DIBUJO NATRURAL

Dibujo al Natural

Bloque Básico

Compilador: L. D. G. Margarita Saloma Ramírez

Licenciatura en Diseño Gráfico

CONOCERSE ACEPTARSE AMARSE CUIDARSE SUPERARSE TRANSMITIR TRANSFORMAR

Índice

Índice 1

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Índice 1 Introducción 4 Objetivo General 5 Tema 1. El dibujo 6 Objetivo de aprendizaje 6 Introducción 6 1.1 Concepto 6 1.2 Tipos de dibujo 7 1.2.1 Técnico 7 1.2.2 Artístico 8 1.3 Características generales de los tipos de dibujo. Similitudes y Diferencias 8 1.4 Utilización del dibujo técnico y artístico en el diseño 9 Resumen 11 Conclusión 12 Bibliografía 13 Fuentes complementarias 13 Tema 2. Materiales y herramientas de dibujo 14 Objetivo de aprendizaje 14 Introducción 14 2.1 Grafito: lápiz y barra 15 2.2 Carboncillo: natural, lápiz y barra 17 2.3 Plumón: grueso y delgado 18 2.4 Tinta china: radiógrafos y pincel 18 2.5 Sustratos: papeles y cartulinas 20 Resumen 23 Conclusión 24 Bibliografía 25 Fuentes complementarias 25 Tema 3. El trazo de la línea con instrumentos de precisión 26 Objetivo de aprendizaje 26 Introducción 26 3.1 La intensidad, constante y variable 28 3.2 La separación, constante y variable 29 3.3 Dirección de la línea 33

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Bibliografía 34 Fuentes complementarias 34 Tema 4. El trazo de la línea a mano alzada 35 Objetivo de aprendizaje 35 Introducción 35 4.1 La intensidad, constante y variable 35 4.2 La separación, constante y variable 37 4.3 Dirección de la línea 39 Resumen 42 Conclusión 43 Bibliografía 44 Fuentes complementarias 44 Tema 5. Origen geométrico de los objetos 45 Objetivo de aprendizaje 45 Introducción 45 5.1 El cubo 47 5.2 La esfera 47 5.3 El cilindro 48 5.4 El cono 48 Conclusión 50 Bibliografía 51 Tema 6. Nociones básicas de dibujo en perspectiva 52 Objetivo de aprendizaje 52 Introducción 52 6.1 Concepto de dibujo en perspectiva 52 6.2 Perspectiva como fenómeno visual 56 6.3 Percepción visual del objeto 57 6.4 Perspectiva con un punto de fuga 60 6.5 Perspectiva con dos puntos de fuga 61 Resumen 64 Conclusión 65 Bibliografía 66 Fuentes complementarias 66 Tema 7. Elementos básicos del dibujo en perspectiva 67 Objetivo de aprendizaje 67

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Introducción 67 7.1 Luces y sombras 67 7.2 Alto contraste 69 7.3 Ashurados 71 7.4 Degradados 72 Resumen 74 Conclusión 75 Bibliografía 76 Fuentes complementarias 76

Introducción 4

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Introducción Esta asignatura plantea el estudio de las formas y el espacio para la representación de figuras mediante el dibujo a mano alzada y lineal, desarrollando a su vez la capacidad de observación del alumno. La presencia de esta asignatura tiene como respuesta la necesidad de comunicación con nuestros semejantes a través de un lenguaje universal que permita transmitir ideas, descripciones y sentimientos. El valor formativo de la materia reside en el desarrollo de la capacidad para comprender las formas del entorno y su expresión mediante este lenguaje. Al desarrollo y potenciación de la capacidad observadora se unirá el paulatino dominio de los recursos con procedimientos, instrumentos y técnicas que permitan la expresión del pensamiento de forma visual (gráfico-plástica). Para ello se transmiten normas y conceptos propios del dibujo artístico (la proporción, el contraste, el volumen). La práctica se realiza con distintas técnicas (grafito, carboncillo, plumón, tinta china) haciendo ejercicios reales e imaginarios. Con estos planteamientos en la materia se pretende la adquisición de conocimientos, vocabulario y destrezas que permitan al individuo, tanto expresarse correctamente usando los medios gráfico-plásticos, como desarrollar su personalidad artística. La adquisición de los conocimientos se producirá de forma progresiva y continua para que vaya unida a unos resultados prácticos que motiven al alumno e inviten a invertir un tiempo indispensable para su formación, en un estudio y análisis objetivo y riguroso de las formas, que le permitirá, a continuación, una vez afianzados los conocimientos, enfrentarse a otros contenidos de una manera más creativa y personal.

Objetivo general 5

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Objetivo general Al término del curso el estudiante trazará dibujos con volumen en el plano bidimensional, con instrumentos de precisión y a mano alzada. Al término del tema el estudiante dominará las habilidades técnicas requeridas para representar gráficamente a mano alzada y con herramientas de precisión, las estructuras de las formas en general, ya sean reales o imaginarias. Al término del tema el estudiante aplicará las habilidades adquiridas durante el cuatrimestre a futuros trabajos, integrándose a las demás asignaturas.

Tema 1. El dibujo 6

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Tema 1. El dibujo Subtemas 1.1 Concepto 1.2 Tipos de dibujo 1.2.1 Técnico 1.2.2 Artístico 1.3 Características generales de los tipos de dibujo. Similitudes y diferencias 1.4 Utilización del dibujo técnico y artístico en el diseño Objetivo de Aprendizaje Al término del tema el estudiante obtendrá los conocimientos teóricos necesarios sobre los principios básicos del dibujo, que le servirán para la resolución gráfica de todos los trabajos prácticos que se le planteen con posteridad. Introducción Desde sus orígenes, el hombre ha tratado de comunicarse mediante grafismos o dibujos. Las primeras representaciones que conocemos son las pinturas rupestres, en ellas no solo se intentaba representar la realidad que le rodeaba, animales, astros, al propio ser humano, etc., sino también sensaciones, como la alegría de las danzas o la tensión de las cacerías. La evolución del dibujo en la historia es como muchos de los cambios que ha sufrido nuestra actualidad y es, por la concepción de lo que es; de ser la expresión comunicativa quizás más elocuente, ya que siempre nos va a dar a entender algo que por la diversidad ideológica para cada persona nunca va a ser lo mismo. Dibujar es representar gráficamente, mediante el uso de un solo color, en dos dimensiones (las del soporte de trabajo) aquello que el ojo ve en tres dimensiones es decir, los aspectos que presenta toda imagen: la forma y el volumen. El dibujo es la técnica básica de todas las artes plásticas. Detrás de toda pintura, escultura, diseño, etc. se vislumbra la ejecución de un dibujo previo, ya sea real o mental. 1.1 Concepto de dibujo La palabra "dibujo" deriva de un vocablo latino, "designare", que significa designar, señalar. El dibujo consigue mostrar una forma que suele corresponder con un

Tema 1. El dibujo 7

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concepto u objeto real y está sometido a la más estricta bidimensionalidad; suele ser monocrático o de muy pocos colores en diferentes gradaciones. Según la Real Academia de la Lengua “dibujo es el arte que enseña a dibujar. Proporción que debe tener en sus partes y medidas la figura del objeto que se dibuja. Delineación figura o imagen ejecutada en claro y oscuro, que toma nombre del material con que se hace. Dibujo de carbón, de lápiz” La descripción de la G.E. Larousse completa este significado: “Representación gráfica en que la imagen se traza, del modo más o menos complejo, sobre una superficie que constituye el fondo. Motivo natural o artificial que presenta ciertos objetos”. 1.2 Tipos de dibujo El dibujo es la forma más antigua y sencilla del arte. Niños y adultos de todas las edades crean imágenes dibujadas para expresar sus sentimientos, comunicar ideas a otros, o simplemente por el placer y la alegría que proporciona el arte. El dibujo se practica empleando diferentes métodos y materiales y con formas diversas en cada sociedad y cultura del mundo. Sean cuales fueren las herramientas, sean ésta el lápiz, el carboncillo, la tinta o el pastel, todos los dibujos se ejecutan con línea o con tono. Los dibujos a línea consisten exclusivamente en líneas mientras que el tono implica sombreado y grados de luz y oscuridad. El dibujo es el lenguaje del que proyecta, con él se hace entender universalmente, ya con representaciones puramente geométricas destinadas a personas competentes, ya con perspectivas para los profanos. También se puede decir en otras palabras que es una representación gráfica de un objeto real de una idea o diseño propuesto para un fin posterior. En la clasificación general existe el dibujo Artístico y Técnico. 1.2.1 El dibujo artístico El Dibujo Artístico utiliza dibujos para expresar ideas estéticas, filosóficas o abstractas. El dibujo de los objetos visibles consiste esencialmente en el registro de las impresiones recibidas a través de la vista. Sin embargo, dado que no es posible presentar en una sola imagen todos los aspectos visibles de un objeto, el arte del dibujo o dibujo artístico se sustenta de la

Tema 1. El dibujo 8

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sugerencia, estimulando la imaginación del espectador para aportar lo que falta en la representación. 1.2.2 El dibujo técnico El Dibujo Técnico es el procedimiento utilizado para representar topografía, trabajo de ingeniería, edificios y piezas de maquinaria, que consiste en un dibujo sometido a una serie de normas que unifican los criterios de la representación. Se trata de un dibujo cuyo propósito fundamental es transmitir la forma y dimensión exactas de un objeto valiéndose de dos o más proyecciones para representarlo lo más exacto posible. Estas proyecciones son diferentes vistas del objeto desde varios puntos que, si bien no son completas por separado, entre todas representan cada dimensión y detalle del objeto. La utilización del dibujo técnico es importante en todas las ramas de la ingeniería, arquitectura, geología y en la industria también. 1.3 Características generales de los tipos de dibujo. Similitudes y

diferencias Desde la prehistoria los primeros hombres utilizaron el dibujo como una forma de comunicación, por medio de figuras de tamaño reducido, ubicados en (abrigos) rocosos, covachas y el interior de cuevas. Desde estos tiempos, muy remotos se ha usado un lenguaje universal, un lenguaje gráfico, que permitió a los más antiguos hombres comunicar sus ideas y pensamientos entre sí. Estos dibujos constituyen las formas más primitivas de escritura, que luego se convirtió en símbolos usados en la escritura actual. El hombre desarrolló la representación gráfica en dos direcciones distintas, atendiendo a su propósito: La Artística y Técnico. Desde el comienzo de los tiempos, los artistas utilizaron dibujos para expresar ideas estética, filosóficas o abstractas grafía. En los tiempos antiguos prácticamente todo el mundo era iletrado. No existía la imprenta, y por tanto, no había periódicos ni libros que se escribían como los hay ahora en asequibles al público en general. La gente aprendía escuchando a sus mayores a diferencia de nuestros días. Los libros se escribían a mano, en papiro o en pergamino y se retroalimentaban culturalmente mirando esculturas, cuadros o dibujos en los lugares públicos.

Tema 1. El dibujo 9

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Todos podían atender a observar cuadros y éstos eran la fuente principal de información. El artista no era simplemente un artista en este sentido, era un maestro o un filósofo, un medio de expresión y de comunicación. La otra directiva que guió al dibujo en su desarrollo fue la historia, la técnica. Desde los comienzos de la historia registrada, el hombre se valió de dibujos para representar su diseño de los objetos por fabricar o construir. No queda rastro alguno de estos primeros dibujos, pero se sabe en forma definitiva que el hombre usó dibujos, porque no podría haber diseñado y construido lo que hizo sin usar dibujos relativamente precisos. 1.4 Utilización del dibujo técnico y artístico en el diseño Hoy en día, se está produciendo una confluencia entre los objetivos del dibujo artístico y técnico. Esto es consecuencia de la utilización de las computadoras en el dibujo técnico, con ellos se obtienen recreaciones virtuales en 3D, que si bien representan los objetos en verdadera magnitud y forma, también conllevan una fuerte carga de sugerencia para el espectador. Las representaciones realizadas en 3D por las computadoras obtienen dibujos de objetos con dimensiones y formas exactas, pero que a su vez por las perspectivas adoptadas y los efectos de iluminación y ambientales mezclan en la frontera; lo real y lo imaginario, lo técnico y lo artístico.

Imagen generada con 3DStudio 4 �BLL

Tema 1. El dibujo 10

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El dibujo es en sí mismo un arte, siendo practicado con profusión por artistas de todas las épocas a lo largo de la historia, no sólo como estudio previo a la obra acabada sino como manifestación artística descriptiva o expresiva. En este sentido cuenta con el concurso de una serie de normas y el análisis de conceptos como la composición, la entonación y la perspectiva que son básicos para el desarrollo de un diseño exitoso. Muchos diseñadores contemporáneos opinan que las habilidades para el dibujo realista no son importantes, y aunque es cierto que el arte contemporáneo no necesita una gran habilidad para el dibujo y que muchos artistas han producido un buen arte sin saber dibujar, no es menos cierto que la habilidad para el dibujo realista jamás ha bloqueado las fuentes de la creatividad, que se cultivan por otros caminos diferentes.


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Resumen A lo largo de la historia, este ansia de comunicarse mediante dibujos, ha evolucionado, dando lugar por un lado al dibujo artístico y por otro al dibujo técnico. Mientras el primero intenta comunicar ideas y sensaciones, basándose en la sugerencia y estimulando la imaginación del espectador, el dibujo técnico, tiene como fin, la representación de los objetos lo más exactamente posible, en forma y dimensiones. En el campo arquitectónico o generacional de lo que se denomina técnico el dibujo tiene diversas formas de proyectar objetos reales y situaciones en las que se envuelve el hombre para la satisfacción plena de la necesidad de espacios que este tiene para el desenvolvimiento cotidiano de su vida. Considerando el dibujo como un medio de comunicación con el que el investigador o el diseñador gráfico trasmiten ideas, debe también contemplarse desde el punto de vista de la lectura y comprensión de las ideas. La rápida y correcta interpretación de ciertas informaciones, como planos o datos de carácter gráfico, es absolutamente necesaria para la adquisición de conocimientos básicos para desarrollar la madurez suficiente que se necesita para resolver los problemas gráficos a los que el diseñador gráfico se enfrenta todos los días.


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Conclusión El dibujo es un medio de expresión y comunicación indispensable, tanto en el desarrollo de procesos de investigación científica, como en la solución gráfica a posibles necesidades, es por eso que el conocimiento de los conceptos y características del dibujo no sólo ayudan en la concreción visual, sino que también contribuyen a comunicar las ideas en cualquier momento de su desarrollo, lo que resulta uno de los aspectos más relevantes de la comunicación. El dibujo, en fase de boceto es un instrumento ideal para desarrollar, mediante la comunicación y confrontación de opiniones, trabajos de investigación o propuestas de diseño. Dicha función de comunicación, favorece no sólo las fases de creación, sino la posterior difusión e información sobre el proyecto, lo que hace de él un instrumento insustituible para el desarrollo de la actividad científica, tecnológica y artística.


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Bibliografía - Bowyer, Jason. Introducción al dibujo. Barcelona: Editorial Blume, 1992. - Facundo Moisi, Alberto. El dibujo: Enseñanza – Aprendizaje. México: Editorial

Alfaomega, 1998. Fuentes complementarias - http://www.dibujotecnico.com/fotocopiadora/apuntes/apuntes01.asp#003 - http://www.dibujotecnico.com/saladeestudios/teoria/historia/historiaintro.asp - http://www.lafacu.com/apuntes/arquitectura/Dibujo/default.htm - http://www.talleronline.com/dib.html - http://www.arrakis.es/aepdapes/otrosb.html - http://www.dip-badajoz.es/organismos/acovarsi/dibujo1.htm - http://www.azc.uam.mx/cyad/procesos/website/grupos/tde/NewFiles/dibujo.ht

ml - http://www.dqto.unexpo.edu.ve/basico/dibujo1.htm - http://www.mec.es/gabipren/documentos/realdecreto/bac_dibujoart.pdf

http://www.dibujotecnico.com/fotocopiadora/apuntes/apuntes01.asp#003

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http://www.dqto.unexpo.edu.ve/basico/dibujo1.htm

http://www.mec.es/gabipren/documentos/realdecreto/bac_dibujoart.pdf

Tema 2. Materiales y herramientas de dibujo 14

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Tema 2. Materiales y herramientas de dibujo Subtemas 2.1 Grafito: lápiz y barra 2.2 Carboncillo: natural, lápiz y barra 2.3 Plumón: grueso y delgado 2.4 Tinta china: Radiógrafos y pincel 2.5 Sustratos: papeles y cartulinas Objetivo de Aprendizaje Al término del tema el estudiante conocerá los materiales necesarios para lograr un buen desempeño del dibujo, reconocerá la importancia de saber manipular las herramientas para lograr un excelente desarrollo y se familiarizará con los sustratos que existen para este fin. Introducción Es de gran importancia para el dibujante desarrollar el dibujo, pues las ideas y diseños iniciales son hechos a mano antes de que se hagan dibujos precisos con instrumentos o a mano alzada. El dibujo ha venido considerándose tradicionalmente como instrumento de perfeccionamiento del trabajo de pintores y escultores. Al dibujar, primero se leen las formas y luego se describen. Este ejercicio expresivo, que puede llegar a dominarse tras un período de aprendizaje y práctica, educa la inteligencia hasta el punto de que el artista que ha disciplinado su personalidad dibujando a mano alzada y con instrumentos de precisión, afronta con esa misma disciplina y orden actividades en apariencia tan distantes como la expresión abstracta. Para lograr avance en el dibujo es necesario tener ciertos conocimientos básicos en cuanto a los materiales y los principales instrumentos en el dibujo, como son el uso y tipos de grafito (blandos o duros, grasos o pulverizantes), tipos de carboncillos, aplicación del plumón de acuerdo a su grosor, sustancias necesarias; como lo es la tinta china, para instrumentos que la utilizan, así como los papeles que mejor se adecuan a cada una de estas herramientas de dibujo.


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2.1 Grafito: Lápiz y barra El lápiz de grafito es uno de los medios para dibujar más versátiles, aunque su descubrimiento es relativamente reciente. El grafito no se conoció hasta el siglo XVI, y no fue que hasta el siglo XVII que se utilizó en forma de lápiz. Con el lápiz pueden ejecutarse los garabatos más elementales, pero también las reproducciones realistas más refinadas; es un recurso indispensable para el dibujo por ser rápido y sin complicaciones. Una versión temprana del moderno lápiz de dureza media fue la punta de plata, utilizada por Leonardo da Vinci y Botticelli, entre otros. Esta delgada varilla, compuesta por plomo y estaño, era capaz de producir trazos muy finos y una amplia gama de tonos. Las barritas de grafito, los lápices Conté y las barritas de carboncillo son instrumentos para dibujar muy importantes, porque cada uno de ellos posee sus trazos y tonos característicos en la superficie de los diferentes tipos de papel. El débil brillo del lápiz sobre un papel liso está muy lejos de la mancha que deja el carboncillo después que el artista ha limpiado las correcciones. El negro constituye un modo vigoroso de relacionar imágenes y de crear una atmósfera rica y atractiva. El hecho de que tal gama de medios esté a nuestro alcance hace posible que las diferentes partes que componen un dibujo puedan ser expresadas con distintos tratamientos. Para determinadas obras, los punteados son esenciales, por lo que se deberá usar uno de los lápices; en cambio, conviene realizar los bocetos que recogen temas con movimiento con carboncillo, lápiz Conté, ceras o pasteles, ya que estos materiales exigen un tratamiento vigoroso. Se deben explotar las variaciones que presentan los colores del negro. Los lápices se fabrican con diferentes grados de dureza, desde el 10B (muy blando) hasta el 10H (muy duro). El lápiz es el medio ideal para elaborar detalles y para trabajos muy acabados Los lápices de grafito se fabrican con diferentes grados de dureza, desde el 10B (muy blando) hasta el 10H (muy duro); la gama de dureza media se identifica con las letras HB y es el medio ideal para elaborar detalles y para trabajos muy acabados. - Los lápices graduados con números son de calidad corriente. - Los lápices graduados con letras son de calidad superior


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Todos los lápices llamados de mina de plomo están constituidos por madera de cedro y una mina compuesta de grafito y arcilla. El grafito, una sustancia de aspecto metálico, grasienta al tacto, es lo que pinta, y la arcilla la materia que sirve de aglutinante. A mayor cantidad de grafito más blando resulta el lápiz y, viceversa, a mayor cantidad de arcilla más dureza.

BLANDO NORMAL DURO ESTRA DURO No. 1 No. 2 No.3 No. 4

La diferencia entre un lápiz blando y un lápiz duro es realmente notable. Con un lápiz blando es posible obtener los gruesos que el artista necesita, dúctil en los degradados y voluntarioso en los tonos suaves. Un lápiz duro como el No. 4, es menos cómodo. Es un lápiz egoísta que no da más allá de un gris oscuro por mucho que uno frote la mina. Una mina cortante, de una dureza que molesta, que no se desgasta tan fácilmente y que no da, por lo mismo ese trazo ancho tan necesario al artista. Esa misma característica que puede resultar un defecto para los dibujantes, resulta una estimable cualidad para el hombre que dibuja planos y máquinas. De ahí que los lápices duros sean los apropiados para el dibujo lineal y técnico. Tratándose de dibujo artístico y en plan económico, lo mejor es que se use un lápiz blando. Es del todo aceptable para apuntes y hasta para dibujos definitivos cuando no se pretenden grandes efectos.

Principales marcas de lápices de calidad superior

PAIS DE ORÍGEN NOMBRE DE LA FABRICA MARCAS

República Checa L&C. Hardtmuth KOH-I-NOOR

Alemania A.W. Faber CASTELL

Alemania J.S. Steadtler MARS

Alemania Swan STABILO

Alemania Eberhard Faber VAN DIKE

Suiza Caran d’Ache CARAN D’ACHE

Francia Conté ALASKA


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Lápices de la marca “TURQUOISE”

GRADACION BLANDA PARA

FINES ARTÍSTICOS

GRADUACIÓN MEDIA DE USO

CORRIENTE

GRADUACIÓN DURA PARA DIBUJO

TÉCNICO

GRADUACIÓN EXTRA-DURA PARA

FINES TÉCNICOS ESPECIALES

7B 2B ( =1 ) H ( =3 ) 6H

6B B 2H 7H

5B HB ( =2 ) 3H ( =4) 8H

4B F 4H 9H

3B 5H Esta tabla contiene las equivalencias entre lápices graduados con letras (clase superior) y lápices graduados con números (clase corriente). 2.2 Carboncillo: natural, lápiz y barra El uso del carboncillo se remonta hasta tiempos prehistóricos, es el material de dibujo más antiguo, y sus orígenes se remontan probablemente a los tiempos en que el primer habitante de las cavernas cogió del fuego un trozo de madera chamuscado y comenzó a hacer trazos con él. Para el dibujo se le usa en forma de palillos o lápices. Al igual que en el caso del lápiz, su dureza puede variar. El carboncillo se emplea a menudo para crear dibujos sombreados debido a la facilidad con que es capaz de cubrir áreas grandes. En la actualidad se fabrica principalmente con maderas de vid y de sauce, y se encuentra disponible en una amplia gama de grosores y longitudes Se consiguen tres tipos de carboncillo: - Lápiz. Hay una amplia gama de largos y grosores. A veces se venden

sueltos pero normalmente se encuentran en cajas. Los más delgados se emplean en dibujo a línea; los más gruesos son muy adecuados para áreas sombreadas, pero también pueden emplearse para hacer una variedad de líneas.

- Barra. Se vende en barras cortas, y tiene un tono más oscuro que el de los

lápices. Es difícil trazar una línea delgada con un trozo de carbón comprimido, a no ser que esté afilado; no obstante es muy útil cuando se trata de conseguir un tono profundo y oscuro para aumentar el contraste en un dibujo hecho con carboncillo.


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- Natural. Están clasificados en extra blandos, blandos, medianos y duros. Se les emplea para dibujos a línea y funcionan muy bien para dibujos rápidos en el cuaderno de apuntes. Son muy útiles cuando se necesita una línea para definir la forma en un dibujo sombreado.

2.3 Plumón: Grueso y delgado El mercado ofrece plumones con puntas de fieltro finas, medias y anchas que hacen posible desde la ejecución rápida de un dibujo a rayas hasta el cubrimiento de una superficie. El inconveniente es que estos colores no son sólidos y palidecen cuando se les expone a la luz del sol. Las agencias publicitarias los utilizan como recursos para layouts y presentaciones ante clientes porque la gama de tonos de color es muy amplia y realista. 2.4 Tinta china: Estilógrafos y pincel La pintura es un medio de introducir color en los dibujos. Se puede utilizar para hacer un dibujo base, para superponer una aguada a un dibujo hecho a lápiz o con tinta, o para dar toques delicados de color local. Por definición, la pintura es un pigmento (un polvo de color) que se mezcla con un agente aglutinante para obtener un líquido o una pasta. A veces se le añaden agentes para espesar o para diluir. Las tintas son el medio ideal para producir trazos claros, bien definidos, y para elaborar detalles muy intrincados (como los que suelen contener los dibujos técnicos o arquitectónicos). Asimismo, este medio también permite obtener efectos sorprendentemente delicados y sutiles. Las tintas se pueden usar puras o diluidas con agua destilada o agua del grifo limpia para modificar el tono y el color. Para obtener un color de fondo unificador se suelen aplicar aguadas de tinta muy diluida a determinadas zonas del dibujo o bien a toda la superficie del soporte. Los diferentes tipos de tinta son: - Tinta china - Tinta china de colores - Pinturas acrílicas - Acuarelas - Pinturas al óleo - Blanco de china


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En la antigua China, las primeras tintas estaban hechas de hollín de vela y agua de goma; eran sólidas y se mezclaban con agua. Los chinos las empleaban para escribir y dibujar. Las tintas modernas para dibujo, tales como la tinta china, se hacen con anilina en un adhesivo acuoso y se les agrega goma laca para hacerlas impermeables. La tinta china es excelente para dibujar, porque es fácil de conseguir y de manipular, ya sea con plumas, pinceles o estilógrafos. Los pinceles se hacen con un manojo de cerdas o pelos cuidadosamente seleccionados que se fijan en el extremo de un mango de madera con una funda de metal llamada contera o virola. Los pinceles de buena calidad tienen una contera que sujeta con firmeza tanto el mango como las cerdas. Sin embargo, éste no es el caso de los pinceles baratos, que a menudo sueltan pelos que se pegan al papel. Los pinceles para acuarela se fabrican con pelos blandos y maleables porque deben ser muy flexibles. El pelo de mayor calidad es el de marta, que se obtiene del pelo de la cola del visón asiático. Los pinceles de marta son caros, pero si se cuidan bien pueden durar muchos años. Otro tipo de pinceles se hacen con pelos de buey o de cola de ardilla. Desde hace algunos años, también se utilizan pelos artificiales, a menudo mezclados con pelos de animal. Como regla general, conviene adquirir pinceles de la mejor calidad posible. Las plumas se usan como medio para el dibujo desde hace muchos siglos, y existe una gama muy extensa de tipos de estilógrafos a la venta. Las estilográficas con plumillas de acero y los estilógrafos para abocetar se acompañan de un gran número de plumillas intercambiables, con formas y tamaños variables. Los estilógrafos para abocetar son bastante más caros que la mayoría de las plumas, pero producen un flujo de tinta muy regular que hace su manejo muy agradable. Los estilógrafos técnicos –que normalmente se usan para dibujar proyectos y planos arquitectónicos- producen trazos de grosor uniforme, sin embargo no se puede dibujar con rapidez porque la tinta fluye con relativa lentitud y porque la punta es muy delicada. Estos estilógrafos están constituidos con un cargador en la punta en forma de tubito, cuyo espesor oscila entre 0,13 y 2,00 mm. Se emplean en dibujo técnico y arquitectónico, dibujos con regla y aquellos cuyas anchuras de línea tienen una determinada significación. Se puede utilizar en el dibujo a pulso, pero el espesor de la línea permanece constante. El estilógrafo es especialmente adecuado para punteados realizados a mano o para tramados de puntos. Su extremo en forma de tubo diminuto forma automáticamente un punto casi redondo.


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Los tipos de pinceles y plumas son: - Pinceles redondos - Pinceles planos - Pinceles chinos - Pluma de bambú - Plumas y plumillas - Cepillo dental 2.5 Sustratos: Papeles y cartulinas La superficie utilizada por el artista para crear una imagen recibe el nombre de sustrato. El sustrato más habitual para dibujar es el papel. Inventado por los chinos, el papel fabricado con harapos fue introducido en Europa por los árabes, que aprendieron los secretos de su elaboración gracias a prisioneros de guerra chinos. La mayoría de los papeles que se fabrican en la actualidad provienen de la madera, reducida a una pulpa fibrosa que se prensa y se deja secar sobre pantallas de alambre. Después se prepara la superficie del papel, cuya textura variará en función de la utilidad a que se destine. Cualquiera que sea su peso, su textura y su dureza, todos los papeles pueden resultar útiles para el artista, y una parte importante del proceso de dibujar es, precisamente, la que se refiere a la elección del papel adecuado para el trabajo que se pretende realizar. Para un boceto a lápiz, un papel con textura gruesa puede ser el más adecuado; en cambio, una obra muy detallada y minuciosa exige el uso de un papel de superficie relativamente lisa. El papel se mide según su peso por resma (equivalente a unas 500 hojas). El peso también se refiere al grosor. Un papel de 370 g/m2 es grueso mientras que un papel de 130 g/m2 es mucho más delgado. La mayoría de los papeles se encolan para sellar la superficie, y esto provoca una reducción de su capacidad de absorbencia. El papel sin encolar o sin impresión se conoce bajo el nombre de papel de agua, y es muy parecido al papel secante. Unos papeles son más adecuados que otros para trabajar con ciertos medios. Para dibujo en blancos y negros ejecutados con lápiz, Conté, carboncillo y tiza, se recomienda un papel para abocetar ni muy rugoso ni muy liso, que retendrá bien los trazos del medio para dibujar. Si se trabaja con pluma, pinceles y aguadas, lo mejor será utilizar un papel para acuarela. La mayoría de los papeles para acuarela son de fabricación mecánica, y se presentan en tres tipos Standard. El papel prensado en caliente es, probablemente, el uso más frecuente para acuarelas y dibujos con aguadas. Es


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bastante suave y agarra muy bien los trazos de pluma, carboncillo y lápices de diferentes durezas. El papel prensado en frío posee una textura de superficie con grano, aunque no muy pronunciado: muy útil cuando se trabaja con aguadas, este tipo de superficie permite tanto el trabajo de trazos amplios como el dibujo de detalles muy delicados. Los papeles hechos a mano suelen fabricarse con trapos. Se elaboran hoja con hoja y sus bordes son delgados e irregulares. Este tipo de papel tiene una cara buena y una mala, cada una de las cuales se puede identificar con facilidad si se mira la filigrana. Cuando el papel ofrece una superficie más o menos áspera, se trabaja con mayor soltura, el trazo resulta menos concreto, no tan agudo y los difuminados cobran más contraste y sobriedad. Los tres grandes grupos de papeles, para dibujo, internacionalmente hablando se pueden dividir en: Papel Marca Mayor, Cartulina Bristol y Papel tipo Canson, sin embargo, se puede encontrar mayor diversidad de papeles. - Marca Mayor. Se parece un poco al que se usa con los documentos

oficiales, sólo que más grueso y de mejor calidad, encolado y prensado a mano o con procedimientos mecánicos que aseguran un acabado de artesanía. Las hay de distintos gruesos y con ligeras diferencias de tono: de un blanco puro y de un blanco azulado, sin embargo puede ser usado por sus dos caras ya que no tiene derecho ni revés.

Su superficie es casi lisa del todo, por lo que le permite al lápiz un trazo más

concreto y franco. Las líneas son más precisas, agudas y continuadas; por lo que se pueden conseguir líneas más justas, precisas y expresivas. El trazo resulta más intenso proporcionando una escala más amplia de tonalidades; por lo que se llega fácilmente al negro intenso, se consiguen calidades de extrema finura y graduación.

- Cartulina Bristol. Es de un blanco puro o ligeramente ahuesado y puede

usarse por las dos caras, ofrece una superficie enteramente satinada y lisa. Al igual que todos los papeles de superficie sumamente alisada, ofrece un serio inconveniente al empleo de la goma de borrar.

- Papel tipo Canson. Se puede subdividir en dos:

a) papel de superficie ligeramente rugosa, de gran calidad b) papel de superficie ligeramente rugosa, de calidad corriente


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Los dos grupos tienen algo en común: la textura de su superficie; es decir, esa apariencia graneada, rugosa al tacto y a la vista

Materiales soporte técnica seca

NOMBRE TAMAÑO TEXTURA DENSIDAD COLOR

Guarro Varios Normal Fino Blanco

Torreón 100 X 70 GRANO FINO 90 GR. blanco, gris, crema, marrón

Torreón 100 x 70 Grano grueso 120 gr. blanco, gris, crema, marrón

Ingres 100 x 70 Grano Normal blanco

Canson tintes 65 x50 Normal 160 gr. 45 colores

Canson ingres 65 x 50 Grano fino 100 gr. 21 colores

Fabriano D5 y 100 x 70 50% algodón blanco

Ingres fabriano 100 x 70 Grano grueso 250 gr. blanco

Es recomendable usar de la siguiente manera los sustratos: - Los papeles con grano son aconsejables por ejemplo, para materiales

gráficos como carboncillos, lápices compuestos, sanguinas, barras grasas, etc…

- Los papeles satinados pueden ser válidos para rotuladores, barras grasas, ceras, cuando lo que se pretende dibujar sea con puntos, líneas o manchas.

- Los papeles ingres, torreón y todos los que tengan grano, son adecuados para el trabajo del claroscuro con difuminos.

- Las cartulinas y cartones serán adecuadas para la construcción de composiciones por planos, para ejercicios de creatividad o interpretaciones subjetivas entre otros.


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Resumen El lápiz es un medio muy popular debido a su amplia gama de aplicaciones tanto en el dibujo a línea como en el trabajo tonal y es también, probablemente, la herramienta que la gente más rápidamente asocia con el dibujo. Se establece una clasificación según su grado de dureza, donde los lápices duros trazan líneas finas y bien marcadas y los blandos una línea obscura, que puede ser definida o difuminada considerándose por tanto más versátiles en su uso. El carboncillo se emplea a menudo para crear dibujos sombreados debido a la facilidad con que es capaz de cubrir áreas grandes. La tinta china es excelente para dibujar, porque es fácil de conseguir y de manipular por medio de pinceles o estilógrafos, donde los primeros crean trazos más suaves y los segundos trazos más rígidos. De tal manera, el sustrato lo encontramos actualmente en una amplia gama de tamaños y superficies, hecho a partir de diversas combinaciones de fibra de madera, lino, cáñamo y algodón. La superficie puede variar; el papel hecho a mano puede tener una superficie con textura o un acabado liso y un papel de producción industrial tendrá seguramente un acabado liso. Los papeles hechos con cierto porcentaje de tela, representan, con mucho, la superficie más estable para el dibujo, pero su precio puede resultar prohibitivo.


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Conclusión Con el pasar de la historia, el hombre se ha dado a entender por medio de un lenguaje visual que ha perfeccionado, utilizando diferentes tipos de materiales para comunicar sus ideas. Desde la creación del papel, hasta la aparición de las nuevas herramientas de dibujo, ha direccionado el uso de cada una de ellas a la par de los sustratos para que combinen y logre expresarse con mejores resultados. En realidad, lo importante es experimentar y conocer el tipo de trazo que va mejor con cada sustrato y elegir la mejor opción tomando en cuenta sus necesidades.


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Bibliografía - Bowyer, Jason. Introducción al dibujo. Barcelona: Editorial Blume, 1992. - Facundo Moisi, Alberto. El dibujo: Enseñanza – Aprendizaje. México: Editorial

Alfaomega, 1998. - Smith, Stan. Curso practico de Dibujo. Nueva York: Editorial Blume, 1995 - Parragón Vilasaló, José María. Primeros pasos en dibujo artístico. Barcelona:

Parramón Ediciones. 18ª Edición. 1990 - Günter, Hugo Magnus. Manual para dibujantes e ilustradores: una guía para

el trabajo práctico. Barcelona: Editorial Gustavo Gili S.A., 1980 Fuentes Complementarias - http://www.lafacu.com/apuntes/arquitectura/Dibujo/default.htm - http://www.serrablo.org/museodibujo/deldibujo.html


http://www.serrablo.org/museodibujo/deldibujo.html

Tema 3. El trazo de la línea con instrumentos de precisión 26

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Tema 3. El trazo de la línea con instrumentos de precisión Subtemas 3.1 La intensidad, constante y variable 3.2 La separación, constante y variable 3.3 Dirección de la línea Objetivo de Aprendizaje Al término del tema el estudiante completará el conocimiento de la relación entre las formas y se cultivará el correcto uso de los instrumentos de precisión para trazar líneas y crear diferentes formas e imágenes. Introducción Para poder comenzar a trazar líneas es necesario primero tener en cuanta los instrumentos de precisión necesarios para tal objetivo, además de comprender que el buen uso de ellos repercutirá también en el resultado final. La lista que a continuación se entrega son los instrumentos mínimos, básicos y necesarios para poder trazar líneas o formas de una manera correcta y limpia. Aunque algunos de los elementos aquí mencionados parezcan obvios es recomendable no olvidar ninguno. Los principales instrumentos en el dibujo son: Mesa - Tablero, Regla T, Escuadras de 30, 45, y 60, Papel de dibujo, Compás, Escalímetro, Goma de borrar. - Mesa – Tablero.

Es donde se realiza la representación gráfica, tiene que ser de una superficie completamente lisa, puede ser de madera o de lamina, plástico o algún otro material liso. La mesa tiene unos sostenes que permiten la inclinación de la misma para mayor comodidad. Es importante la iluminación pues debe quedar de derecha a izquierda y del frente hacia atrás para no producir sombras. También puede ser un tablero de trabajo independiente y el borde de trabajo debe ser recto y se puede comprobar con una regla de acero.

- Regla T.

Es una regla con una cabeza en uno de los extremos. Cuando se utiliza debe mantenerse la cabeza del instrumento en forma firme contra el canto del


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tablero para asegurarse de que las líneas que se dibujen sean paralelas, asimismo sirve de apoyo a las, escuadras para trazar ángulo. De ser de madera hay que asegurarse de que su hoja quede perfectamente recta.

- Escuadras

Las más comunes que se usan son de 60, 30 y la de 45, estas se usan junto con la regla T o regla paralela cuando se dibujan líneas verticales o inclinadas. También son llamados cartabones y se hacen de celuloide transparente o de otros materiales plásticos.

- Escalímetro

Las escalas están referidas normalmente al metro, siendo la más usadas: Esc. 1:100, Esc. 1:75, Esc. 1:50, Esc. 1: 20. Las escalas se usan para medir, es muy importante que los dibujantes sean precisos con la escala. Los escalímetros son reglas métricas graduadas en centímetros y milímetros. Tiene forma piramidal y cuenta con dos escalas diferentes.

- Compás

Este instrumento sirve para dibujar circunferencias y arcos. Consta de dos brazos, en uno se encuentra la punta y en el otro una puntilla o mina que gira teniendo como centro el brazo con la punta. El compás provisto de muelle con tornillo de ajuste central se usa cada vez más; por la rigidez con que mantiene su abertura.

Para los arcos y circunferencias grandes los dibujantes utilizan el compás de

barra. En algunos de ellos la parte inferior de un brazo es desprendible y sé proporciona dos accesorios: Uno para la mina y otro para dibujar a tinta.

- Lápices de dibujo

Es el instrumento básico para la representación. - Plantillas

Se usan para dibujar formas estándares cuadrados, hexagonales, triangulares y elípticos. Estas se usan para ahorrar tiempo y para mayor exactitud en el dibujo.

- Plantillas para borrar

Estas son piezas metálicas delgadas que tienen varias aberturas que permiten borrar detalles pequeños sin tocar lo que ha de quedar en el dibujo. Para borrar se utilizan gomas, las más recomendables son los llamados goma lápiz.


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- Curvas regulares Los contornos de estas se basan en varias combinaciones de elipse, espirales y otras curvas matemáticas. Estas se utilizan para dibujar líneas curvas en la que su radio de curvatura no es constante, estas son llamadas también pistola de curva o curvígrafo.

- Goma de borrar

La goma de borrar blanda o de artista, que llaman de leche, es útil para limpiar el papel o la tela de los marcos y suciedades dejados por los dedos que perjudican el aspecto del dibujo terminado. También existe la borra pulverizada que es para ulteriores desmanes con el sudor el grafito dejado sin intención.

3.1 La intensidad, constante y variable Parece obvia la consideración del uso de instrumentos de precisión cuando se trata de dibujos relacionados con planos constructivos o aquellos gráficos que impliquen compromiso dimensional o de escala. El trazo de líneas de diferentes direcciones, con distinto grosor, la superposición sucesiva de tramas, líneas cortas o muy alargadas, curvas o rectas separadas entre sí o muy cercanas unas de otras, permitirá la exploración de distintos efectos así como la multiplicación de posibilidades de tratamientos aplicables a los diferentes elementos que intervienen en la escena. En los casos anteriores es recomendable el uso de regla y escuadras para el dibujo de tramas verticales y de diversas inclinaciones superpuestas que acentúen los efectos de sombra o los reflejos, según el caso, combinando con trabajo a mano libre para lograr efectos de mayor naturalidad en ciertas texturas, esfumados y degradados. Es importante hacer notar que cada diseñador puede captar de distinta forma las peculiaridades de cada material y dar una respuesta gráfica diferente a la aquí presentada, sin embargo la enorme riqueza que tiene el dibujo en blanco y negro estriba en el hecho de que cada ilustrador podrá imprimir al dibujo su versión particular de los hechos. En este dibujo, se han trazado líneas con distinta separación y mayor calidad hacia ambos puntos de fuga (con lo que se obtiene una retícula en el piso), achurando posteriormente en un solo sentido y con línea vibrada de menor calidad en toda la superficie. Los distintos tonos de gris se obtienen haciendo un achurado en sentido contrario y únicamente en algunos sectores del entramado.


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Si bien el dibujo en perspectiva de una edificación cuando se presenta únicamente con un simple trazo geométrico, puede resultar frío a los ojos del observador, esta condición se atenúa indudablemente con un atinado trabajo de representación en los materiales que serán usados en la realidad, de esta manera tanto el concreto aparente como la piedra al natural o el cristal (solo por citar algunos de ellos), darán realce a la escena haciéndola mucho más agradable y cálida. Como complemento a los factores antes señalados, en esta perspectiva se pone de manifiesto el incalculable valor de los elementos naturales como son árboles, arbustos o pasto, los que además de provocar un interés adicional por el dibujo, acentúan el efecto de profundidad y equilibran el resultado gráfico del cuadro.

3.2 La separación, constante y variable Sin excepción, el instrumento será tan eficiente como la persona que lo utilice. El producto final depende del instrumento, de la superficie, y de la habilidad de quien los maneja.


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Obtenemos una línea al extender el punto gráfico. Entonces tenemos, que si el punto de origen es pequeño o grande, derivará en una línea delgada o ancha. En consecuencia, en la gráfica es válido que las líneas puedan tener diversos anchos, siempre y cuando el largo sea lo más relevante. Por tanto, la línea gráfica tiene una sola dimensión, el largo. Independientemente de su anchura, una línea gráfica representa una trayectoria. Esto es, indica la dirección hacia donde se dirige y lo largo de dicha trayectoria. Por otra parte, una línea colocada en una superficie tiene situación y posición en relación a ese campo gráfico. De esta manera una línea puede localizarse en algún lugar del campo gráfico, en medio, arriba, abajo etc., y por su posición denominarse vertical, horizontal u oblicua. Las cualidades visuales de la línea gráfica, al igual que las del punto, son forma, tamaño y color. La forma de la línea gráfica depende de la dirección que siga al extenderse (recta o curva). Así podemos imaginarnos las fuerzas que impulsan o presionan a la línea y la enrollan, quiebran, ondulan, jalan, etcétera Respecto al tamaño, clasificamos las líneas como pequeñas si caben integras en el campo gráfico; en fragmentadas, si las suponemos partes de una sola línea, y grandes si tocan los lados del campo gráfico, puesto que imaginamos que lo sobrepasan. El color en la línea gráfica, atrae la atención del espectador y lo influye afectivamente. Si la línea gráfica es ancha el color entrará en combinación con el del campo gráfico. La línea durante su trayectoria puede ser modificada mediante la alternancia, el desfase, el énfasis o la bifurcación. Para ejemplificar estos modos trazamos a lápiz líneas delgadas y largas que posteriormente transformamos en líneas anchas e intervalos En el siguiente paso cortamos las líneas en tenores mediante el dibujo de una o varias figuras muy sencillas La alternancia de las líneas anchas se efectúa, cambiando la línea a intervalo y viceversa, cada vez que se interrumpa por el dibujo de la figura. Se rectifica para que no queden juntos dos intervalos, o dos líneas anchas y para que todas las líneas estén unidas únicamente por los ángulos y los mismos los intervalos


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El desfase de las líneas indica que se ha salido, de la trayectoria fijada. El desfase muestra parte de la línea detenida (por la mitad, un cuarto o tres cuartos), para volver a subir y desfasarse cada vez que la interrumpa el dibujo. La línea desfasada y el intervalo tienen trayectorias independientes. En el énfasis la línea se adelgaza y se hace más ancha a partir de la marca del dibujo, los cambios pueden ser bruscos o paulatinos. La bifurcación, o efecto zebra en la línea, se logra mediante la división en ramales, se realiza libremente o sigue al dibujo previamente determinado. (dibujo y com graf….)

Para alcanzar categoría de forma las líneas se ordenan en conjuntos, estructuras o redes. Estructura y redes Las líneas tienen forma de estructura, cuando están conectadas en un sistema cerrado, para cumplir un fin práctico o estético. La estructura es como una armazón de líneas articuladas que se apoyan entre sí, para equilibrarse visualmente. Las redes son formas con líneas que se cruzan y dividen el espacio del campo gráfico. En esta unidad veremos las redes únicamente en su calidad lineal sin considerar el espacio que limitan Las redes pueden construirse libremente, sin ningún orden o tener un estricto rigor geométrico: armarse como un tejido al cruzar líneas o unir varios planos y ajustarlos para que coincidan los lados. Las redes se utilizan para dividir el espacio del campo gráfico en las composiciones, o modular-lo con alguna intención expresiva. Las redes básicas son tres la de cuadrados, la de triángulos equiláteros y la do hexágonos, que se extienden de manera continua En general, cualquier tipo de


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triángulo, cuadrilátero o hexágono (con tres pares de lados paralelos iguales), es apto para organizar redes similares a las básicas. Las redes semirregulares se ordenan combinando cuadrados y triángulos equiláteros (de lados iguales); con estas redes se logra una enorme variedad de formas al aplicar las simetrías.

Composición Tenemos dos procedimientos para realizar una composición, la formal y la informal. La composición formal consiste en aplicar las simetrías para la distribución de las líneas sobre el espacio del campo gráfico. La composición informal consiste en distribuir las líneas en el espacio del campo gráfico, procurando equilibrarlas al tomar en cuenta su peso visual Es relativamente fácil, al dibujar las líneas, controlar el balance y "sentir" como un lado pesa más o menos que el otro y añadir o hacer más ancha alguna línea para encontrar el momento de equilibrio en la composición. La línea cuenta con muchos recursos para la composición diferencia de anchos, cambios de dirección, forma curva o recta, modalidades, y en particular, la posición es una posibilidad expresiva con diversas aplicaciones. La línea horizontal transmite tranquilidad o pasividad, está "acostada" y cada uno do sus puntos descansa y apoya en el plano. La línea vertical parece en tensión para no caerse a un lado u otro y sujeta a la ley de gravedad; se para en un punto y se eleva. La línea oblicua es la que transmite mayor dinamismo y atrae la atención, si se inclina hacia la derecha nos parece que asciende y hacia la izquierda, que baja.


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3.3 Dirección de la línea La línea puede formarse mediante esos vectores creados por varios puntos que estructuran direcciones de lectura dentro de la obra. Es decir, dirigen la mirada del espectador hacia aquellos puntos que el artista considera como fundamentales. Además, la línea separa planos y por tanto, ayuda a configurar el espacio permitiendo la plasmación del volumen, como demuestran los numerosos ejemplos de artistas que, mediante dibujos exclusivamente de línea, han sido capaces de captar todas las cualidades del espacio tridimensional; así, Picasso, Holbein o Hockney, han sido maestros en la utilización de la línea de contorno y su mayor mérito reside en la economía formal que tal procedimiento supone.


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Bibliografía - De Sausmarez, Maureice . Diseño básico: Dinamica de la forma visual en las

artes plásticas. Barcelona: Editorial Gustavo Gili, 1995 - Hanks, Kart; Larry Belliston. El dibujo: la imagen como medio de

comunicación. México: Editorial Trillas, 1995 - Puente J., Rosa. Dibujo y Comunicación Gráfica. México: Editorial Gustavo

Gili, 1998 Fuentes Complementarias

- http://www.lafacu.com/apuntes/arquitectura/Dibujo/default.htm


Tema 4. El trazo de la línea a mano alzada 35

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Tema 4. El trazo de la línea a mano alzada Subtemas 4.1 La intensidad, constante y variable 4.2 La separación, constante y variable 4.3 Dirección de la línea Objetivo de Aprendizaje Al término del tema el estudiante practicará el uso de líneas y formas a mano alzada para crear diferentes formas e imágenes, con efectos diversos. Introducción Se considera que el trazo es la base del dibujo. Sin embargo, en la naturaleza o en el mundo visible no existe ninguna línea definida. El mundo exterior se nos presenta como una yuxtaposición de superficies de colores y densidades diferentes. Los límites exteriores de los objetos son los únicos que parecen formar una línea precisa, que no existe en la realidad, pero que percibimos como tal. Nuestra visión sintética, que proviene de nuestra facultad de abstracción visual, nos permite definir un objeto (por ejemplo, la silueta de una flor o el perfil de un rostro) con una línea continua o una combinación de líneas; nos faculta para representar por medio de líneas trazadas en la superficie plana del papel el tema en sus dimensiones espaciales. 4.1 La intensidad, constante y variable Al principio, quizás la mejor técnica de dibujo que se deba desarrollar sea el trazo de la línea pura. En la infancia, se comienza a dibujar con líneas y posteriormente escribimos con líneas, con el tiempo, logramos la transición a dibujos mas avanzados con el uso de la línea, Para muchas personas, el dibujo lineal es el método mas natural. Es cómodo y parece fácil de aprender. Razones para el uso de la línea: • La línea es una manera rápida de visualizar ideas con un mínimo consumo

de tiempo y recursos. • La línea es la forma natural de dibujar, los niños comienzan con ella y los

adultos continúan con ella al garabatear de por vida.


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• La línea enfatiza la estructura básica y la composición de un dibujo, lo cual proporciona mayor seguridad de éxito y de un bosquejo más adecuado.

• La línea proporciona un marco sobre el que se pueden desarrollar otras técnicas de dibujo, tales como el matiz y el color.

La línea se puede percibir con diferente intensidad debido al tipo de línea que sea. - La línea recta

Suele expresar el sentido de la solidez, la rigidez y la fuerza podemos observarlo en todos los objetos a los que se asocia la impresión de fuerza, se componen generalmente por líneas rectas. La sensación de robustez que nos producen los edificios Románicos se deben en gran manera a sus formas rectas y cuadradas generalmente asociadas de forma psicológica a lo masculino.

- La línea horizontal

Asociada a la idea de tranquilidad y calma, el reposo que queda "imaginado" favorece la meditación, son paisajes idílicos de la línea del horizonte del mar o las líneas de dunas tanto de playa como de desiertos.

- La línea vertical

La representación ideal para expresar fuerza o robustez al mismo tiempo que el sentido del equilibrio y la estabilidad, unido al intento de interpretación del sentido de la exaltación, son las líneas que utilizamos en los dibujos de las catedrales góticas, los árboles como pueden ser el Eucalipto o los cipreses proporcionan la misma sensación de estabilidad y espiritualidad.

- La línea inclinada

Produce sensaciones de actividad, de movimiento y según la dotemos de más o menos inclinación, le conferimos el carácter de intensidad.

- La línea curva

El contrapunto de todo lo que puede representar la línea recta, símbolo primordialmente de movimiento, de actividad y de vida, se asocian psicológicamente a todo lo femenino o todo aquello que deseamos aparentar de naturaleza delicada.

Usando libremente puntos, en grupos o difusos, se crea una variedad de energías y tensiones que activan la totalidad del área en la que se encuentran. Todas estas sensaciones se incrementan si nos permitimos introducir diferencias de tamaños entre los puntos. Se puede entender una línea como una cadena de puntos unidos. Indica posición y dirección y posee en sí misma una cierta energía: la energía parece avanzar a lo largo de su longitud e intensificarse en sus


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extremos, posee una velocidad implícita y el espacio próximo se ve activado por la dirección de la línea. De un modo limitado, la línea es capaz de expresar emociones: una línea gruesa, por ejemplo se asocia con la audacia, una línea recta con la fuerza y la estabilidad, una línea en zigzag con la excitación, aunque todo esto son simples generalizaciones. Líneas rectas de la misma longitud y grosor en agrupaciones paralelas pueden introducir factores de relación proporcional e intervalos rítmicos; cambiando las longitudes y los grosores de las líneas, se experimentan ritmos más complejos y provocan un impacto visual mayor. 4.2 La separación, constante y variable La línea describe un contorno. En la terminología de las artes visuales se dice que la línea articula la complejidad del contorno. Hay tres contornos básicos; el cuadrado, el círculo y el triángulo equilátero. Cada uno de ellos (Fig. 3.13) tiene su carácter específico y rasgos únicos, y a cada uno se atribuye gran cantidad de significados, unas veces mediante la asociación, otras mediante una adscripción arbitraria y otras, en fin, a través de nuestras propias percepciones psicológicas y fisiológicas. Al cuadrado se asocian significados de torpeza, honestidad, rectitud y esmero; al triángulo, la acción, el conflicto y la tensión; al círculo, la infinitud, la calidez y la protección.

Todos los contornos básicos son fundamentales, figuras planas y simples que pueden describirse y construirse fácilmente, ya sea por procedimientos visuales o verbales.


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Un cuadrado es una figura de cuatro lados con ángulos rectos exactamente iguales en sus esquinas y lados que tienen exactamente la misma longitud (Fig. 3.14). Un círculo es una figura continuamente curvada cuyo perímetro equidista en todos sus puntos del centro. (Fig. 3.15).

Un triángulo equilátero es una figura de tres lados cuyos ángulos y lados son todos iguales. (Fig. 3.16). A partir de estos contornos básicos derivamos mediante combinaciones y variaciones inacabables todas las formas físicas de la naturaleza y de la imaginación del hombre (fig. 3.17).


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4.3 Dirección de la línea Cuando los puntos están tan próximos entre sí que no pueden reconocerse individualmente aumenta la sensación de direccionalidad y la cadena de puntos se convierte en otro elemento visual distintivo: la línea. La línea puede definirse también como un punto en movimiento o como la historia del movimiento de un punto, pues cuando hacemos una marca continua o una línea, lo conseguimos colocando un marcador puntual sobre una superficie y moviéndolo a lo largo de una determinada trayectoria, de manera que la marca quede registrada.


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En las artes visuales, la línea, a causa de su naturaleza, tiene una enorme energía. Nunca es estática; es infatigable y el elemento visual por excelencia del boceto. Siempre que se emplea, la línea es el instrumento esencial de la previsualización, el medio de presentar en forma palpable aquello que todavía existe solamente en la imaginación. Por ello es enormemente útil para el proceso visual. Su fluida cualidad lineal contribuye a la libertad de la experimentación. Pero, a pesar de su gran flexibilidad y libertad, la línea no es vaga: al contrario, es precisa; tiene una dirección y un propósito, va a algún sitio, cumple algo definido. Por eso la línea puede ser rigurosa y técnica, y servir como elemento primordial de los diagramas de la construcción mecánica y la arquitectura, así como de muchas otras representaciones visuales a escala o con alta precisión métrica. Tanto si se usa flexible y experimentalmente como si se emplea con rigor y mediciones, la línea es el medio indispensable para visualizar lo que no puede verse, lo que no existe salvo en la imaginación.

La línea es también un instrumento para los sistemas de notación, por ejemplo,


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para la escritura. La escritura, el dibujo de mapas, los símbolos eléctricos y la música son otros tantos ejemplos de sistemas simbólicos en los que la línea es el elemento más importante. Pero en el arte, la línea es el elemento esencial del dibujo, que es un sistema de notación que no representa otra cosa simbólicamente, sino que encierra la información visual reduciéndola a un estado en el que se ha prescindido de toda la información superflua y sólo queda lo esencial. Esta sobriedad tiene un efecto muy espectacular en los dibujos, las xilografías, los aguafuertes y las litografías.


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Resumen La línea puede adoptar formas muy distintas para expresar talantes muy diferentes. Puede ser muy inflexible e indisciplinada, como en los bocetos, para aprovechar su espontaneidad expresiva. Puede ser muy delicada, ondulada o audaz y burda, incluso en manos del mismo artista. Puede ser vacilante, indecisa, interrogante, cuando es simplemente una prueba visual en busca de un diseño. Puede ser también tan personal como un manuscrito adoptando la forma de curvas nerviosas, reflejo de la actividad inconsciente bajo la presión del pensamiento o como simple pasatiempo en momentos de hastío. Incluso en el formato frío y mecánico de los mapas, los planos de casas o de máquinas, la línea expresa la intención del diseñador o el artista y además sus sentimientos y emociones más personales y, lo que es más importante, su visión.


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Conclusión La unidad más simple, el punto, no sólo indica una posición sino que posee en si mismo energías potenciales de expansión y contracción que activan el área de su entorno. Cuando tenemos dos puntos, hay un planteamiento de medida y una dirección implícita y sus energías “internas” crean una tensión específica entre ellas que afecta directamente al espacio intermedio. (Diseño básico…) La línea raramente existe en la naturaleza, pero aparece en el entorno: una grieta en la acera, los alambres del teléfono recortándose contra el cielo, las ramas desnudas en invierno, un puente colgante. El elemento visual de la línea se usa mucho para expresar la yuxtaposición de dos tonos. La línea se emplea muy a menudo para describir esa yuxtaposición y cuando así se hace es un procedimiento artificial.


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Bibliografía - De Sausmarez, Maureice . Diseño básico: Dinamica de la forma visual en las

artes plásticas. Barcelona: Editorial Gustavo Gili, 1995 - Hanks, Kart; Larry Belliston. El dibujo: la imagen como medio de

comunicación. México: Editorial Trillas, 1995 Fuentes Complementarias

- http://www.imageandart.com/tutoriales/teoria/elementos_comunicacion/index2.htm

- http://www.palmexo.com/taller/lineas.html

http://www.imageandart.com/tutoriales/teoria/elementos_comunicacion/index2.htm

http://www.imageandart.com/tutoriales/teoria/elementos_comunicacion/index2.htm

http://www.palmexo.com/taller/lineas.html

Tema 5. Origen geométrico de los objetos 45

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Tema 5. Origen geométrico de los objetos Subtemas 5.1 El cubo 5.2 La esfera 5.3 El cilindro 5.4 El cono Objetivo de Aprendizaje Al término del tema el estudiante comprenderá la importancia de la geometría en los objetos que nos rodean y aprenderá a analizar la estructura transparente del elemento o del espacio antes de dibujar la superficie exterior. Introducción Se llama dibujo geométrico al que se realiza con regla, escuadra y compás. Este tipo de dibujo sirve para trazar los esquemas de casi todos los motivos decorativos. Se recurre a él, cuando se debe encontrar la perspectiva de un objeto cualquiera. Se requiere la máxima precisión y limpieza. Con una regla se trazan las líneas principales, después se repasan y se termina el dibujo detenidamente de forma tal que el resultado sea nítido. Los objetos esféricos o redondos también pueden esquematizarse en un cubo. Así como la esfera se inscribe en un cubo, todas las formas se pueden esquematizar dentro de este último: el cilindro, la pirámide y el cono. Cualquier tema a dibujar se puede descomponer en formas geométricas sencillas. Ya que con eso se construye el esquema interno de los objetos. Todos los objetos de la naturaleza se pueden representar a partir de formas geométricas simples o elementales como la circunferencia, el triángulo o cualquier paralelepípedo. El uso de las figuras básicas permite dibujar de manera rápida y exacta. La tarea es más sencilla al descomponer figuras complejas en formas geométricas simples. El dibujo a base de figuras geométricas requiere de la adquisición de dos habilidades. La primera es saber proporcionar a las figuras básicas un sentido de dimensión y es decir, darles apariencia tridimensional.


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La segunda habilidad, es poder visualizar un número completo de figuras simples, relacionadas de tal manera que dan origen a una más elaborada. La ilusión de dimensión profundidad se adquiere fundamentalmente con la colaboración del matizado, sombras, líneas de contorno y perspectiva. En el caso de esta figura, el matizado transforma al círculo en una esfera. La figura es exactamente la misma, el círculo, sin embargo, una de ellas da una apariencia plana y tridimensional, mientras la otra refleja volumen.

Al aprender a observar un objeto complejo como resultado de la combinación de figuras básicas, se estará en el camino correcto para dibujar con exactitud y destreza. Una vez que se realizó la forma, es sumamente sencillo agregar el detalle. La mayoría de la gente no advierte que los dibujos evolucionan. Se piensa, en general, que un artista sólo toma asiento y crea una obra determinada. De hecho, las obras de un artista evolucionan desde una primera etapa hasta otras de mayor grado de complejidad hasta terminarlas. Las figuras básicas son estructuras del dibujo. Su propósito es similar al que ejerce el esqueleto para sostener al cuerpo en la postura correcta. De la misma manera que el andamiaje en la construcción de un rascacielos, la ausencia de figuras básicas en el dibujo provocaría que las ilustraciones carecieran de forma, de perspectiva, que parecieran distorsionadas y erróneas. Es fundamental el uso del esqueleto de figuras básicas para un dibujo a mano libre y preciso.


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5.1 Cubo El cubo es la figura básica más utilizada. En las páginas siguientes, se apreciará el uso del cubo como base fundamental en la mayoría de los dibujos. - Edificio - Cochera - Camión - Camioneta - Caja de juguetes - Caja de zapatos - Escritorio - Mesa auxiliar

5.2 Esfera La esfera y las figuras circulares son la base para más objetos de los que se pueda imaginar. Por ejemplo, se utiliza esta forma básica para dibujar las articulaciones del cuerpo humano.

- Pelota de básquetbol - Calabaza - Piedra - Casco de fútbol americano - Cabeza - Foco eléctrico - Perilla de puerta - Globo terráqueo


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5.3 Cilindro El cilindro cuenta con infinitas aplicaciones en el plano mecánico y arquitectónico. Gran cantidad de objetos creados por el hombre son cilíndricos. Asimismo, las plantas y los árboles emplean la figura cilíndrica. - Papel higiénico - Tarro de confituras - Tubo - Pantalla de lámpara - Poste telefónico - Llantas - Pierna - Sombrero

5.4 Cono El cono es, por lo general, menos reconocido en su forma pura. Sin embargo, se utiliza con enorme frecuencia en el trazo de brazos, piernas, etcétera.


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- Teepee (tienda típica, de los indios pieles rojas) - Barquillo - Algunas flores - Megáfono - Coroza ("sombrero de burro") - Carrete de cuerda - Ruedas cromadas - Tornillo - Engranaje helicoidal

Por ejemplo, en el cuerpo humano se utilizan primordialmente figuras esféricas y cónicas para darle. La cabeza y articulaciones han sido trazadas con base en esferas, mientras que los miembros son conos alargados.


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Conclusión Se puede dibujar cualquier cosa siguiendo los lineamientos de las cuatro figuras básicas, para fundamentar y simplificar el dibujo. Mire a su alrededor y advierta las figuras básicas. Aunque algunas son verdaderamente evidentes, la mayoría de los objetos cotidianos son una combinación de dichas figuras o sus derivados, por lo que nos resultan menos evidentes.


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Bibliografía - Hanks, Kart; Larry Belliston. El dibujo: la imagen como medio de

comunicación. México: Editorial Trillas, 1995 - Manera, Domingo. Curso de dibujo y pintura. Editorial de Vecchi. Barcelona:

2001 - Fundamentos del dibujo Artístico. Barcelona: Parramón Ediciones, 2001

Tema 6. Nociones básicas del dibujo en perspectiva 52

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Tema 6. Nociones básicas del dibujo en perspectiva Subtemas 6.1 Concepto de dibujo en perspectiva 6.2 Perspectiva como fenómeno visual 6.3 Percepción visual del objeto 6.4 Perspectiva con un punto de fuga 6.5 Perspectiva con dos puntos de fuga Objetivo de Aprendizaje Al término del tema el estudiante reflexionará sobre el uso de la perspectiva como elemento básico para la realización de un trabajo proporcionado de manera real y pondrá en práctica los elementos que la percepción visual define para la correcta estructuración de un dibujo. Introducción Aprender a dibujar en perspectiva requiere la misma habilidad que se ha tenido hasta el momento: ver las cosas tal como son en el mundo exterior. En ambos casos debemos dejar a un lado los prejuicios, nuestros estereotipos almacenados y memorizados, nuestros hábitos de pensamiento, y superar las falsas interpretaciones, que suelen basarse en lo que creemos que debe haber en el mundo exterior, aunque tal vez nunca hayamos «mirado» realmente lo que tenemos delante de los ojos. Uno de los primeros pasos para resolver un problema es analizar los aspectos relevantes y poner las cosas «en perspectiva» y «en proporción». Para ello se necesita tener la capacidad de ver las diversas partes del problema y qué relaciones existen entre ellas en realidad.

6.1 Concepto de dibujo en perspectiva La palabra «perspectiva» se deriva del latín prospectus, que significa «mirar hacia delante». El sistema más conocido para nosotros, la «perspectiva lineal», fue perfeccionado por los pintores europeos del Renacimiento, permitiéndoles reproducir los cambios visuales de líneas y formas según se muestran en el espacio tridimensional.


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Varias culturas han desarrollado diversos sistemas o convenciones de perspectiva. Los artistas egipcios y orientales, por ejemplo, crearon una especie de perspectiva escalonada o gradual, basada en situar los objetos dentro del plano del margen inferior al superior para indicar su posición en el espacio. En este sistema las formas que aparecen en la parte superior de la página, sea cual sea su tamaño, se consideran las mas alejadas. En épocas recientes, los pintores se rebelaron contra las rígidas convenciones de la perspectiva e inventaron nuevos sistemas, empleando características espaciales abstractas con colones, texturas, líneas y formas. Pero pese a todo, no cabe la menor duda de que la perspectiva tradicional del Renacimiento es la que permite reproducir con más fidelidad la manera en que nuestra cultura occidental percibe los objetos en el espacio: las líneas paralelas convergen en los puntos de fuga del horizonte (la línea que se halla al nivel de los ojos del espectador), y las formas se ven más pequeñas cuanto mayor es la distancia que las separa del espectador.


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La perspectiva se utiliza constantemente en la ejecución de dibujos. Su comprensión es fundamental para un dibujante, ya que le permite comprender mejor el comportamiento del modelo que trata de representar e incluso dibujar sin modelo reflejando la necesaria sensación de profundidad. Para poder entender sus fundamentos, podemos imaginar que entre e dibujante y el modelo existe un plano de proyección (plano del cuadro) donde se reflejan las imágenes que hay detrás. Observaremos que los objetos van disminuyendo de tamaño a medida que se alejan del plano de proyección. Las medidas reales de los objetos se ven alteradas por la distancia y las líneas paralelas parecen oblicuas y con tendencia a converger en un punto.

Vamos a definir varios términos técnicos que deben conocerse perfectamente.

Línea de horizonte Es la línea imaginaria que marca la altura de los ojos del espectador. Según queramos dibujar un objeto más arriba o más abajo, deberemos variar su altura.


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Punto de vista (P.V.) Representa la situación del espectador a derecha o izquierda respecto al modelo.

Punto principal (P.P.)

Es la proyección perpendicular del punto de vista (P.V.) sobre el horizonte. La distancia del punto de vista a la línea de horizonte se llama distancia visual.

Puntos de fuga

Son los puntos situados en la línea de horizonte donde convergen todas las líneas horizontales paralelas entre sí que existen en el modelo.

Si nos colocamos en medio de las vías del tren observaremos que los rieles parecen juntarse y converger en un punto de fuga situado en el horizonte.

Si miramos un edificio de costado pero sin perder la vista de la fachada, veremos que las líneas horizontales de la pared lateral parecen aproximarse gradualmente entre sí a medida que se alejan de nuestra vista. Si las prolongamos sobre el dibujo veremos que todas se juntan en el horizonte en un punto de fuga.


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La línea de horizonte siempre queda a la altura de nuestros ojos. Si estamos de pie y nos sentamos o seguimos descendiendo, veremos que la línea de horizonte se desplaza con nosotros en igual medida.

Lo mismo sucede en la situación contraria: si subimos una montaña o a lo alto de una escalera, la línea de horizonte se eleva

6.2 Perspectiva como fenómeno visual El problema del dibujo en escorzo o perspectiva es que nuestros ajustes mentales de la imagen visual se entrometen en cierto modo en el dibujo, y acabamos dibujando lo que sabemos en lugar de lo que vemos. Para evitar esto, Durero se obligó a dibujar la forma exactamente como la veía, con todas sus proporciones


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«equivocadas». Sólo así, aunque resulte paradójico, consiguió realizar un dibujo «lo suficientemente correcto» para que quien lo contemplara se preguntase cómo se las había arreglado para que pareciera «tan real». En ese sentido lo que consiguió la perspectiva del Renacimiento, fue codificar y sistematizar un método para eludir el conocimiento que tenía e! artista acerca de las formas, y proporcionar un sistema mediante el cual se pudieron dibujar los objetos tal y como se mostraban ante los ojos del espectador, incluidas las distorsiones creadas ópticamente por la posición que ocuparan en el espacio en relación con el punto de vista del que los observaba, El sistema funcionó de maravilla y solucionó el problema de corno crear la ilusión de profundidad sobre el plano, es decir, de cómo recrear el mundo visible. El sencillo aparatito de Durero se transformó en un complicado sistema matemático que permitió a los pintores, a partir del Renacimiento, superar su resistencia mental a las distorsiones ópticas de las formas verdaderas de las cosas y poder dibujarlas con realismo. 6.3 Percepción visual del objeto Antes de acometer el estudio de los principios fundamentales del diseño hay que buscar la comprensión del proceso que implica la percepción de las cosas; cómo se forman en nuestro cerebro las ideas de los objetos y la influencia que existe en ello de aspectos físicos y psicológicos. El acto de ver supone una respuesta a la luz mediante la cual el hombre reconoce e identifica el entorno, la línea, el color, el contorno y la textura de las cosas. Conociendo la forma en que este proceso se lleva a cabo, el artista puede manipular las formas y dar énfasis a aquellos elementos que le resulten más interesantes aumentando, así, el significado del conjunto de la obra. La percepción de los objetos La estimulación que recibimos constantemente llega a nuestra conciencia en forma de figuras y estructuras; no percibimos las cosas como manchas de color, sino que cada objeto se adecua en este proceso al conocimiento previo que tenemos de él. La percepción depende, por tanto, del aprendizaje. No resulta igual de fácil la distinción en un dibujo de un objeto conocido, que de algo cuya forma no conocemos con precisión.


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Necesitamos señalar ciertas reglas que sigue nuestra percepción visual de las cosas para poder utilizarlas en la creación de imágenes más eficaces y significativas. Podemos ordenar los factores que influyen en la creación de una imagen percibida en varios apartados: Agrupación. Es una tendencia a organizar y percibir diferentes estímulos agrupados en una estructura determinada que tenga algún significado para el que percibe. Existen varias clases de agrupación: • Proximidad. Los elementos cercanos tienden a agruparse. • Semejanza. Se agrupan elementos si son semejantes entre sí. • Continuidad. Los puntos cercanos se perciben como pertenecientes a una

estructura continua (por ejemplo, fotografía, televisión, la pantalla de una computadora, etc.). Cuando visualizamos una imagen en una pantalla, aparece como perfectamente definida, sin embargo, aumentáramos mediante un zoom una parte de ella, podríamos apreciar los puntos que la forman.

• Simetría o buena figura. Tendemos a agrupar los elementos formando figuras conocidas.

- Percepción figura – fondo. Los objetos que completan nuestras

percepciones cotidianas se destacan como separados del fondo general. La figura – fondo puede ser una relación reversible (puede percibirse el fondo

como figura y la figura como fondo. Por ejemplo una cara frente a otra, forman una copa, si atendemos al fondo como figura).

- Contorno. Podemos distinguir las figuras del fondo porque percibimos los

contornos. Estos se forman donde existe un cambio marcado en el brillo o el color.

- Pregnancia. Nuestra percepción de los objetos es mucho más completa que

la estimulación sensorial que recibimos de ellos. La experiencia previa que tenemos de estas cosas tiende a rellenar las lagunas. Hay una tendencia a completar lo que físicamente constituye una estructura incompleta.

La percepción de la profundidad Cuando percibimos un objeto próximo o lejano, la retina recibe distintos tipos de estimulación; aunque los objetos sean los mismos hay diferencias en el sombreado, en la claridad y el tamaño; de esta manera es posible apreciar su dimensión. La percepción de la profundidad no es sólo un producto de la maduración, sino también del aprendizaje.


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Las claves para la percepción de este factor son de dos tipos: unioculares y binoculares. - Unioculares. Actúan cuando se carece de la visión de un ojo. Estos

principios son conocidos desde la antigüedad y han sido utilizados por los pintores, desde la antigua Grecia a nuestros días, para crear la ilusión de profundidad y relieve.

• Perspectiva lineal. Los objetos más pequeños están más alejados. • Claridad. Cuanto más claramente distinguimos un objeto, mas cerca

parece. • Sombreado. La zona más alejada de un objeto será la más oscura. • Superposición. Un objeto estará más cerca del observador que otro al

que oculta. - Bínoculares. Hay algunos factores de la percepción que dependen de que

tengamos dos ojos y no uno.

• Disparidad retiniana. Cada ojo tiene una visión algo distinta del objeto por el hecho de que están separados unos centímetros. Las diferencias serán mayores cuanto más cerca se encuentre el objeto. Debido a este fenómeno podemos percibir la profundidad.

Aplicaciones de la percepción visual Los diseñadores se nutren de los estudios de los psicólogos en el campo de la percepción para realizar sus composiciones con la máxima eficacia, utilizan también los significados adscritos a determinados símbolos, de manera consciente o no, para la emisión de mensajes. Es interesante señalar la existencia de ciertos factores psicológicos que influyen en la percepción e interpretación de una imagen y que pueden utilizarse para enfatizar determinados efectos o significados. 1. El equilibrio. Es quizás la influencia psicológica más importante sobre la

percepción humana. La necesidad de equilibrio actúa de forma automática e inconsciente en el observador haciéndole buscar los ejes en los que se sustenta. Es en las zonas donde se sitúan estos ejes donde el sujeto va a centrar prioritariamente su interés, de manera que la información situada aquí tendrá carácter predominante sobre el resto.

Una composición desequilibrada o inestable causa en el espectador efectos

provocadores e inquietantes y resulta muy adecuada para evocar


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circunstancias en que se requiera la acción del sujeto, pero no para la representación de algo que quiera emitir un mensaje de serenidad o tranquilidad.

2. La referencia horizontal. Motivada por el mismo principio que nos obliga a

buscar los ejes de equilibrio de las figuras; se busca una plataforma de apoyo de los objetos para ayudar a su estabilidad. De aquí se deduce que se verá mejor una información situada en la mitad inferior, ya que es aquí donde situaremos la base.

3. Preferencia por el ángulo inferior izquierdo. Es conocido que se presta

mayor atención a los objetos situados en la zona inferior izquierda. Este es un impulso de rango inferior a los anteriores. No se conoce su causa exacta y se supone que está motivado por los hábitos de lectura occidentales.

4. Relajamiento – tensión. En cualquier composición se puede buscar, según

nuestro interés, uno de estos dos efectos. Provocarán en el observador una sensación de armonía y estabilidad las composiciones simétricas, equilibradas, simples, predecibles y neutras; mientras que generarán tensiones aquellas en las que el ojo deba esforzarse para analizar el estado de equilibrio de sus componentes.

6.4 Perspectiva con un punto de fuga La perspectiva de un solo punto se aplica a aquellas cosas cuya posición es paralela al plano de representación. En lo referente a este sistema, conviene recordar que los modelos parecen disminuir de tamaño a medida que se alejan. La perspectiva desde un punto se vale de tres tipos de líneas: horizontal, vertical y perspectiva. Cuando se ven los objetos como si los mirara directamente (justo enfrente), parecen decrecer en tamaño hacia las orillas más lejanas de su vista. Este tamaño disminuido crea la ilusión de que el objeto se va haciendo más pequeño hasta desvanecerse en el horizonte. Todas las líneas, excepto las verticales y horizontales, se dirigen hacia un punto de fuga. Las líneas verticales y horizontales permanecen paralelas siempre. Una vez asimilado el concepto, el dibujo en perspectiva es una tarea relativamente fácil. El dibujo en perspectiva desde un punto, es el más sencillo.


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Perspectiva con un punto de fuga. (Paralela o Frontal) Se utiliza un único punto de fuga que coincide con el punto principal

6.5 Perspectiva con dos puntos de fuga Raras veces vemos las cosas exactamente de frente: en el mundo real, las cosas suelen estar situadas formando diferentes ángulos respecto de nosotros. Cuando podemos ver dos lados de un mismo modelo, tenemos que representarlos con la ayuda de la perspectiva de dos puntos. Cada uno de los lados está situado en un ángulo diferente respecto de usted y tiene su propio punto de fuga. Las líneas paralelas que convergen en los puntos de fuga se inclinarán en ángulos diferentes en cada lado. Si para cada lado fijamos un punto de fuga y alargamos todas las líneas paralelas hasta hacerlas converger en esos puntos, el ángulo de inclinación de todas las líneas será correcto. La perspectiva desde dos puntos se vale de dos puntos de líneas: vertical y perspectiva. Los objetos vistos desde un ángulo parecen disminuir de tamaño hacia dos direcciones. Toda figura disminuye de tamaño en dos direcciones a medida que los lados de los objetos se alejan. Lo anterior se logra tomando dos puntos de fuga, cada uno ubicado a un lado y otro del papel, ambos puntos se localizan en la misma línea del horizonte; a mayor


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distancia de los puntos de fuga, menor será el grado de convergencia de los flancos de las cajas. Todas las líneas verticales permanecen paralelas tal y como en la perspectiva desde un punto, pero no existen líneas horizontales. A fin de adquirir destreza en el manejo de la perspectiva, se deben observar los objetos desde diversos puntos de vista. Mirándolos desde todos ángulos: arriba, abajo, a los lados. Cada punto de vista proporciona al observador una comprensión nueva del objeto. Por lo tanto, en perspectiva debe tomar los aspectos planos del objeto y reconstruirlo en el espacio como una figura tridimensional.

Perspectiva con dos puntos de fuga (oblicua) Utiliza dos puntos de fuga localizados en el horizonte en un ángulo de 90º con el vértice localizado en el punto de vista.

Por medio de la perspectiva, puede crear un objeto tridimensional de una superficie bidimensional. Las perspectivas más complicadas, que suponen ya múltiples puntos de fuga (que se desvanecen) y que muchas veces se extienden más allá de los márgenes del papel, requieren para dibujar una enorme mesa de dibujo, reglas en T, reglas de borde recto, etc.


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Perspectiva aérea Cuando el horizonte está muy alto o muy bajo, las líneas verticales se alteran por la perspectiva y necesitamos un tercer punto de fuga localizado en una línea de horizonte vertical accesoria.


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Resumen El mundo existe en tres dimensiones: la dificultad de conseguir que un dibujo o una pintura parezcan reales estriba en que se producen sobre superficies bidimensionales, como una hoja de papel o una tela. Durante el Renacimiento, los artistas utilizaron un sistema basado en la perspectiva para crear efectos de tridimensionalidad en sus dibujos. En la visión del mundo natural, los objetos a la distancia parecen reducirse más y más hasta desaparecer. A este aspecto de un mundo que disminuye se llama "perspectiva", se recrea en los dibujos por medio de puntos de fuga y líneas de horizonte. Al colocar objetos de igual tamaño en líneas paralelas frente a nosotros, a lo lejos, es sencillo observar cómo, aparentemente, su tamaño disminuye y se pierden en la distancia. Este es un claro ejemplo de dicha perspectiva. Para crear la perspectiva en el dibujo, se requiere de puntos de fuga. Éstos funcionan sobre el principio de que las líneas paralelas se van uniendo y la distancia entre ellas se va reduciendo gradualmente hasta desvanecerse en un punto en el horizonte. Al mirar algo, el ojo determina la localización del punto que se desvanece en el horizonte, al recrear una imagen, se determina, por lo tanto, el lugar donde el punto desvanecido toca el horizonte. Existen tres cuestiones fundamentales que siempre debemos tener presentes. La primera es que los modelos parecen más pequeños a medida que nos alejamos de ellos; algunas veces se tiene la sensación de que se hacen tan pequeños que desaparecen completamente de nuestra vista. La segunda cuestión es que dos líneas paralelas parecen acercarse la una a la otra a medida que nos alejamos de ellas. En ocasiones, cuando alcanzan el punto donde los modelos desaparecen de nuestro campo visual (el «punto de fuga»), parece que las líneas paralelas convergen. Y, por último, recuerde que la forma y los ángulos de un modelo cambian en función de nuestra posición respecto a éste.


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Conclusión El realismo permite traducir las relaciones espacio-temporales mediante relaciones de orden visual gracias a un artificio aprendido en los albores del Renacimiento: la perspectiva. Gracias a este procedimiento las imágenes creadas pudieron plasmarse del modo que lo hacían aquellas que recibíamos en nuestra retina y se dio inicio a ese amplio período histórico que finalizaría con la aceptación de la fotografía en el siglo XIX como medio fundamental para la transmisión de información. Las teorías en las que se basa la perspectiva son extremadamente complejas. Sin embargo, será suficiente con conocer y aplicar de un modo aproximado algunas reglas básicas. Como siempre, que se trata del dibujo lo más importante, es que sepamos observar con detenimiento el tema que vamos a dibujar. Si queremos ser capaces de sugerir tres dimensiones, tendremos que olvidar aquello que sabemos que es cierto. Por el contrario, se deben utilizar los ojos y recordar los tres puntos mencionados cuando se esté observando un tema. Conviene, claro está, ser conscientes de las dificultades que entraña el tema y que la necesidad de tener un conocimiento básico de los conceptos que entran en juego; lo más importante, sin embargo, es que utilice su percepción visual.


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- http://www.talleronline.com/dib_pers.htm

http://www.talleronline.com/dib_pers.htm


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Tema 7. Elementos básicos del dibujo en perspectiva 68

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Tema 7. Elementos básicos del dibujo en perspectiva Subtemas 7.1 Luces y sombras 7.2 Alto contraste 7.3 Ashurados 7.4 Degradados Objetivo de Aprendizaje Al término del tema el estudiante realizará trabajos que integren las diferentes técnicas que dan volumen, proporción y realismo a su dibujo. Introducción Cuando se requiere que un dibujo posea otras características más que únicamente un dibujo lineal, se recurre a diferentes técnicas que dan vida al dibujo dependiendo del fin que busque. Principalmente ésta técnicas son usadas para dar volumen, altura, dirección y contraste a los objetos. Los matices y sombras en dibujos, generalmente, se ignoran olvidando su importancia. Sin embargo, si se cuenta con suficiente iluminación para observar un objeto, se notará la presencia del matiz y la sombra. El matiz es el grado variable de luz a sombra que se crea sobre un objeto, es la luz que choca contra los planos angulosos y curvos del mismo. Todos los objetos tienen grados de valor variables en las partes matizadas. Las variaciones sutiles en la iluminación pueden crear en un solo objeto múltiples grados de matiz (degradados). El concepto de matiz se puede simplificar mentalmente si se piensa que sólo cuenta con cuatro valores: blanco, gris claro, gris oscuro y negro. Estas cuatro variaciones son suficientes para crear dicho efecto en la mayoría de los dibujos. 7.1 Luces y sombras La característica primordial que dota a un dibujo de vida es la inclusión adecuada de las luces y de las sombras. La línea detalla y expresa sólo los contornos, la forma, el volumen, el espacio o la idea de la tercera dimensión, de igual manera


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en la realidad y en sus representaciones gráficas en una obra artística, tiene su fundamento en la luz y en la sombra y con cuyo empleo se puede dotar a un sencillo dibujo o pintura la representación espacial, sólida y con visos de realidad. Las sombras son la consecuencia de la luz y tanto las sombras que del propio objeto en si (sombras propias) como la sombra directa que el objeto produce (sombras arrojadas) como las sombras próximas o lejanas proyectadas por otros objetos y los reflejos de luz que al mismo tiempo producen esos objetos afectan de forma directa a la concepción espacial de nuestro trabajo. Luz y sombra: el volumen El volumen es, junto con la forma, uno de los

aspectos que distingue a los objetos que nos rodean. Depende de la luz y, por consiguiente, de las sombras que ésta produce. La definición correcta del volumen de un objeto consiste en valorar exactamente las intensidades de sus sombras. Podemos establecer dos clases de sombras: las propias y las proyectadas.Sombras propias son las que se origina el objeto a sí mismo, y las proyectadas son las que produce en las superficies vecinas. También hay que tener en cuenta los reflejos producidos por la luz que proyectan las superficies u objetos vecinos, ya que aclaran la sombra propia.Entre la luz y la sombra, hay una zona de transición o de medias tintas, y que puede variar en extensión dependiendo de la intensidad de la luz.


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La sombra en resumen no es otra cosa que la porción del cuerpo que siendo iluminado no recibe de forma directa la luz, por encontrarse esa parte del cuerpo en oposición al foco luminoso. El claroscuro estudia la degradación y difusión de la luz con las sombras y corresponde a las áreas intermedias entre la zona iluminada y las zonas mas oscuras, son las zonas que denominamos zonas de penumbra y sus valores de medios tonos o medias tintas y cuyos valores nunca deben alcanzar la intensidad de la luz ni la intensidad de la sombra. Al margen de dibujar o pintar las zonas de luz y de sombra de un objeto se debe considerar el brillo que ese objeto emite ante la incidencia de un foco de luz. Ese brillo se puede representar de forma grafica considerando que la luz es reflejada por el objeto rebotando la luz que desprende en un ángulo igual al que ha incido contra él. La luz reflejada es la procedente de otro cuerpo u objeto próximo y que produce una nueva fuente de luz de menor intensidad, pero que a su vez produce nuevos reflejos y nuevas sombras sobre el objeto que se dibuja o pinta, esa luz reflejada nunca puede ser tan clara como la fuente de luz original. Se consideran adecuados en los dibujos y en las pinturas unas inclinaciones de entre los 30º y los 60º dependiendo de la posición del sol pero es de uso común aceptar como adecuada una sombra en 45º para la representación gráfica sobre una hoja de papel de un objeto de características más o menos geométricas. La mayor dificultad en un dibujo o en una pintura la podemos encontrar cuando queremos representar a las personas o a los objetos estando estos situados con el Sol detrás, pero pese a ser la resolución más complicada, al hacer converger todos los puntos de luz y sombra sobre un sólo punto es la que produce un mayor dramatismo plástico sobre todo en la representación de pinturas surrealistas en donde el juego de luces y sombras deben poder transmitir un mensaje. 7.2 Alto contraste La imagen de alto contraste es compuesta por valores de negro absoluto y blanco puro, sin ninguna gradación intermedia. Su nivel de lectura es: • De fácil comprensión visual • Sin alteraciones del "borde de definición" • Limpia de puntos y ralladuras • De una gran fuerza gráfica y de contenido


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El motivo para el alto contraste deberá ser especialmente: • Nítido y detallado • Sin sombras proyectadas que distorsionen • De gran fuerza expresiva.

Círculo negro sobre cuadrado negro

Alto contraste

Contraste suave

Los diferentes pasos entre oscuro y claro se llaman tonos. Si ponemos un círculo negro sobre un cuadrado negro, no podemos distinguir el círculo. En cambio, si el cuadro y el círculo son de tonos distintos podemos diferenciar los dos elementos. En otras palabras, vemos lo oscuro porque está al lado de lo claro y viceversa. Cuando algo oscuro está al lado de algo claro, se dice que están contrastando el uno con el otro. El contraste es la diferencia de intensidades de iluminación en la gama de blancos y negros o en la de colores de una imagen. Le llamamos alto contraste cuando trabajamos con el tono más oscuro y con el más claro sin pasos intermedios. Si utilizamos diferentes combinaciones de tonos, nuestro círculo se ve distinto.


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El fenómeno de alternancia entre figura y fondo se explica habitualmente en los estudios relacionados con la psicología y la percepción. En ellos se experimenta una ambigüedad espacial, fluctuaciones de empatías entre la figura y el fondo; en un momento la figura negra emerge del fondo blanco, en otro la figura blanca emerge del fondo negro. Nos vemos obligados a reconocer el hecho que en el campo de la visión nada es negativo; el espacio alrededor y dentro de la imagen es tan positivo como la propia imagen. Los pintores chinos y japoneses tienen un conocimiento excelente de este hecho y lo utilizan al máximo; sus tradiciones caligráficas refuerzan esta preocupación por los espacios en blanco entre las pinceladas. Si nuestras propias tradiciones en escritura hubieran seguido con los trazos gruesos y finos de la pluma de caña, probablemente seríamos más sensibles a la estructura de las imágenes de letras y a las formas en alto contraste. 7.3 Ashurados Son rayados de líneas paralelas trazadas con regla o a pulso; con ellas se representan los tonos grises. Cuanto más próximas se encuentren las líneas, tanto más intenso será el tono del gris, hasta que, en el límite aparece como negro integral o si se utiliza otro color, como tono pleno. Los oscuros se logran por consiguiente con la aproximación recíproca de las líneas, pero también cruzándolas (lo que se llama un rayado cruzado) o aumentando su espesor. Lo último resulta más difícil de lograr en el curso del dibujo; más consecuente es el rayado cruzado con líneas de igual grosor. En los grabados al aguafuerte y en acero, los rayados cruzados constituyen un elemento expresivo necesario.


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La mano realiza movimientos ligeros con un ángulo de 45°, ángulo que corresponde también al movimiento de la escritura. Durante su ejecución la mano puede apoyarse sobre el papel, y las líneas no deben ser más largas de lo que permite la mano sin alzarse. Esto da una longitud de raya de 2 a 3 cm. Si se trazan líneas más largas con la mano apoyada, lógicamente resultarán ligeramente curvadas. La primera pasada del rayado debe ser muy ligera, de tal modo que no se originen contrastes intensos entre las zonas claras y las oscuras. Acto seguido se procede a un nuevo rayado de las partes más oscuras del modelo, bien aumentando la presión del lápiz o bien estrechando la distancia entre las líneas. Así pues, las partes más oscuras surgen sólo al final, como resultado de la superposición de casi todas las líneas de rayado. Durante el rayado no debe modificarse el ángulo de los trazos dentro del dibujo; un mismo ángulo para todas las líneas da por resultado una cierta armonía en el estilo. En modo alguno es necesario cambiar el grado de dureza de los lapiceros durante el dibujado. El procedimiento ofrece la posibilidad de reproducir en un tiempo relativamente corto una fotografía con completa plasticidad y la gama de tonos deseados. Según el grado de la ejecución, el dibujo puede emplearse como primer bosquejo o como dibujo original acabado. 7.4 Degradados Con ayuda del llamado degradado es posible conseguir resultados del máximo realismo plástico con lápices de colores y carbones. De lo que se trata es de que las transiciones del sombreado sean fluidas y que no se produzcan brusquedades. Los degradados se pueden realizar con lápices o tintas. Cuando se utiliza el lápiz, éste experimenta una fricción mayor que cuando se dibuja con él. Al efectuar la fricción únicamente resulta coloreado en un primer momento el plano más superficial del papel (o cartón), las profundidades y los poros permanecen claros. Mediante una aplicación repetida y un aumento de la presión en el lápiz el color alcanza también las profundidades medias, y la máxima saturación de color se logra mediante una fuerte presión o penetrando perpendicularmente en los poros.


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Cuanto menos estructurado esté el papel, tanto más intensiva resultará la aplicación del color, si bien debe procurarse trabajar con un papel bien encolado para que la superficie no resulte rasgada por los lápices ni se produzca la situación de que no admita más color. En los trabajos a lápiz o a lápices de color se recomienda siempre realizar una prueba con el papel previsto para ello. Si las transiciones en los tonos han de ser aún mas firmes, el dibujo puede tratarse adicionalmente con difuminos de papel. Al utilizar tintas o aguadas los ennegrecimientos más intensivos son el resultado de múltiples pasadas. Con este procedimiento deben aplicarse en primer lugar con exquisito cuidado los tonos claros básicos, hacerlos más oscuros lentamente y sólo al final poner los colores más intensos; las partes más claras se dejan simplemente libres.


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Resumen En la vida real, las sombras y el matiz son partes importantes de los objetos visuales como los objetos mismos. Estas áreas de valores de luz y sombra pueden formar, por si mismas, figuras e imágenes. Estas figuras e imágenes pueden poseer otras características en su forma si se complementan con técnicas como: el ashurado que les da volumen a las figuras, el degradado que permite mayor gama de tonalidades que pueden atribuirle al dibujo armonía de figura, el alto contraste que es el resultado del uso del blanco y negro mismos que confieren dramatismo y contundencia al dibujo y finalmente el uso de luz y sombras que crean un dibujo matizado por una amplísima gama de tonalidades intermedias con las que se puede crear la atmósfera que convenga a las características ambientales del proyecto a representar.


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Conclusión Un poco de paciencia y la audacia, otorgarán dividendos que sorprenderán gratamente al diseñador, quien descubrirá día a día que basta papel, lápiz o tinta y una buena dosis de ingenio para lograr un resultado altamente gratificante que lo impulsará irremediablemente a perfeccionar la técnica del dibujo. A partir de ahora la creación de diseños en base a todo lo visto será bien comprendido y aplicado debido al conocimiento de: las sombras que se consiguen a partir del contraste entre claros y oscuros, cuya diferencia de tonos representa el volumen sobre una superficie bidimensional del papel y cuyo trazo es fundamental puesto que indica la forma del objeto. Los degradados que se obtienen por la diferencia de tonos de un color que pasa desde los brillos máximos hasta los oscuros más intensos; dando un efecto de suavidad por la transición entre sus tonos. La luz y sombra que le dan forma a un objeto proporcionándole volumen y realismo a un objeto y el alto contraste donde una figura blanca emerge del fondo negro y segundos más tarde una figura negra emerge del fondo blanco obligándonos a reconocer el hecho de que en el campo de la visión nada es negativo; el espacio alrededor y dentro de la imagen es tan positivo como la propia imagen.


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