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Stephan Fuertbauer, Anne Berry, Joshua White, Phedia Mazuc, Christina Z Anderson, Virginie Plauchut, Julie Sundberg, Borja A Rodriguez, Daniel Leivick and Noriko Takasugi.
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Stefan Fuertbauer Anne Berry Joshua White Phedia Mazuc Christina Z Anderson Virginie Plauchut Julie Sundberg Borja A. Rodriguez Daniel Leivick Noriko Takasugi
MAGAZINE 404
STEFAN FUERTBAUER 6
ANNE BERRY 16
JOSHUA WHITE 28
PHEDIA MAZUC 40
CHRISTINA Z. ANDERSON 50
VIRGINIE PLANCHUT 60
JULIE SUNDBERG 72
BORJAA. RODRIGUEZ 86
DANIEL LEIVICK 98
NORIKO TAKASUGI 110
The images published in this magazine are copyrighted to their corresponding creators.
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Cuando era adolescente solía divertirme leyendo el diccionario
español (mi lengua materna). Me deleitaba elegir una página
al azar y encontrar nuevos significados de palabras conocidas
y aún más, nuevas palabras, que describieran sensaciones
todavía indefinidas.
Esta misma clase de placer siento ahora, cada vez que recibo los
textos de los nuevos proyectos para traducirlos al español. Cada
uno de ellos, mas allá del talento literario del artista, abre una
compuerta a un mundo íntimo que exige ser respetuosamente
descifrado. Cada uno de ellos contiene la clave para comprender
una fracción muy específica de la vida del creador de imágenes.
Una fracción de vida, que ha sido enjaulada en un puñado de
cuadrados. Y no puedo evitar que esto me fascine, una y otra vez.
Así que, gracias a todos los que hasta ahora han contribuido con
la revista Square y con el enriquecimiento de mi alma.
Y ahorita a brindar por un año nuevo, intenso y audaz!
Als Teenager las ich zum Spaß manchmal im Spanisch
Wörterbuch (Spanisch ist meine Muttersprache). Ich schlug
wahllos eine Seite auf und es war toll neue Bedeutungen für
schon bekannte Worte zu finden oder, noch besser, neue Worte
für noch unbekannte Gefühle.
Diese Art von Freude empfinde ich jetzt jedes Mal wieder,
wenn mir neue Projektbeschreibungen zum Übersetzen
zugeschickt werden. Jede davon öffnet, abgesehen von den
Schreibfähigkeiten der Künstler, Tore in intime Welten, die
behutsam entschlüsselt werden müssen. Jede von ihnen ist
eine Spur für einen bestimmten Ausschnitt in das Leben eines
Bildherstellers. Ein Aspekt des Lebens der in wenigen Quadraten
eingefangen wurde. Das fasziniert mich immer wieder.
Deswegen danke ich euch für eure Beteiligung am Square
Magazine und für die Bereicherung meiner Kenntnisse.
Ein gutes neues Jahr euch allen!
Bea Fresno, Dec 2013
Una fracción de vidaAus Sicht der Übersetzerin
Also, pease take some time filling in our quick survey / Prenez aussi le temps de remplir notre petit questionnaire svp
STEFAN FUERTBAUER 6
ANNE BERRY 16
JOSHUA WHITE 28
PHEDIA MAZUC 40
CHRISTINA Z. ANDERSON 50
VIRGINIE PLANCHUT 60
JULIE SUNDBERG 72
BORJAA. RODRIGUEZ 86
DANIEL LEIVICK 98
NORIKO TAKASUGI 110
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Eiterquellen se refiere a Wurstel Diners Vienesas y la cultura de
la comida-rapida Vienesa. La mayoría de las veces, son islas
aisladas en un área antigua dentro de un patrimonio cultural.
Están aisladas no solo por su aspecto, si no también en el
sentido de que se resisten a las cadenas de comida rápida a
nivel mundial. Sin embargo, su moderna arquitectura tiene
mucho patrimonio cultural.
Las Wurstel Diners Vienesas fueron introducidas durante
el imperio Austro-Húngaro “K.u.K” monarquía alrededor de
1870, para proporcionar a los veteranos heridos en la guerra
un ingreso seguro. Desde entonces, se han convertido en una
parte escencial de la cultura urbana, no solo por el suministro
de bocadillos, si no también por ser un lugar de encuentro para
la clase obrera Vienesa así como para la clase social alta.
El lenguaje Vienes suburbano puede ser algo crudo y se
festeja en este tipo de lugares-razón principal por la cual
escogí el titulo ‘Eiterquellen’ (‘Pus Springs’) para este proyecto.
Personas Vienesas han encontrado algunos sinónimos para
los alimentos suministrados a los comensales, como ‘Eitrige’
(‘pus-filled’) un ‘Kaesekrainer’ se describe como una salchicha
rellena de queso, que se derrite cuando se pone a la parrilla.
Con un poco de imaginación esto puede parecer pus. El
‘Kaesekrainer’ se sirve preferentemente con barf (mostaza) y
un hump (pan de rollo)...
Por supuesto, estos antiguos comensales Vieneses tenían
que evolucionar para ponerse al día con las cadenas
internacionales de comida-rápida, lugares de comida como
Kebab y barras de comida Asiática.
Han alineado su apariencia con una arquitectura
contemporánea que no es muy diferente al estilo de los
comensales de los 60’s en EE.UU. Pero sirven los mismos
bocadillos que solían servir hace casi 150 años .
Stefan Fuertbauer Eiterquellenwww.fuertbauer.net
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Stefan Fuertbauer
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Im Projekt ‘Eiterquellen’ beschäftige ich mich mit Wiener
Imbissbuden und der etwas anderen Wiener Imbiss-Kultur.
Wiener Würstelstände sind oftmals inselhaft anmutende,
isolierte Nahrungsquellen inmitten geschichtsträchtiger
Umgebung mit einem Schuss kulturellem Erbe. Isoliert sowohl
im Sinne des Erscheinungsbildes als auch im tagtäglichen
Kampf gegen global agierende Fastfood-Ketten. Aber so
unpassend modern manche Architektur erscheinen mag, so
geschichtsträchtig geht es im Grunde hinter den Kulissen zu.
Wiener Würstelstände wurden während der Österreich-
Ungarischen K.u.K. Monarchie um 1870 etabliert, um
Kriegsinvaliden ein Einkommen zu sichern. Sie entwickelten
sich zu einem essenziellen Bestandteil der urbanen Kultur -
nicht nur um Speisen feilzubieten sondern auch als Treffpunkt
quer durch alle Gesellschaftsklassen.
Zudem ist der Wiener Dialekt ein eher rauer Zeitgenosse und
wird genau an diesen Orten ausgiebig zelebriert - deshalb auch
der Titel ‘Eiterquellen’. Der erfinderische Wiener erfand im Laufe
der Zeit einige fragwürdige Synonyme für die Speisen, wie zB.
die ‘Eitrige’ für die Käsekrainer, deren Käsefülle am heißen Grill
herausquillt. Mit etwas Vorstellungskraft mag das wohl wie
Eiter aussehen.
Vorzugsweise wird die Eitrige dann mit an G‘spiebenem (Senf)
und an Buckel (Semmel) serviert... Natürlich mussten die
alteingesessenen und traditionellen Würstelstände mit der Zeit
gehen, um internationalen Fastfood-Ketten, Dönerbuden und
asiatischen Take-aways die Stirn zu bieten. Man bediente sich
dabei zeitgenössischer Architektur (was den amerikanischen
Diners aus den 60er übrigens nicht unähnlich sieht), polierte
das Äußere auf, serviert aber dasselbe wie vor fast 150 Jahren.
Und so entstanden diese wunderbaren, teils skurrilen
Eiterquellen, die manchmal vielleicht mit der Geschichte hadern
und doch Teil selbiger sind.
Stefan FuertbauerEiterquellenwww.fuertbauer.net
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Stefan Fuertbauer
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Anne Berry
enfoco manualmente. Convierto la imagen a blanco y
negro y la manipulo como lo haría en el cuarto oscuro,
apantallando, quemando y creando fotomontajes. El
blanco y negro es fundamental para mi visión. Me
ayuda a seleccionar únicamente lo esencial. Sin color, la
forma se convierte en la herramienta más importante.
Además, la ausencia de color desconecta a la imagen de
la realidad y contribuye a enfatizar su valor espiritual. El
animal no se convierte en un documento de la realidad
sino en un arquetipo de trascendencia universal. La
calidad pictórica y el aire nostálgico son generados por el
objetivo que utilizo y la elección del diafragma. Encuentro
lentes viejos y los hago modificar para que se adapten
a mi cámara. Un objetivo de medio formato con un
adaptador de inclinación me permite manipular el plano
de foco. Disparo en la máxima abertura, que desdibuja
los detalles que no son esenciales.
En la sociedad actual las mascotas son mimadas
y antropomorfizadas, pero los animales son a
menudo, ignorados y descuidados. Mi trabajo
fotográfico trata sobre la belleza de los animales pero,
fundamentalmente, sobre su situación. La calidad
pictórica de estas imágenes suaviza el impacto, pero
el golpe nos acecha desde sus ojos y expresiones.
Espero el momento de poder captar algo de la esencia
de un animal, para que hable a través de la fotografía.
Cada animal suplica al espectador que considere su
lugar en un mundo donde las topadoras destruyen
aceleradamente sus hábitats; y se convierte en el
embajador de todos los de su especie. Los primates en
particular, nos recuerdan el vínculo indisoluble entre el
hombre y el reino animal. Si estos embajadores lograsen
sensibilizar al espectador sobre este nexo, quizás esto
crearía un interés por el bienestar de los animales.
Mis materiales son una combinación de nuevo y
antiguo. Actualmente capturo la imagen digitalmente,
pero mis hábitos son analógicos. No miro la pantalla y
Behind glassanneberrystudio.com
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Anne Berry
meine Gewohnheiten stammen aus der analogen Zeit:
Ich schaue nicht auf das Display und ich fokussiere
manuell. Ich wandle das Bild in schwarz-weiß um und
bearbeite es wie in der Dunkelkammer. Die schwarz-
weiß Fotografie ist zentral für meinen Blick. Sie hilft
mir auszuwählen, was wichtig ist. Ohne Farbe wird die
Form zum wichtigsten Werkzeug. Das Fehlen der Farbe
enthebt das Bild der Realität und verstärkt den geistigen
Wert. Das Tier wird kein Realitätsdokument, sondern
ein Archtyp von universeller Bedeutung. Die bildliche
Qualität und das Element von Nostalgie sind meiner
Wahl von Linse und Blende geschuldet. Ich arbeite mit
gebrauchten Objektiven und lasse sie umbauen, so
dass ich sie an meiner Kamera verwenden kann. Ein
Mittelformatobjektiv mit einem Shiftadapters erlaubt
es mir den Schärfebereich zu verändern. Ich mache
das Bild dann mit der größten Blende, was unwichtige
Details verschwimmen lässt. Die Fotos werden auf
Silbergelantinepapier abgezogen.
In der heutigen Gesellschaft werden Haustiere
verwöhnt und antropomorphisiert, doch Tiere werden
oft übersehen und vernachlässigt. Meine Bilder bilden
die Schönheit der Tiere ab, aber wichtiger noch, ihre
Notlagen. Die bildliche Qualität der Bilder dämpfen den
Schock, doch der Schlag ist zu sehen, in den Augen und
Ausdrücken der Tiere. Ich antizipiere den Moment, in dem
ich ein Teil der Essenz eines Tieres einfangen kann, so
dass es durch die Fotografie spricht. Jedes Tier fleht den
Betrachter an, seinen Platz in einer Welt zu beachten, in
der ihre Lebensräume von Bulldozern zerstört werden;
er ist ein Botschafter für alle Tiere seiner Art. Vor allem
Primaten sind besonders geeignet, Menschen an die
unleugbare Verwandschaft zwischen Mensch und Tier
zu erinnern. Wenn diese Botschafter es schaffen, den
Betrachter an diese Verbindung zu erinnern, kann es
vielleicht dazu beitragen, ein Interesse an der Wohlfahrt
der Tiere zu wecken.
Meine Materialien sind eine Verbindung von alt und
neu. Ich mache die Bilder inzwischen digital, aber
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Joshua White
Esta serie comenzó como una exploración de las plantas,
insectos y animales que se encuentran en mi entorno
inmediato. Uso mi iPhone para capturar las imágenes y toda
la edición se realiza en el teléfono. No estoy seguro todavía
de que esto sea relevante, o si seguirá siendo un parámetro
del proyecto. Originariamente estas imágenes parecían ser
una distracción de mi mayor cuerpo de trabajo que lidia con la
memoria y la pérdida, pero ahora parece que, como siempre
suele ser el caso, encajan perfectamente.
Mi madre me dice que solía acostarme boca abajo y observar
a las hormigas en el césped. También recuerdo capturar
escarabajos en un vaso de plástico, recolectados entre sus
rosas salvajes. Recuerdo encontrar tortugas de caja y la espera
de oír a las cigarras en verano, y tener jugo de tabaco de un
saltamontes en mis dedos, y atrapar luciérnagas en un frasco.
Tengo la esperanza, de que estas imágenes, también te hagan
pensar en esos tiempos.
Diese Serie begann als eine Erforschung der Pflanzen, Insekten
und Tiere die ich in meiner unmittelbaren Umgebung fand. Ich
benutze mein iPhone um diese Bilder einzufangen und auch die
Nachbearbeitung findet auf dem Telefon statt. Ich bin mir noch
nicht sicher, ob das wichtig ist, ob diese Tatsache überhaupt ein
Parameter des Projekts bleiben wird. Ursprünglich sah es so aus
als ob diese Bilder eine Abzweigung von meiner eigentlichen
Arbeit, die sich mit Verlust und Erinnerung auseinandersetzt,
darstellen würden, aber nun scheint es, als würden sie sich
direkt darin einpassen.
Meine Mutter erzählt mir, wie ich als Kind auf dem Bauch im
Gras lag und Ameisen beobachtete. Ich weiß noch wie ich
mit Styroporbechern Maikäfer von ihren Rosen fing. Und ich
erinnere mich daran wie ich Schildkröten fand und wie ich
darauf wartete, im Sommer die Zykaden zu hören oder wie
Grashüpfer Tabaksaft auf meinen Fingern hinterliessen und
dass ich Glühwürmchen mit Marmeladengläsern einfing.
Meine Hoffnung ist, dass meine Bilder euch auch an solche
Dinge denken lassen.
Un Estudio Fotográfico del Jardín Americano
www.joshuawhitephotography.com
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Phedia MazucNo chairs disparues
phedia-mazuc.tumblr.com
Siempre es difícil para mi hablar sobre mis imágenes
a pesar de que siempre se originan a partir de una
asociación de palabras. Podemos vivir el vacío de una
silla como una promesa o una amenaza. Las sillas no
pueden realmente ser vistas, pero no obstante, es un
centro de atracción de comentarios sobre quien puedo
haber estado sentado allí si hubo alguna vez un deseo
para sentarse, o por el contrario evitar sentarse a
toda costa. Un lugar desde donde uno quiere escapar,
hacia una tierra de nadie, una tierra imaginaria,
a medio camino entre los objetos abandonados y
paisajes fantasmagóricos Como un deseo de forzar un
movimiento de permanecer estático o congelar de lo que
se esta huyendo. No es tristeza, tampoco es felicidad. Es
un poco borroso, un poco vago, pero enfocado.
Es fällt mir immer schwer über meine Bilder zu sprechen,
selbst wenn sie oft durch eine Wortassoziation
entstehen. Man kann den leeren Stuhl als ein
Versprechen oder als eine Warnung sehen. Man sieht
kein Fleisch und doch zieht der Stuhl Kommentare
darüber auf sich, wer dort wohl gesessen haben mag;
oder er weckt das Verlangen sich darauf setzen zu
wollen oder im Gegenteil überhaupt gar nicht. Es ist ein
Belagerungszustand, dem man entkommen möchte,
ein Niemandsland, ein imaginäres Territorium, auf
halbem Wege zwischen verlassenen Objekten und
phantasmagorischen Landschaften. Wie die Lust, dem
Statischen Bewegung zu geben oder das sich Bewegende
einzufrieren. Es ist weder traurig noch fröhlich. Es ist
ein bisschen vage, ein bisschen unscharf und auch ein
bisschen scharf.
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Christina Z. Anderson
Soy la más joven de 8 hermanos, siete hijas y un solo hijo, en
una gran familia particularmente machista.
Cuando murieron mis padres me tocó a mí ordenar unas
cuarenta mil fotos descoloridas llenas de polvo y moho.
Durante trece años las estuve procesando para conseguir un
total de dos mil seis cientas imágenes por repartir entre los
distintos miembros de mi familia. He selecccionado las cien
fotos que mejor reflejan la experiencia que fue el crecer en
aquel momento crucial de cambios tan fuertes en los modelos
de familia y de orientación sexual. El hecho de procesar una y
otra vez esas imágenes, a lo largo de una década dedicada a
expurgar el conjunto, me ha dado tiempo para contemplarlas
y hacer las paces con mi familia de origen. Hay excentricidad
y humor en esas fotos, pero también tristeza y desilusión,
porque detrás de estas sonrisas Kodachrome, como en casi
todas las familias, se ocultan dramas.
Se realizan las copias a partir de proteínas de leche coloradas,
una elección ideal para recuerdos de niñez.
Ich bin die Jüngste in einer Familie mit sieben
Schwestern und einem Bruder; einer großen Familie,
die auch sehr genderbefangen war. Als unsere Eltern
starben wurde mir aufgetragen, Ordnung in die 40000
schimmligen, staubigen, verblichenen Fotos zu
bringen. 13 Jahre lang arbeitete ich an dem Konvolut,
das ich schließlich auf 2600 reduzierte, die unter den
Familienmitgliedern verteilt wurden; davon kuratierte
ich hundert Bilder, die die Erfahrung des Aufwachsens
abbilden, am Scheitelpunkt von großen Veränderungen
in der Familie und den Geschlechterrollen. Die Arbeit mit
diesen Bildern, wieder und wieder und wieder, mehr als
eine Dekade des Aussiebens und ein Jahr des Abzüge
Erstellens, gab mir Zeit Schicht für Schicht Frieden
mit meiner Ursprungsfamilie zu schließen. In diesen
Fotografien findet man Humor und Eigenartigkeit,
aber auch Traurigkeit und Desillusionierung, denn in
dieser Familie gab es, wie in anderen auch, dunklere
Dramen, die sich hinter der Oberfläche der lächelnden
Kodachrome Gesichter abspielten. Die Abzüge sind
mit farbigem Milchprotein (Kasein) hergestellt, eine
passende Wahl für Kindheitserinnerungen.
Familia de origen
www.christinaZanderson.com
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Virginie PlauchutCrónica
www.virginieplauchut.com
Antes de la conversión de cuartos de baño en
laboratorios, quirófanos o cuartos de maravillas,
Antes de la conquista de los anaqueles de nuestros
supermercados por Botox y otros venenos de esa índole
Antes de la banalización de las intervenciones bajo
anestesia local, en casa, en la oficina, entre dos citas…
Antes de ver a mujeres recurrir a médicos o cirujanos
para someterse a criterios impuestos…
Cuando la locura por el escalpelo o la jeringuilla invade
nuestra sociedad, con una medicina eficaz que se
quisiera sin riesgos
Cuando hoy, una modela su cuerpo como antaño
moldeaba la arcilla el escultor,
Cuando la cirugía se vuelve arte,
Cuando ninguna parte del cuerpo puede escapar a los
dedos del héroe moderno, el cirujano,
Cuando se someten a este nuevo “dios” porque puede
borrar, rectificar o magnificar las desgracias que nos
inflige la Naturaleza
Crónica se proyecta y se interroga sobre posibles derivas
estéticas
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Virginie PlauchutChronik
www.virginieplauchut.com
Bevor unsere Badezimmer zu Laboratorien werden,
Labore oder Kuriositätenkabinette...
Bevor Botox und andere solcher Gifte in die Regale
unserer Supermärkte einziehen
Bevor Operationen, unter lokaler Betäubung zu Hause
oder im Büro zwischen zwei Geschäftsterminen
durchgeführt trivialisiert werden
Bevor Zuflucht bei einem Arzt oder Chirurgen zu suchen
unentbehrlich für eine Frau wird, um ästhetischen
Ansprüchen gerecht zu werden
Wenn der Wahnsinn des Skalpels und der Spritze in
unserer Gesellschaft Einzug hält, mit einer effektiven
Medizin, die sicher sein soll.
Wenn man seinen Körper heute modelliert wie ein
Bildhauer Ton.
Wenn Chirurgie Kunst wird.
Wenn kein Teil des Körpers den flinken Fingern des
Helden der modernen Zeit entkommen kann: dem
Chirurgen.
Wenn dieser neue „Gott“ die (Miss)Geschicke, die Mutter
Natur uns zugedacht hat entfernen, korrigieren und
vergrößern kann.
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Julie SundbergSiete, catorce, veintuino
juliesundberg.com
La serie « Seven, Fourteen , Twenty-one» se ha ido
construyendo a lo largo de catorce años de 1996 a
2010. El tema de esta serie es mi hija. No decidí realizar
una serie estilo “Seven Up” pero, sin pensarlo demasiado,
de forma intuitiva, le saqué fotografías a mi hija a los
siete, catorce y veintiún años.
Lo que empezó como una respuesta materna a sus
pesadillas recurrentes se convirtió luego en un estudio
de su pasaje a la edad adulta alrededor de los catorce
años. Me he pasado mucho tiempo agarrando mi cámara
durante largas exposiciones con el objetivo de capturar
algo muy efímero y personal a lo largo de estas series.
Eliminando el fondo y el contexto, he intentado descubrir
lo que permanecía de la niña de 7 años en la adolescente
de 14 años y la joven de 21.
“Seven” “Siete”nos muestra huellas visuales de
pesadillas recurrentes, este lugar inquietante que ocupa
el soñador en el sueño, y ha sido concebida como una
catarsis para a la vez el sujeto y la fotógrafa.
“Fourteen “”Catorce”deja ver las inquietudes relacionadas
con el malestar y las angustias adolescentes por el
mero hecho de crecer. Quería a la vez capturarla en ese
momento crítico sintiendo también mi propio malestar al
observar a mi hija cambiar delante de mis ojos. Esto me
llevó a plantearme la cuestión de cierto “voyeurismo” en
mí y en los demás.
“Twenty-one””Veintiuno” muestra a una mujer bastante
incierta todavía de su lugar en el mundo pero con
un cuerpo de adulta y capaz de cruzar mi mirada en
igualdad de condiciones.
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Julie SundbergSieben, Vierzehn, Einundzwanzig
juliesundberg.com
Sieben, Vierzehn, Einundzwanzig enstand während einer
vierzehnjährigen Zeitspanne, von 1996 bis 2010. Die
Fotografierte ist meine Tochter. Ich hatte nicht vor eine
„Plus Sieben“ Serie zu schaffen, sondern fotografierte
sie intuitiv mit sieben, vierzehn und einundzwanzig. Zu
Beginn waren die Bilder meine mütterliche Antwort auf
die wiederkehrenden Alpträume meiner Tocher, doch
später beobachtete ich auch ihr Frauwerden, das im Alter
von vierzehn Jahren begann.
In dieser Serie habe ich mit langen Belichtungszeiten
gearbeitet um damit etwas Fließendes und Ewiges
einzufangen. Hintergrund und Kontext blendete ich
aus, um zu sehen was überbleiben würde von dem
siebenjährigen Kind, der jugendlichen Vierzehnjährigen
und der einundzwanzigjährigen Frau.
Sieben zeigt die sichtbaren Überreste der
wiederkehrenden Alpträume, den angstvollen Raum des
Träumers im Traum und sollte eine kathartische Wirkung
sowohl für die Fotografin als auch für die Fotografierte
haben.
Vierzehn beschäftigt sich mit dem wachsenden
jugendlichen Unbehagen und der Angst, die mit dem
Erwachsenwerden einhergeht. Ich wollte sie auf dem
Punkt des Übergangs darstellen, fühlte mich aber
auch unwohl zu beobachten, wie meine Tochter sich
vor meinen Augen verändert. Dies hat die Frage des
Voyeurismus aufgeworfen, bei mir und anderen.
Einundzwanzig zeigt eine Frau, die ihren Platz auf der
Welt noch nicht ganz gefunden hat, jedoch bereits
völlig geformt und in der Lage ist, meinem Blick
gleichberechtigt zu begegnen.
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You are, or you know a poor rectangular photographer who would you like to try their hand at the square format and be published in the magazine? If so, the Square Res-idencies program is just what you need. It is free, it last three to six months and is open to all, regardless of age, gender or nationality (or indeed photographic gear).
Here’s what you need to do:
Gather some of your work and some info about yourself.Put together a proposal, highlighting your visual project and why you think the square format would fit.Email the lot to [email protected]
What you’ll get:
On-going assessment and feedback on your project from members of the Square Magazine team (email, phone and Skype).Academic help if needed (for instance art history and contextual studies).A slot in the magazine at the end of the residency.Promotion of the project via social networks and the magazine’s website.
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Borja A. Rodriguez
fotoba.hostoi.com
Mare Nostrum
La colección «Mare Nostrum» fue realizada durante un periodo
de dos años (2011-2012) en la costa mediterránea de Almería,
España, mas exactamente en el parque natural de «Cabo de
Gata»
En los pequeños pueblos de esta zona, existen aun familias que
subsisten de la pesca diaria mediante pequeños barcos que
son heredados de padres a hijos. Ultimamente esta ancestral
forma de vida es amenazada por la caída en los precios y la
dura competencia de los grandes pesqueros. Algunos barcos
han dejado su actividad normal para dedicarse a excursiones
turísticas.
Este trabajo es mi tributo a esta forma de vida, he tratado de
extraer toda la belleza que les rodea, nada puede competir con
eso.
„Mare Nostrum“ enstand während eines Zeitraums von zwei
Jahren (2011/12) an einem Ort an der Mittelmeerküste von
Almería, Spanien, genauer im „Cabo de Gata“ Naturpark.
In dieser Gegend, in den kleinen Dörfern, gibt es Familien,
die immer noch vom Fischen leben, die mit kleinen Booten,
die von den Eltern an die Kinder weitergegeben werden,
täglich rausfahren. Dieser Lebensstil wird allerdings von
fallenden Preisen und unfairem Wettbewerb gefährdet.
Deswegen verwenden einige Familien ihre Boote nun um
Touristenausflüge anzubieten. Mit dieser Arbeit möchte ich
dieser Lebensweise Tribut zollen. Ich habe versucht die sie
umgebende Schönheit einzufangen.
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Vous êtes, ou vous connaissez quelqu’un qui est, un pauvre photographe qui se débat avec le rectangle, et qui aimerait essayer le format carrée et etre publiée dans le magazine? Le tout nouveau programme d’artistes en résidence peut vous aider. C’est gratuit, ça dure de 3 à 6 mois est c’est ouvert à tous, quelque soit votre age, votre sexe ou votre nationalité.
Ce qu’il nous faut :
Rassemblez des extraits de vos travaux et quelques info sur vous-mêmes.Mettez sur pied une proposition, mettant en lumière votre projet visuel et les raisons pour lesquels vous pensez que le format carré serait approprié.Envopez le tout à [email protected]
Ce que vous pouvez espérer de nous :
Une évaluation et un retour sur votre projet d’un des membres de l’équipe de Square Magazine (mèl, téléphone ou Skype).Une aide académique si necéssaire (par exemple en histoire de l’art ou en études contextuelles).Un article dans le magazine à la fin de la résidence.La promotion de votre travail via les sites de réseaux sociaux et via notre site web
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Daniel Leivick
visual. Ya no estamos atados a la perspectiva fija de
una sola cámara; hoy tenemos acceso a una visión
similar a un dios de ojos compuestos que percibe
simultáneamente todos los puntos de vista a la vez.
Mediante la apropiación del contenido de estas fuentes
y la transformación en imágenes de gran escala,
intento, destacar este cambio de perspectiva y a la
vez, cuestionar las implicaciones de lo que estamos
presenciando al ver un paisaje que es un reflejo de
nosotros mismos y de nuestra cultura en general. Los
símbolos, que emergen aquí, cuyos significados son
intencionalmente ambiguos, hacen eco de la lucha del
individuo para trascender su rol en una maquinaria
social aparentemente sin sentido.
Esto es lo que dicen que este pájaro (el Fénix) hace , pero
yo no les creo.
--Herodoto en historias
Vol. 2
Heliópolis es la ciudad a la cual el mitológico Fénix,
viaja periódicamente para morir consumido por el fuego
y renacer de las cenizas. Es el nombre de mi esfuerzo
para conjurar una ciudad desierta, donde los contrastes
de nuestra época: aniquilación y trascendencia,
determinismo y azar, racionalidad y locura, son
cuestionados. Es un lugar donde la destrucción y el
renacimiento se unen, donde la brecha entre la realidad y
la simulación se estrecha permanentemente.
Estas fotografías de gran escala, 40 pulgadas en el lado
más corto, han sido creadas ensamblando imágenes
apropiadas de los mapas de Google; para generar
un terreno y un paisaje ficticios de esta ciudad. Los
proyectos de cartografía en línea como Google están
cambiando rápidamente la naturaleza del discurso
Heliopolis
danielleivick.com
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gebunden; heute haben wir Zugang zu einer Sicht die der
eines allsehenden Gotts gleicht, mit der man viele Punkte
gleichzeitig sehen kann. Indem ich Inhalte aus diesen
Quellen verwende und in die großformatigen Bilder
verwandle, beabsichtige ich diesen Perspektivwechsel
hervorzuheben und die Implikationen zu hinterfragen,
die das betrachten einer Landschaft, die uns und
unsere Kultur reflektiert, mit sich bringen. Die hier
auftauchenden Symbole, mit verschiedenen Mitteln und
Bedeutungen geschaffen, reflektieren den Kampf des
Individuums seine Rolle in einer scheinbar mittellosen
sozialen Maschine zu finden.
Daß dieser Vogel ebendies tue, behaupten sie, doch ich
glaube ihnen nicht.
Herodot, Historien
Heliopolis ist die Stadt in die der mythische Phoenix
regelmäßig reist um einen brennenden Tod zu erleiden
und aus der Asche wiedergeboren zu werden. Es
ist der Name für mein Vorhaben eine Wüstenstadt
heraufzubeschwören in der die Kontraste unserer
Zeit (Verneinung und Transendenz, Determinismus
und Vermittlung, Rationalität und Wahnsinn) in Frage
gestellt werden. Es ist ein Ort an dem Zerstörung und
Wiedergeburt ein- und dasselbe sind, wo die Lücke
zwischen Realität und Simualation immer enger wird.
Die großformatigen Fotografien entstehen mihilfe von
Collagen, die mit Bildmaterial von Google Maps erstellt
werden, um die fiktionale Landschaft dieser Stadt zu
erschaffen. Online-Kartierungsprojekte wie Google
verändern den visuellen Diskurs sehr schnell. Wir sind
nicht mehr an die fixe Position einer einzelnen Kamera
Daniel LeivickHeliopolis
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Noriko Takasugi
Desde el 2011, he dedicado mi tiempo a fotografiar a los
sobrevivientes de 3.11. Mientras escucho sus historias,
no puedo ignorar el espíritu único que emerge de estas
personas. Estas imágenes son parte de un proyecto a
largo plazo que difiere del enfoque de las noticias sobre
el desastre, en el cual abordo a los evacuados no como
víctimas, sino como parte de una cultura popular que se
remonta a 1000 años de antigüedad y es representativa
de la identidad japonesa; y donde examino cómo
sobreviven y luchan contra su destino para conservar el
sentido de sí mismos.
Soma Nomaoi es una celebración anual de la milenaria
cultura Samurai en Fukushima. Dos mil personas
murieron en esta región debido a los acontecimientos
del 3.11, el 80% de los cuales eran de la zona donde
se celebra Soma Nomaoi. A pesar de las condiciones
extremas, la pérdida de vidas y de cientos de sus
caballos y gran parte de su arsenal, la mayoría de los
guerreros Nomaoi Samurai sobrevivientes, convinieron
en celebrar la reunión en el 2011, pocos meses después
del desastre.
No se trata sólo de un evento, sino también de un
símbolo de su identidad y su lucha por la supervivencia.
Aquí, la forma de vida del samurai, «Bushido», se
corresponde al concepto de la caballería. Este sentido de
identidad representa el cómo y el por qué, ellos viven.
Los guerreros Nomaoi Samurai retratados aquí, residían
cerca de la planta nuclear de Fukushima Daiichi, pero
ya no se les permite vivir allí. Cada uno de ellos se
encuentra en los lugares que tenían un significado
personal para ellos en el área.
Aunque la imagen típica del Japón actual, con los
edificios de alta tecnología de Tokio, podría ser todavía
positiva, para la gente fuera de Japón, el país sigue
siendo un mundo oculto. Me gustaría, a través de mi
fotografía, mostrar esta parte secreta: la mentalidad,
la calidez interna y el profundo sentido de la belleza
triunfando sobre la adversidad, y el respeto por la
naturaleza. Esta parte secreta, para nosotros, no son las
cosas extraordinarias, sino la acumulación de nuestras
decisiones en nuestra vida cotidiana. Hoy en día, estas
cualidades están, a menudo, ocultas en todo el mundo,
no sólo en Japón. Mi vida ordinaria y mi raíz japonesa se
encontraron con los Samurai mientras capturaba su luz y
su sombra, con mi cámara.
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Noriko Takasugi
Seit 2011 verbringe ich meine Zeit damit Überlebende
von 3.11 zu fotografieren. Während ich ihre Geschichten
hörte, konnte ich den besonderen Geist dieser Leute nicht
übersehen. Diese Bilder sind Teil eines Langzeitprojekts
das sich von den großen Nachrichtengeschichten über
das Unglück stark unterscheidet. Ich habe versucht
die Evakuierten nicht als Opfer zu betrachten, sondern
als Teil einer tausendjährigen Kultur dieses Gebiets,
eine Repräsentation japanischer Identität. Die Arbeit
untersucht wie diese Menschen überleben und um ihr
Schicksal kämpfen, um sich den Sinn für sich selbst zu
erhalten.
Soma Nomaoi ist eine jährliche Feierlichkeit der
Samuraikultur in Fukushima. Sie ist mehr als tausend
Jahre alt. Zweitausend Menschen starben beim
Reaktorunglück in Fukushima, 80 % kamen aus der
Gegend, wo das Soma Nomaoi abgehalten wird. Trotz der
schwierigen Umstände, dem Verlust von Leben, Pferden
und dem Großteil ihrer Waffen war der überwiegende Teil
der überlebenden Nomaoi Samuraikrieger gewillt, das
Treffen 2011 dennoch abzuhalten, nur wenige Monate
nach dem Unglück.
Es ist nicht nur ein Event, sondern die Verköperung
ihrer Identität und ihres Kampfes ums Überleben. Die
Lebensweise des Samurai, „Bushido“, ist dem Rittertum
stark verwandt. Dieses Identitätsgefühl bestimmt wie
und warum sie leben.
Die Nomaoi Samuraikrieger die hier porträtiert werden
waren ehemals Bewohner der Gegend um das Fukushima
Daiichi Kernkraftwerk und dürfen dort nicht mehr leben.
Jeder von ihnen ist an einem Ort, der ihnen persönlich
viel bedeutet, abgelichtet worden.
Obwohl das typische Bild vom heutigen Japan
immernoch positiv ausfallen mag, bleibt diese Welt
für Fremde doch immer versteckt. Ich würde durch
meine Fotografien dieses Geheimnis von Japan gerne
lüften: die Mentalität, innere Wärme und den tiefen
Sinn für Schönheit, der über das Unglück triumphiert,
unsere Ehrfurcht vor der Natur. Diese geheimen Teile
sind keine außergewöhnlichen Dinge für uns, sondern
eine Ansammlung von täglichen Entscheidungen.
Diese Qualitäten gehen in der heutigen Welt insgesamt
schnell unter, nicht nur in Japan. Mein tägliches Leben
und meine japanischen Wurzeln haben eine Brücke
geschlagen zwischen mir und den Samurai, deren Licht
und Schatten ich mit meiner Kamera einfing.
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