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2-13 Massimo Vignelli

14-25 Alejandro Magallanmes

26-37 Herbert Bayern

38-47 Javier Enriquez Lara

48-59 Moebius Jean Giraud

60-71 Ixchel Estrada

72-83 Johanenes Itten

84-95 Sara Luna

96-107 Ikko Tanaka

108-119 Rogelio López Alvarez

120-131 Jorge Alderete

132-143 Stefan Sagmeister

INDICE

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We like design to be visually

powerful,intellectually

elegant, and above all

timeless.-Massimo Vignelli

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01MassimoVignelliLos diseños de Massimo Vignelli son imperecederos, capaces de superar cualquier moda y siempre fieles a la filosofía del modernis-mo de la que el diseñador italo-americano bebió desde su llegada a Estados Unidos, donde se instaló en 1957 cuando aún no había cumplido los 20 años. Así lo constata Vignelli Associates, el prestigioso estudio neoyorquino que desde 1971 preside y del que han salido proyectos multipremi-ados que ya forman parte de la historia.

Para Vignelli el diseño es uno, indepen-dientemente de si se trata de diseñar una marca, una silla o una lámpara.En definitiva, se trata de buscar lo útil, no lo decorativo.

“la sus-

tancia simpre perma-

nece”

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01One life is too short for doing everything.

02We like design to be visually powerful, intellectually ele-gant, and above all timeless.

Vignellism

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03If you can design one thing, you can design everything.04If you do it right, it will last forever.

05The life of adesigner is a life of fight against the ugliness.

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En la tarde del martes 8 de marzo de The Architec-tural League dio la Medal-la a su Presi-dente que Lella y Mas-simo Vignelli. El premio (destinatarios últimos de los cuales incluy-en a John D. Rockefeller, Jr., Hugh Fer-riss, Joseph Urban, Rich-ard Meier, Robert AM Stern, y Rob-ert Venturi y Denise Scott Brown) fue dado a la Vignellis

“en recono-cimiento a una obra tan

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influyente en su amplitud que ha dado forma a la propia for-ma de ver el mundo “.

De Penta-gram Michael Bierut, una arquitectura vicepresidente de la Liga, que comenzó su carrera hace más de 30 años

como diseña-dor junior en Vignelli Associ-ates, diseñó el programa que vemos aquí. Los cinco por-tadas diferen-tes incluyó una cita de Vignelli impreso en PMS Super caliente rojo y poner en Helvetica, por supuesto.

¿Por qué son

sobre todo atempo-ral.

Si puedes diseñar una cosa, puedes diseñarlo todo.Si lo ha-ces bien, durara para siempre.

La vida

importantes estos cinco Vignelli-ismos?Cuando me lo pregunte por primera vez inme-diatamente pense cinco lecciones de vida más que sólo cinco citas miscelaneas. Aparentan explicarse por sí mis-

mas, pero lee todas y dale un momento a solas en tu mente:

Una vida es demasiado corta para hacer todo.

Nos gusta el diseño para ser visual-mente po-deroso, inte-lectualmente elegante, y

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Massimo Vignelli ha trabajado en una am-plia variedad de áreas, incluyendo el diseño de interiores, diseño ambiental, diseño de envase, diseño gráfico, diseño de muebles y diseño de productos. Sus clientes en Vignelli Associates han incluido empresas de alto perfil, tales como IBM, Knoll, Bloomingdale y Ameri-can Airlines .

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“Mi inspiración

siempre han sido los

diseñadores y artistas que

son filósofos”-Alejandro Magallanes

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02Alejando Magallanes Nació en la ciudad de México en 1971, y estudió diseño gráfico en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la Universidad Nacio-nal Autónoma de México. En 1996 fundó, con Leonel Sagahón, el despacho La Máquina del Tiempo. Ha trabajado para diversas instituciones sociales y culturales, en el desarrollo de proyectos edi-toriales, imágenes institucionales, carteles, etc., y en 1997 coordi-nó la exposición No todos los carteles son bonitos. Su trabajo de cartel ha sido expuesto en Japón, la República Checa, Argentina, los Estados Unidos, China, Eslovenia, Rusia, Ucrania, Colombia, Venezuela, Polonia, Cuba y México.

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Muchos de los carteles de cine y portadas de libros que dan color y forma a nuestro paisaje son fruto de su talento y pocos como él gozan de tanto consenso favorable y de una popularidad no buscada pero merecida que testimo-nia, entre otras cosas y sin quererlo, lo mucho y bueno que hay en México en lo que a arte contemporáneo se refiere.

Ha trabajado para diversas institucio-nes sociales y culturales, en el desa-rrollo de proyectos editoriales, imáge-nes institucionales, carteles, etc., y en 1997 coordinó la exposición No todos los carteles son bonitos.

“un dise-

ñador dibu-

jante”

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Siempre le ha gustado escribir y le ha tocado ilustrar libros de poesía, aunque cree que es absur-do ilustrar la poesía; pero justo en el ejercicio de estar acom-pañando

autores que le gustan mucho, pro-poniendo un discurso —”que me lo imagino como poe-sía visual en el sentido de describir imágenes y la descrip-ción de estas

imágenes en palabras, que resultan en un texto poético— ¡lo que hacen los poetas!

Decir árbol de fuego y entonces provoca una imagen del que se deri-van frases o significados que le da el lector”

Su profesión es diseño grá-fico e involu-cra muchísi-mo al dibujo. Hace cosas que no pue-de dejar de hacer, como ser dibujante, se describe el mismo como: “soy las dos cosas, un diseñador dibujante.”

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Sus prim-eros trabajos fueron ha-ciendo car-teles, algunos folletos de tipografía y una imagen.

El primer trabajo muy visto fue como hace 20 años, el logotipo para

la Comisión de Derechos Humanos del Distrito Federal.

“Creo que a veces lo feo bien hecho es un buen recurso para provocar sentimientos, in-cluso estéticos.”

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¿Con qué rima tima?, se pregunta Alejandro Ma-gallanes en esta propuesta poética, que poco tiene que ver con la rima y en la que el juego está presente en cada vuelta de página.

Como resultado de años de encuentros con el lenguaje y las imágenes, Ma-gallanes explora las orillas de la poesía. El resulta-do: una sinfonía de poemas lúdicos, irónicos y carga-dos de humor.

En la línea de los poemas caligráfi-cos de Apollinaire, la poesía visual de Joan Brossa y la poesía concreta brasileña, ¿Con qué rima tima? es un alegre carnaval del lenguaje que festeja la unión de la imagen con la palabra. Se dice

que: en números alegres, se necesi-tan por lo menos 2858 lectores que compren este libro para agotar la presente edi-ción.

Variable uno: si los ejemplares se venden. Pensando que quienes com-pren el libro lo lean y lo compar-tan con alguien más, ¿Con qué rima tima? ten-drá más o menos 4,287 lectores.

De acuerdo al señor interventor, cada ejemplar se puede leer y ver en unos 30 minutos (pues hay quienes no leerán las portadillas ni los folios ni el colofón, ni el poe-ma extenso de la página 47).

Si multiplicamos el número de lectores por el nú-

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mero de minutos, veremos que se in-vertirán aproxima-damente 128,610 minutos de tiempo de lectura, o sea 2143 horas con 30 minutos, o sea 89.31 días, o sea casi 3 meses de lectura continua, lo cual está muy bien sabiendo que el tiempo es lo más valioso que posee-mos los seres vivos.

Variable dos: lo demás. Se acon-seja abanicarse la cara con este ejem-plar y, de ser po-sible, distinguir su olor a papel, tinta y pegamento.

De esto consta la visualización del pequeño y diverti-do libro de Alejan-dro Magallanes.

Nos involucra.

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“The picture is the imitation and

converted reality of the goods, in short,

an indirect substitute for reality”

-Herbert Bayer

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03HerbertBayer

Diseñador gráfico, pintor, fotógrafo y arquitecto austriaco. Bayer fue el diseñador de publicidad más innovador de la Escuela de la Bauhaus, a la que perteneció: su trabajo destaca por la temprana introducción de la fotografía en los años 1920.

Bayer fue aprendiz del artista George Schmidthammer en Linz. Tras dejar el taller se interesó por el manifiesto Bauhaus de Wal-ter Gropius. Tras estudiar durante cuatro años en la Escuela de la Bauhaus, con profesores como Wassily Kandinsky o László Moholy-Nagy, Gropius nombró a Bayer director de impresión y publicidad. Influenciado por el minimalismo, Bayer desarrolló un estilo visual nítido y adoptó una fuente sans serif completamente en minúsculas para todas las publicaciones de Bauhaus. En 1925

“Photography presents above all a

document.”

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after ashort time

you willbeginthinking

groups of words

you willautomaticallystop

confusingyoursentences

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diseñó una fuente sans serif geométrica, universal, cuya versión digital recibe el nombre de Architype Bayer.

En 1928, Bayer dejó la Escuela de Bauhaus para convertirse en director artístico de la oficina en Berlín de la revista Vogue. Diez años más tarde, huyendo de la Alemania nazi, se mudó a Nueva York, donde desarrolló una larga carrera en la que destacó en prácticamente todos los aspectos de las artes gráficas.

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“Just as typography is human speech translated into what can be read, so photography is the translation of reality into a readable image.”

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Ya en 1938 organizó la exposición y el catálogo Bauhaus 1910-1928 en el MoMA de Nueva York.

En 1946, contratado por el industri-alista y vision-ario Walter Paepcke, Bayer volvió a mudarse, esta vez a Aspen, en Colo-rado, donde Paepcke trata-ba de promo-cionar el esquí como deporte popular. En el ámbito ar-quitectónico, Bayer codis-eñó el Aspen Institute y restauró la Wheeler Op-era House; además, produjo car-teles publici-tarios que

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identificaban el esquí con el ingenio, la emoción y el glamour. Bayer estuvo asociado con Aspen hasta mediados de los años 1970.

Entre 1946 y 1956 fue consejero artístico de la Container Corporation of America y desde 1966 de la Atlanthic Richfield Company.

En 1959 diseñó su “fonetik alfabet”, un alfa-beto foné-tico para el inglés. Era sans serif y no tenía letras mayúsculas.

Tenía sím-bolos espe-ciales para las termina-ciones -ed, -ory, -ing e -ion, así como para los dígrafos “ch”, “sh” y “ng”. Un subrayado indicaba la duplicación de una con-sonante en la ortografía tradicional.

En 1968 preparó la exposición del catálogo 50 años Bauhaus en Stuttgart. La colec-ción de arte moderno del Museo de Arte de Denver ha recibido su nombre.

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“The control is not in the

manipu-lation of

the brush, but in the complete technical

realization of what is

seen.”

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“Every period, if true to itself, must create it´s own cultural expression out of it´s specific place in history.”

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“Mis áreas de interés:Arquitectura, Diseño

Gráfico, Diseño Industrial, Publicidad, Ilustración, Diseño de

Interiores, Branding, Relaciones Públicas.”

-Javier Henríquez Lara

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04Javier Henríquez LaraDiseñador gráfico profesional, docente especialista en Branding/marcas, con 13 años de trayectoria. Estudio en ITESO Universidad Jesuita en Guadalajara. Trabajo en Henriquez Lara Estudio. Ejerzo la docencia en ITESO Universidad Jesuita en Guadalajara.En 1997 comenzo a colaborar como dieseñador para distintas empresas del 2003 al 2008 funge como director de arte, se ha desempeñado como profe-sional intependiente llevando a cabo diversas campañas publicitarias.

“Small is the New Big”

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“Las grandes em-

presas todavía tra-bajan con las gran-des agencias y los

negocios pequeños o medianos todavía

no entienden muy bien de qué se trata

el diseño.”-Javier Henríquez Lara

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Javier Henríquez Lara realiza proyectos de diseño integral que incluyen la marca, la gráfica, el mobiliario, la ambientación y los empa-ques.

Quienes se han puesto en sus ma-nos son la cantina La Diablita, con su concepto mexicano-kitsch, el tequila Jima-dor, Fresh Salads y La Moresca.

Esta tenden-cia, que los gringos lla-man Small is the New Big (los peque-ños son los nuevos gran-

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des), tiene la ventaja de que las pe-queñas em-presas de di-seño pueden ofrecer una comunicación más fresca y creativa, menos condi-cionada por las grandes estructuras que enfrían

la creativi-dad. Y está haciendo que algunas gran-des empresas trasnacionales encuentren en este rincón del Tercer Mundo, pequeños es-pacios llenos de ideas frescas.

Más allá del cliché

El diseño latinoame-ricano, en suma, ha dejado atrás los clichés y, en muchos sentidos, está abierto al mundo.

fundador del Colectivo Hematoma y director de Henriquez Lara; además su trabajo ha sido expuesto y publicado en varias ciudades de México, Lati-noamérica y Europa.

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Javier, ¿qué opinas sobre Guadalaja-ra como focus del diseño?, ¿cuál es tu percepción acer-ca de lo que se hace, se desarro-lla y se exporta? En Guadalajara están pasando cosas muy padres, cada vez hay más

arte, más diseño y hay mucha gente nueva que está haciendo una la-bor grande para promocionarlo; es-tamos empezando a convertirnos en una gran ciudad y es maravilloso ir viendo ese cambio, aunque todavía no

llegamos al máxi-mo potencial.Las grandes empre-sas todavía traba-jan con las grandes agencias y los negocios pequeños o medianos toda-vía no entienden muy bien de qué se trata el diseño. Yo veo dos áreas: el

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área cultural en el que Guadalajara se esta desenvolvi-endo referente al diseño o la música y en las que es-tán empezando a despuntar y a dar estos resultados; otra es la parte empresarial (en donde nosotros

conseguimos tra-bajo pagado) y seguimos un poco verdes, porque las grandes empresas no ven que las pequeñas y medi-anas agencias son quienes se dan la oportunidad de entrar en procesos más creativos

mucho más sueltos y abiertos en propuesta de diseño.

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“Someone wrote, ‘Moebius is a

legendary artist.’I put a frame

around me.A legend — now

I am like aunicorn.”

-Jean Giraud (Moebius)

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05Moebius

Giraud nació en el suburbio parisino de Nogent-sur-Marne y en un 18, con poco entrenamiento formal, sus cuentos de aventuras de vaqueros se están publicando en las páginas del Far West revista. En sus 20 años de edad, se convirtió en el aprendiz del artista bel-ga Jijé , mejor conocido por su trabajo en “Spirou et Fantasio“y la aventura occidental serie de cómics ”Jerry Spring“Giraud tra-bajó en uno de los libros de ”Jerry Spring“ y la experiencia infor-marse claramente y su primera creación de la firma, Blueberry , el vagabundo del Viejo Oeste que apareció por primera vez el día de Halloween de 1963. Las historias de Michael “Blueberry” Donovan - un sureño acusado de asesinato que monta el rango y lucha contra la intolerancia a pesar de su herencia -fueron escri-tos por Jean-Michel Charlier hasta su muerte en 1990, cuando su colaborador de mucho tiempo tuvo tanto la escritura y las tareas del arte.

(Jean Giraud)

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“Después de todos los años que tengo un problema con mis ojos. En mi ojo izquierdo tengo una catarata. Se llevaron mi ojo , se lo llevaron a una tienda. Hicieron algi parecido al sushi chef al ojo “- aquí lo hace en una tabla para cortar de pantomima -” me ponen de nuevo y ahora es especial. Es como Terminator y su ojo androide. La visión en mi ojo izquierdo es diferente que la de el ojo derecho y es muy difícil tener la habilidad que tenía. La computadora es muy buena para mí, puedo amplificar mi trabajo con mucha facilidad. La pintura, es muy cara, hay un muchas personas que quiere tener mi trabajo. El nivel de precios aumenta cada año. Es mejor para mí, forma de vida,.Pero con mi ojo no es tan fácil. “

“Al principio yo tenía dos niveles diferen-tes”, dijo Giraud. “Para ser un artista en los cómics porque era mi sueño cuando era un adolescente y cuando yo tenía 7, 8,

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“Después de todos los años que tengo un problema con mis ojos. En mi ojo izquierdo tengo una catarata. Se llevaron mi ojo , se lo llevaron a una tienda. Hicieron algi parecido al sushi chef al ojo “- aquí lo hace en una tabla para cortar de pantomima -” me ponen de nuevo y ahora es especial. Es como Terminator y su ojo androide. La visión en mi ojo izquierdo es diferente que la de el ojo derecho y es muy difícil tener la habilidad que tenía. La computadora es muy buena para mí, puedo amplificar mi trabajo con mucha facilidad. La pintura, es muy cara, hay un muchas personas que quiere tener mi trabajo. El nivel de precios aumenta cada año. Es mejor para mí, forma de vida,.Pero con mi ojo no es tan fácil. “

“Al principio yo tenía dos niveles diferen-tes”, dijo Giraud. “Para ser un artista en los cómics porque era mi sueño cuando era un adolescente y cuando yo tenía 7, 8,

10. Yo era un fan. Yo ya comprometido con el dibujo. Los cómics no eran sólo historias para disfrutar eran dibujos que me poseían. Vi muy temprano en la diferencia con mis ami-gos. Usaban los cómics como un libro, pero yo vi una exposición de dibujo. El propósito era diferente para nosotros, la experiencia no fue la misma. El segundo nivel para mí, otro lado - lo que tal vez sea mi cara Moebius - era el otro arte maravilloso que es-taba descubriendo con mucho apetito. La ex-presión del arte como algo más grande que la vida, más grande que cualquier cosa. Había algo muy misterioso en eso y hermoso. Era una especie de cielo con Picasso y todo el mun-do en la misma mesa. Yo quería ser parte de eso. Para mí fue una fiesta a través de las edades. Atemporal “.

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“Mi mayor éxito es que no me arrepiento

de elegir la ilustración, toda mi vida dije que iba a

ser médico forense, pero escogí estudiar

en Bellas Artes. Tenía que pasar.”

-Ixchel Estrada

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06Ixchel EstradaMexicana (1997). Licenciada en Diseño Gráfico por la Escuela Nacional de Artes Plasticas de la Univerdad Nacional Autónoma de México. Y diplomada en ilustración por la unidad de Posgrado de la Escuela de Diseño del Instituto Nacional de Bellas Artes.

Como ilustradores ha colaborado para medios impresos y editoriales, entre los que se encuentran: Editorial Pre-miere, Ediciones Castillo, SM, Grupo Mundo Médico, Colectivo Pangea, CECADESU, Oxford Universitu Press, Esfinge, Santillana, Ene O, Richmond Publishing, PNUMA, Expansión, las revistas Dia Siete, Tentación, Souvenir, el Museo Universum, CONACULTA.

“hay cosas

que me guiñan el ojo”

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“El arte tiene el ma-

ravilloso poder de darte terapia sin

que te des cuenta”-Ixchel Estrada

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Experta en llegar a casa sin dobladi-llo, hacerla de pepena-dor y man-tener todo en absoluto desorden.

“La Muñeca” (mote fami-liar que ganó al nacer por su tamaño conveniente-mente parti-cular), se in-clina por las artes gracias a los monos de perfil con grandes narices de su padre y a la famosa “libreta roja” de recortes y canciones su madre. Su incapacidad de recrear lo real nace a partir del “Alacrán, cran, cran”

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cuando, en lugar de una imagen, su madre pega uno real…

Hace ilustra-ciones para revistas, libros para niños y de vez en cuan-do una que otra escultura con chicle o

El trabajo de Ixchel ha sido premiado Nacional e Internacio-nalmente y ha estado en exposiciones como el Cata-logo de Ilus-tradores de Publicaciones Infantiles y Juveniles de

CANACUL-TA, además sus libros ilustrados son 15 y han sido traducidos a otros idiomas y llevados a países como Taiwán y Corea.

Desde el año 2000 ha colaborado

con diversas medios edi-toriales tanto para libros, revistas, cor-tos animados y publicacio-nes indepen-dientes

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Sus ilustraciones han sido seleccio-nadas para formar parte del 10º, 11ª, 12ª 13ª, 14ª, 15ª y 16ª Catálogo de ilustradores de Pueblicacio-nes Infantiles y Juveniles (DGP-CONACULTA) del 2000 al 200

respectivamente, donde obtuvo men-ción honorifica por su trabajo en los años 2001, 2003 y 2006 además de ser ganadora por el tercer lugar en este ultimo año.

Recientes pro-yectos incluyen,

Imaginantes, cor-tos animados pro-yectados para la televisión (Televisa 2008) que próxi-mamente serán de nuevo transmitidos; dos libros aún por publicarse; talleres para niños, y tolo lo referente a Pe-dagogías Activas.

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El siguiente año diplomará en Arte Terapia y continua-ra su proyecto de juguetes hechos a mano.

Ha participado en programas de radio y televisión, tanto como artista, como escritora y

como experta en el comportamiento infantil.

Continuamente da cursos y conferen-cias. Mucho de su trabajo como artis-ta ha sido expues-to en algunos mu-seos de la ciudad de México.

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“He who wishes to become a master of color must see, feel,

and experience each individual color in its

endless combinations with all other colors. ”

-Johannes Itten

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07Johannes IttenPintor suizo. Estuvo estrechamente vinculado a la escuela alema-na conocida como Bauhaus, de la que fue uno de sus miembros fundadores.

Comenzó sus estudios en 1904, e ingresó en un seminario sobre profesorado en Berna. Finalizados éstos, ejerció como profe-sor. Acorde con su gusto heterogéneo, se matriculó en cursos de matemáticas y ciencias naturales, los cuales ejercieron gran influencia cuando posteriormente fuese el encargado de dirigir el “Vorkus” o curso preparatorio de los estudios en la Bauhaus.

“The objective laws of form and color help to strengthen a person’s powers and to expand his creative gift.”

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En 1913 se trasladó a Stutt-gart, donde recibió clases de dibujo y pintura en la Academia de Arte de la ciudad, en la que siguió los cursos impartidos por Adolf Hoezel. El mismo año que se trasladó a Viena, en 1916, entró en contacto con los ar-tistas aglutinados alrededor de la publicación llamada Der Sturm (La Tormenta) con los que expuso sus primeras obras. Hasta su instalación en Weimar para atender la petición de Walter Gropius de que formase parte del cu-erpo docente de la Bauhaus (1919), abrió una escuela de arte en la capital austríaca en la que conjugó las ense-ñanzas plásticas con una pseudofilosofía influida por lo oriental.

Su estancia en la Bauhaus fue corta, entre octubre de 1919 y marzo de 1923, pero de tremenda importancia para la historia y posterior desarrollo de la escuela, por ser el responsable de la elaboración de su curso preparatorio, un semestre que orientaba a los alumnos antes de que éstos decidie-sen en que taller querían

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ingresar. El plan ped-agógico elab-orado por Itten recibió la influencia de los plan-teamientos del arquitecto Otto Barning, y ha servido de modelo desde enton-ces hasta la actualidad.

Este curso, conocido como Vorkus, introducía al alumno en la experiment-ación con los materiales más diversos y entonces ajenos a las prácticas plásticas: ace-ro, cuerda, material textil, fotografías, madera o cristal. Por otra parte, Itten fue uno de

los responsables de que, en materia de ab-stracción, la Bauhaus se decantase por una tendencia geometrizante en la interpretación de la misma. Aparte de ser el encargado de este curso inicial, Itten dirigió diversos tall-eres hasta 1923, los de metal, pintura mural y pintura en vidrio, en algunos de los cuales colaboró con Georg Muche.

Un aspecto muy importante en el perfil del creador suizo es su interés por el misticismo y las teorías orientales. Cuando se trasladó a la Bauhaus en 1919, algunos de sus alum-nos le siguieron como discípulos. Su grupo se caracterizaba por llevar el pelo rapado

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para acentuar la geometricidad de la cabeza, vestían túnicas hasta los pies y se alimenta-ba sólo de gachas. Al año siguiente de su llegada a la escuela alemana, Itten y sus discípu-los adoptaron la doctrina oriental mazdaznan, doc-trina que se encar-garon de practicar y extender en la escuela y que fue la responsable del abandono de ésta por Itten.

En marzo de 1923, junto a un reducido grupo de alumnos, se re-cluyó en un centro mazmadan en Sui-za, y permaneció allí hasta que fundó su propio centro mazdeista en Berlín en 1926. La Escuela Mod-erna de Arte, más conocida como Escuela Itten, en la que dio clases de

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pintura hasta 1934, fue cerrada con la subida al gobierno alemán del partido nacionalso-cialista.

Por su expe-riencia en el sector textil, fruto de su paso por la Bauhaus, fue nombrado director de la Escuela Textil en Krefeld.

Tras un período de inactividad durante la Segunda Guerra Mundial, Itten dirigió desde 1952 hasta 1953 el Museo y Escuela de Artes y Oficios de Zúrich. Tam-

bién se en-cargó de la organización y dirección del Museo Rietberg de Arte de la misma ciu-dad (1950-1956).

Hasta su fallecimiento en Zúrich en 1967, Itten se dedicó a escribir sus teorías sobre arte y peda-gogía.

La obra de Itten se car-acteriza por su riqueza cromática y por su gusto por la abstrac-ción, aunque aborde temas de carácter figu-rativo como paisajes o figuras.

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“Colors are primordial

ideas, children of the abori-

ginal color-less light

and its counter-

part, colorless

darkness... Light, that

first

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phenome-non of

the world, reveals to

us the spirit and the living

soul of the world

through colors.”

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“Cuando se dispara a un elefante,

este tarda diez días en caer, yo puedo

tardar AÑOS.”-Sara Luna

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08SaraLunaSara nació en la ciudad de México, terminó la licenciatura de la Universidad Autónoma Metropolitana de la carrera de Diseño de la Comunicación Gráfica, desde sus inicios profesionales estuvo vincu-lada al diseño editorial, al cartel cultural, fue diseñadora de la revista MATIZ. En 1999 Sara emigra a la ciudad de Guadalajara, en donde aprende a trabajar en el medio publicitario, Tam-bién en ese año es invitada a partici-par en un colectivo de artistas gráficos, Colectivo HEMATOMA, proyecto de carteles culturales, políticos, vernácu-los, etc. cada uno de ellos en búsqueda de lenguajes personales, cuya meta fue llevar el arte urbano/cultura/político a las calles, a través de mostrar cada col-ección en distintas partes de la misma ciudad.

“Gua-dalaja-

ra, mi gran

oportu-nidad”

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“Siempre que hay

un cambio en tu vida que te obliga a

revisar cosas y las mejoras”

-Sara Luna

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Vinculada al diseño edito-rial, al cartel cultura, y fue diseñadora de la revista MATIZ. En 1999 aprende a trabajar en el medio publicitario, en ese año es invitada a participar en el colectivo de artistas grñaficos, colectvo HE-MATOMA, proyecto de carteles cul-turales, políti-cos, vernácu-los, etc. cada uno de ellos en búsqueda de lenguajes profesion-ales, cuya meta fue llevar el arte urbano/cul-tura/político a las calles, a través de

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mostrar cada colección en distintas partes de la cicudad de Gudalajara.Sara ha trabajado en diferentes ámbitos del diseño grá-fico cómo: Branding, Diseño web, editorial ,

En muy corto tiempo, la marca se re-presenta por producir de una manera innovadora y sobretodo por el dise-ño gráfico efectivo, que es atractivo, claro y perti-nente.

empaque y publicidad. En la actu-alidad Sara trabaja en su estudio, co-municación que conecta con el obje-tivo del mer-cado. BD MARK es un estudio

de diseño establecido en Guadala-jara, Montré-al y Miami. trabajan con proyectos creativos que incluye la idntidad, branding, medios im-presos y deisño web.

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Sara Luna, fue seleccionada en el libro sobre 100 años de diseño Latin American Graphic Design, de Taschen. Fue fundadora del co-lectivo Hematoma y escribió para la revista Matiz. Es director del

despacho de dise-ño BD Mark.“Cuando eres au-tónomo tienes que agudizar el inge-nio, haya o no cri-sis. Dejando a un lado el paro y las situaciones dramá-ticas es importante una crisis porque te pone las pilas”,

asegura.“Siempre que hay un cambio en tu vida que te obliga a revisar cosas y las mejoras” y para ello sirven las crisis.hay que dejar claro a las empresas que “el diseño de la imagen te cuesta lo mismo que pintar un local”.

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“…arranging and rearranging of

aesthetic, craft, religious and

naturalistic elements and

forms of the past to make images valid for

the present.”

-Ikko Tanaka

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09Ikko TanakaOriginario de Nara, ciudad milenaria cuya historia se remonta al si-glo VIII, inició su carre-ra dentro de las difíciles condiciones por las que atravesaba Japón en la posguerra. Su primer cartel impreso data de 1953, realizado en medio de la efervescencia del mundo occidental en que, como señala Raúl Hernández Valdés en Ikko Tanaka: la estética de la suspensión, el anhelo por asimilar los es-tilos de ese mundo se convirtió en un fenómeno social extendido a todos los estratos culturales japoneses.

Tanaka, sin embargo, no cedió a la tentación de la corriente en boga, pero tampoco tomó lo propio con fines exóticos o de fol-clore para su exportación. Su trabajo radicó en una profunda comprensión intuitiva de los elementos originales y las estructuras formales de Oriente y Occidente.

“The arts help us

in life.”

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De los prim-eros, recono-ció el valor de la austeri-dad o de la simplicidad. Sus diseños prescinden de mensajes obvios o directos, el autor sugie-re, persuade a partir del lenguaje de los símbolos, caracter-ístico de una sociedad que entre sus soportes culturales conserva un alfabeto ideogramáti-co, para el cual, incluso, Tanaka creó un diseño tipográfico.

Tanaka supo ponderar dicha impron-ta. El más cosmopolita de los medios

de comuni-cación, en la jerga actual se diría el más global-izado, partía en su trabajo de tradicio-nes propias sin entrar en contradicción con la mod-ernidad.

Pero esta po-sibilidad no fue concebi-da de mane-ra aséptica por el artista. En la ent-revista con Julio Frías, también pub-licada en el mismo núme-ro de Casa del Tiempo, Tanaka ad-vierte: Sin una cultura propia, cual-quier país en un continente será igual a los otros, entonces no

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tendrá identi-dad propia. Si todos consumen y comen lo mis-mo, ¿dónde estará la originalidad? Mucha gente viste igual, eso no es malo, pero no es intere-sante.

En el marco del homena-je póstumo a Ikko Tanaka se exhibirán 20 de sus carteles realizados durante los últimos 12 años, entre ellos, el más reciente, que elaboró antes de morir, se trata del homenaje al pionero del cartelismo moderno: Henri de

Toulouse-Lautrec.

Recono-cido con las medallas de oro y plata del Club de Directores de Arte de Tokio, de la Bienal Inter-nacional del Cartel de Varsovia, y con los pre-mios Club de Directores de Arte de Nueva York, para México resulta en-trañable la muestra Ikko Tanaka, el arte del car-tel japonés, exhibida en 1995, en el desapare-cido Centro Cultural de Arte Con-temporáneo. / Estrella Olvera

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Ikko Tanaka hacía frecuentes referencias a los conteni-dos líricos, al sistema de imágenesy los estilos del periodo Edo y también a la caligrafía tradicional japone-sa. Mientras que la mayoría de los diseñadores japone-ses modernos renunció a las referencias tradicionale-spor motivos ideológicos y muchos contemporáneos que hasta ahora evitan “caer en losclichés nacionales”, o lo que el crítico Masaru Katsumie ha llamado “japon-erías de bazar”,Tanaka, con toda legitimidad, aplicaba referencias del imaginario histórico a su propiotrabajo.

Su vida esta marcada por dos importantes Experi-encias: el ritual del té y el NohCaracterístico ritual japonés, del cual Tanaka recibió importante aportea su estilo de vida.El Maestro del Té Sen no Rikyu dijo que el téconsistía simplemente en hervir agua, hacer té y be-berlo. Es decir, algosencillo, de o cual también podemos identificar en el diseño detanaka.También estableció los cuatro estándares del chado, “el camino del

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“Form is equal to

style”

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“Form is equal to

style”

té”:WA, KEI,SEI, JAKU (ar-monía, respeto, pureza y tranquil-idad). Al imbuirla ceremonia del té de estoscuatro parámetros, her-vir agua, hacer té ybeberlo ya no parece tan sencillo. Los cu-atroconceptos son tambiéncar-acterísticos en su vida y su forma de diseñar.

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“Dice la tradición que el oficio más

antiguo del mundo es la prostitución.

Yo digo que es la cacería, luego la

agricultura, y después el diseño.”

-Rogelio López Álvarez

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10ROGELIOLÓPEZ ALVAREZNació en México, en 1972.Rogelio López Alvarez ha sido uno de los que ha escrito el lenguaje visual para la nueva generación de diseñadores gráficos mexicanos, con las formas tradicionales de medios como carteles y diseños impresos.Se gradúo de la Universidad Autónoma de Guadalajara. López Alvarez tiene su propio despacho de diseño desde 1999, creando ani-maciones, paginas web, y trabajos multimedia para prestigios clientes de la región.

“Yo no que-

ría ser freelan-

ce”

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“la maravilla de

escribir “yo digo””-Rogelio López Álvarez

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Trauma nú-mero uno. ¿Oficio o profesión?

Dice la tra-dición que el oficio más antiguo del mundo es la prostitución. Yo digo que es la cace-ría, luego la agricultura, y después el diseño.

En el momen-to en el que el hombre comenzó a pintar en las cavernas para dar registro de sus hazañas en la cace-ría y utilizar esas pinturas para llevar un mensaje al resto de la tribu.

eso es más

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diseño gráfi-co que arte. Lo que pinta-ban lo pinta-ron con una necesidad específica de comuni-cación, y no por una necesidad expresionista individual provoca-da por sus

traumas de la infancia. Por eso lo considero más diseño, y menos arte.De ahí deriva la importan-cia del diseño gráfico en nuestras vi-das. La ma-yoría de la gente piensa que lo que

nos separa del resto del mundo animal es nuestra ca-pacidad de pensar, de razonar. Hay pruebas que demuestran que tanto los delfines como las ballenas tienen esta capacidad.

Hay chimpan-cés y simios que incluso aprenden a comunicarse y a hacer operaciones matemáticas simples. Lo único que todavía no se ha encontra-do en el reino animal es la capacidad

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de darle un valor y un significado a una imagen. Me refiero a la inter-pretación universal de los símbolos (un corazón significa amor, una cruz simétrica significa hospital, etc.). Esta capacidad de dar-le un significado a

un gráfico es ex-clusiva de los seres humanos. De ahí se deriva la escri-tura, los números, la literatura, entre otras cosas básicas para nuestra socie-dad. Cualquiera diría que alguien que se dedica a esto debería de ser

un personaje muy importante para la sociedad. Pero no. Resulta que ser diseñador gráfico es una de las profe-siones peores pa-gadas en este país Pero… ¿Cómo? ¿Cuándo? ¿Por qué? Permítanme presentar una teo-

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ría: Yo opino que una gran responsa-bilidad de que ser diseñador gráfico sea en estos días tan difícil tiene que ver con su antigüe-dad. Con ser un oficio mucho antes de ser una profe-sión. Y a los oficios no se les conside-

ran actividades profesionales. Por más que la revolu-ción industrial, el avance tecnológi-co y el capitalismo hayan creado la necesidad de tener un profesional de la comunicación gráfica.

una muy buena parte del mundo de la publi-cidad y la comunica-ción ve a un diseñador gráfico como un muy buen artesano. No es el que es capaz de pensar, estructurar y diseñar un mensaje de una manera gráfica,

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es el que mane-ja bien y rápi-do un Pho-toshop o un Ilustra-dor Y si tie-ne de menos algo de conoci-miento orto-grá-fico, pues mejor. Si no, existe Goo-gle para ver como se es-criben las cosas (el que guste tomar

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esto último como consejo, hágalo de inme-diato).

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“Justo cuando estaba estudiando diseño empezó el

boom digital.”-Jorge Alderete

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11Jorge AldereteIlustrador pop, influenciado por la cultura trash, las películas de cien-cia ficción de los 50's, la lucha libre, la música surf, que plasma este universo en sus psicotrónicas ilustraciones, animaciones e historietas.

Egresado de la Facultad de Bellas Artes, de la Universidad Nacional de La Plata, Argentina, como Diseñador en Comunicación Visual.

Colaboró con distintos medios de Argentina, México y España.Como animador independiente realizó animaciones para MTV latin America y Japón, Nickelodeon Latin America y Brasil, etc. y también fue coordinador de la sección de animación de la web de MTV latina america. Fue jurado en los premios MTV online 2001, en el rubro animación y en el rubro diseño en los premios One Show 2004 en New York.

Actualmente y desde su laboratorio en el DF, sigue realizando ilus-traciones, comics o animaciones para distintos medios y editoriales de Argentina, Mexico, España, Italia, Alemania, Portugal, USA, Suiza, Finlandia etc.

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Se considera más artista o diseñador: Comenta que hay una línea muy delgada entre el diseño y el arte, y desde que empezó se ha movido de un lado y otro de esa línea. Cree que hay mane-ra de combinar los dos mundos sin mucho conflicto.

Para él se trata de ser fiel a su instinto y a lo que le gusta, y de ser consciente de su trabajo. comenta que él en un banco no le sirve para nada, no le puede hacer un logotipo ni la imagen cor-porativa, pero hay quien disfruta haciéndolo, y eso es lo que hay que tener claro: qué es lo que uno quiere

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Doctor Alde-rete —como es mejor conocido en el mundo del diseño y el de la ilustra-ción— debe su fama a lo que Julius Wiedemann, en el libro Illustration now! (Tas-chen), define como “un es-tilo pop con imágenes de la cultura basura, las películas de ciencia fic-ción de los cincuenta, la lucha libre y la música surf en ilustra-ciones, ani-maciones y cómics psico-trópicos”.

Entre sus clientes se cuentan MTV, Nickel-odeon, Fox y

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Once TV en el campo de la animación. Como ilustra-dor ha co-laborado en los diarios El País, Clarín, Página 12 y El Universal, así como en las revistas Quo, Somos, Complot y Gallito Cómics. Ha recibido pre-mios como el que otorga la Society for News Design y el que organiza la revista a! diseño.

Jorge llegó a México en 1998 junto con su espo-sa, la tam-bién diseña-dora Clarissa Moura.

Su plan era quedarse un

año, pero el caos los fue seduciendo y se han ido quedando.

Confiesa sin empacho que siempre ha sido un músi-co frustrado. Pero eso no le ha impe-dido ser un colaborador creativo de muchas ban-das por me-dio del arte que viste sus grabaciones.

Se ha relacio-nado con los grupos que ha publicado su disquera, como Los Straitjackets, Los Caver-narios, Los Twangers, Los Coronas, y Matorralman, pero también con Los Fabu-losos Cadil-

lacs, para quienes hizo la portada de su disco más reciente, La luz del ritmo.

A pesar de todo esto, no se considera un empresa-rio:

“No sabe-mos muy bien cómo comercializar un producto; lo que sabe-mos es cómo

“es como una

invitación a ser un

integrante más”

generar ideas e invo-lucrarnos en los proyectos con mucho amor y pa-sión. Nos importa mucho más que el resul-tado quede bien y que diga algo, a que se pu-eda vender o llenarnos de dinero hacién-dolo”.

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Jorge Alderete asegura que su primera escuela fueron los cómics. Eran los años ochenta y vivía en la Patagonia, pero Jorge no tenía problemas para encontrar cómics del under americano y de la línea franco-belga. Los su-perhéroes no se consumían tanto. Y tampoco le inte-resaban.

Era un gusto que compartía con sus padres: “Leían cómics para adul-tos, que no son el Libro Vaquero, entiéndase”. En Argentina siem-pre se ha tomado más en serio el tebeo. Algunos de sus autores go-zan de prestigio como narradores en el mundo de la literatura.

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Y en Europa se les respeta aún más: “Francia es uno de los pocos países donde el cómic es una industria real hoy día, y en España tienen un Premio Nacional”, refle-xiona Alderete.

“Acá no hay nada de eso”. Desde esa época le viene la influen-cia del ilustrador Charles Burns y el incesante interés que lo ha llevado a participar en diversos proyec-tos relacionados con los cómics, como el suple-mento “Zonaste!” de la revista Zona de Obras, que se editó entre 1999 y 2002 y que puede consultarse íntegro en el sitio web de Alderete.

(www.jorgealde-rete.com)

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“It is very important to embrace failure

and to do a lot of stuff — as much stuff as possible — with as little fear as possible.

It’s much, much better to wind up with a lot of crap

having tried it than to overthink in the

beginning andnot do it.”

-Stefan Sagmeister

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12vStefanSagmeister“He visto películas que me han conmovido, he leído libros que han cambiado mi modo de ver las cosas y he escuchado música que ha influido en mi ánimo. Nuestro objetivo será llegar al corazón de la gente con el diseño”.

Esta frase, retrata la pretensión de Stefan Sagmeister (Austria, 1962) por transformar el diseño actual. Lo ha demostrado a lo lar-go de su trabajo. Su obra destaca no solo en el ámbito del diseño sino en el mundo artístico, donde se mueve en los límites del dise-ño y del arte conceptual.

“Nuestro objetivo será llegar al

corazón”

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Sagmeister estudió Diseño Gráfico en la University of Applied Arts de Vie-na, más tarde recibió una beca para estudiar en el Pratt Institute de New York. En 1991 se mudó a Honk Kong para trabajar en la agencia Leo Bur-nett; en 1993 de vuelta en New York trabajó con el gran Tibor Kalman, para más tarde, en 1994, formar su propio estudio en el que ha trabaja-do con clientes del mundo de la mú-sica, diseñando portadas realmente sorprendentes, cargadas de poder retórico y estético.

Sagmeister es claro y, a veces, has-ta descarnado, en contraposición a la mayoría de diseñadores que se preocupan por el ámbito más formal y estético: la tipografía, la reducción y abstracción de formas lógicas. Un ejemplo es el cartel que diseñó para la conferencia del American Institute of Graphic Arts (AIGA) a principios de los 90. En esa ocasión, Sagmeister pidió a su ayudante que tallara los detalles de la conferencia sobre su torso con un cuchillo y después foto-grafió el resultado para convertirlo en un cartel.

Cada siete años, el diseñador Ste-fan Sagmeister se toma un sabático y cierra su estudio de Nueva York para fortalecer y renovar su panora-ma creativo. Formó True Majority un grupo de 500 artistas y directores de

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empresas líderes en Estados Unidos que se opusieron públicamente a la guerra contra Irak y ahora recauda fondos para acabar su película ‘The Happy Film’, creada después de su último año sabático en Sri Lanka y Bali.

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“To be stupid and sel-fish and to have good

health are the three requirements for hap-piness. Though if stu-

pidity is lacking, the others are useless.”

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Sagmeister recinio un premio Grammy en 2005 en la cate-goria “best boxed” o “Special Limited Edition Package” por la direcciond e arte de Once in a Lifetime box set de Talking heads.

En 2005 gano “The National award For Communications” de The Cooper-hewitt National Design Museum Su segun Grammy fue por el diseño de David Byrne and Bra-ina eno album “Every That Happens Will Happen Today” en la categoria “Best Recording Package” en 2010.

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Este es un proyecto personal curado, editado, asi como el diseño de paginas, reticula y editorial trabajado por Acevedo Brindis Cynthia Daniela, Héctor Arce Goméz, Velazquez Mendoza Ledia Abigail y Yair Alonso Hernandez Huerta

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VISUALMENTE PODEROSO.

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