TERRY SMITH is Andrew W. Mellon Professor of Contemporary Art History and Theory in the Henry Clay Frick Department of the History of Art and Architecture at the University of Pittsburgh.

In recent decades, the most pervasive idea about contemporary art has been that one cannot––indeed should not––have any idea about it. So it is not surprising that contemporary art’s current bout of self-questioning has occurred so tardily. Over half a century since the first stirrings of a distinctively contemporary art became evident (as retreats, voids, and absences) in the work of artists such as John Cage, Robert Rauschenberg, Yves Klein, Lucio Fontana, and members of the Gutai group; more than forty years since its immediacy insisted itself in the work of artists such as Andy Warhol, Allan Kaprow, Lygia Clark and Hélio Oiticica, Robert Smithson, Joseph Beuys, and performance artists and conceptualists everywhere; at least thirty years after its demands were interpreted as symptoms of our shift to the postmodern-—yet we nevertheless have found ourselves standing, unblinking, in spectacularity’s spotlight. The market bubble built so assiduously during the 1980s has recently burst: its contribution to conceiving the contemporary as a state of witless presentism cannot be underestimated. Yet other voices did contribute to the clamor. If we can say that during the 1950s and the early 1960s artists led the way in responding to the contemporary, and in defining it, critically, for the rest of us, it is becoming a cliché to note that in each successive decade since then agenda-setting was done, in turn, by theorists critics, arts administrators, gallerists, curators, and collectors.

This was accompanied of course by much excitable role-swapping, yet

TERRY SMITH é Andrew W. Mellon Professor de História da Arte Contemporânea e Teoria do Henry Clay Frick Departamento de História da Arte e Arquitetura na Universidade de Pittsburgh.

Nas últimas décadas, a ideia mais difundida sobre a arte contemporânea tem sido a de que não se pode - na verdade não deveria - tem alguma idéia sobre isso. Portanto, não é surpreendente que a luta atual da arte contemporânea de auto-questionamento ocorreu tão tardiamente. Mais de meio século desde que os primeiros sinais de uma arte distintamente contemporânea tornou-se evidente (como retiros, espaços vazios e ausências) na obra de artistas como John Cage, Robert Rauschenberg, Yves Klein, Lucio Fontana, e os membros do grupo Gutai; mais de quarenta anos desde a sua imediação insistiu-se na obra de artistas como Andy Warhol, Allan Kaprow, Lygia Clark e Hélio Oiticica, Robert Smithson, Joseph Beuys e artistas performáticos e conceptualists em todos os lugares; pelo menos trinta anos após suas demandas foram interpretados como sintomas de nossa mudança para o pós-moderno - ainda que, no entanto, nos encontramos em pé, sem piscar, no projector de espectacularidade. A bolha do mercado construído tão assiduamente na década de 1980 foi recentemente estourar: a sua contribuição para conceber o contemporâneo como um estado de presentismo witless não pode ser subestimada. No entanto, outras vozes se contribuir para o clamor. Se podemos dizer que durante os anos 1950 e início dos anos 1960 artistas liderou o caminho na resposta ao contemporâneo, e defini-la, de forma crítica, para o resto de nós, está se tornando um clichê notar que em cada década sucessiva desde então agenda -Configuração foi feito, por sua vez, pelos teóricos críticos, administradores de artes, galeristas, curadores e colecionadores.

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the rise and rise of a vacuous pluralism seemed unstoppable, especially in the Northern Hemisphere. By the 1990s, every new art institution, and each new department of existing ones, was busy naming, or renaming, itself “contemporary.” Few had any firm idea of what this meant: mostly the word served as a placeholder for what had recently occurred, was going on right now, or might happen next. Despite the wistful nostalgia for bearable lightness expressed in the metaphor with which the questionnaire concludes, those days are gone––indeed, the undertow has been felt since the 1980s. How do we unpack decades of disinformation about contemporary art? How do we inject critical consciousness into the morass of upbeat mindlessness that has come to pass for art discourse? How do we avoid the twin dangers of, on the one hand, inflating some part-explanation (postmodern irony, poststructuralist informalism, melancholy Marxism, relational aesthetics, altermodernism, etc.) into an account of the whole and, on the other, running for shelter behind the minutiae of particularism? One obstacle is the self-interest and inflexibility of the art institutions: the flailing about so evident at the Museum of Modern Art, for example, as it struggles to absorb the contemporary into its core commitments to historical modernism and to medium-based bureaucracy. A deeper challenge to historians of the contemporary is that we cannot escape finding ourselves in the position of the central figure in Kafka’s parable “HE.” Pressed from behind by past forces––insistently TERRY SMITH nagging, unbeaten, still vital, seeking advantage—and from in front by the future’s infinite expectations, we struggle to grasp our present, to find even a temporary place in it.

All three temporalities need each other to be themselves, yet, Kafka notes, we have a secret dream, that “some time in an unguarded

Isto foi acompanhado de rumo por muito excitável role-troca, no entanto, o surgimento e ascensão de um pluralismo vazia parecia imparável, especialmente no Hemisfério Norte. Na década de 1990, cada nova instituição de arte, e cada novo departamento das já existentes, foi nomeação ocupado, ou mudança de nome, a própria Poucos tinham qualquer ideia firme de que isso significava "contemporânea.": Na maior parte a palavra serviu como um espaço reservado para o que tinha recentemente ocorreu, estava acontecendo agora, ou pode acontecer a seguir. Apesar de a nostalgia melancólica para leveza suportável expressa na metáfora com a qual o questionário conclui, esses dias são ido - na verdade, a ressaca foi sentida desde os anos 1980. Como podemos desempacotar décadas de desinformação sobre a arte contemporânea? Como podemos injetar consciência crítica para o pântano de mindlessness otimista que tem vindo a passar para o discurso de arte? Como podemos evitar os perigos gêmeos de, por um lado, inflando alguma parte-explicação (ironia pós-moderna, informalismo pós-estruturalista, melancolia marxismo, estética relacional, altermodernism, etc.) em uma conta do todo e, por outro, correndo para o abrigo atrás do minúcias do particularismo? Um obstáculo é o interesse próprio e inflexibilidade das instituições de arte: o debatendo sobre tão evidente no Museu de Arte Moderna, por exemplo, enquanto se esforça para absorver o contemporâneo em seus compromissos fundamentais do modernismo histórico e à burocracia baseada médio. Um desafio mais profundo para historiadores do contemporâneo é que não podemos escapar encontrando-nos na posição de figura central na parábola de Kafka pressionado por trás por forças do passado "ele". - Insistentemente TERRY SMITH irritante, invicto, ainda vital, buscando advantage- e na frente por do futuro infinito expectativas, lutamos para compreender nosso presente, para encontrar até mesmo um lugar temporário na mesma.

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moment––and this would require a night darker than any night has ever been— he will jump out of the fighting line and be promoted, on account of his experience in fighting, to the position of umpire over his antagonists in their fight with each other.”1 I cannot here gloss this glaring insight––and could not, in any case, come close to matching Hannah Arendt’s brilliant commentary in Between Past and Future, a collection of essays full of pointers as to how the present might be thought.2 Suffice it to say that in contemporary conditions, no one is going to elevate us to some time-space outside of the struggle. Indeed we are hard pressed nowadays to imagine the future having the kind of presence in the present that it had for Kafka in 1920, Arendt in 1961, or for many of us until 1989 or 2001. Utopian thinking has all but disappeared, and confidence in the inevitability of progress has evaporated. Today, reactionary pasts insist most strongly on their right to occupy the times to come. Meanwhile, old––that to say, modern––remedies remain in place, even as they fall conspicuously short of securing their own perpetuation. This situation is as evident in worldwide efforts to cope with the current financial crisis as it is in many more specific domains, including those of art. Considerations such as these, along with a refusal to settle for them, have shaped the kind of explanation I have been exploring for some time: an historical hypothesis about the nature of art in contemporary conditions. We might begin by asking: what does contemporaneity mean in these circumstances?

How has the current world-picture changed since the post–World War II aftermath led to the reconstruction of an idea of Europe; since decolonization opened up Africa and Asia, with China and India

Todas as três temporalidades precisamos uns dos outros para serem eles mesmos, ainda, Kafka observa, temos um sonho secreto, que "algum tempo em um momento de descuido - e isso exigiria uma noite mais escura do que qualquer noite já sido- ele vai saltar para fora . a linha de combate e ser promovido, por conta de sua experiência na luta, para o cargo de juiz sobre os adversários na sua luta com o outro "1 não posso aqui encobrir essa percepção gritante - e não podia, em qualquer caso, vir perto de igualar o comentário brilhante de Hannah Arendt em Entre passado e futuro, uma coleção de ensaios completos dos ponteiros a respeito de como o presente pode ser thought.2 Basta dizer que, em condições contemporâneas, ninguém vai nos elevar a algum tempo- espaço fora da luta. Na verdade estamos em grandes dificuldades hoje em dia para imaginar o futuro que tem o tipo de presença no presente que tinha para Kafka em 1920, Arendt em 1961, ou para muitos de nós, até 1989 ou 2001. pensamento utópico tem tudo, mas desapareceu, e confiança em a inevitabilidade do progresso tenha evaporado. Hoje, passados reacionários insistir mais fortemente em seu direito de ocupar os tempos vindouros. Enquanto isso, o velho - que quer dizer, modernos - remédios permanecer no local, mesmo quando eles caem conspicuamente curta de assegurar sua própria perpetuação. Esta situação é tão evidente nos esforços mundiais para lidar com a atual crise financeira como é em muitos domínios mais específicos, incluindo os do art. Considerações como estas, juntamente com uma recusa de se contentar com eles, moldaram o tipo de explicação que tenho vindo a explorar há algum tempo: uma hipótese histórica sobre a natureza da arte em condições contemporâneas. Podemos começar por perguntar: o que significa a contemporaneidade nestas circunstâncias?

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emerging to superpower status but others cycling downwards; since the era of revolution versus dictatorship in South America led first to the imposition of neoliberal economic regimes and then to a continent wide swing towards populist socialism?

As the system built on First, Second, Third, and Fourth World divisions imploded, what new arrangements of power came into being? Now that the post-1989 juggernaut of one hyperpower, unchecked neoliberalism, historical self-realization, and the global distribution of ever-expanding production and consumption tips over the precipice, what lies in the abyss it has created? Above all, how do we, in these circumstances, connect the dots between world-picturing and place-making, the two essential parameters of our being? My suggestion is that we start by taking seriously, and then carefully scrutinizing, our instinctual reach for the contemporary. The concept of “the contemporary,” far from being singular and simple, a neutral substitute for “modern,” signifies multiple ways of being with, in, and out of time, separately and at once, with others and without them.3 These modes have of course always been there. The difference nowadays is that the multiplicities of contemporary being predominate over the kinds of generative and destructive powers named by any other comparable terms (for example, the modern and its derivatives). After the era of grand narratives, they may be all that there is. What we take to be contemporary is the primary indicator of what matters most to us about the world right now, and what matters most to artists. In these circumstances, would-be historians of contemporary art face some methodological challenges. Only by working together do we have a chance of rising to them.

Track the occurrence––intermittent, occasional, gradually insistent, then, suddenly, ubiquitous––of ideas of the contemporary within

Como é que a imagem do mundo atual mudou desde o rescaldo pós-Segunda Guerra Mundial levou à reconstrução de uma ideia de Europa; desde a descolonização abriu África e na Ásia, com a China e a Índia emergente ao status de superpotência mas outros ciclismo para baixo; desde a época da revolução contra a ditadura na América do Sul levou primeiro à imposição de regimes neoliberais e depois a uma violenta oscilação continente em direção ao socialismo populista?

Como o sistema construído sobre Primeira, Segunda, Terceira e Quarta divisões mundo implodiu, o novo regime de poder surgiu? Agora que o rolo compressor pós-1989, uma hiperpotência, o neoliberalismo sem controle, auto-realização histórica e a distribuição global de sempre em expansão de produção e consumo dicas sobre o precipício, o que se encontra no abismo que criou? Acima de tudo, como é que, nestas circunstâncias, ligar os pontos entre o mundo-figurativa e tomada de lugar, os dois parâmetros essenciais do nosso ser? Minha sugestão é que começar por tomar a sério, e então, cuidadosamente examinando, nosso alcance instintiva para o contemporâneo. O conceito de "o contemporâneo", longe de ser singular e simples, um substituto neutro para "moderno" significa várias maneiras de estar com, no e fora de tempo, separadamente e de uma só vez, com os outros e sem them.3 Estes modos têm, claro, sempre esteve lá. A diferença hoje é que as multiplicidades de estar contemporânea predominam sobre os tipos de poderes generativos e destrutivas nomeados por quaisquer outros termos comparáveis (por exemplo, o moderno e seus derivados). Após a era das grandes narrativas, eles podem ser tudo o que existe. O que fazer para ser contemporânea é o principal indicador de que mais importa para nós sobre o mundo agora, e o que mais importa para os artistas. Nestas circunstâncias, teria de ser historiadores da arte contemporânea enfrentar alguns desafios metodológicos. Só trabalhando em conjunto temos a chance de subir para eles.

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modern art discourse.4 Examine when, how, and why art became modern in each distinct yet related cultural region of the world, in each city where this change occurred. Then show how each of these accommodations with modernity underwent, or is still undergoing, its unique yet connected transition to contemporaneity.5 Finally, look around you: what does the present look like when seen from these historical perspectives?

In the space available, I can offer only the most schematic, assertive outline of a response to this last question.6 It comes in two parts: a claim about the present itself, and a claim about how art is being made within it. Contemporaneity is the most evident attribute of the current world picture, encompassing its most distinctive qualities, from the interactions between humans and the geosphere, through the multeity of cultures and the ideoscape of global politics to the interiority of individual being. This picture can no longer be adequately characterized by terms such as “modernity” and “postmodernity,” not least because it is shaped by friction between antinomies so intense that it resists universal generalization––indeed it resists even generalization about that resistance. It is, nonetheless, far from shapeless. Within contemporaneity, it seems to me, at least three sets of forces contend, turning each other incessantly. The first is globalization itself; above all, its thirsts for hegemony in the face of increasing cultural differentiation (the multeity that was released by decolonization), for control of time in the face of the proliferation of asynchronous temporalities, and for continuing exploitation of natural and (to a degree not yet imagined) virtual resources against the increasing evidence of the inability of those resources to sustain this exploitation. Secondly, the inequity between peoples, classes, and individuals is now so accelerated that it threatens both the desires for domination entertained by states, ideologies, and religions, and the persistent

Acompanhar a ocorrência - intermitente, ocasional, gradualmente, insistente, então, de repente, onipresente - de ideias do contemporâneo dentro discourse.4 arte moderna Examine quando, como e por que a arte tornou-se moderno em cada região cultural distintas, porém relacionadas do mundo , em cada cidade onde essa mudança ocorreu. Em seguida, mostrar como cada uma dessas acomodações com modernidade sofreu ou ainda está passando, a sua única, mas ainda conectado transição para contemporaneity.5 Finalmente, olhe ao seu redor: o que faz o presente parecer quando visto a partir destas perspectivas históricas?

No espaço disponível, eu posso oferecer apenas o contorno mais esquemática, assertiva de uma resposta a esta última question.6 Ele vem em duas partes: uma afirmação sobre o próprio presente, e uma reclamação sobre como a arte está sendo feita dentro dele. Contemporaneidade é o atributo mais evidente da visão de mundo atual, que engloba as suas qualidades mais marcantes, das interações entre seres humanos e a geosfera, através do multeity das culturas e da ideoscape da política global para a interioridade do ser individual. Esta imagem pode não ser adequadamente caracterizado por termos como "modernidade" e "pós-modernidade", até porque ela é moldada pela fricção entre antinomias tão intensa que resiste a generalização universal - na verdade ele resiste mesmo generalização sobre essa resistência. É, no entanto, longe de ser disforme. Dentro contemporaneidade, parece-me, pelo menos, três conjuntos de forças sustentam, transformando uns aos outros incessantemente. O primeiro é a própria globalização; acima de tudo, as suas sedes para a hegemonia em face da crescente diferenciação cultural (o multeity que foi lançado pela descolonização), para controle de tempo em face da proliferação de temporalidades assíncronos, e para a exploração contínua de natural e (a um grau não ainda imaginada) recursos virtuais contra a crescente evidência da incapacidade desses recursos para sustentar essa exploração.

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dreams of liberation that continue to inspire individuals and peoples. Thirdly, we are all willy-nilly immersed in an infoscape––or, better, a spectacle, an image economy, a regime of representation––capable of the instant and thoroughly mediated communication of all information and any image anywhere.

This iconomy—indeed the entire global communication system—is at the same time fissured by the uneasy coexistence of highly specialized, closed knowledge-communities, open, volatile subjects, and rampant, popular fundamentalisms. Globalization has proved incapable of keeping these contradictions in productive tension. We see now that it was modernity’s last roll of the dice—which does not mean that it will desist from playing to win. How is art being made in this situation? Recent books on contemporary art tend to be pictorial compilations accompanied by minimal information and brief artists’ statements (the Taschen model), anthologies of interpretive essays by theorists, critics, and curators (the Blackwell model), or surveys showing how certain artists are tackling one or another theme in long lists of current concerns.7 Meanwhile, art-critical discourse finds itself in an oddly suspended state between promotional chat and melancholy, anxious historicism. Artforum editor Tim Griffin asks: “What happens, then, when the overturning that defined modernism is itself overturned, with the result that past moments are never done away with, their residues instead seeming to accrue? When, to put it another way, the critical models of previous eras do not, and cannot be asked to, function as they once did?”8 Contrast what many outside observers see in at least some contemporary art.

For example, philosopher and sinologist François Julien: “For hasn’t art always been ahead of philosophy? (And is it not alone in the contemporary period in having attempted, through its practice, to

Em segundo lugar, a desigualdade entre os povos, classes e indivíduos é agora tão acelerado que ameaça tanto os desejos de dominação entretidos por estados, ideologias e religiões, e os sonhos persistentes de libertação que continuam a inspirar indivíduos e dos povos. Em terceiro lugar, todos nós estamos querendo ou não imerso em uma Infoscape - ou, melhor, um espetáculo, uma economia de imagem, um regime de representação - capaz de o instante e comunicação completamente mediada de todas as informações e qualquer imagem em qualquer lugar.

Este iconomy de fato toda a comunicação global sistema é, ao mesmo tempo fissurado pela coexistência desconfortável elevado nível de especialização, fechou conhecimento-comunidades, aberto, assuntos voláteis e desenfreado, fundamentalismos populares. Globalização revelou-se incapaz de manter essas contradições na tensão produtiva. Vemos agora que era último rolo da modernidade dos dados-o que não significa que ele vai desistir de jogar para ganhar. Como é a arte que está sendo feito nesta situação? Os recentes livros sobre arte contemporânea tendem a ser compilações pictóricas acompanhadas de informações mínimas e breves declarações de artistas (o modelo Taschen), antologias de ensaios interpretativos por teóricos, críticos e curadores (modelo Blackwell), ou pesquisas que mostram como alguns artistas estão lidando um ou outro tema em longas listas de concerns.7 atual Enquanto isso, o discurso-arte crítica se encontra em um estado estranhamente suspenso entre bate-papo promocionais e melancolia, historicismo ansioso. editor Artforum Tim Griffin pergunta: "O que acontece, então, quando o capotamento, que definiu o modernismo é em si virado, com o resultado de momentos passados nunca são feito com a distância, seus resíduos em vez parecendo a acumular? Quando, para colocá-lo de outra forma, os modelos críticos de épocas anteriores não fazer, e não pode ser solicitado a, função que já fiz? "8 Contraste o que muitos observadores externos ver em pelo menos um pouco de arte contemporânea.

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uproot itself?) Art today demonstrates how a practice can explore diverse cultures in order to purge its atavisms and reinvent itself.”9 If these observers are looking at the same thing, they are doing so with their backs to each other. Can the fundamental forces shaping contemporary art be discerned, and can the shaping effects be described . . . plausibly, accurately, critically?

A polemical proposition: like contemporaneity itself, art today is made in relation to the unfolding of three major currents, each of which has its distinctive features while being tied to the others—its contemporaries––and is in contestation with them. Each is changing before our eyes, yet has its own historical destiny, will transmute, and will pass. The first current amounts to an aesthetic of globalization, serving it through both a relentless remodernizing and a sporadic contemporizing of art. It has two discernable aspects, each of which is perhaps a style in the traditional sense of being a marked change in the continuing practice of art in some significant place that emerges, takes a shape that attracts others to work within its terms and to elaborate them, prevails for a time, and comes to an end. One aspect is the embrace of the rewards and downsides of neoliberal economics, globalizing capital, and neoconservative politics, pursued during the 1980s and since, through repeats of earlier twentieth-century avant-garde strategies, yet lacking their political utopianism and their theoretic radicalism, above all by Damien Hirst and the YBAs, but also by Julian Schnabel, Jeff Koons, and many others in the U.S., and by Takashi Murakami and his followers in Japan.

In honor of the 1997 exhibition at which this tendency, in its British form, surfaced to predictable consternation on the part of conservatives but also mainstream acceptance, we might call it “Retrosensationalism.” This has burgeoned alongside the constant

Por exemplo, filósofo e sinólogo François Julien: "Porque não tem a arte sempre esteve à frente da filosofia? (E não é só no período contemporâneo em ter tentado, através de sua prática, para arrancar em si?) Art hoje demonstra como a prática pode explorar diversas culturas, a fim de purgar seus atavismos e se reinventar. "9 Se estes observadores está procurando para a mesma coisa, eles estão fazendo isso com as costas para o outro. Podem as forças fundamentais que moldam arte contemporânea ser discernidos, e podem ser descritos os efeitos moldar. . . plausivelmente, com precisão, de forma crítica?Uma proposta polêmica: como a própria contemporaneidade, a arte hoje é feita em relação ao desdobramento de três correntes principais, cada qual tem suas características distintivas ao ser amarrada aos outros, seus contemporâneos - e está em contestação com eles. Cada um está mudando diante de nossos olhos, ainda tem o seu próprio destino histórico, transmutará, e vai passar. Os primeiros valores atuais para uma estética da globalização, servindo-lo através tanto uma modernização implacável e um contemporizar esporádica de arte. Ela tem dois aspectos perceptíveis, cada um dos quais é talvez um estilo no sentido tradicional de ser uma mudança acentuada na prática contínua da arte em algum lugar significativo que surge, toma uma forma que atrai os outros a trabalhar dentro de seus termos e elaborar-los , prevalece por um tempo, e chega ao fim. Um aspecto é o abraço das recompensas e desvantagens da economia neoliberal, o capital globalizado, ea política neoconservadora, perseguido durante os anos 1980 e desde então, através de repetições de estratégias de vanguarda do início do século XX, ainda falta a sua utopia política e seu radicalismo teórica, acima de tudo, por Damien Hirst e os YBAs, mas também por Julian Schnabel, Jeff Koons, e muitos outros em os EUA, e por Takashi Murakami e seus seguidores no Japão.

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efforts of the institutions of modern art (now usually designated contemporary art) to reign in the impacts of contemporaneity on art, to revive earlier initiatives, to cleave new art to the old modernist impulses and imperatives, to renovate them. The work of Richard Serra, Gerhard Richter, and Jeff Wall exemplifies different versions of this tendency, which might be called “Remodernism.”

In the work of certain artists, such as Matthew Barney and Cai Guo-Qiang, both aspects come together in a conspicuous consummation, generating an aesthetic of excess that might be tagged (acknowledging its embodiment of what Guy Debord theorized as “the society of the spectacle”) the Art of the Spectacle or “Spectacularism.” In contemporary architecture, similar impulses shape the buildings, especially those for the culture industry, designed by Frank Gehry, Santiago Calatrava, and Daniel Libeskind, among others. (Mercifully, the work is usually better-looking, and more meaningful, than this binge of ugly style terms would imply.) How does art of this kind appear when we pose to it the question: what is contemporary art now? To me it comes across as a late-modern art that, half-aware that it is too easily in tune with the times, continues to pursue the key drivers of modernist art: reflexivity and avant-garde experimentality. In this sense, it is the latest phase in the universal history of art as such. Its bet is that art emergent within the other currents I identify will fade into oblivion, and that it alone will persist as the art remembered by the future. (Each of the currents—like the central figure in Kafka’s parable––harbors this assumption about the others.) Yet these hopes are tempered by the realization that today such values are being held Questionnaire: Smith 51 against the grain of the present, with little hope that the times will change favorably or that art can do much to effect desirable change. This contrasts greatly to their early twentieth-century predecessors, whose critiques of the abuses of

Em honra da exposição de 1997 na qual esta tendência, na sua forma britânica, surgiu a consternação previsível por parte dos conservadores, mas também a aceitação mainstream, poderíamos chamá-lo de "sensacionalismo Retro." Este floresceu juntamente com os constantes esforços das instituições da arte moderna (agora geralmente designada arte contemporânea) a reinar nos impactos da contemporaneidade sobre arte, para reviver iniciativas anteriores, para clivar a arte nova para os velhos impulsos modernistas e imperativos, para renová-los. A obra de Richard Serra, Gerhard Richter, e Jeff Wall exemplifica diferentes versões desta tendência, o que pode ser chamado de "Remodernismo."Na obra de alguns artistas, como Matthew Barney e Cai Guo-Qiang, ambos os aspectos se reúnem em uma consumação evidente, gerando uma estética de excesso que pode ser marcado (reconhecendo a sua personificação do que Guy Debord teorizada como "a sociedade do espetáculo ") a arte do espetáculo ou" Spectacularism. "na arquitetura contemporânea, impulsos semelhantes moldar os edifícios, especialmente aqueles para a indústria da cultura, projetado por Frank Gehry, Santiago Calatrava, e Daniel Libeskind, entre outros. (Felizmente, o trabalho é geralmente melhor para o futuro, e mais significativo, do que esta compulsão de termos de estilo feio implicaria.) Como a arte deste tipo aparecem quando colocamos a ele a pergunta: o que é arte contemporânea agora? Para mim, ele aparece como uma arte late-moderno, que, meio consciente de que é muito facilmente em sintonia com os tempos, continua a perseguir os principais motores da arte modernista: reflexividade e experimentalidade avant-garde. Neste sentido, é a última fase da história universal da arte como tal. Sua aposta é que emergente arte dentro das outras correntes I identificam vai desaparecer no esquecimento, e que só vai persistir como a arte lembrado pelo futuro. (Cada uma das correntes de como a figura central na parábola de Kafka -. Portos esta suposição sobre os outros)

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capitalism or of the iron cage of modernity were based on what seemed then to be possible, even plausible, utopias. Nostalgia for this failed project is widespread, spurring recurrent interest (not least among contemporary art historians) in moments when it seemed still viable.

Transitions towards the contemporary have become of great interest to artists: thus, for example, the heart-felt recycling of Warhol’s critical imagery of the early 1960s in the work of artists such as Christian Marclay, and of his later work by Tracey Moffatt. The second current emerges from the processes of decolonization within what were the Third, Fourth, and Second Worlds, including its impacts in what was the First World. It has not coalesced into an overall art movement, or two or three broad ones. Rather, the transnational turn has generated a plethora of art shaped by local, national, anti-colonial, and independent values (diversity, identity, critique). It has enormous international currency through travelers, expatriates, new markets, and especially biennales. Local and internationalist values are in constant dialogue in this current—sometimes they are enabling, at others disabling, but they are ubiquitous. With this situation as their raw material, artists such as William Kentridge, Jean-Michel Bruyère, Shirin Nishat, Isaac Julien, Georges Adéagbo, John Mawurndjul, and many others produce work that matches the strongest art of the first current. Postcolonial critique, along with a rejection of spectacle capitalism, also informs the work of a number of artists based in the metropolitan cultural centers.

Mark Lombardi, Allan Sekula, Thomas Hirschhorn, Zoe Leonard, Steve McQueen, Aernout Mik, and Emily Jacir, among many others, have developed practices that critically trace and strikingly display the global movements of the new world disorder between the advanced economies and those connected in multiple ways with them. Other artists base their practice around exploring sustainable relationships

No entanto, essas esperanças são temperadas pela percepção de que hoje esses valores estão sendo realizadas Questionário: Smith 51 contra o grão do presente, com pouca esperança de que os tempos vão mudar favoravelmente ou que a arte pode fazer muito para efetuar a mudança desejável. Isso contrasta grandemente para os seus antecessores início do século XX, cujas críticas dos abusos do capitalismo ou da gaiola de ferro da modernidade foram baseados em o que parecia então ser possível, mesmo plausível, utopias. Nostalgia para esta falha de projeto é generalizada, estimulando o interesse recorrente (não menos importante entre os historiadores de arte contemporânea) em momentos em que parecia ainda viável.

Transições para o contemporâneo tornaram-se de grande interesse para os artistas: assim, por exemplo, a reciclagem de coração-feltro de imagens crítico de Warhol do início dos anos 1960 na obra de artistas como Christian Marclay, e de seu trabalho mais tarde por Tracey Moffatt. A segunda corrente emerge dos processos de descolonização dentro do que foram os mundos terceiro, quarto, e, segundo, incluindo seus impactos no que foi o Primeiro Mundo. Não tem fundiram-se em um movimento de arte em geral, ou dois ou três mais abrangentes. Pelo contrário, a sua vez transnacional gerou uma infinidade de arte em forma de,, anti-colonial nacional local, e os valores independentes (diversidade, identidade, crítica). Ele tem um enorme moeda internacional através de viajantes, expatriados, novos mercados, e especialmente bienais. valores locais e internacionalistas estão em constante diálogo nesta corrente, às vezes eles estão permitindo que, em outros incapacitantes, mas eles estão por toda parte. Com esta situação como matéria-prima, artistas como William Kentridge, Jean-Michel Bruyère, Shirin Nishat, Isaac Julien, Georges Adéagbo, John Mawurndjul, e muitos outros produzir um trabalho que corresponda a arte mais forte do primeiro atual. A crítica pós-colonial, juntamente com uma rejeição do capitalismo espetáculo, informa ainda o trabalho de um número de artistas com base nos centros culturais metropolitanas.

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with specific environments, both social and natural, within the framework of ecological values.

Still others work with electronic communicative media, examining its conceptual, social, and material structures: in the context of struggles between free, constrained, and commercial access to this media, and its massive colonization by the entertainment industry, artists’ responses have developed from expanded cinema and Net art towards immersive environments and explorations of avatar-viuser (visual information user) interactivity. What kind of answer do we get when we pose the question of the contemporary to the art of this current? To artists participant in the early phases of decolonization, those being asked for an art that would help forge an independent culture during the nation-building days of the 1960s, a first move was to revive local traditional imagery and seek to make it contemporary by representing it through formats and styles that were current in Western modern art. Elsewhere, in less severe conditions, for artists seeking to break the binds of cultural provincialism or of centralist ideologies, becoming contemporary meant making art as experimental as that emanating from the metropolitan centers. Geopolitical changes in the years around 1989 opened up a degree of access between societies closed for one and sometimes two generations. The work of unknown contemporaries became visible, and the vanquished art of earlier avant-garde became suddenly pertinent to current practice. Frenzied knowledge exchange ensued, and hybrids of all kinds appeared. The desire soon arose to create and disseminate a contemporary art that, toughened by the experiences of postcoloniality, would (in the words of Cuban critic Geraldo Mosquera) “remake Western culture” and thus be valid throughout the entire world.10

Mark Lombardi, Allan Sekula, Thomas Hirschhorn, Zoe Leonard, Steve McQueen, Aernout Mik, e Emily Jacir, entre muitos outros, desenvolveram práticas que traçam de forma crítica e surpreendentemente mostrar os movimentos globais da nova desordem mundial entre as economias avançadas e aqueles ligados de várias maneiras com eles. Outros artistas basear a sua prática em torno de explorar relações sustentáveis com ambientes específicos, tanto sociais e naturais, no âmbito dos valores ecológicos.

Outros ainda trabalham com a mídia comunicativa eletrônico, examinando seus conceituais, e estruturas materiais sociais: no contexto de lutas entre o livre acesso, constrangido e comercial para esta mídia, e sua colonização em massa pela indústria do entretenimento, as respostas dos artistas têm desenvolvido a partir de expandida cinema e arte Net direção ambientes imersivos e explorações de avatar-viuser (informação visual do usuário) interatividade. Que tipo de resposta que temos quando colocar a questão do contemporâneo com a arte dessa corrente? Para artistas participantes nas fases iniciais da descolonização, aqueles que estão sendo pediu uma arte que iria ajudar a forjar uma cultura independente durante os dias de construção nacional da década de 1960, um primeiro movimento foi de reviver imaginário tradicional local e procurar torná-lo contemporâneo, representando -lo através de formatos e estilos que eram correntes na arte moderna ocidental. Em outro lugar, em condições menos severas, para artistas que buscam romper os ligamentos de provincianismo cultural ou de ideologias centralistas, tornando-se contemporânea tornando significava arte como experimental como os provenientes de centros metropolitanos. mudanças geopolíticas nos anos por volta de 1989 abriu um grau de acesso entre as sociedades fechadas para um e, às vezes, duas gerações. O trabalho de contemporâneos desconhecidos tornou-se visível, ea arte vencido da anterior avant-garde se tornou de repente pertinentes à prática corrente.

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The transnational turn during the 1990s and first decade of the twenty-first century—a shift into transitionality, especially with regard to concepts of the nation—has led to the art of the second current becoming predominant on international art circuits, in the proliferating biennales, with profound yet protracted effects at the modern metropolitan centers. It is a paradigm shift in slow motion that matches the changing world geopolitical and economic order. From this perspective contemporary art today is the art of the Global South. The third current that I discern is different in kind yet again, being the outcome largely of a generational change and the sheer quantity of people attracted to active participation in the image economy. As art it usually takes the form of quite personal, small-scale, and modest offerings, in marked contrast to the generality of statement and monumentality of scale that has increasingly come to characterize remodernizing, sensationalist, and spectacular art, and the conflicted witnessing that continues to be the goal of most art consequent on the transnational turn. Younger artists certainly draw on elements of the first two tendencies, but with less regard for their fading power structures and styles of struggle, and more concern for the interactive potentialities of various material media, virtual communicative networks, and open-ended modes of tangible connectivity.

Working collectively, in small groups, in loose associations, or individually, these artists seek to arrest the immediate, to grasp the changing nature of time, place, media, and mood today. They make visible our sense that these fundamental, familiar constituents of being are becoming, each day, steadily stranger. They raise questions as to the nature of temporality these days, the possibilities of place-making vis-à-vis dislocation, about what it is to be immersed in mediated interactivity and about the fraught exchanges between affect and

Intercâmbio de conhecimentos frenética se seguiu, e os híbridos de todos os tipos apareceram. O desejo logo surgiu para criar e disseminar uma arte contemporânea que, temperado pelas experiências de pós-colonialismo, que (nas palavras do crítico cubano Geraldo Mosquera) "refazer a cultura ocidental" e, assim, ser válido em todo o mundo.10A virada transnacional durante os anos 1990 e primeira década do século 1/21 mudança para transnacionalidade, especialmente no que diz respeito aos conceitos de nação-conduziu à arte da segunda predominante se tornando corrente em circuitos internacionais de arte, nas bienais proliferam , com efeitos profundos ainda prolongadas nos centros metropolitanos modernos. É uma mudança de paradigma em câmera lenta que corresponda ao mundo ordem geopolítica e económica em mutação. A partir desta perspectiva arte contemporânea hoje é a arte do Sul Global. A terceira corrente que eu discernir é diferente em espécie, mais uma vez, sendo o resultado em grande parte de uma mudança geracional e a grande quantidade de pessoas atraídas para participação ativa na economia da imagem. Como arte que normalmente assume a forma de, em pequena escala bastante pessoal, e as ofertas modestas, em contraste marcante com a generalidade da declaração e monumentalidade da escala que tem cada vez mais vindo a caracterizar remodernizing, sensacionalista, e arte espetacular, e o testemunho conflito que continua a ser a meta de mais consequente arte no turn transnacional. artistas mais jovens, certamente, recorrer a elementos das duas primeiras tendências, mas com menos consideração por suas estruturas de poder desvanecimento e estilos de luta, e mais preocupação com as potencialidades interativas de vários meios materiais, redes de comunicação virtuais e modos abertas de conectividade tangível .

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effect.

Within the world’s turnings, and life’s frictions, they seek sustainable flows of survival, cooperation, and growth. Attitudes range from the dystopian scenarios favored by Blast Theory and the International Necronautical Society, through the counter-surveillance activity of the Center for Land Use Interpretation, Daniel Joseph Martinez’s fervent protests, Paul Chan’s symbolic shadow profiles, and the insouciant receptivity of Francis Alÿs, to Rivane Neuenschwander’s wide-eyed optimism. It follows from the mind-set and the modes of practice of this generation of artists that they share no single answer to the question of what is contemporary art. Indeed their radar of operations––their politics, in a word––is for the most part lower and more lateral yet also more networked than the global perspectives that exercise transnational artists and is indifferent to the generalizations about art itself that remain important for the remodernists. Most of them abhor the superficialities of the spectacle, however much they acknowledge that it has permeated all of our lives. They begin from their experiences of living in the present, so that the question for them becomes less a matter of what is contemporary art, and more one of which kinds of art might be made now, and how might they be made with others close to hand.

Each of the three currents disseminates itself (not entirely but predominantly) through appropriate—indeed matching—institutional formats. Remodernism, retro-sensationalist, and spectacularist art are usually found in major public or dedicated private museums, prominent commercial galleries, the auction rooms of the “great houses,” and the celebrity collections, largely in or near the centers of economic power that drove modernity. Biennials, along with traveling exhibitions promoting the art of a country or region, have been an ideal venue for

Trabalhando em conjunto, em pequenos grupos, em associações soltas, ou individualmente, estes artistas procuram prender o imediato, para compreender a natureza mutável do tempo, lugar, mídia e humor hoje. Eles tornar visível o nosso sentido de que estes, constituintes familiares fundamentais do ser estão se tornando, a cada dia, de forma constante estranho. Eles levantam questões quanto à natureza da temporalidade nos dias de hoje, as possibilidades de tomada de lugar vis-à-vis o deslocamento, sobre o que é ser imerso na interatividade mediada e sobre as trocas tensas entre afetam e efeito.Dentro voltas do mundo, e atritos da vida, eles procuram os fluxos sustentáveis de sobrevivência, cooperação e crescimento. Atitudes vão desde os cenários distópicos favorecidos por Blast Theory e da Sociedade Internacional Necronautical, através da atividade contra-vigilância do Centro de Uso da Terra Interpretação, protestos fervorosos de Daniel Joseph Martinez, perfis simbólicos sombra de Paul Chan, e a receptividade insouciant de Francis Alÿs, a Rivane Neuenschwander otimismo de olhos arregalados. Decorre a mentalidade e os modos de prática desta geração de artistas que partilham resposta única para a questão do que é arte contemporânea. Na verdade seu radar de operações - sua política, em uma palavra - é para a maior parte mais baixa e mais lateral mas também mais em rede do que as perspectivas globais que exercem artistas transnacionais e é indiferente às generalizações sobre a própria arte que permanecem importantes para o remodernists. A maioria deles abomino as superficialidades do espetáculo, por mais que reconhecer que permeou todas as nossas vidas. Eles começam a partir de suas experiências de viver o presente, de modo que a pergunta para eles torna-se menos uma questão do que é arte contemporânea, e mais um dos quais tipos de arte pode ser feita agora, e como eles podem ser feitos com outras pessoas próximas a mão.

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postcolonial critique. These have led to the emergence of a string of new, area-specific markets.

The widespread art of contemporaneity appears rarely in such venues––although some of it doubtless will, as the institutions adapt for survival and certain artists make their accommodations––preferring alternative spaces, public temporary displays, the Net, zines and other do-it-yourself-withfriends networks. There is of course no exclusive matching of tendency and disseminative format. Just as crossovers between what I am discerning here as currents are frequent at the level of art practice, connections between the formats abound, and artists have come to use them as gateways, more or less according to their potential and convenience. The museum, many artists will say today, is just one event-site among the many that are now possible. But this mobility is recent and has been hard won. While convergence certainly occurs, temporary alliance––the confluence of differences––is more common.11 The same is true with regard to the three currents that I have outlined: they are tied to each other, as sibling differences, their friction sparking contemporary art’s repetitions and its diversity. These are, in a word, antinomies––like all other relationships characteristic of these times.

The questionnaire is acute in highlighting the necessarily interrogatory character of contemporary art-making and of interpretative responses to it. Yet the questioning is occurring in modes that, however much they share, have some distinctive qualities. By presenting their works as propositions––bold, singular assertions about what art should look like now––the remodernists remain within the modern project. Trying it on, seeing what you can get away with, what the punters will accept being flung in their faces, is the retro in sensationalism. Asking about identity, nationality, selfhood, and otherness, as each of these whirls through

Cada uma das três correntes dissemina-se (não totalmente, mas predominantemente) através de formatos combinando-institucionais de fato apropriadas. Remodernismo, retro-sensacionalista, e arte spectacularist são normalmente encontrados em grandes museus públicas ou dedicadas privadas, galerias comerciais de destaque, as salas de leilão das "grandes casas", e as coleções de celebridades, em grande parte, dentro ou perto dos centros de poder econômico que levou modernidade. Bienais, juntamente com exposições itinerantes que promovem a arte de um país ou região, ter sido o local ideal para a crítica pós-colonial. Estas têm levado ao surgimento de uma série de mercados novos e específicos a cada zona.

A arte generalizada da contemporaneidade aparece raramente em tais locais - embora algumas delas, sem dúvida, irá, como as instituições se adaptar para a sobrevivência e certos artistas fazem suas acomodações - preferindo espaços alternativos, exposições temporárias público, na rede, zines e outros do-it redes -yourself-withfriends. Há, naturalmente, sem correspondência exclusiva de tendência e o formato disseminativo. Assim como os cruzamentos entre o que eu estou aqui como discernir as correntes são frequentes ao nível da prática da arte, as conexões entre os formatos são abundantes, e os artistas têm vindo a usá-los como gateways, mais ou menos de acordo com sua conveniência potencial e. O museu, muitos artistas vão dizer hoje, é apenas um evento local entre os muitos que agora são possíveis. Mas essa mobilidade é recente e tem sido duramente conquistada. Embora a convergência certamente ocorre, aliança temporária - a confluência de diferenças - é mais common.11 O mesmo é verdade no que diz respeito as três correntes que eu salientei: eles estão ligados uns aos outros, como diferenças entre irmãos, seus atritos provocando contemporânea repetições de arte e sua diversidade. Estes são, em uma palavra, antinomias - como todos os outros relacionamentos característicos destes tempos.

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volatile transition, is an urgent necessity—at times liberating, at others debilitating––for artists activated by the transnational turn.

Doubt-filled gestures, equivocal objects, bemused paradoxes, tentative projections, diffident proposals, or wishful anticipations—this is the tone struck by most younger artists today. What makes all of these approaches distinct from the contemporary preoccupations of previous art is that they are addressed––explicitly, although more often implicitly––not only by each work of art to itself and to its contemporaries; they are also, and definitively, interrogations into the ontology of the present that ask: what is it to exist in the conditions of contemporaneity?

O questionário é agudo em destacar o caráter necessariamente interrogatório da tomada de arte contemporânea e de respostas interpretativas para ele. No entanto, o questionamento está ocorrendo em modos que, por mais que eles compartilham, têm algumas qualidades distintivas. Ao apresentar as suas obras como proposições - negrito, afirmações singulares sobre o que a arte deve olhar como agora - os modernistas permanecem dentro do projeto moderno. Tentando-o, vendo o que você pode sair fora com, o que os apostadores aceitarão a ser atirado em seus rostos é o retro no sensacionalismo. Perguntando sobre a identidade, nacionalidade, individualidade, e da alteridade, como cada um desses giros através transição volátil, é uma necessidade urgente, em tempos libertadoras, outras debilitante - para artistas ativadas pela sua vez transnacional.

Gestos cheios de dúvida, objetos duvidosos, paradoxos confusos, projeções preliminares, propostas tímidas ou ansiosas antecipações-este é o tom atingido pela maioria dos artistas mais jovens hoje. O que faz todas essas abordagens distintas das preocupações contemporâneas da arte anterior é que eles são abordados - explicitamente, embora mais frequentemente implicitamente - não só por cada obra de arte para si mesmo e para seus contemporâneos; eles são também, e definitivamente, interrogatórios na ontologia do presente que perguntar: o que é que ela existe nas condições da contemporaneidade?

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