PRESENTA

Un film de MARTIN SCORSESE

CONMick Jagger, Keith Richards,Charlie Watts y Ronnie Wood

DIRIGIDO POR

Martin ScorsesePRODUCIDO POR

Victoria Pearman, Michael Cohl,Zane Weiner y Steve BingPRODUCTORES EJECUTIVOS

Mick Jagger, Keith Richards,Charlie Watts y Ronnie WoodCO-PRODUCIDO POR Jane Rose

DIRECCIÓN DE FOTOGRAFÍA Robert RichardsonMONTAJE David Tedeschi

DISEÑO DE PRODUCCIÓN Mark FisherDISEÑO DE ILUMINACIÓN Patrick Woodroffe

Sinopsis

El director ganador del Oscar y la banda más legendaria de la historia del rock n’

roll, se han unido para traer al público el gran acontecimiento musical y cinematográfico

del año.

Con “Shine a Light” Martin Scorsese muestra al mundo a los Rolling Stones

como nunca antes han sido vistos. Filmado en el famoso Beacon Theatre de Nueva

York en el otoño de 2006, Scorsese reunió a un legendario equipo técnico capaz de

capturar la increíble energía de la banda.

El ganador del Oscar, Robert Richardson ( “El Aviador”, “JFK”), supervisó al

equipo de cámara formado por varios de los más aclamados directores de fotografía,

incluyendo a los ganadores del Oscar John Toll (“El Último Samurai”, “Braveheart”),

Andrew Lesnie (trilogía de “El Señor de los Anillos”, “King Kong”), Robert Elswit (“Pozos

de Ambición”, “Magnolia”, “Buenas Noches, Buena Suerte”) y a los nominados al

Oscar, Stuart Dryburgh (“El Piano”, “El Velo Pintado”), Enmanuel Lubezki (“Lemony

Snicket's A Series of Unfortunate Events”, “Sleepy Hollow”) y Ellen Kuras (“El Verano

de Sam”, “Olvídate de Mí”). El montaje de la película corre a cargo de David Tedeschi,

quien trabajó con Scorsese en el aclamado documental sobre Bob Dylan, “No Direction

Home: Bob Dylan”.

Producida y financiada por Shangri-La Entertainment de Steve Bing y el

promotor de las giras internacionales de los Rolling Stones, Michael Cohl, ha contado

también con la participación de Victoria Rearman y Zane Weiner. Mick Jagger, Keith

Richards, Charlie Watts y Ron Wood son productores ejecutivos junto a Jane Rose.

Notas de Producción

“Shine A Light” documenta una asombrosa actuación de la que sin duda es la

banda más grande de la historia del rock and roll, rodada por uno de los más

legendarios directores americanos y un equipo de estrellas de la cámara y la

cinematográfia. La película se llevó a cabo en un momento único en que todas estas

fuerzas estelares se alinearon en Nueva York y fueron capaces de capturar esa gran

actuación en celuloide.

La idea se forjó en Mick Jagger, mientras se encontraba en medio de la gira

mundial de “A Bigger Bang”. Su idea en principio era hacer una película sobre la gira y

Jagger tenía además en mente filmar el mejor concierto en la historia de The Rolling

Stones: "Al principio pensé que sería algún tipo de grabación sobre la gira, y como

íbamos a hacer este gran concierto en Rio de Janeiro, en la playa, empecé a pensar

que sería distinto a otros conciertos. Iba a ser un gran evento, un millón de personas en

la playa, un público gigantesco, una gran ocasión. Habría mucho material para rodar.

Llegamos a realizar un presupuesto para hacerlo", comenta Jagger.

Una vez que las ruedas de acero de esta colosal empresa se pusieron en

movimiento, el siguiente paso lógico era encontrar un director adecuado para esta

misión. Para Jagger la respuesta era obvia: "Empezamos a pensar que si íbamos a

hacer esto debíamos buscar un director de los grandes. Es bueno empezar en lo más

alto", dice Jagger sonriendo. "Martin Scorsese es quizás el director americano con más

talento y los Rolling Stones somos, bueno, ya sabes, una buena banda de rock, con un

enfoque artesanal y clásico de las cosas, la combinación de ambos puede resultar,

esperemos, en un par de horas interesantes".

Keith Richards es también un gran fan de Scorsese y dice que ha estudiado

cada una de sus películas. "De alguna de ellas me sé casi todos los diálogos. Sólo

escuché que Marty podría rodar a los Stones, y dije, yeah!!! Si te dan la oportunidad de

que te filme uno de los grandes, ¿quién diría que no?"

¿Y cuál fue la respuesta de Scorsese a la propuesta? Creo que simplemente

dijo: "Por supuesto", comenta Pearman. "Al principio recibí una llamada de su manager

diciendo que les encantaría hacerlo. Entonces empezamos con las reuniones y a

discutir el tema, y vimos que se trataba de una gira mundial tan enorme que, por

razones logísticas, sería muy difícil reunir a toda la gente a la vez en el mismo lugar

sólo para hablar sobre el proyecto".

Jane Rose, manager de Richards durante 25 años, y productora ejecutiva,

describe el proceso: "Cuando nos enteramos de que Marty quería hacer la película, se

reunió con Keith, y tuvieron una larga conversación sobre la historia del cine. Keith

siente un gran respeto por él y estaba encantado de que le fuera a dirigir el director de

Good Fellas. Confiaba en él plenamente".

Una vez que Scorsese estuvo a bordo, lo siguiente eran los productores. Llegó

la participación de Steve Bing con el apoyo financiero de Shangri-La Entertainment,

que ya tenían experiencia en este tipo proyectos gracias a haber participado en el

concierto documental “Neil Young: Heart of Gold” y también llegó Michael Cohl, quien

ha producido ya otros documentales sobre los Stones en el pasado. Esto dio forma al

proyecto y lo llevó adelante.

Se celebraron reuniones para pulir los detalles del proyecto: "Tuvimos esta

increíble reunión en mi habitación de hotel” dice Jagger. “Había una tormenta enorme,

soplaba el viento, había una ventana que no se cerraba, las cortinas se agitaban y la

araña del techo se movían de lado a lado. Hablamos de rodar en 3-D e IMAX, porque

iba a ser algo muy grande, yo pensaba que iba a ser algo muy grande y Marty parecía

muy excitado con la idea".

Jagger invitó al director a verles en gira, y Scorsese aceptó. Sin embargo la idea

de filmar un gran concierto dio paso a otro enfoque.

"Cada vez que les veía tocar, a veces desde lejos, a veces desde el escenario,

me obsesionaba más y más con filmar eso", comenta Scorsese. "Hablamos de hacer

una película sobre la gira, pero en un cierto momento pensé que hacer algo más íntimo

iba más conmigo como cineasta y facilitaría una mejor conexión entre el público y la

banda".

Además, como dice Scorsese, un concierto de los Stones es ya de por sí un

espectáculo tan grande, que ofrecer un concierto en un local más pequeño daría una

perspectiva nueva de la legendaria banda. "Fui a verles de nuevo, y les vi en una

pantalla. Estaban siendo rodados por 50 cámaras, ¿qué podía aportar yo a eso?, y

pensé en convencerles para que tocaran en un sitio más pequeño, como el Beacon

Theater de Nueva York y filmarlo con los mejores cámaras del mundo".

Y los convenció. Aunque a Jagger le costó decir adiós a su proyecto inicial, es

difícil discutir el plan del director. "Marty vino y dijo que había estado pensando sobre el

asunto, y que quería hacer algo más íntimo. Así fuimos de un extremo al otro, de un

concierto para un millón de personas a algo pequeño. Le dije, Marty, ¿sabes que no

tenemos ningún local pequeño en esta gira, verdad? y además tenemos el calendario

completo, ¿cómo lo vamos a hacer?"

"Y bueno, me costó bastante hacerme a la idea porque estaba bastante

convencido del tema del show gigantesco. En mi cabeza era algo increíble para un

director poder rodar algo así, enorme, en la playa, en Brasil. Habría mucha acción,

mucha gente y mucha música distinta".

Richards también fue receptivo a la idea de tocar en ese teatro, dónde además

ya había tocado antes con su banda The X-pensive Winos: "La idea de hacerlo en el

Beacon era fantástica, yo había tocado allí con los Winos. Hicimos cinco noches allí,

así que conocía bien la sala".

Una preocupación mayor para Richards era el posible choque entre la banda y el

equipo de rodaje durante el concierto. "Le pregunté a Scorsese si creía que se podría

hacer sin que fuéramos conscientes de las cámaras, porque si no sería una película, no

un concierto. No habría espontaneidad si todo el mundo estuviera pendiente de que

Martin Scorsese les estaba grabando".

Para Scorsese el Beacon era el escenario perfecto, lo suficientemente grande

para que hubiera espacio para las cámaras, luces, carriles para las dolly, pero lo

suficientemente pequeño para capturar de cerca la química de los Stones.

"Me gustaba el Beacon Theatre de Nueva York. El escenario tenía el tamaño

justo para filmar, pero también había espacio para que los Stones se movieran. Así

pronto pasamos a la fase de ver cómo juntaríamos el rodaje de una película con un

concierto de los Stones en el mismo escenario. Quería capturar la música y la

interacción en el escenario, quería que la gente se sintiera como si estuviera arriba en

el escenario, con ellos. En el montaje, quedó claro que cada canción tiene su propia

historia que contar, era como si las escucháramos por primera vez. Es fascinante como

funcionan esas canciones, de forma casi chamanística, son como hechizos, algo

primario pero muy pensado a la vez. Cada miembro de los Stones tiene su propia

personalidad y una manera de relacionarse con los otros y estás en la mejor posición

para verles actuar y ver cómo envuelven al público en sus manos y básicamente lo

llevan donde quieren", dice Scorsese.

El director capturó la electricidad del show con la ayuda de más de 18 cámaras,

rodando cada retazo de acción desde todos los ángulos imaginables. Esas cámaras

estaban manejadas por algunos de los mejores directores de fotografía del mundo,

incluyendo a Albert Maysles, quien dirigió a los Stones en “Gimme Shelter”, al dos

veces ganador del Oscar John Toll , todos trabajando coordinados por Robert

Richardson, director de fotografía habitual de Scorsese y ganador de dos Oscars por

“El Aviador” y por “JFK” de Oliver Stone, además de haber sido nominado en otras tres

ocasiones. Richardson fue el responsable por ejemplo del esquema de luces, cosas

como el muro de luz que estalla cuando Jagger entra en el teatro por la parte trasera de

la sala.

Todo cayó en su sitio. Jagger alaba la lealtad para con su proyecto de Scorsese,

y su capacidad para mantener el control sobre los elementos en un espacio pequeño.

"Pienso que por eso Marty no quería hacerlo en un sitio grande, porque de esa manera

estás retirado del escenario, y no tienes esa relación entre el público y la banda. Sé

que Marty había visto nuestra película en IMAX y que le parecía que era algo

impersonal. Además quería estar en un espacio pequeño lleno de cámaras captando

un montón de ángulos, lo que te proporciona un mayor control".

Esto no quiere decir que rodar en una sala más pequeña fuera algo fácil, para el

director o la banda. De hecho la primera noche en el Beacon sirvió como una especie

de ensayo y calentamiento, y la mayoría del material proviene de la segunda noche.

“Hablamos sobre todas las cámaras y el único problema que vimos es que cada

vez que una cámara se mueve necesita mucho espacio. Querían un montón de carriles

para mover las cámaras y grúas, de todo, pero no había mucho espacio en la sala ni en

el escenario. Si colocas dos grandes grúas en el escenario no queda mucho espacio

libre, así que hubo que hacer recortes. Aprendimos mucho la primera noche. Fuimos

mucho más eficientes la segunda", informa Jagger.

El proceso de documentar a los Stones generó algo de tensión creativa en

Scorsese, algo que revela con humor irónico los primeros fotogramas de la película, y

algo que también estuvo presente tras la cámara.

"Yo quería ver la música, pero tienes que darte cuenta de que si pones cinco

cámaras delante de una persona que no para de moverse, es fácil que choque con

alguna de ellas. Así que fue cuestión de probar y equivocarse y corregir, y tuvo mérito

teniendo en cuenta que ellos estaban constantemente de gira y yo estaba terminando

Infiltrados, así que fue imposible reunirnos todos de manera consistente hasta una

semana antes del rodaje. Así tuve que pensar la forma de capturar todo ese

movimiento con las cámaras mientras ellos también se movían. No quería inhibirlos de

ninguna manera pero también quería las mejores tomas posibles".

Había dos estilos artísticos opuestos trabajando juntos, la legendaria

meticulosidad de Scorsese y la espontaneidad desenfrenada de los Stones.

"Lo preparé todo meticulosamente, pero sabía que el 75% no saldría como

estaba planeado, y por otra parte quería que todo saliera bien. Las cámaras tenían que

estar en su sitio para capturarlo todo. Esa era la tensión. En último término había

ciertos movimientos con las grúas, que pedí específicamente para algunos pasajes y

los conseguimos", dice Scorsese.

También se preparó para la impulsividad de los Stones sobre el escenario con la

ayuda de las muchas cámaras y de los más aclamados directores de fotografía del

mundo que las manejaban.

"Una vez que designamos con qué Stone trabajaba cada director de fotografía,

planeamos los seguimientos. Sabía que si Mick salía del rango de cámara de John Toll,

sería recogido por otro. Tenía un gran monitor delante y si veía que algo realmente se

nos estaba escapando podía decirle a la cámara número 15 que siguiera donde la 12 lo

había perdido. En un principio, una vez que sabíamos los parámetros de los

movimientos, de quién sigue a quien, de cómo se superponen planos, ya teníamos la

base para poder trabajar. Todas esas cámaras también nos ayudaban con el problema

del enfoque, porque los Stones se mueven rápido, son muy espontáneos y sería una

pena tener el movimiento y no tenerlo enfocado. Así que si teníamos una cámara

asignada a una posición, Richardson establecía otra para respaldar a ésta, en otra

posición, sobretodo para conseguir un buen enfoque. Las imágenes primarias salen de

unas cámaras y las demás son refuerzos, se intenta rellenar espacios y conseguir las

mejores composiciones en situaciones imposibles".

Pearman destaca el espíritu incluyente y aglutinador de Scorsese para conseguir

que banda y equipo trabajaran juntos por el éxito de la producción: "Lo maravilloso de

Marty es que es muy colaborador, y que siente un gran respeto por la música. Fue

fantástico contemplar tanto respeto mutuo entre las partes implicadas, ver la

colaboración y haber podido trabajar como productora.”

"Una las mejores cosas sobre la forma en que Marty lo organizó todo es que

realmente te olvidabas de que se estaba grabando algo" , comenta Richards. "Estamos

acostumbrados a las cámaras para las pantallas de video, pero aunque teníamos 16

cámaras delante, no lo hubieras dicho. Marty las disimuló muy bien. No sentí que

estaba actuando para las cámaras, no más que cualquier otro concierto".

"Es un placer trabajar con él, y muy fácil", dice el guitarrista Ron Word. "Me

gusta su ética de trabajo y su credibilidad, es como un chaval de instituto pero mayor,

con una actitud relajada, en plan, disfrutemos, riamos y vayamos a por el trabajo, a ver

qué sale. Es un tipo muy cálido, y creo que saca lo mejor de ti, sea lo que sea. Te hace

sentir cómodo, incluso con todas esas cámaras alrededor. Miraras donde miraras veías

un trípode enorme con un aparato enorme encima y alguien señalando a alguien. Pero

tenías que concentrarte en la música que era lo que Marty quería.”

Las canciones de los Stones han aparecido a menudo en películas de Scorsese,

declara Pearman: "Ha usado canciones de los Stones en muchas de sus películas y

siente un enorme respeto por ellos".

"Sus canciones siempre han resultado extraordinariamente bien en el cine, hay

una energía, y una autoridad en su música... He utilizado Gimme Shelter en dos de mis

películas. La idea de que estamos solos, pero a veces necesitamos un refugio, y no lo

voy a conseguir de ti y voy a tener que buscarlo yo mismo, es un reflejo de la

desesperación que existió en cierto momento de los 60 pero también es algo

contemporáneo, por eso la volví a utilizar para Infiltrados, es un reflejo de dónde nos

encontramos hoy en día. Esa película retrata como una zona 0 moral, no sabes la

posición de nadie, nadie parece decir la verdad, ¿y qué demonios significa la verdad de

todas maneras? Gimme Shelter era la única que parecía funcionar.”

Mucho antes de que Scorsese se convirtiera en un director famoso, antes

incluso de que viera a los Stones en directo, la música de la banda le habló en un

lenguaje cinematográfico.

“Su música era una inspiración. Los Stones tienen una fuerza muy poderosa

para la música y el sonido que crean. Tiene que ver con la forma en que la banda se

orquesta, el uso de las guitarras y la batería y el sonido de la voz de Mick. Hice mis

primeros cortometrajes en 1963 ó 1964, y cierta música creó unas impresiones visuales

en mi mente que han permanecido conmigo. Los Stones fueron claves creando

imágenes en mi imaginación, sentimientos e impresiones que encontraron su camino

en muchas de mis películas. El sello de Malas Calles, por ejemplo, fue Jumpin Jack

Flash. Todo esto ocurrió incluso antes de que los viera en persona. La primera vez que

los vi fue en el Madison Square Garden, o al menos algo que se les parecía, porque

estaba sentado muy alto en los asientos malos. Pero para entonces ya estaba hecho

en mi cabeza. En otras palabras, creaba guiones en mi cabeza mientras escuchaba su

música”, dice.

Richards y los Stones no son novatos en el tratamiento cinematográfico por los

grandes maestros. De los más de 18 documentales que se han hecho sobre ellos,

“Shine a Light” es uno más de la docena encabezados por un “autor”. Está el que hizo

Jean Luc Godard en 1968 desde una postura activista-arrivista, “Sympathy for the

Devil: one plus one”; el documental de limitado estreno de Robert Frank (fue mostrado

en público quizás tres veces), sobre su depravada vida durante las giras, “Cocksucker

Blues”; el film artístico de Peter Whitehead “Charlie is My Darling”; el “Gimme Shelter”

de los hermanos Maysles, y el “Let’s Spend the Night Together” de Hal Ashby.

Seguidor del cine como es, Richards dice: “No hay que olvidar Hail!, Hail!, Rock and

Roll”, un documental de Taylor HAckford sobre un legendario concierto de Chuck

Berry, en el cual Richards aparece y que también coprodujo. “Para mí, Shine a Light

está a la par que ese film. Es diferente porque es un show de los Stones, pero como

película sobre el rock and roll es muy superior”.

¿Y por qué es este film tan importante para él como intérprete y como artista?

“De hecho, para mí”, dice Richards, “lo que fue realmente fascinante fue conseguir que

Marty se encargara de esto, y su visión. Para mí, el asunto era que Martin Scorsese

quería hacer algo, y yo pensé, bien, debe tener algo en la cabeza que vaya más allá de

este tipo de actuaciones grabadas. Así que de verdad quería averiguar qué era lo que

Marty quería”.

¿Quién habría adivinado que detrás del disfraz del último rockero rebelde late el

corazón de un amante del cine de filmoteca que sólo quería complacer a uno de los

grandes autores? “Cuando estás de verdad ahí arriba haciendo el trabajo, realmente lo

transmites todo al director, así que en ese sentido sólo haces lo que tienes que hacer, y

tratas de hacerlo lo mejor posible, y al final puedes ver si lo hiciste o no, y entonces te

paras a ver, ahhh, esta es su visión de todo esto”, observa Richards. “Tal y como es

revelado lentamente en Shine a Light, el inteligente uso que hace Marty del material de

archivo y de las imágenes en directo, por ejemplo, dan un buen sentimiento de ello. Te

vas dando cuenta de ello lentamente, mientras lo ves. De otra manera, no tienes ni

idea. No puedes meterte en el cerebro de otra persona.”

La atención de Scorsese a los detalles y su sentido musical en la edición son

otros de los sellos que atraparon a Richards. En una escena, el artista invitado Jack

White sube al escenario para interpretar “Lovin’ Cup”, una pieza con tres guitarras

acústicas en la cual Jagger se ata una Taylor acústica y White utiliza un ‘metal slide’

sobre su propio mástil. El filme entonces muestra a Richards con una acústica de 12

cuerdas para interpretar la canción de los 60 “As tears go by”, una de las actuaciones

más raras de la noche.

El tratamiento de las guitarras en esta secuencia fue la evidencia definitiva que

tuvo Richards de que se había puesto en manos de un maestro. “¿Cuántas veces

hemos visto dedos yendo arriba y abajo?”, dice Richards. “Lo que hizo Marty fue volver

la observación hacia un Rembrandt. Muestra la belleza de la guitarra en sí misma. No

se trataba sólo de quién las tocaba. Eran planos preciosos sobre los instrumentos en sí

mismos, lo que me parece muy, muy bonito”.

De acuerdo con Richards, fue Scorsese quien le empujó a interpretar “You Got

the Silver”, del clásico álbum “Let it Bleed”, en la película. “Fue un momento muy

especial para mí, porque fue la primera vez que lo hacía sin tocar realmente la guitarra.

Soy un guitarrista, ya sabes”, ríe. “Quiero decir, a veces canto. Pero simplemente la

libertad de hacerlo sin tener que pensar en la mano derecha y en la izquierda, y tener

que averiguar qué es lo que vas a hacer sin la guitarra, porque tienes que hacer otra

cosa. Tienes que moverte con la banda. Fue una gran novedad para mí, y muy muy

divertido”.

Según Pearman, Jagger coincidió con Scorsese en la meticulosidad con la

concienzuda atención con la preparó el listado de canciones. “Creo que la

preocupación de Mick era que quería que fuera algo muy, muy especial, porque era

Martin Scorsese y porque era en el Beacon. Quería que la set list fuera perfecta, no

una normal y corriente. Así que hubo muchísima preparación y todo ocurrió antes del

show”, afirma ella. “Estábamos todos hechos un manojo de nervios. Sin saber qué

filmar o lo que iba a ocurrir primero, o dónde iban a estar todas esas cámaras”.

Los nervios sobre la preparación de la lista de canciones están documentados

en el film casi como un prólogo del concierto, con Scorsese inquietándose por lo que

podría ser la lista, particularmente la canción de apertura. En la pantalla, Jagger replica

“estará lista, Marty, esa noche, una hora antes del show”.

Retrospectivamente, Scorsese se ríe por “lo absurdo de intentar ser organizado

cuando no sabíamos qué iba a ocurrir. Estábamos tratando con actuación, lo que es

tono y disposición, pero no era nuestro, era suyo. Ellos habían ensayado en el teatro,

habían ido al backstage y trabajado en ello, pero incluso media hora antes del show, no

estaban seguros”.

Scorsese dice que preparase para un set de canciones desconocido fue tan

emocionante como una carrera de caballos.

“Dependía de lo que les apeteciera tocar. Es como alguien que pone obstáculos

en una carrera. Él no elige el ganador. Sabe la temperatura de la carrera, sabe que el

jinete del caballo favorito ha tenido un problema con su familia. Tal vez su cabeza está

en otra cosa. Sabe que el camino puede estar cubierto de barro a las 3 en punto. No

sabe quién va a ganar, pero puede calibrar la temperatura y hacer un juicio estimado

sobre las apuestas. Pienso que eso es lo que un intérprete hace, y parte de la

excitación de no saber exactamente qué es lo que va a ocurrir”, dice Scorsese.

“La lista fue muy difícil de preparar”, afirma Jagger. “Es una película para ver en

un cine o en un DVD. Así que tiene su propia estética. No vas a hacer el mismo

concierto que harías en un gran sitio. El problema era que no teníamos un show para

teatro en este tour. En el tour anterior sí que lo teníamos. En otras palabras, teníamos

un set list que era diferente para teatro que tenía números diferentes. Era más íntimo.

Este tenía que ser todo inventado. La otra cosa es que en un film como este siempre es

agradable tener artistas invitados. Así que tenías que pensar en esto, qué tipo de

canciones iban a cantar y qué podrían hacer. ¿Cómo iba esto a cuadrar con el resto?

Es decir, no se trata sólo de pensar en la lista de canciones per se. Se trata de pensar

en la presentación de la lista para la película”.

“Y también tenía que equilibrar el hecho de que teníamos algunos compromisos

para editar un DVD del tour también, así que tenía que hacer una set list diferente a la

que apareciera en el DVD. Esto no se ve en la película, pero fue mi gran preocupación.

Tenía que resolver qué shows íbamos a tocar, éste y aquél y el otro, de manera que

fueran diferentes pero, sin embargo, de manera que estuvieran relacionados. Y

solucionar también cómo sería lo de los artistas invitados”.

Como Richards, Jagger sólo siente admiración y respeto por Scorsese. “Muchos

directores-autores estaban haciendo documentales, y principalmente ésto es una

película de un concierto. Son todos grandes realizadores. Creo que Marty es un

realizador maravilloso, y lo conozco desde hace algún tiempo. Y creo que de verdad

siente una gran pasión por esto. No es algo que haga en una semana, digamos, para

tener un poco de diversión. Está muy implicado, súper implicado, en la edición, hasta

conseguir que sea perfecta. Es muy devoto del detalle, algo muy importante en esto. Y

odia la idea de improvisar, como puedes ver en la elección de la set list”.

“En la posproducción fue extremadamente cuidadoso”, continua Jagger. “Quiere

que todo esté perfecto y sacar la máxima emoción de cada parte, sacar todas las

relaciones –trabajar tan duro como pueda. Así que creo que es un gran tipo con el que

trabajar. No es una persona que te ordene ni nada de eso, escucha tus sugerencias y

las acepta o no. Es muy cooperativo”. Y Richards añade: “Su ojo editando es increíble.

Tiene una buena mirada para capturarlo todo. Grabar tres espectáculos es una cosa.

Editar todo ese material otra. Y ahí es cuando la magia aparece con Marty”. Richards

también estaba impresionado por la manera en que Scorsese utilizó el material de

archivo y de antiguos noticiarios con las tomas sobre el escenario. “Marty hizo un

trabajo increíble al montarlos”, dice Richards. “No era sólo un truco. Todo tenía sentido,

sabes. Pero tío, observarme a mí mismo, quiero decir, todo está documentado de

alguna manera. Y aquí se trataba de la forma en que se utilizaba. Pensé que Marty hizo

un trabajo realmente suave cuando metía y sacaba el material de archivo, presente y

pasado, ya sabes. Ahora reto a Marty a averiguar el futuro”, bromea.

Scorsese no es novato en esto de filmar grandes conciertos. Debutó como editor

en “Woodstock”, y como en “Shine a Light”, rodó el documental definitivo sobre The

Band, “El Último Vals”, en un pequeño local. Esa película fue un tributo al clásico grupo

de rock, que tocaba su concierto de despedida, y las cámaras de Scorsese bailaron

alrededor de los músicos montadas sobre grúas, mientras estos tocaban. Pero la

narrativa también se implicaba con la historia de la banda y su pasado, con cortes

frecuentes a entrevistas de los miembros del grupo en el backstage, así como

comentarios de los invitados de The Band, y otros de sus ídolos musicales.

“Shine a Light” se centra en la música, prescindiendo del mecanismo de los

bustos parlantes, y optando en su lugar por fragmentos de noticiarios y material de

archivo de televisión como los únicos comentarios sobre la banda no basados en el

concierto. Scorsese espera que la audiencia vea el concierto en cines con un buen

sistema de sonido que les haga sentir como si estuvieran en el mejor asiento del local

viendo a los irreverentes Stones dando lo mejor de sí mismos.

“La cuestión al final era: ¿por qué estamos hacinedo esta película? No estamos

haciendo una película de compilación, una historia de los Rolling Stones, que habría

sido muy interesante, pero una epopeya demasiado extensa en duración y en el

número de años a cubrir. Y probablemente, son la banda más filmada de la historia del

rock. Hay muchos documentales en los que puedes ver a la banda llegando con sus

instrumentos, y gente diciendo ‘sí, yo trabajé así y asá en el 73‘, que no me interesan.

La música, su actuación, eso era lo importante. Así que el truco era que el material de

archivo tenía que estar en la cantidad justa para apoyar la música. Elegimos temas

como la idea de la longevidad de la banda, y algo sobre la notoriedad del grupo, y

entonces, en cierto punto, quisimos mostrar lo irrelevantes que se volvieron sus

entrevistas con ellos, porque siempre les preguntaban lo mismo una y otra vez hasta el

punto de que las preguntas ya no tenían ningún sentido. Sólo una cosa tenía

significado, realmente, y eso eran sus actuaciones. Así que el material de archivo se

escogió para enfatizar eso”, dice Scorsese.

Ese objetivo, que parece bastante sencillo en un cierto nivel, es un poco como

capturar un relámpago en una botella. El reticente pero siempre amable batería Charlie

Watts se estresa al intentar describir cómo es la relación de los Rolling sobre el

escenario. “No tengo ni idea de cómo describirlo”, dice Watts. “Pero algo pasa cuando

estamos juntos. Siempre ha sido así. Puedes hacer otra combinación de los mismos

instrumentos, la misma actuación, pero no sería lo mismo. Es sólo un par de guitarras,

un bajo y una batería; nada extraordinario. No puedes sentarte y analizarlo realmente,

pero definitivamente, algo ocurre cuando estamos juntos en el escenario. No somos lo

mismo los unos sin los otros”.

Añade que puede ser algo tan simple y duradero como las canciones por sí

mismas. “Los Rolling Stones son una banda de blues”, afirma Watts. “Hoy no toco de

forma diferente a como lo hacía cuando empezamos. Chuck Berry o Muddy Waters es

lo que siempre hemos tocado. Y no creo que hayamos cambiado”.

En su búsqueda para documentar su actuación, su presencia en el escenario, su

camaradería, Scorsese también capturó el legendario subidón de los Rolling sobre el

escenario, conciertos que ocultan por completo su edad real y que electrifican a sus

fans. Los planos finales de Jagger, siempre sin mirar a cámara, siempre entregado a su

audiencia en el palco, son impresionantes y hasta fatigantes de mirar.

“Para mí, actuar es algo para lo que has nacido, en cierta manera”, comenta

Jagger. “Puedes aprender algo sobre ello, y tienes que hacerlo, pero en última

instancia creo que ese impulso de actuar está dentro de ti, y los mejores espectáculos

son de gente que simplemente lo hacen de forma natural. No sé de dónde viene esa

energía, pero está ahí”.

Al final del rodaje, Brigitte Lacombe, la productora de la fotografía del set y una

artista por derecho propio, reunió a todo el equipo para tomar una foto. El

departamento de imagen destacó como algo especialmente emblemático para

Pearman. “Bob Richardson tiene ese pelo blanco largo y ondulado, y creo que en todo

el departamento de cámara había unas cien personas, más Marty, y en la foto todos

ellos llevan esas largas pelucas blancas. Es una foto asombrosa. Fue muy divertido.

Era Halloween, el final de una gran experiencia para todo el mundo. Y estos fotógrafos

estaban disfrutando muchísimo trabajando juntos”.

Pearman resume el impacto del rodaje como una gran colaboración feliz bajo

circunstancias inusuales. Además de la logística de “descargar y meter todo ese

material en un pequeño teatro”, estaba la especial atención y los detalles del Servicio

Secreto a disposición del ex presidente Clinton y sus acompañantes. Por motivo del

cumpleaños del presidente, Clinton se convirtió en el maestro de ceremonias del show.

“Era la mayor banda de rock de todos los tiempos, el mejor director de cine, y el

mejor presidente”, dice Pearman. “Todo el mundo ahí era una estrella del rock. Mick y

Keith y la banda son todos estrellas del rock, Marty es absolutamente un director

estrella del rock, y Clinton es un político que también es como una estrella del rock. Y

los directores de fotografía eran todos una banda de estrellas de la cinematografía. Era

emocionante el mero hecho de estar allí, el ser una parte del trabajo de ponerlo todo

junto y llevarlo más allá de la emoción”.

Damas y Caballeros… LOS ROLLING STONESEs difícil estimar la inmensa importancia de los Rolling Stones en la historia del

rock and roll. El grupo, que se formó en Londres en 1962, destiló mucha de la música

que les precedió y ejerció una influencia decisiva en mucha de la que vino después.

Sólo un puñado de artistas, no importa en qué género, consiguen ese status, y los

Stones figuran entre ellos con mayúsculas.

Cada álbum que han editado desde “The Rolling Stones” (1964) a “Exile on Main

Street” (1972), es esencial no sólo para comprender la música de ese tiempo, sino para

comprender ese tiempo mismo. Gracias a su intenso interés por el blues y el R&B, los

Stones conectaron con un público de jóvenes americanos, con una música que era

desconocida para la vasta mayoría de los blancos americanos. Aunque no eran una

banda política en sus primeros años, su obsesión con la música negra, Robert

Jonhnson, Muddy Waters, Howlin' Wolf, Chuck Berry, Marvin Gaye, etc. supuso un

golpe de aliento para el movimiento de los derechos civiles. De hecho, si los Stones no

hubieran vuelto a grabar después de 1965, aún serían legendarios...

Los Rolling Stones se convirtieron pronto en sinónimo de rebeldía hacía su

tiempo. Canciones como “Satisfaction”, “Street Fighting Men”, “Sympathy For the Devil”

y “Gimme Shelter” capturaban la violencia, el caos y la frustración de esa era. Para los

Stones, los 60 no fueron un tiempo de paz y amor. En muchos sentidos, la banda

encontraba la psicodelia confusa y estúpida. Siempre fueron unos pragmáticos

convencidos. Frente a las promesas y el idealismo de los 60, los Stones comprendieron

que no siempre puedes conseguir lo que quieres, como decía su canción del mismo

título.

Por esta razón, cuando los 60 tocaban a su fin y llegaban los 70, los Stones

siguieron con un nivel compositivo que rivaliza con cualquier otra gran banda de la

historia del rock. “Beggars Banquet” (1968), “Let It Bleed” (1969), “Sticky Fingers”

(1971) y “Exile on Main Street” (1972) aparecen recurrentemente en las lista de los

mejores discos de todos los tiempos. Todos grabados con el productor americano

Jimmy Miller, son discos que bullen igual que lo hacía la cultura de ese momento.

Mientras los Stones trabajaban en “Let It Bleed”, Brian Jones murió, y la banda le

reemplazó con Mick Taylor, un guitarrista cuyo lirismo y facilidad para la melodía

aportaba un contrapunto la energía rítmica de Keith Richards, añadiendo un elemento

al grupo que no había estado presente antes y abriendo nuevas direcciones musicales.

Tras esto, se convirtieron en una fuerza indomable en la escena musical y han

seguido siéndolo hasta hoy mismo. En 1978, el disco “Some Girls”, se enfrentó al

desafío del punk con temas enérgicos como “When the Chip Comes Down”, pero

también encontramos ritmos sinuosos con elementos disco como “Miss You”. Fue uno

de los mejores discos de la década. En 1975, Ron Wood sustituye a Mick Taylor,

convirtiéndose en otro elemento fundamental en el grupo que permanecería otras tres

décadas, y todavía hoy.

“Tattoo You” de 1981 añadió los clásicos “Start Me Up”, y “Waiting For a Friend”

al repertorio de los Stones y ocupó su lugar entre los discos más sobresalientes de la

época moderna del grupo. “Dirty Work” es probablemente su disco más infravalorado, y

refleja el tumulto que golpeaba a la banda cuando se grabó. Los fans radicales de los

Stones proclaman su amor por este álbum con orgullo.

Con el lanzamiento de “Steel Wheels” en 1989, los Stones volvieron a la

carretera por primera vez en siete años e inauguraron la última fase de su ilustre

carrera. En este tiempo han grabado discos creíbles y robustos, “Voodoo Lounge”,

“Bridges to Babilón”, el directo “Stripped”, y el recopilatorio “Forty Links”. En 2005

lanzaron “A Bigger Bang”, su primer disco con material nuevo del siglo 21.

En todo este tiempo los Stones han marcado un standard en lo que al directo se

refiere. Un logro acorde con la historia de la banda. Cuando los Stones comenzaron su

gira de 1969 publicitándose como "La Banda Más Grande del Rock and Roll", lo hacían

basándose en su poderío en directo. En esa época casi estaba de moda dejar a un

lado las giras, Bob Dylan y los Beatles los habían hecho. Pero los Stones se decidieron

a demostrar que escribir canciones brillantes y poderosas no era suficiente, que había

que hacer vibrar a los fans encima de un escenario. Los directos de los Stones,

capitalizados por la energía y la personalidad de Mick Jagger les ganaron esa fama al

principio de su carrera y la llama siguió encendida después.

Desde 1989 los Stones han hecho giras cada pocos años con una entusiasta

respuesta de su público. La gira que presentó “A Bigger Bang” recibió grandes críticas.

El bajista Darryll Jones, quien había tocado antes con Miles Davies, se unió a la banda

en 1994, cuando se fue Bill Wyman, y los Stones convirtieron lo que podría haber sido

un grave obstáculo en una inyección de energía rejuvenecedora. El éxito de la carrera

en directo de los Stones en este tiempo no se basa en el dinero o la cantidad de

espectadores, aunque han triunfado en ambos aspectos, sino en su demostración de

vitalidad, de compromiso con la idea de que el directo es lo que mantiene viva a una

banda de rock.

Y ese es el error fundamental cuando se hace la pregunta que siempre salta en

las giras de los Stones: ¿es ésta la última vez? Es cierto que la banda ha estado en las

noticias por muchas razones que poco o nada tienen que ver con la música. Arrestos,

declaraciones provocativas, divorcios, aventuras sentimentales, y toda clase de

cotilleos derivados de toda una vida bajo el ojo de las cámaras. Y no hay duda de que

Mick Jagger es una de las mayores celebridades del mundo.

Pero, por todo eso, los Stones pueden ser mejor comprendidos como músicos, y

su propia aceptación de ese hecho les ha ayudado a sobrellevar su carrera durante

tanto tiempo. A pesar de todos los titulares sensacionalistas que han protagonizado,

Mick Jagger es un extraordinario vocalista y Keith Richards es el motor que mueve a

los Stones y hace su música reconocible al instante. Ron Wood es un guitarrista que ha

formado una hermandad rítmica con Richards, pero también da color y textura a las

canciones de la banda. Y Charlie Watts, no hace falta decirlo, es uno de los mejores

baterías del rock. Es a la vez la roca a la que se aferra la banda, y la fuerza que la

mueve. A la vez elegante y sencillo, ninguno de sus gestos es al azar, todos son

necesarios. Él y Darryll Jones encarnan la a menudo monolítica noción del ritmo en la

sección rítmica en el rock and roll con una sofisticación irresistible, no pretenciosa y

derivada del jazz.

Los músicos viven y crean en el momento, y por eso los fans todavía quieren ver

a los Stones. Ciertamente hay también un catálogo de canciones que sólo unos pocos

pueden igualar. Seguramente también hay un deseo de ver a una banda que ha jugado

un papel fundamental en la definición misma de lo que es el rock and roll. Pero ver a

los Rolling Stones en directo es ver a una banda trabajadora tocando tan duro como

pueden, y nunca habrá una última vez para eso.

Equipo Técnico

Martin Scorsese (Director) nació en 1942 en Nueva York, y creció en el barrio

de Little Italy, que más tarde sirvió de inspiración para varias de sus películas.

Scorsese se licenció en Comunicaciones Cinematográficas en 1964, y realizó un

master en el mismo campo en 1966 en la Escuela de Cine de la Universidad de Nueva

York. Durante ese periodo realizó numerosos cortos que fueron premiados, entre ellos

“The Big Shave”.

En 1968 dirigió su primera película, “Who's That Knockin at my Door?”. Fue

ayudante del director y montador del documental sobre Woodstock en 1970, y alcanzó

el reconocimiento mundial por parte de la crítica y el público por “Mean Streets” de

1973. Scorsese dirigió su primera película documental, “Italianamerican” en 1974. En

1976, “Taxi Driver” ganó la Palma de Oro en Cannes. Le siguió “El Último Vals” en

1978, y “Raging Bull” en 1980, que recibió 8 nominaciones al Oscar. Después dirigió “El

Color del Dinero”, “La Última Tentación de Cristo”, “Good Fellas”, “Cape Fear”,

“Casino”, “Kundun”, y “La Edad de la Inocencia” entre otras películas. En 1996,

Scorsese completó un documental de 4 horas, “A Personal Journey with Martin

Scorsese Through American Movies”, codirigido con Michael Henry Wilson.

El documental fue comisionado por el British Film Institute para celebrar el

centenario del nacimiento del cine. En 2001, Scorsese estrenó “Il Mio Viaggio in Italia”,

que documenta su amor por el cine italiano. Su largamente gestado proyecto

“Gangsters de Nueva York”, se estrenó en 2002, y fue ampliamente premiada,

incluyendo un Globo de Oro al mejor director.

“El Aviador” se estrenó en 2004 y ganó 5 Oscars además del Globo de Oro y un

BAFTA. En 2005 dirige “No Direction Home: Bob Dylan”.

Su película más reciente, “Infiltrados” fue estrenada en 2006 y fue un éxito de

crítica y público, además de premiada por el Directors Guild of America, los Globos de

Oro, la New York Film Critics, el National Board of Review y los Critics Choice Awards,

a lo que hay que añadir 4 Oscar de la Academia incluyendo Mejor Película y Mejor

Director.

Scorsese ha dirigido por último “Shine a Light”, un documental sobre los Rolling

Stones, y entre el resto de sus premios se encuentran el León de Oro del Festival de

Venecia (1995), el AFI Life Achievement Award (1997), el Honoree de la Film Society

del Lincoln Center's (1998), y el DGA Lifetime Achievement Award (2003). Es fundador

y presidente de la Film Foundation, una organización sin ánimo de lucro dedicada a

preservar la memoria histórica del cine.

Victoria Pearman (productora), es la responsable de producir “Enigma”, que fue

estrenada en una proyección especial para el Príncipe Carlos, “Being Mick”, un

documental para ABC/Channel 4, y el documental sobre The Rolling Stones, “Tip of

Tongue”. También produjo un documental para A&E sobre la Global Initiative

Conference de Bill Clinton.

Pearman y Jagger también están produciendo un remake de “The Women”, con

Annette Bening, Meg Ryan, Eva Mendes, Bette Midler y Candice Bergen, y “Ruby

Tuesday”, una película de animación en asociación con Europacorp, de la que es

dueño Luc Besson.

Pearman además supervisa el desarrollo de los diferentes proyectos de Jagged

Films. Estos incluyen un segundo proyecto junto a Martin Scorsese, “The Long Play”,

una adaptación de la novela de Kazuo Ishiguro, “When We Were Orphans”, un

documental sobre la Sea Sheperd Conservation Society, “Sea”, una película sobre

Margot Fonteyn y Rudolph Nureyev, y una comedia sobre roadies y rock stars llamada

“Swap”.

Antes de fundar Jagged Films, Pearman era supervisora de producción ejecutiva

en New Regency Films, compañía de Warner Bros, donde trabajó en películas como

“Sommersby”, “The New Age”, “El Cliente”, “Falling Down”, “Six Degrees of Separation”,

“Asesinos Natos”, “Heaven and Earth”, “Second Best”, “Boys on the Side”, “Copycat”,

“Liberad a Willy” I y II.

Mientras fue vicepresidenta de producción en Island Alive Films, la primera

compañía realmente independiente, Pearman produjo “The Whales of August”., con

Bette Davis y Lillian Gish, y fue supervisora de producción y directora de casting en

“The Moderns” y “Trouble in Mind” de Alan Rudolph. En Island Alive también trabajó en

la producción de “Marlene”, un documental sobre Marlene Dietrich de Maximilian

Schell, “Stop Making Sense”, “Koyaanisqatsi”, “El Beso de la Mujer Araña”, “The Trip to

Bountiful” y “Choose Me”.

Nativa de Swansea, Gales, Pearman comenzó su carrera en Universal Pictures

en Londres.

Michael Cohl (productor) es responsable de cuatro de las giras mundiales más

taquilleras de todos los tiempos y es un prominente promotor musical a nivel mundial.

Cuatro años después de empezar su carrera como promotor local de conciertos en

1969, Cohl fundó Concert Productions International y rápidamente se convirtió en

cabeza visible de la escena musical canadiense, promoviendo Canadá como país

viable para giras musicales y adquiriendo experiencia en otros campos del

entretenimiento como los deportes, teatro, etc...

Productor prolífico e innovador de la programación en televisión y cine, además

de promotor de más de 150 bandas, entre sus clientes presentes y pasados figuran U2,

The Rolling Stones, Pink Flyod, Frank Sinatra, Stevie Wonder, Prince… etc. Cohl ha

producido una gran cantidad de eventos muy diversos, incluyendo varios años de Wide

World Sports , el tour de los Jackson, “Victory”, en 1984 junto a Michael Jackson, y el

concierto en formato IMAX más exitoso hasta ahora, “Live at Max” de The Rolling

Stones, así como el DVD musical más vendido de la historia, "Rolling Stones Four

Flicks".

En 1989 Cohl desarrolló el concepto de paquete de gira, con la gira de los

Stones, “Steel Wheels”, encargándose también del lucrativo mercado que rodea a

estos eventos: libros, televisión, videos, merchandising, etc.... Además se involucró en

espectáculos teatrales como los montajes de “El Rey León”, “Hairspray” y “Los

Productores”. Su primera incursión en Broadway fue con “Bombay Dreams” de A.R.

Rahman, basada en la exitosa producción londinense de Andrew Lloyd Weber.

Recientemente ha producido “The Woman in White” en el West End de Londres,

“Spamalot”, ganadora de tres premios Tony, y la versión teatral de “El Señor de los

Anillos”.

Al término de la gira de “Forty Licks” de los Stones en 2003, Cohl lanzó su

compañía de dvd's musicales con “Rolling Stones Four Flick”, que ganó numerosos

premios por la música y por sus ventas. Cohl editó también el dvd “Toronto Rocks”, que

documenta el concierto benéfico del mismo nombre organizado en 2003 para apoyar el

turismo y la cultura en el país. El evento reunió a 490.000 personas y se considera el

modelo a seguir en la organización de conciertos de este tipo. También en 2004

produjo el documental “Isn't This a Time!”, con The Weavers, Pete Seeger y Arlo

Guthrie. Presentada en el Festival de Cine de Toronto, recibió muy buenas críticas.

Cohl ha producido también documentales de leyendas musicales como Pete Seeger y

Harry Belafonte. En el verano de 2005, con el principio de una nueva gira de los Stones

a la vista, Cohl contestó a la llamada de Bob Geldof e hizo que Canadá formara parte

de Live 8, con un concierto multitudinario organizado en tres semanas en el que

participaron Neil Young, Bryan Adams y Gordon Lightfoot, entre otros. En total más de

1000 músicos actuaron en 10 escenarios repartidos por todo el mundo, y el concierto

fue transmitido por 182 cadenas de televisión y 2000 emisoras de radio. Tras este

concierto, los líderes del G8 acordaron incrementar la ayuda para África hasta 25

billones de dólares para el año 2010.

Ese año también marcó el largamente esperado regreso de los Stones a los

escenarios. El tour “A Bigger Band” del que también fue promotor Cohl ofreció a los

fans la oportunidad de ver el concierto desde estructuras colocadas en el mismo

escenario. La gira se convirtió en la más taquillera de la historia, con 3'5 millones de

espectadores e incluyó un concierto histórico y gratuito en la playa de Copacabana en

Río de Janeiro.

Cohl ha recibido el premio al Mejor Promotor Musical en varias ocasiones por

parte de numerosas publicaciones y asociaciones de la industria. En 2002 ingresó en la

Canadian Music Hall Of Fame. En 2005 fue premiado por el Billboard Magazine por sus

logros y por su influencia en la música como promotor. También como productor recibió

un Tony por el musical “Spamalot”, de los Monty Phyton.

2006 fue un año histórico para él: además de la gira de los Stones, fue

responsable de las de The Who y Barbra Streisand. Esta última consiguió beneficios

record en 14 de las 16 fechas de su gira, mientras que The Who agotaron las entradas

en toda Norteamérica.

Zane Weiner (productor), ha supervisado producciones para Shangri-La

Entertainment que incluyen “The Polar Express”, “The Big Bounce”, “Looking For

Comedy in the Muslim World”, “For Your Consideration” y “Beowulf”. Antes de unirse a

la compañía, fue jefe de unidad de producción en muchas películas, incluyendo

“Wonder Boys” y “8 Millas”, además de la trilogía de “El Señor de los Anillos”.

Weiner vive en Pennsylvania con su mujer, la directora y coreógrafa Niki Harris.

Jane Rose (coproductora ejecutiva), ha sido manager de Keith Richards

desde 1985, y ha trabajado con The Rolling Stones en distintas áreas desde 1975. El

último paso que ha dado en la dirección de la carrera de Richards en solitario es

negociar un contrato para la publicación de su autobiografía en 2010. El libro será

escrito junto a James Fox, autor de White Mischief y amigo de Richards desde hace 30

años.

Fue productora ejecutiva del DVD “Keith Richards and The X-pensive Winos:

Live at the Hollywood Palladium”, una edición limitada que acompañó su album en

solitario.

También fue productora asociada de “Hail! Hail! Rock'n'Roll”, concierto en el que

Richards aparece acompañado de Chuck Berry, Eric Clapton, Robert Cray y Etta

James en la ciudad natal de Berry, St Louis.

Robert Richardson (director de fotografía), ha ganado los siguientes premios:

Oscars:

- Dos premios, por “El Aviador” (2004), “JFK” (1991)

- Tres nominaciones: “Snow Falling on Cedars” (1999), “Nacido el 4 de Julio” (1989)

y “Platoon” (1986)

The American Society of Cinematographers Awards:

- 8 nominaciones, por “The Good Sheperd” (2006), “El Aviador” (2004), “Snow

Falling on Cedars” (1999), “El Hombre que Susurraba a los Caballos” (1998),

“Heaven and Herat” (1993), “Algunos Hombres Buenos” (1992), “JFK” (1991),

“Nacido el 4 de Julio” (1989)

BAFTA Awards:

- Dos nominaciones: “El Aviador” (2004), “Platoon” (1986)

Otros créditos de Richardson incluyen  “Kill Bill: Vol. 1” y “Kill Bill: Vol. 2”, “Bringing

Out the Dead”, “Wag the Dog”, “U-Turn”, “Nixon”, “Casino”, “Asesinos Natos”, “The

Doors”, “Repo Man”.

David Tedeschi (montador), ha trabajado con Martin Scorsese en otras dos

ocasiones: en el documental ganador del Peabody Award, “No Direction Home: Bob

Dylan”, una crónica de la vida del legendario cantante folk y rock, y también “Feel Like

Home”, parte de la serie de documentales “The Blues”.

Tedeschi también ha continuado su larga colaboración con el director Leon Ichaso

en “El Cantante”, con Jennifer Lopez y Mark Anthony, habiendo sido el encargado del

montaje del biopic “Piñero” con Benjamin Bratt en el papel del icónico poeta Miguel

Piñero.

Entre sus créditos en televisión destacan “The Shield”, “American High”, “The

Osbournes” y “TV Nation”.

Bob Clearmnountain (sonido), es un productor, ingeniero y mezclador de sonido

aclamado por los grandes estudios de grabación. Influenciado por su hermano

guitarrista, empezó a tocar el bajo en su juventud. Fascinado por los medios de

grabación desde el principio, también jugó con la electrónica. Mientras estaba en el

instituto grabó una demo con su banda en los estudios Media Sound de Nueva York y

cuando la banda se disolvió, Bob volvió a los estudios para buscar trabajo. En un

principio fue contratado como chico de los recados, pero en unos meses ya era

ayudante del ingeniero de sonido en una sesión de Duke Ellington. Trabajó sin

descanso como ingeniero durante los 70, y se hizo bastante conocido en los círculos de

la música disco por sus producciones sofisticadas en discos de Chic y Sister Sledge.

Paralelamente empezó a producir discos de bandas new wave como The Rezillos y

Tuff Darts.

Con la llegada de los 80, Clearmountain trabajó no solo con principiantes como

Bryan Adams y The Church, sino que fue ingeniero en discos de David Bowie y Roxy

Music. El año 1984 fue determinante para él con su trabajo en “Reckless” de Bryan

Adams y “Big, Bam Boom” de Hall & Oates, además de encargarse de las mezclas del

“Born in the Usa” de Bruce Springsteen. Trabajando a menudo en equipo con el

productor Jimmy Lovine, Clearmountain fue responsable de hits como “Kick” de INXS,

“Once Upon a Time” de Simple Minds y “Get Close” de The Pretenders. Durante los 90

desarrolló el SessionTools, una aplicación para estudios de grabación diseñada para

facilitar todas las facetas de la grabación moderna de música.

Y por supuesto no podemos olvidarnos de su trabajo con The Rolling Stones,

destacando su labor en discos como “Voodoo Lounge”, “Bridges to Babylon” y “Forty

Licks”.