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El hombre pájaro.Fernando Bayona

Bellice Magazine Magazine Cultural Digitalnu

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Fernando Bayona Escultor de instantáneas pag. 8

Miguel Scheroff Al otro lado de la carne pag. 26

Además: Reportaje LAB, webs de interés, galería...

Dirección creativa y editorial: Alberto Chao Redacción: Alberto Chao, Rafael Castaño Domínguez Asistencia de redacción: Belén Moreno, Isabel Carmona Burgos Publicidad: Alejandro Landero Fotografía: Alejandro Landero Maquetación: Alberto Chao, Avel Valls Muñoz, Belén Moreno, Portada: Fotografía cedida por Fernando Bayona, “El hombre pájaro” Agradecimientos: Francisco Javier Rodríguez Cuevas (Desarrollo y mantenimiento web), Oye Cerodoce (Diseño “Rosa Chillón”) Editado por: Bellice Editorial. Virgen de las torres, 10. 41010. Sevilla, España. Bellice Magazine ISSN 2255-5927

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Nº03 Junio 2014 Revista On-line:

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ÍNDICEWebs de interés

Colabora con Bellice

LAB

Miguel Scherof

Galería

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ÍNDICE

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Webs de interés

Fernando Bayona

Colabora con Bellice

LAB

Miguel Scherof

Galería

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Ctrl+

Pain

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Un día, Matt Kohr, un estudiante de Be-llas Artes especializado en cómics, se

dio cuenta de que no había en internet ninguna plataforma gratuita para iniciar-se en el dibujo por ordenador. Existían tutoriales centrados en elementos con-cretos, pero ninguna biblioteca general, ninguna visión global. Así que se puso manos a la obra, y creó Ctrl+Paint, donde hasta mi perro Vicentín puede aprender a dibujar –siempre que le ponga ganas– siguiendo las lecciones que van desple-gándose como en un libro de texto, aun-que este sea también un libro de vídeos, vídeos de cinco minutos que van ense-ñando con paciencia los pormenores del dibujo por ordenador. Así que no, no es la página indicada para los amantes de los vídeos a alta velocidad de tipos pintan-do la Gioconda con Paint. Aquí uno olvi-da el asombro por la habilidad de otros

para empezar el camino que todos esos pintores ultraveloces tuvieron que transi-tar en su día, con horarios que quizás no les venían bien, algún que otro profesor prescindible y un doloroso agujero en su cuenta corriente. Ctrl+Paint se divide en diecinueve lecciones y cuatro bloques de estudio, el último de los cuales se encar-ga de aquello que rodea al dibujo, pero sin lo cual este no tendría lugar o no po-dría mantenerse en el tiempo: los hábitos de trabajo y de estudio, las claves para crear un buen portfolio. Y todo ello gra-tis. Tal vez necesites pagar un curso de idiomas o ver muchas series en versión original, porque el curso está en inglés y eso no parece que vaya a cambiar, pero confiamos en que, movido por el paro, el aburrimiento o por tus vastas inquie-tudes culturales, ya seas un consumado hablante de la lengua de Shakespeare. g

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Webs de interes

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Lo primero que llama la atención en la página de Axel Aubert, un joven

diseñador gráfico francés, es que las montañas flotan como el corcho en el agua. Pasado el susto, sólo basta ha-cer clic en el botón que aparece debajo de la montaña para echarle un vistazo a los trabajos que el joven Axel propo-ne para diferentes empresas, diseñan-do para ellos sus páginas web, juegos o aplicaciones para dispositivos móviles. El diseño es sencillo, y cumple con lo que se le pide a un buen portfolio: ori-ginalidad y creatividad, pero sin marear al personal. Uno entra, por ejemplo, en la primera de sus propuestas, la reno-vación del sitio web de una tienda de tablas de snowboard. Sólo hacen falta unas cuantas capturas de pantalla, con breves y concisas explicaciones, y uno se entera de todo: cómo cambian las

fuentes, cómo se aprovecha el scroll para comparar modelos... Axel sigue el mismo procedimiento para mostrar-nos lo que podría hacer con una marca de alimentación, una tienda online de gafas de sol o un juego de geografía para una compañía aérea. Luego visitas las páginas reales y comparas, y te das cuenta de lo importante que es el dise-ño para no dar la sensación de que has hecho tu página web con las primeras plantillas que has encontrado en los húmedos sótanos de Wordpress. Para demostrar que su trabajo da buenos resultados, Axel Aubert también inclu-ye, escondido en la parte superior de su página, un apartado con los diseños que ha realizado para restaurantes o tiendas de carteras. g

Axel

Aub

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Fernando BayonaEscultor de instantáneas

-Para comenzar, como pregunta intro-ductoria, ¿podrías hablarnos brevemen-te de tu trayectoria académica? ¿Califi-carías dicha trayectoria como crucial en el desarrollo de tu obra actual?

Tengo un master de Fotografía y Diseño Vi-sual por la Universidad NABA de Milán, y me licencié en Bellas Artes en la Universidad de Granada, donde actualmente desarrollo mi tesis doctoral. Completé mi formación con múltiples cursos y residencias en Centros de prestigio internacional.

Considero que todo este bagaje me ha servi-do para desarrollar y afianzar mi producción artística, aunque en realidad han sido más las vivencias a nivel afectivo las que han mo-delado mis intereses e imaginario personal. Desgraciadamente el paso por la Facultad de Bellas Artes de Granada no me sirvió de mucho, entiendo que es una Institución en decadencia provocada por un profesorado poco implicado en la formación del alumna-do.

-Considerando que tus primeros pasos en el mundo del arte están vinculados a la escultura, ¿cuál consideras que es el momento en el que comienzas tu meta-morfosis en favor de la fotografía? ¿Te defines como fotógrafo o escultor?

Nunca he sido fotógrafo y a día de hoy tam-poco me siento como tal. Añado o quito luz en un espacio concreto como lo haría mode-

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Fernando Bayona. El beso de Judas

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lando una pieza de barro. Por tanto no creo que sea una metamorfosis sino la evolución lógica de una disciplina a otra.

No obstante si debiésemos encontrar el pun-to de inflexión que provocó el cambio de un soporte a otro sería la obtención de una beca para desarrollar un proyecto fotográfico allá por el 2008.

-Sueles tratar de involucrar al especta-dor como interpretación final y última de tu obra, a modo, tal vez, de inter-pretación “ajena” de la propia imagen.

Sumado esto a tu experiencia en la Agencia Magnum, y a una estética de aspecto cinematográfico, ¿relacionarías tu trabajo, de algún modo, con el mun-do de la publicidad?

En ocasiones me he sentido atraído por la inmediatez del mensaje que de ella se extrae, así como por su estética pop, aunque en rea-lidad no me interesa más allá de eso.

-Tu obra absorbe, como si de una espon-ja se tratara, influencias de un amplio abanico de disciplinas, como la fotogra-

Fernando Bayona. The last time

fía, la escultura, el cine, la literatura... ¿Podrías destacar cuáles son tus artistas o creativos referentes?

Soy bastante ecléctico y clásico en este sen-tido, me siento profundamente influenciado por Miguel Ángel, Caravaggio, Da Vinci, Ru-bens, Erwin Olaf, Joel Peter Witkin, Gregory Crewdson o DiCorcia.

-La rotundidad de tus fotografías habla por sí sola, pero está cargada de innu-merables elementos, que podrían pa-sarse por alto en un primer momento,

a la hora de comenzar un proyecto. Há-blanos un poco sobre cómo comienzas a trabajar y cómo se desarrolla ese pro-ceso creativo.

Inicialmente realizo varios bocetos sobre pa-pel en los que analizo diferentes posibilida-des escenográficas, localizaciones, atrezzo y elementos que se insertarán en la toma fo-tográfica, así como un estudio del esquema de la iluminación ya que esto determinará en gran medida la distribución de cada una de esas piezas en el espacio e incluso la cons-trucción de las paredes que delimitan el es-pacio donde se desarrolla la escena.

Posteriormente me reúno con mi equipo de colaboradores para asignar cuales serán sus competencias y definir el tipo de maquillaje, peluquería y vestuario.

A medida que voy construyendo las esce-nografías, me entrevisto con las personas que interpretarán los personajes que previa-mente he creado. Suelo trabajar con actores profesionales y/o amateur que van surgien-do en mi vida cotidiana, los suelo encontrar en la cola del supermercado, por la calle, en el metro, amigos de amigos,... Como norma

Fernando Bayona. Hotel Capri

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general me tomo un largo café con cada uno de ellos para explicarles bien las características del personaje que interpretarán, a la vez que tra-to entender cuales serán los rasgos, que por su personalidad, pueden aportarles. El día de las sesiones fotográficas los hago llegar 3 o 4 horas

antes para que los peinen, maquillen y vistan. Después me tomo mi tiempo para hablar nue-vamente con ellos y ultimar a nivel psicológico los detalles del personaje dentro de la esceno-grafía. Cuando todo se encuentra dispuesto e iluminado como considero necesario, disparo.

Mis sesiones suelen estar abiertas a todo aquel que quiera pasarse por el estudio, tienen un tono festivo, gente que va y viene, amigos, inte-resados, buen rollo y colegueo. Las sesiones han de ser divertidas y amenas, de lo contrario todo el esfuerzo no merecería la pena, no sólo me interesa el resultado, sino el proceso, y éste ha de ser lo más agradable posible. Estoy en la fotografía porque me divierto, de lo con-trario lo dejaría inmediatamente.

Fernando Bayona. La duda de Tomás

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-Observamos que la literatura tiene un contundente impacto en la elección y desarrollo de tu trabajo. ¿Desarrollarías, para nuestros lectores, el porqué de esta elegante y próspera fusión entre litera-tura y fotografía?

Hasta el momento he utilizado libros o na-rraciones fundamentales para la colectivi-dad. Lo utilizo como recurso a través del cual profundizar en los aspectos esenciales que constituyen la psicología del ser huma-no, un proceso de exploración de los dife-rentes rasgos que interconectan al hom-bre con sus alter egos más atávicos. Trato de dilucidar cuales son las características que lo definen, un análisis de sus deseos, pasiones, miedos y pulsiones internas más oscuras, y por extensión, del sistema social jerárquico que éste ha creado para sí, y lo somete a un régimen de control de la libertad del individuo.

-Haciendo referencia a las temáticas, y sin poder pasar por alto el que somos andaluces, nos llama la atención la po-lémica y fuerte oposición que acogió en Granada tu serie “Circus Christi”. ¿En al-gún momento esperabas una reacción semejante? ¿Qué le dirías a las personas que, por algún motivo, acogen tu obra de una manera extremista? ¿Es posible que la elección de motivos religiosos se deba a la universalidad de la Biblia como documento público y que, por lo tanto, se relacione con tu máxima de tratar de involucrar al espectador en tu trabajo?

No, ni en la peor de mis pesadillas podía imaginar semejante reacción. Granada es una ciudad muy especial, y su población muy corta de miras para apreciar lo bueno que aportan los que vienen de fuera. Son el ejemplo claro de la negación hasta que el trabajo es valorado fuera de sus limitadas

Fernando Bayona. El Bautismo

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Fernando Bayona. Jesús y María Magdalena

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fronteras. En ese momento se deshacen en elogios para asegurarse su parte haciendo hincapié en tu paso por la ciudad. La historia se repite, baste recordar a Lorca o el desinte-rés por la Alhambra para demostrarlo.

A pesar de ello este incidente no ha impedi-do que siga haciendo aquello que considero que es necesario en mi proceso creativo. No me ha coartado libertad ni en la elección de los temas de trabajo ni en la forma en la que abordo el cuerpo, más bien al contrario.

A esas personas que toman mi trabajo de forma extremista no les diría nada, no mere-cen que pierda mi tiempo. Somos discordan-tes y nunca llegaremos a un entendimiento.

La Biblia? Siempre me han gustado las no-velas de ficción. Consideraba que la histo-ria que se narrada sería lo suficientemente conocida por todos para entender las refe-rencias y modificaciones que de ella estaba haciendo. Es un libro muy versátil, que ofrece un gran campo de experimentación y rein-terpretación.

-Te agradecemos muchísimo el tiem-po dedicado. Para terminar, y para que nuestros lectores estén al corriente, há-blanos sobre tus próximos trabajos y exposiciones.

Me depara mucho trabajo, quizás más del que pueda asumir. Hay bastantes proyectos de los cuales aún no puedo decir nada, pero pasan por la realización de una escultura pú-blica de grandes dimensiones, varias exposi-ciones, conferencias, workshop, y sobre todo muchos viajes para realizar las imágenes de mis nuevas series fotográficas. En breve po-dré decir algo más pero no quiero desvelarlo hasta que no esté bien cerrado todo. g

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OYE CERODOCE Rosa chillón

Bellice se presenta como un territorio común, una esfera en torno a la cual giran los trabajos y las

propuestas de artistas y asociaciones que desean exponer su obra de forma gratuita para mostrar al mundo su talento, su técnica y sus capacidades. Esta es la razón por la que Bellice ha fundado una galería virtual, de la que podemos formar parte todos aquellos que dedicamos nuestro esfuerzo y tiempo a la creación. un espacio nuevo para difun-dir las composiciones y acciones artísticas a las que

nos venimos refiriendo.Un espacio expositivo en el que

nosotros mis-mos, el equipo de Bellice, nos involucramos,

participamos y compartimos. Nuestra iniciativa nace de una necesidad y una oportunidad, que no-sotros mismo hemos buscado y solicitado, y hoy por hoy, queremos ofrecerla a los demás. Que-remos brindar nuestra galería, a modo de plata-forma de promoción virtual, en la que impulsar el trabajo de jóvenes artistas, que se merecen un reconocimiento, y una divulgación de la labor que llevan a cabo. Esta galería, formada por las colaboraciones de ar-tistas de todo tipo, sin importar la disciplina ni el género que cultiven, tiene un carácter trimestral y un máximo de cuatro obras por usuario. Así pues, cada tres meses las imágenes de los trabajos de los creadores serán publicadas en los diferentes nú-meros de “Bellice Magazine”.

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Y no solo nos quedamos ahí, ésta es nuestra ma-nera de descubrir nuevos talentos, nuevos artistas, con los que no solo confeccionamos una de nues-tras secciones, como es el caso de la “galería”, a la vez buscamos nuevos protagonistas para nuestras entrevistas o demás publicaciones.Pretendemos, de esta manera, dar un sentido y una finalidad a las obras de los artistas colaboradores, agrupándolas y mostrándolas a un público espe-cifico interesado en ellas. Ofreciendo el uso final al que esta predestinada la obra: La exhibición o la muestra de cara al público, en formato revista, como producto visual que al fin y al cabo es. De esta manera, tratamos que las obras, convivan tan-to en nuestro magazine, como en nuestra galería, dando al proyecto un sentido social y de punto de

encuentro de los interesados en la materia. Dando un sentido más amplio a nuestra web, que el de un mero porfolio contenedor de obras de artistas.Bellice no se queda con los derechos de ninguna de las obras publicadas por los diferentes artistas que colaboran con nosotros, al igual que no nos beneficiamos de ninguna de éstas. Llevamos a cabo esta iniciativa para que tanto los artistas que están empezando o quieren colaborar se den a co-nocer en otros ámbitos, sea en la red, en nuestras publicaciones vía online o en un futuro impresas.Colaborar y aparecer en nuestra plataforma web, es tan fácil como registrase y una vez estés registrado podrás subir los trabajos que quieras a nuestra Ga-

lería. No pierdas tiempo y regístrate ya en www.belliceeditorial.com g

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Tu obra Tu nombre

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Bellice convoca el concurso “Adopta una portada”, que permitirá al ganador ser portada del próximo número de Bellice Magazine. Como siempre, tenemos como objetivo ser una plataforma de exhibición y divulgación del trabajo de todo tipo de artistas, ya sean pintores, fotógrafos, diseñadores, ect

Además: Dedicaremos a la obra del ganador, un nuevo apartado “En portada”

UNA PORTADA

ADOPTAPA RA

Concursa en

Ver Bases

En el número 57 de la calle Peral, cerca de la Alameda de Hércules de Sevilla, había no hace mucho una tienda de disfraces; nada dura para siempre, y menos en medio de una crisis que fue cerrando las puertas de muchos negocios, sin discriminar entre los nuevos y los viejos. Si uno pasa ahora por su lado, no parece que nadie haya tomado su lugar. Por los balcones abiertos de enfrente se puede ver desde la acera una especie de peluquería o de laboratorio o de consulta de dentista. Pasa un ciclomotor, uno de los señores de la consulta-peluquería sale a fumarse un cigarro y se pone a hablar con el dueño del bar de enfrente, justo al lado de la antigua tienda de disfraces.

Centrémonos: en su puerta blanca sólo destacan tres letras: L-A-B. El paseante curio-so descubrirá, si llama con los nudillos, que dentro, con el espíritu creativo de quienes constantemente adoptan nuevos disfraces, unos cuantos profesionales de la cultura se dedican a inventar e imaginar por encima de las aparentes posibilidades de este lugar. No se sabe por qué razón podría haber tanta vida en una calle que parece tan tradicional, tan casera y dormida. A nosotros, que también sentimos curiosidad por saber de dónde vienen esos misteriosos destellos de creatividad, nos recibe Alejandro Rojas, el director de esas tres letras que no son siglas sino un nombre completo: LAB.

Por: Rafael Castaño Domínguez.

Además: Dedicaremos a la obra del ganador, un nuevo apartado “En portada”

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Lo último que uno espera en LAB es encontrarse con una sala vacía. En

su página en internet, LAB se presenta como “un espacio dedicado a la cultura, al conocimiento y al encuentro de em-prendedores a través del trabajo com-partido”. Luego se sueltan un poco y empiezan a hablar de “monstruos aveza-dos al brebaje mágico y la erudición” y cosas por el estilo. Digo que uno no se espera una sala vacía, porque su página web está llena de actividades. Sus pare-des han acogido, con una media de diez alumnos, cursos de tipografía, bran-ding, redacción, fotografía, ilustración vectorial, impresión en 3D, reciclado de muebles, presentaciones de videojue-gos –como Carrera cofrade, el juego de Gazpacho Games en el que las torrijas son un ingrediente fundamental para conseguir altas puntuaciones–. El ruido pasado y futuro del ir y venir de alumnos y profesores, de artistas y creativos, con-trasta con el vacío con que nos recibe la primera sala. Rojas nos explica que tie-nen pensado emplearla en poco tiempo como sala de exposiciones, que la activi-dad se concentra más adentro.

LAB tiene tres espacios bien diferen-ciados. El primero es la sala de usos múltiples, donde se imparten algunos cursos y se hacen presentaciones o ruedas de prensa. Tiene unas cuantas sillas metálicas amarillas con cojines, algunas mesas con plantitas, un pro-yector. Todo muy sencillito. Al fondo hay dos habitaciones llenas de cosas. La primera, a la izquierda, parece el taller de un grupo de artistas: hay me-sas y sillas, estanterías e incontables objetos que parecen restos de proyec-tos abandonados, pero también posi-bles partes de ideas futuras. Uno se adentra en LAB como en la cueva de un alquimista.

La segunda estancia, que puede vislum-brarse desde la puerta de entrada, es el espacio de coworking o trabajo en gru-po. Aquí hay más organización, aunque el esquema puede cambiar según las nece-sidades de quienes lo ocupen: cuando lo visitamos, hay unos seis o siete ordenado-res, ocupados en las horas de mayor bu-llicio por profesionales de ámbitos diver-sos: “Ahí está Javi, que es maquetador; luego María; Santi, de La Rioja; Borja, que nos lleva la página web; Alberto, tipógrafo de Zamora, y yo”. Además de los ordenadores, hay curiosos per-sonajes: una especie de hom-bre de las nieves que huye con un lápiz gigante en la mano; una Torre del Oro en miniatura, que nos sonríe con sus ojos de azul reventón; un muñeco de madera articulado que, por el ademán con que abre sus brazos sin vida, parece inten-tar probar el vino que reposa en el fondo de una copa de cristal que brilla a su lado; una mu-jer que muestra su mullida belleza en un lecho de flores. Creo que se limitan a observar al jefe.

Alejandro se licenció en Bellas Artes en Sevilla. Después de una beca de pintu-ra para estudiar en Southampton, estudió escultura y fotografía en España. En 2001, fundó el estudio 37grados, que hizo tra-bajos para Cinemanía o Rolling Stone. A pesar del aparente éxito profesional, lo que él quería era otra cosa: “Yo me quería de-dicar a los cómic, pero era una locura: tie-nes que ser un figura y saber moverte muy bien por las editoriales. Me metí en car-

telismo y luego en diseño en un estudio, donde aprendí cosas

del oficio. He trabajado muchos años en diseño y publicidad, pero es un mundo solitario, y yo no soy así. Además, quería so-brevivir haciendo algo que me llene.” Sobre-vive, todo hay que decirlo, ayudado por su puesto de profesor en el Centro Andaluz de Estudios Empresariales (CEADE), una uni-versidad privada en la Isla de la Cartuja. Da la sensación de que no para, y de que le gusta: “Entiendo que los problemas con el cliente forman parte de la profesión, pero prefiero algo más libre, con lo que poder aprender: aquí es mucho más divertido.”

Bastante divertidos son también los mensajes que LAB publica en las redes sociales: en Facebook acumulan, cuando escribo estas líneas, 4.714 amigos. Algu-nos ejemplos de sus particulares publicacio-nes son “Ere más güena gente que la Comic Sans” o “Ni Beti ni Sevilla, yo soy de Concha Velasco”; este estilo, definido por Rojas como “surrealismo en humor andaluz”, busca darle una nueva imagen al mundo del diseño y la cultura: “Hay que desmitificarlos: que te inte-rese el diseño no tiene por qué significar que seas gafapasta o hipster. Hay que huir de esa imagen elitista y ayudar a permeabilizar entre lo tradicional y lo contemporáneo”.

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Aquí comienza su crítica de las institu-ciones del sector y de la intocabilidad de ciertas costumbres en Sevilla, su ciu-dad, centro mariano, santuario sellado en ocasiones al vacío de nuevos aires: “Nosotros ocupamos ámbitos desaten-didos por las instituciones. Hay servi-lismo, falta de energía para desarrollar iniciativas empresariales. Los modelos a seguir son ejemplos no modélicos: se mantienen las castas, las tribus, las fa-milias, los apellidos… En LAB no hay dinero público: si el que tiene la pasta es el rancio, ¿qué va a promover?”

Alejandro no era el único que quería que las cosas se hicieran de otra forma. En 2010 ya pensó reutilizar el local, que usaba como es-tudio de pintura, para empezar un proyec-to similar al que hoy es LAB, pero le pasó lo que a muchos: tuvo que parar las obras en medio de la crisis. Ese tiempo le sirvió a Rojas para ir hablando del proyecto en las redes sociales, creando de este modo una identidad digital y reuniendo a una comu-nidad de interesados en el tema. Sus ganas de hacer cosas nuevas se materializaron en Garabattage, un encuentro de ilustradores acogido por el Instituto de la Cultura y las Artes de Sevilla en su espacio del Monaste-rio de San Clemente.

El propio Alejandro Rojas, comisario del Garabattage, nos ofrece en el prólogo al catálogo de la edición de junio de 2013 una breve historia reciente del diseño grá-fico en Sevilla: “En los años 80 la ilustra-ción sevillana contaba con una plataforma excelente, la revista IMAGEN, editada por la Delegación de Juventud del Ayuntamien-to de Sevilla, y dirigida por Manuel Ortiz y Rafael Agredano. Clausurada la publica-ción, la ilustración en Sevilla transcurre con vaivenes. El boom del diseño gráfico y la Expo’92 absorben y transmutan a muchos ilustradores en diseñadores gráficos”.

Por otro lado, la desconexión entre ellos tampoco ayuda a la visibilidad de su trabajo en la cultura de la ciudad.” Vemos aquí dos obstáculos fundamentales en la debilidad de este movimiento en la capital andaluza: la ex-cesiva dependencia de otros acontecimien-tos e iniciativas y la falta de redes personales y profesionales entre artistas que pongan en contacto los proyectos individuales que van surgiendo en la zona.

Un poco más adelante, en su texto, Ro-jas celebra que, a pesar de que el con-tacto cara a cara siempre es lo mejor, y “aunque actualmente ilustrar sigue siendo una actividad solitaria, es más fácil conocer a otros ilustradores” gra-cias a internet y las redes sociales. La situación ha cambiado y el rápido creci-miento del diseño sevillano en los últi-mos años, con iniciativas como la Feria del Diseño, La Noche sin Serifa o Sevilla Typo, ha frenado la fuga de cerebros a centros con mayor tradición en España, como Madrid o Barcelona. El broche fi-nal fue la primera Sevilla Design Walk, un nuevo encuentro que sirvió para unir los múltiples cabos sueltos que, poco a poco, estaban comenzando a unirse para formar una única red, mucho más rica y potente.

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Y volvemos a LAB: un ejemplo de lo que decimos lo vemos en la sala-taller, a la que empiezan a entrar alumnos para asistir a una clase del taller de cómic, impartido por Abel Ippólito, un lorquino que estuvo dos años trabajando en Japón en revistas manga y es autor de dos novelas gráficas: Golondrino ama a Venancia y Nosotros las Bestias. Una vez sentados todos, con un portátil abierto frente a ellos, Ippólito empieza a señalar las vi-ñetas de un cómic. Él está en el centro, pero creemos que esto se debe más a un orden azaroso que a la jerarquía de las clases tra-dicionales: pronto se alzan más manos que las suyas, que señalan aspectos olvidados por el profesor, que ahora escucha.

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Inma Otero. Para comerte mejor

Manuel Suárez. Abodd

Daniel Rosell. Política contra la exclusión social.

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Javier Monsalvett. Selvática

José Luis Ágreda. El joven rico

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Domi Vakero. Painting

¿Qué traerá el futuro? “No ha-cemos programación cerrada, nos adaptamos a lo que venga”, de-fiende Rojas.

Habla de un campamento de ve-rano de diseño, habla de una ex-posición con botijos intervenidos, habla de un proyecto de colabo-ración con eldiario.es que, sema-nas más tarde, anuncia orgulloso el perfil de LAB en Facebook. Y ha-bla y habla, sacando ideas como saca un panadero los panes del horno: “Nuestro objetivo ahora es centrarnos en cultura visual, por ejemplo, el videojuego. Un videojuego es algo más con-temporáneo que la mayoría de las obras de un museo de arte contemporáneo, es la obra to-tal, por el guión, por la música, el diseño.... También queremos tratar el flamenco, las redes so-ciales, las nuevas tecnologías aplicadas a las artes…”

Andalucía ha sido demasiado tiempo una tierra de hambrien-tos. Y el hambre –hambre de tra-bajo, de placer, de vida– agudiza el ingenio.

El otro Samu. To el tintero entero

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-Miguel Scheroff, pintor procedente de Navas de Tolosa. A sus escasos 25 años, su trayectoria artística sorprende y des-punta ya en el panorama artístico na-cional. Cuéntanos algo más sobre quién es Miguel Scheroff: ¿cómo te defines? ¿De qué manera y cuándo empezaste a interesarte por el arte?

Diría que soy un tipo obsesionado con su trabajo, que necesita incondicio-nalmente del apoyo y afecto familiar. Mi madrina pasaba horas en su taller pintando cuadros y esculturas. Yo admiraba cada paso del proceso pictórico, impregnándome de

ese cariño que ella proyectaba en sus obras, animándome más adelante a elegir una ca-rrera artística. Su marcha inesperada me hizo plantearme concienzudamente el hecho de trabajar en una obra y proyecto personal, y la pintura ha sido la respuesta a esa necesidad.

-En algunos de tus trabajos vemos re-tratadas personalidades del ámbito ar-tístico, como Marcel Duchamp, Francis Bacon, Egon Schiele o incluso el joven artista Juan Francisco Casas. ¿Los consi-deras parte de tus referentes artísticos? Siendo o no así, ¿qué artistas han influi-do en tu desarrollo creativo?

Miguel Scheroff. Flesh face

Al otro lado de la carne.

Si, por supuesto. Creo que ellos han sido y son los referentes de muchísimos pin-tores actuales. Cuando en 2009 empecé los primeros retratos a gran escala, elegí a aquellos artistas del pasado como mo-delos, porque de este modo los cono-cía de forma más cercana y conectaba más con su obra. En 2010 hice el mis-mo trabajo, con los retratos de pintores actuales que estaban siendo motor de mis ideas; Santiago Ydáñez y Juan Fran-cisco Casas fueron entre otros los ar-tistas que elegí por la presencia que sus obras tenían en mi desarrollo como pin-tor, son artistas fuera de serie que conta-

gian de entusiasmo creativo a cualquiera. La lista de artistas plásticos que he tenido como referentes podría ser ilimitada por-que cada día se suman nuevos, pero me gustaría reseñar con atención a Enrique Marty; ya no sólo por lo que ha supues-to su obra para mí, sino para lo mucho que supone como representación del arte contemporáneo en España.

-El retrato como género pictórico ha estado presente en la historia del arte desde la prehistoria, siendo fuente de inspiración para artistas de toda índole. A modo de pregunta intimista, ¿cuál es

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MIGUELSCHERROFF

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tu percepción del retrato? La gran ma-yoría de tu obra gira en torno a este gé-nero: ¿qué te impulsó a dedicarte casi por completo a ello?

Particularmente, en el retrato es donde en-cuentro todas las posibilidades pictóricas que busco, por eso no concibo otro tipo de trabajo que se aleje de él. Ya sea añadiendo matices inventados, hibridándolo con otras realidades, trabajándolo de manera hipe-rrealista o deformándolo hasta convertir-lo en una abstracción, incluso en ocasiones me gusta hacerlo desaparecer a través de manchas y barridos; toda mi obra gira en torno a esos infinitos caminos que nos abre el retrato pictórico cuando lo abarcamos sin miedo ni complejos.

-El gran formato y los retratos de tama-ño desmesurado caracterizan tu obra, contribuyendo a descontextualizarla de la realidad aparente. El carácter hi-perrealista se apodera de tu pintura, plagada de particularidades –lo que se ha denominado como retrato hiperin-formado, es decir, con exceso de deta-lles–. ¿Qué te conduce a esa sobreinfor-mación? ¿Cuál es el objetivo de ofrecer al espectador esa exactitud y minucio-sidad, resaltada en el detalle?

La palabra hiperinformación es utilizada y aceptada con mucha frecuencia para refe-rirse a la enorme cantidad de datos que ha permitido acumular el mundo tecnológico, llegando a un punto en el que recibimos más información de la necesaria, incluso más de la que solicitamos. El mundo genera información continuamente, y esta es do-cumentada, digitalizada y distribuida por la tecnología; este hecho hace que puedan lle-garnos conocimientos de todos los lugares del planeta, los cuales después pasan a ser contrastados por nuevos medios que -con la filtración de opiniones personales, la ma-

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nipulación mediática/política o la forma en que se cuenta lo acontecido- pueden inter-ferir en la manera en la que los entendamos, transformándose el contenido original en otro diferente. Es decir, a través de la inter-pretación de una información concreta, po-demos generar nuevos datos, acumulándose de esta forma diversos planteamientos sobre un mismo conocimiento. Este hecho está re-lacionado con lo que llaman “hiperrealidad”: la aglomeración de múltiples informaciones procedentes de los diferentes medios hace imposible un conocimiento preciso y abso-luto, por lo que al no ver un conocimien-to único, no queda otro camino que el de aceptar lo que consideramos más acertado de entre la variedad de criterios, contras-tarlos y sacar nuestra propia conclusión, sin que nos sea relevante el hecho de que no al-

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pretamos de las diferentes informaciones que nos llegan –ya sean verosímiles o fan-tásticas-, dando como resultado un rostro cuya superficie está cargada de revelacio-nes sobre su composición matérica, contex-to, psicología, etcétera. Una cara hiperreal -que no hiperrealista- ya que alberga múlti-ples realidades posibles en un mismo rostro. Estos retratos aparecen cubiertos de una gran cantidad de datos visuales a modo de texturas, tramas, efectos y entramados pic-tóricos que remiten a la piel, la mirada, el cabello y otras realidades del cuerpo. Estas amalgamas de detalles se añaden –a través de la pintura o el dibujo- de modo exógeno, se multiplican, son encontrados, rescatados y recontextualizados de manera exagerada y minuciosa, cubriendo la superficie del retra-to e hibridándose incluso con otras for

berguemos la verdad absoluta de las cosas. De esta idea nace el retrato hiperinformado, que se caracteriza por contener múltiples datos referenciales a la realidad que inter-

Miguel Scheroff. Egon Schiele (Pag izq) Miguel Scheroff. Francis Bacon (pag dcha)

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Imagenes cedidas por el artista

mas orgánicas o ideas conceptuales, para obtener así un rostro con más información –real o ilusoria- que la propia realidad uti-lizada como modelo para la obra; una fiso-nomía pictórica que muestra algo más que la mera representación de un individuo. Esta exageración de la realidad no sólo se pone de manifiesto a través de la multipli-cación de detalles hiperreales sobre el área del rostro, también se sirve de los grandes formatos, proponiendo un gran rostro en primer plano que abarca toda la dimensión del soporte, jugando a sobredimensionar las proporciones de lo real para mostrarse de manera insólita, extraña, sorprendente… Esta ampliación plástica de la cabeza se consigue con el uso de grandes formatos, los cuales permiten agrandar el tamaño del retrato hasta descontextualizarlo, y albergar infini-dad de datos detallados extraídos de mo-delos visuales –fotografías, imágenes mani-puladas digitalmente, pinturas, bocetos- o fuentes de información –textos, biografías, descripciones-; o bien,de otro modo, estos fragmentos que se van añadiendo pictóri-camente sobre el rostro pueden ser elabo-rados de manera espontánea e intuitiva en el transcurso de creación sin necesidad de un modelo, producidos por la imaginación y creatividad del artífice en su exigencia por

acercarse de manera más directa y personal al conocimiento del rostro, llegando al punto de que “intuye o presupone” datos imper-ceptibles al ojo humano en el mundo real. El rostro es utilizado entonces como una espe-cie de “tablón de anuncios”.

-Un pajarito nos contó que realizas bo-cetos fotográficos para tus obras ha-ciendo que tus modelos posen con carne cruda sobre su piel. Como poco, llama la atención acerca de tu proceso creativo. Háblanos un poco más acerca de él. ¿De qué elementos partes para construir tu imaginario y esa cantidad de detalles que conforman la sobreinformación de la que hablábamos anteriormente?

Exacto (risas), me gusta que la imagen pictó-rica resulte de lo más confusa para el especta-dor, que mantenga ese juego entre irrealidad y realidad a la vez. Para ello utilizo modelos que se prestan a ser fotografiados cubiertos de trozos de carne que rescato de las carni-cerías; de este modo compruebo qué forma adquiere la carne al ser depositada sobre la estructura facial; en otras ocasiones utilizo el Photoshop o el collage según me pida la pie-za, la alternancia de herramientas en el pro-ceso creativo siempre enriquece el resultado.

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Además de todo esto, para elaborar mis obras utilizo imágenes donde pueden ob-servarse las diferentes texturas y formas de la piel y la carne, que normalmente encuen-tro en libros sobre enfermedades cutáneas o directamente en la red.

-Las nuevas tecnologías han irrumpi-do en la vida del pintor. En tu obra vemos una clara vinculación con la fo-tografía, de la que partes para cons-truir tu propio lenguaje, mezclando el desenfoque con el macro o primer plano. ¿Hasta qué punto influye la fo-tografía en tu trabajo? ¿Qué opinión te merece que la pintura saque pro-vecho de los beneficios o facilidades que ofrece la tecnología?

En mis pinturas, tanto los diferentes efectos fotográficos como las nuevas tecnologías aplicadas a la plástica son imprescindibles. No tengo prácticamente ningún cono-cimiento sobre fotografía, pero siempre he mirado libros y páginas de fotógrafos contemporáneos, y he intentado apren-der a imitar efectos como el macro o el desenfoque en mi pintura, para transmitir así cierto toque engañoso de veracidad. Considero que ayudarse de herramientas que hacen el trabajo más fácil es inteli-gente y práctico, pero cada uno debe en-contrar el método de trabajo con el que se sienta más cómodo.

-La serie Flesh Vanitas quizás sea la que más repercusión ha tenido en tu trayec-toria por ahora, lo que refuerza el dis-curso o la protesta que quieres reflejar en ellas. Hablas sobre la deshumani-zación y la falta de sensibilidad del es-pectador. ¿Podrías hablarnos sobre tu postura y el discurso que has construi-do acerca de ello? ¿Cómo reaccionaste ante la repercusión que este ha tenido? ¿Era lo que realmente esperabas?

El tiempo en el que empecé a concebir la serie Flesh Vanitas era algo tormentoso. Mi vida ha estado llena de momentos felices apoyados por una unión y cariño familiar continuo; pero en estos años acababa de perder a varias personas realmente impor-tantes en mi vida, lo que supuso un cambio drástico en la manera de entender las cosas. La idea de la muerte o lo rápido que pasa todo rondaba continuamente mis pensa-mientos. A todo esto se le sumaban factores como la convivencia en un ambiente don-de tradiciones como la caza, las matanzas de cochinos, o la semana santa -situaciones donde lo grotesco y sanguinolento están muy presentes- se repetían periódicamente.

Flesh Vanitas resume toda esa convulsión de situaciones y experiencias en un mismo rostro, aquellas preocupaciones colectivas que alguna vez en la vida invaden nuestra mente. Esta serie de pinturas llega de ma-nera natural como una evolución del tra-bajo anterior: a los primeros rostros donde detallaba cada poro de la piel, se le su-maba la idea de “añadir más información” evidenciando además el material interior del que estamos compuestos. Estos retra-tos pretenden reflejar lo que realmente so-mos: capilares, carne, piel y hueso; carentes de signos de género masculino o femeni-no ya que se trata de un retrato universal donde todos podemos vernos reflejados y encender la conciencia ante la crueldad a la que nos hemos habituado a consumir. Cuando nos ponemos a trabajar en una idea que tiene sentido en nuestra ca-beza, invertimos todo el esfuerzo en ello. Después el resultado puede ser un error o un acierto, pero siempre saca-remos cosas buenas de esa experiencia. Yo confié desde el principio en la idea de Flesh Vanitas, pero contaba con que la agresividad

de la imagen generaría mucho rechazo; el haber tenido tanto apoyo me ha dado mucha energía para seguir trabajando en la serie. Quiero que mi pintura compita con el can-sancio colectivo hacia el exceso visual de nuestra época, intento superarlo haciendo que la obra actúe como un puñetazo visual en el espectador.

-Nos llama la atención el contraste que presentas entre el salvajismo de las vís-ceras, la carne, las venas y tendones, frente a la mirada dulce y sosegada del retratado. Una visión llena y a la vez va-cía de vida. ¿Nos lo explicarías más de-talladamente?

Creo que todas las obras que nos han mar-cado son tragedias con una luz hacia la esperanza. Por nombrar varios ejemplos, Théodore Gericault en su obra La balsa de la Medusa, una historia horrible donde los su-pervivientes de un naufragio tienen que de-vorar a sus seres queridos fallecidos para so-brevivir, al fondo de la obra se percibe un cielo abierto que deja pasar la luz del sol entre la tormenta, funcionando como un mensaje de

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Miguel Scheroff. Flesh Vanitas, Vanitas II, Flesh autoportrait

esperanza. O en la obra La libertad guiando al pueblo de Delacroix, donde la representa-ción de la libertad avanza a pesar de los ca-dáveres que se amontonan en el suelo. Otro claro ejemplo más cercano es el Guernica de Picasso, donde entre la montaña de horro-res encontramos en el centro un ojo con una bombilla en forma de iris, simbolizando esa luz que aunque pequeña sigue encendida. En mis pinturas quiero trasladar ese mensaje, a pesar del salvajismo orgánico que destruye el rostro con la presencia cruda de la muerte; en el centro encontramos la mirada plácida y dulce del retratado que actúa como una luz, recordándonos la importancia de estar vivos.

-Para finalizar, y como pregunta de ri-gor, coméntanos cuáles son tus próxi-mos proyectos y exposiciones.

Desde el pasado mes de diciembre la vida me ha ofrecido el enorme regalo de formar parte del gabinete de artistas representa-dos por Kir Royal Gallery, una importante galería de arte afincada en pleno centro de Valencia que tiene presencia en numerosas ferias internacionales importantes. Esto me ha permitido exponer junto a artistas que han sido referentes durante mi etapa de es-tudiante, como Jose Luis Serzo o Filippos Tsitsopoulos, o tener presencia en lugares que para mí antes eran inconcebibles, como Just Mad o Art Beijing en Pekín. Ahora toca seguir trabajando duro, no bajar la guar-dia y disfrutar de estos grandes momentos. Para acabar me gustaría aprovechar esta oportunidad que me brindáis para decir que nunca olvidaré a todos aquellos que han visto en mi pintura un mensaje importante, ayudán-dome a que ésta tenga presencia en diversas exposiciones, como son los amigos Belén Ma-zuecos, Regina Castillo y Adonay Bermúdez, con los que he realizado grandes proyectos. Por supuesto a la ayuda incondicional de mi padre y el apoyo de toda mi familia. g

GALERÍA

GALERÍA#03

Manuel MirageIluminaciónwww.manuelmirage.tumblr.com

José Manuel OllerYo, soy otro. (Libro de artista)www.josemanueloller.com

Cristina Alonso Sea Secrets www.cristinalonso.com

Javier Chambi“Sin titulo”www.javierchambi.com

Natalia MartínS Importar

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Isa GramonCocro, Mamawww.isagarmonpaintings.tumblr.com

Estefanía García Monstruos

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Carles LlonchCaputxeta vermella

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ACANHuelga en la selva, La cucaracha

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