco de la Junta de Andalucía Estreno mundial en el Teatro Real de Madrid el 12 de diciembre de 2012 Estreno en Francia en el Théâtre de la Ville de Paris el 12 de febrero de 2013 Duración: 105 minutos aproximadamente Producción, management y distribución exclusiva A NEGRO PRODUCCIONES S.L. Chema Blanco y Cisco Casado Dirección y comunicación Chema Blanco Producción y distribución Cisco Casado Producción Amapola López Administración Rosario Gallardo www.anegro.net

TEXTO COMPLETO “Se canta lo que se pierde”, Juan de Mairena. Israel Galván sigue dando cuerpo a sus obsesiones, perturbaciones que nacen, se reproducen y mueren. Una y otra vez: la vida, el sexo y la muerte centran su trabajo. Si en El final de este estado de cosas partía de una escritura, el Apocalipsis de Juan de Patmos, para deletrearlas con su paseo imaginario y simbólico, ahora, trabaja a partir de una serie de acontecimientos reales: la persecución y el exterminio de los gitanos por los nazis, pero también la fascinación de estos mismos nazis con la música y el baile de los flamencos. Un acontecimiento anuda términos tan contradictorios: en la película de Leni Riefenstahl Tiefland (1943) –Tierras bajas basado en la obra nacionalista de Ángel Guimerá Terra baixa-, donde actuaba también como bailaora flamenca, utilizó como extras a gitanos centroeuropeos de un campo de concentración próximo, la mayoría de los cuales serían asesinados en las cámaras de gas nazis. Israel Galván explora una historia antagonista. Desde que Nietzsche utilizara los acordes ‘africanos’ de la Carmen de Bizet o los tangos de la Gran Vía de Chueca y Valverde en sus arrebatos contra Wagner, estos dos mundos se muestran en oposición. Los hombres puros de las tierras altas bajan a la ciudad corrupta y se degeneran en lupanares, casas de juego y refugios de delincuentes, precisamente ahí, en el mundo del lumpen donde apareció el flamenco. Es en esa capa freática de los de abajo donde Israel Galván ha encontrado los índices musicales que apuntalan su obra: en la canción Hitler in my heart en la que Antony & The Johnsons recurren a la malagueña, al ritmo del fandango; en el sonsonete de Los Piconeros que Imperio Argentina interpreta en la película alemana Andalusische Nächte y que Man Ray utiliza para ensalzar el deseo sexual en la sonorización de L’Étoile de Mer; en el tango Plegaria de Eduardo Bianco, llamado también Tango de la Muerte, que habían popularizado las bandas de violinistas gitanos, es tocaba por un grupo de judíos en el campo de concentración de Janowska para marcar el ritmo y dar pie al poema Todesfuge de Paul Celan: “la muerte es un maestro venido de Alemania”. Israel Galván, de alguna manera, ha girado su cuerpo hacía un espacio más realista, no sólo por la veracidad de la historia, si no porque en la depuración de su trabajo lo simbólico y lo imaginario deja entrever, cada vez más, algunos pasos de eso, inexpresable, que es lo real. No se trata de un argumento ex nihilo, el Oratorio que Teatro Estudio Lebrijano presentó en Nancy en 1971 o la colaboración de Mario Maya –maestro de Israel Galván- en el Canta gitano de Tony Gatlif, son algunas pruebas de esto. El testimonio de uno de estos gitanos, superviviente de Auschwitz, ante la redada en la que lo cazaron los nazis, es significativa del punto de vista que aquí se trata: “no había sorpresa, en nuestra memoria siempre nos habían detenido; en la paz y en la guerra; deportados, encerrados en campos de concentración, a muchos nos habían asesinado”. Israel Galván sigue trabajando con el montaje, con las cualidades sinestésicas del montaje cinematográfico. El flamenco, más que por mezcla o por fusión, se ha construido por montaje, sumando distintos elementos que, a la vez, mantienen su propia forma prístina. Chicuelo o Tomás de Perrate, músicos de Sistema Tango o del combo contemporáneo Proyecto Lorca, Belen Maya o Isabel Bayón, David Lagos o Bobote y su grupo de gitanos de las Tres Mil Viviendas, todos funcionan acentuando el relato, no sólo con su música o su baile, también con su presencia: en esta representación los cuerpos son muy importantes… Y el piano, un lastimoso piano rescatado del viejo almacén de un trapero. Ver bailar a este objeto inerte, escuchar su respiración, observar cómo se mueve o se esconde agazapado en el campo.

Israel Galván, además, esta evocando, mostrándonos por última vez, unos cuerpos que irrevocablemente hemos perdido para siempre. El marco extremo que la barbarie nazi ha marcado para nuestro tiempo es irreversible. El nuevo cuerpo biopolítico que emerge, para bien o para mal, está marcado por esa eugenesia, y nuestra anatomía es ya parte de la administración, del consumo capitalista, de la sociedad de la información. Por el camino se perdieron otros cuerpos, cuerpos tanatopolíticos, clasificados para la muerte. Cómo los judíos o los locos, el cuerpo de los gitanos ha sido aislado e identificado en pos de su desaparición. La gestualidad que despliega Israel Galván quiere recuperar esos restos: una pierna tensa hundiéndose en la tierra o el polvo sacudido bajo el temblor de los pies; esa física perdida vuelve a presentarse ante nuestros ojos. Quizás, una de las emociones que continua deparándonos el flamenco es esa, aún perviven en su hacer gestos y actitudes que ya dábamos por desaparecidas. Israel Galván somete su cuerpo a una especia de análisis, verdadera terapia psicoanalítica que no depende del diván para desplegarse por toda la escena. No se trata sólo de estas referencias a lo imaginario, lo simbólico o lo real que anudó Lacan en sus lecturas psicoanalíticas. En muchos sentidos, lo que vemos, tiene que más ver con invocaciones anti-edípicas o manifestaciones salvajes del animal que continuamos siendo. Aquí el cuerpo es más zôe que bios, más superviviente zoológico que homo sapiens. Lo cierto es que estamos en un registro en el que lo psíquico reina y gobierna. Cómo ha señalado Slavoj Zizek, la hora del psicoanálisis, de alguna manera, terminó con el tiempo mítico de la gran Ópera. Un inorgánico mundo real se abría paso entre los símbolos y las imaginaciones de la obra de arte total. Ese desgarro está puesto encima de nuestro escenario. Israel Galván sabe que no está a la altura, si, desde las tierras bajas nunca se podrán alcanzar las altas cumbres de la figuración o los dilemas teológicos de lo que debe o no puede ser representado. Los materiales con los que trabaja son bajos, exóticos, excéntricos, mercaderías kichst muchas veces. ¿Qué hacía Ramón Perelló escribiendo canciones para películas nazis o anuncios publicitarios para el enemigo que le tenía encerrado en un campo de concentración? Todavía nos preguntamos como el flamenco puede destilar el pathos de una seguiriya de entre tanta quincalla meridional, tanta tela de flores bordada y dorados mocárabes para turistas. Georges Didi-Huberman brindaba a Israel Galván una historia recurrente, una leyenda: momentos antes de su muerte en la cámara de gas, los gitanos continuaban bromeando, cantando, haciendo el amor. Son trampantojos vitales, historias que nos afianzan en la vida, engaños, seguramente, para felicidad de los supervivientes. Y es que no sólo la muerte y el silencio, esa fiesta y esa alegría están también en el centro del espectáculo, irremediablemente unidos.

CONVERSACIÓN ENTRE ISRAEL GALVAN Y PEDRO G. ROMERO, SU DIRECTOR ARTÍSTICO HABITUAL Y COLABORADOR EN LA DRAMATURGIA

MUSICAL, SOBRE «LO REAL / LE RÉEL / THE REAL» Pedro G. Romero: En fin, Israel, en esta nueva experiencia, eso que los flamencos llaman el no va más, has descubierto sin embargo un estadio nuevo. Ya no se trata de las listas de éxito ni de los premios ni de la competencia. No hay agonía en el sentido propio de la palabra. Israel Galván: Así es. Eso parece, si. Tengo conciencia que bailar no puede ser sólo una competición o un entrenamiento. No se trata de ser el mejor. Se trata de que bailar ha supuesto para mí una experiencia de conocer cosas, de conocerme a mí mismo. Una experiencia de conocimiento. Siempre dicen eso de que se trata de una forma de hablar, en mi caso, además, una forma de hablar que me sacaba de una locución torpe, atropellada. Ahora bailo con más claridad y hablo con más claridad. Estoy más perdido, seguramente. Metido en un lugar imposible, en la imposibilidad misma de bailar, pero alrededor de mi cuerpo, en mi propio cuerpo hay cierta claridad. Esto es una contradicción, verdad. Cuantas contradicciones. Pedro G. Romero: Esa experiencia de la que hablas pertenece a este trabajo, pero es fruto de un largo camino. Recuerdo que al plantear este nuevo escenario volvías una y otra vez sobre las mismas obsesiones. Llegar a Lo Real, a este borde del precipicio, tiene algo de lógica, de asumir ciertos gestos propios, de ser consecuente. Israel Galván: Tú lo sabes bien. La búsqueda, todo esto que llega conmigo a Lo Real, tiene que ser una cosa lógica, algo que tenía que hacer inexorablemente. Una especie de obligación. Cuando digo tantas veces que yo bailo por obligación, obligao, no sólo me refiero anecdóticamente a la disciplina férrea que me impuso mi padre. Es que yo siento que cuando bailo tengo obligaciones. Cosas que hacer. Lugares en los que meterme. Lugares de los que no sé nada pero que me atraen. Mi trabajo pasa por bailar lo imposible, bailar y hacer flamenco aquellos gestos, experiencias, historias, emociones y experimentos que me son ajenos. Cuando exploramos la locura de Félix Fernández, el bailaor, apodado el Loco, que colaboró con Massine en su farruca. Cuando en La Metamorfosis me identifiqué con Gregorio Samsa e intenté que bailara lo inmóvil. ¿Te acuerdas de aquel trabajo, esa pasión entomóloga que me entró? Me llevó a identificar a mis bailaores, mis maestros, con insectos y otros artrópodos: Mario Maya como el saltamontes, Enrique el Cojo como el escarabajo pelotero, Vicente Escudero como el insecto palo… ¡ah! y Farruco, el alacrán. Para esto me ha servido mucho lo que soy, un bailaor de flamenco. Cuando se trata de eso, de bailar lo que no se puede bailar, pues en el flamenco encuentro los huecos, las formas, los ritmos de mi cuerpo. Es por eso que me arriesgo. Es por eso que quizás tenga sentido que siga bailando. Pedro G. Romero: Cuando nuestro querido Georges Didi-Huberman te dijo, desafiante: “Israel, bailar lo real es bailar lo imposible”, tú ya llevabas un camino andando hacía ese trecho. En Galvánicas estaba la Farruca del 11 de septiembre. En Arena, aunque en principio fuese un espectáculo sobre los toros, la seguiriya remitía directamente a los campos de Chabra y Satila, a los campos de concentración nazis. El final de este

estado de cosas, en torno a tu lectura del Apocalipsis de Juan en Patmos, ya entraba en materia. Había ya muchas referencias a la encarnación histórica del final, a la guerra, al totalitarismo. Creo que Didi-Huberman señalaba también en ese bailar tuyo, la posibilidad de superar esa prohibición implícita que hay sobre las representaciones de la shoah. Tú te enfrentas a una persecución algo más secularizada, la de los gitanos. Pero, a lo que voy, en ese intento de bailar lo prohibido por la ley, hay mucho de tu poesía, de tu punto de partida a la hora de bailar flamenco. Israel Galván: Yo me crié con mi abuela gitana. Por la parte de mi madre, yo soy gitano. También su credo religioso, la toma de conciencia de mi madre y mi padre ante Jehová llevó a los suyos a la persecución nazi, por la objeción de conciencia. Me llamo Israel, hay nombres que te marcan como una piedra. Pueden ser un lastre y una honda a la vez. Por muchas razones, hablar del genocidio, de la persecución nazi ha formado parte de mi educación. No había vergüenza. Había que hablar del genocidio, de nuestra persecución. No había nada que esconder. De alguna forma, ese hablar censurado se convirtió para mí en un estigma. Lo que se hablaba en mi casa parecía molestar fuera. Este es mi caso. Bailar lo im-bailable, lo imposible de bailar, es quizás mi caso. Mi respuesta a todo eso. El proceso ha sido lento. No me he dado cuenta de pronto, ha sido gradualmente. Poco a poco mi cuerpo iba transformándose con el propio bailar. Cuando bailaba solo, cuando bailaba con objetos. Bailar, ahora, tan cerca de los otros. Apenas he bailado con gente como ahora. No sólo tengo parejas de baile, ahora me acerco más a ellas, en una idea humana de todo lo que me rodea. Bailar con objetos me ha servido, aunque parezca contradictorio, para darme cuenta de que vivía rodeado de otras y de otros. Todo esto ha sido como una enfermedad. El baile este mío es como un veneno que te marca para siempre y me va llevando y me ha traído hasta aquí. Tengo más ganas de bailar ahora, más ganas que nunca. Y sí, me enfrento a cada paso con la sensación segura del fracaso. Bailar lo real es como bailar lo imposible. Es terrible bailar tan contento algo tan doloroso, pero así es. Yo noto la muerte más cerca de mi cuerpo, las fuerzas que sé me van a faltar, las voy gastando. Bailar siempre ha significado para mi muerte y resurrección. Bailar como el último día, siempre. Bailar ya sin fuerzas, sacando la energía de aquí mismo, de la falta de fuerzas. Todo esto me lo está dando Lo Real. Bailar cada vez me es más necesario. Me doy cuenta que bailar, en estos días, es muy importante para todos.

ISRAEL GALVÁN, COREÓGRAFO Y BAILAOR Israel Galván de los Reyes (Sevilla 1973), Premio Nacional de Danza 2005 en la modalidad de Creación, concedido por el Ministerio de Cultura, “por su capacidad de generar en un arte como el flamenco una nueva creación sin olvidar las verdaderas raíces que lo han sustentado hasta nuestros días y que lo constituye como género universal”, basándose en el trabajo hecho con los espectáculo ARENA y LA EDAD DE ORO. Hijo de los bailaores sevillanos José Galván y Eugenia de Los Reyes, desde los cinco años vive de manera natural los ambientes de tablaos, fiestas y academias de baile a los que acompaña a su padre. Pero no es hasta 1990 que encuentra su vocación por el baile. En 1994 entró a formar parte de la recién creada Compañía Andaluza de Danza dirigida por Mario Maya, comenzando una trayectoria imparable jalonada de importantes premios. Ha realizado numerosas colaboraciones en proyectos de muy distinta índole y con artistas muy dispares, entre los que destacan como referentes en su carrera Enrique Morente, Manuel Soler y Mario Maya, sin olvidar a Sol Picó, Pat Metheny, Vicente Amigo, Alfredo Lagos, Manuela Carrasco, Lagartija Nick, Fernando Terremoto, Miguel Poveda, Diego Carrasco, Gerardo Nuñez, Belen Maya, Chicuelo, Joan Albert Amargós, Diego Amador, Arcángel, Inés Bacán, Estrella Morente… En 1998 presentó ¡MIRA! / LOS ZAPATOS ROJOS, primer espectáculo de su propia compañía, alabado por toda la crítica especializada como una genialidad, supuso una revolución en la concepción de los espectáculos flamencos. Desde entonces se suceden LA METAMORFOSIS (2000), su versión flamenca de la novela de Kafka; GALVÁNICAS (2002), con Gerardo Nuñez; ARENA (2004), seis dramáticas y sorprendentes coreografías para el mundo del toro; LA EDAD DE ORO (2005), su guiño a los maestros de la época dorada del flamenco; TÁBULA RASA (2006), una vuelta de tuerca a los cánones; SOLO (2007), su pieza más experimental y arriesgada en la que el silencio es música; EL FINAL DE ESTE ESTADO DE COSAS, REDUX (2008), su personal e impactante visión del Apocalipsis; LA CURVA (2010), donde continúa explorando su pasión por unir flamenco y música contemporánea. La dirección artística de la mayoría de sus obras es de Pedro G. Romero. Para la dirección escénica de sus obras, Israel ha contado con Pepa Gamboa, Belén Candil, y más recientemente, Txiki Berraondo. En 2006 hace su debut como coreógrafo con la obra LA FRANCESA, con Pastora Galván como única protagonista de baile. La obra ha conseguido los premios Giraldillo a “la mejor música” y “al espectáculo más innovador”. 2007 es un año ajetreado: a la revitalización de la difusión de ARENA, se suman las más de 100 representaciones que suma LA EDAD DE ORO (actualmente supera las 200), y el estreno de SOLO en la Cinémathèque de la Danse de París. En la Bienal de Flamenco de Sevilla del año 2008 estrena EL FINAL DE ESTE ESTADO DE COSAS, REDUX, que supone la consagración internacional de Israel Galván. Desde junio de 2010 es el primer artista español asociado del Théâtre de La Ville de París, uno de los templos internacionales de la danza contemporánea.

2012 es un año de reconocimientos al trabajo de Israel, que recibe tres importantes premios:

- Premios Max de las Artes Escénicas como mejor intérprete masculino de danza y mejor coreógrafo por la concedido por Fundación Autor y la SGAE de España por su espectáculo La Curva.

- Bessie Award de New York por considerar su espectáculo La Edad de Oro presentado en el Teatro Joyce de New York en septiembre 2011 como “una producción excepcional de un trabajo que amplía las perspectivas del arte tradicional”

- Medalla de oro al mérito en las Bellas Artes concedida por el Consejo de Ministros

BELÉN MAYA (NUEVA YORK, 1966) Hija de dos grandes artistas flamencos, Carmen Mora y Mario Maya, inicia sus estudios de danza en los Estudios de Amor de Dios de Madrid. Formada en baile clásico, clásico español, jazz, contemporáneo y flamenco, pasa por la Escuela del Ballet Nacional antes de entrar a formar parte de la Compañía de Mario Maya donde llega a ser primera bailarina. En 1995 participa en la película Flamenco de Carlos Saura. Su intervención marcará un hito en el baile flamenco femenino, abriendo un nuevo camino en cuanto a concepto, musicalidad, movimiento y vestuario. En 1996 crea su propia compañía, la Compañía Belén Maya con un primer montaje “La Diosa en nosotras”. En 1997 es invitada por Mayte Martín al Festival Grec de Barcelona. De esta puntual colaboración, nace una compañía compartida, Mayte Martín y Belén Maya, fruto de una conexión artística absoluta y de un mismo modo de entender el flamenco, dando a luz dos espectáculos: Mayte Martín y Belén Maya y Flamenco de Cámara. En 2004, participa en el espectáculo Los Caminos de Lorca con la Compañía Andaluza de Danza y en 2008 el espectáculo Mujeres, una producción de la Agencia Andaluza para el Desarrollo del Flamenco. Desde 2005, con la Compañía Belén Maya ha estrenado los espectáculos Dibujos, Souvenir, La Voz de su Amo, Bailes alegres para personas tristes, Tr3s y Habitaciones, sin abandonar las colaboraciones con otros artistas como Carmen Linares. www.belenmaya.com

ISABEL BAYON (SEVILLA, 1969) Recientemente ha sido galardonada con el Premio nacional de Danza 2013 en la modalidad de interpretación. Isabel Bayón comienza a bailar a la edad de cinco años en la Escuela de Matilde Coral, y obtiene el título de Danza Española en los Conservatorios de Córdoba y Sevilla a la edad de 16 años. Ha trabajado con artistas de la talla de Manolo Marín, Milagros Mengíbar, Mario Maya, Israel Galván, Miguel Poveda, entre otros.

En el 2001 creará su compañía, con la que ha firmado diferentes espectáculos: Del Alma, La mujer y el pepele, Tan sólo flamenco, La puerta abierta (Giraldillo al mejor espectáculo en la XIV Bienal de Flamenco de Sevilla), Tórtola Valencia (Giraldillo al momento mágico de la XV Bienal de Flamenco de Sevilla) y En la Horma de sus zapatos (Giraldillo al baile en la XVI Bienal de Flamenco de Sevilla). Actualmente compagina su actividad profesional con la docencia en el Conservatorio Superior de Danza María de Ávila en la Comunidad de Madrid como profesora especialista en flamenco. En 2011 recibe el Galardón por el Día de Andalucía a nivel provincial por su trayectoria profesional. www.isabelbayon.com

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