INDICEALEX TROCHUT ............................................................................................................................. 5SUSO 33 ...............................................................................................................................................9YUNYEEN YONG .........................................................................................................................18MR. WONDERFUL ..................................................................................................................... 24BANKSY ............................................................................................................................................. 29OBEY GIANT .................................................................................................................................. 35TAKENOBU IGARASHI ............................................................................................................41DAVE PERILLO.............................................................................................................................. 49

December, 2014VVAA

Collection of articles typeset as a class project

-5- Entrevista

Alex Trochut (Barcelona, 1981) es un diseñador

gráfico, ilustrador y tipógrafo español.

Es nieto del tipógrafo Joan

Trochut.

ALEX TROCHUT

Entrevistamos a Alex Trochut

¿Cuantos años llevas trabajando en el mundo del diseño gráfico? ¿Como fue tu primer contacto con él?

Empecé a estudiar diseño a les 18 años, antes de entrar en Elisava no tenia ni idea de lo que era ser diseñador.

¿Como fue la experiencia de trabajar para Vasava Artworks durante dos años? ¿La consideras positiva?

Muy positiva, Vasava me perimitió desarrollarme, y reencontrar en el trabajo las sensaciones de un niño cuando coge un papel en blanco. Vasava es un mirada hacia el diseño que me ha marcado enormemente, son y siempre serán mis padres en este oficio.

Brillantes las creaciones de este diseñador gráfico afincado en Barcelona, que dio sus primeros pasos en Vasava Artworks, uno de los mejores estudios de Barcelona. Nieto de Joan Trochut, figura clave en el campo de la tipografía del Siglo XX, Alex Trochut tiene un estilo muy personal, y sus trabajos destacan por un excelente tratamiento tipografico, unas soberbias ilustraciones, y el impecable modo de fusionar ambos campos. Creatividad y buen gusto a partes iguales, buena prueba de ello es que ha trabajado para clientes de la talla de Nike, Diesel o Channel 4.

-6- Entrevista

En la actualidad trabajas como freelance, lo que no te ha impedido acceder a clientes de la talla de Nike, Diesel o Fotogramas. ¿Crees que el haber trabajado en Vasava te ha ayudado en esta difícil tarea? ¿Te dan libertad este tipo de clientes a nivel creativo?

Claro, los trabajos hechos en Vasava son un gran aval y un trampolín, pero el camino después de ahí hay que andarlo solo, y demostrar a los clientes, lo que uno vale por sí mismo, demostrar en cada proyecto las ganas implicarse en el proceso y descubrir nuevas maneras de visualizar las ideas, ser positivo y seguir sorprendiendo gracias a mucha energía y voluntad. El trabajo que eres capaz de hacer es lo que vale, y es lo que te vende, más que cualquier otra cosa. Un buen proyecto llama a otro.

Matiz: Nunca he trabajado para Diesel ni para Fotogramas como Alex Trochut, sino desde VASAVA.

En la fotografía: Alex Trochut

Ilustración para Footlocker

-7- Entrevista-7- Entrevista

Wiz KhalifaClient: Atlantic Records

Year: 2012Lettering for Wiz Khalifa

-8- Entrevista

¿Te has planteado trabajar para algún estudio, o te sientes a gusto trabajando como Freelance? ¿Que ventajas encuentras frente a trabajar por cuenta ajena?

En los últimos 6 meses he trabajado solo, en casa, y lo que más hecho de menos es compartir opiniones en un lugar de trabajo, por eso dentro de poco me mudo a un espacio compartido.

Trabajar dentro de un equipo creativo es algo a lo que siempre estaré abierto, pero como freelance. Creo que es muy importante que desde una especialización o manera de hacer, uno busque la manera de combinar dentro de otros engranajes compuestos de otras piezas creativas, aprender otros métodos, otras maneras de pensar, etc, ...

Observando tus trabajos, compruebo que le otorgas una especial importancia a la tipografía y a la ilustración en los mismos: ¿Diseñas las tipografías de tus trabajos? ¿A que se debe la ausencia de fotografía en la inmensa mayoría de tus diseños?

La fotografía es un medio que no domino, pero no es que no quiera usarla, o darle la espalda, ni mucho menos, lo que pasa es que me gusta plantearme cada proyecto como algo que puedas tocar, y retocar y retocar a tu antojo, por eso me gusta la ilustración y a menudo hacer mis propias tipografías, ya que así controlo cada parte del trabajo, y eso hace que lo sienta mío.

Tambien se debe a una cuestion del momento, ahora mismo miro de expresarme a través de otros soportes, pero la fotografia es un pilar dentro del diseño grafico y nunca lo voy a descartar.

¿Donde buscas la inspiración?

La naturaleza, portadas de vinilos viejos, cosas que no estén de moda....

¿Como ves el mercado del diseño en nuestro País?

Creo que las cosas están cambiando, creo que los diseñadores se están especializando cada vez más y que el carácter expresivo del diseñador híbrido está cada vez más potenciado por las agencias y estudios con dirección de arte. El papel del diseñador esta mucho más valorado fuera de España, y espero que en poco tiempo sea una corriente que llegue a nuestro país, teniendo más tiempo, mejor organización, más presupuesto, ...

¿Que es superveloz.net? ¿Cual es tu relación con Andreu Balius?

Somos buenos amigos. Conocí a Andreu el dia que asistí a un conferencia de Typerrepublic en la que Andreu y JoanCarles Casasin presentaron sus trabajos tipográficos entre los que había una versión digital del SuperVeloz, “coño, pero si eso lo hizo mi abuelo!” y así nos conocimos :-)

Luego conocí a fondo la obra de mi abuelo gracias a la digitalización de sus módulos, el SuperVeloz digital que hicimos conjuntamente Andreu y yo. Posteriormente, gracias a la gente de Inklude y Flan, nació el SuperVeloz.net.

¿En que proyectos estas trabajando en la actualidad?

Estoy acabando la portada para un doble recopilatorio para los Rolling Stones, unas camisetas para Beautiful Decay, una campaña para British Airways y unos carteles/anuncios para el periódico inglés The Guardian.

¿Tus tres webs más visitadas?

www.ntmy.com. www.fecalface.com y www.drawn.ca

¿Que le pedirías al futuro a nivel profesional?

No parar de aprender y pasarlo bien con lo que haga.

Entrevista extraída de la web: http://www.ex7.org/entrevistas/alex-trochut.html

SUSO 33 9

SUSO33, Madrid, es precursor del graffiti iconográfico y de la expe-rimentación con el lenguaje en dicha disciplina, así como pione-ro del Post-Graffiti, Street-Art y Arte-Urbano y mayor exponente del livepainting en España. Actualmente desarrolla un proyec-to artístico personal denominado “Pintura Escénica en Acción”, en el que conjuga recursos provenientes de las artes escénicas, la pintura y el audiovisual, en una performance global que integra diversos aspec-tos conceptuales de la comunica-ción,el arte, la palabra y la imagen creando una pintura viva la cual le ha llevado entre otros a ser el encargado de representar la Noche En Blanco española en Europa o ser el encargado de dirigir la inau-guración del Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro, o la Laboral o el Festival de las Artes,

SUSO33 es artista plástico, es-cenógrafo, muralista, video artista y performer. Su obra es contro-vertida, ya que se mueve entre la alegalidad de sus intervenciones urbanas y la relativa formalidad de sus Performances, Acciones, Ha-ppenings, livesPaintings , etc…

ARTE URBANO

SUSO 33Reivindica el espacio público como espacio principal

de la vida artística y soporte esencial para la comunicación entre el artista y su público.

SUSO 3310

SUSO 33OBRAS Y COLECCIONES

• Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía

• ARTIUM Museo de Arte Con-temporáneo del País Vasco

• Fundacion Sorigué.

• Museo del Graffiti, Madrid

• Comunidad de Madrid

• Colección Universidad Complu-tense de Madrid

• Colección Universidad Rey Juan Carlos, Madrid

• Colección Universidad Inter-nacional Menéndez Pelayo, Santander

• Colección RTVE

SUSO 33PREMIOS Y RECONOCIEMIENTOS

• Premio del Jurado del III Certa-men Nacional de Videoarte or-ganizado por PhotoEspaña10.

• Seleccionado EXPLUM´2010

• Finalista “En.Piezas CajaMa-drid 2009”

• Mención de honor “2008CUL-TURAS” (Ministerio de Cultura)

• Finalista ANIMADRID 2008

• 1º Premio a la trayectoria ar-tística en los últimos 10 años. Revista de cultura ELDUENDE, 2008.

• Finalista Premios Ángel de Pintura 2007

• “Certamen jóvenes creadores 2007” Ayuntamiento de Ma-drid, graffiti

• “Certamen jóvenes creado-res 2007” Ayuntamiento de Madrid, mención de honor en video.

• 1º premio “Homenaje al Guernica de Picasso” MNCARS Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. 2006

• “Certamen jóvenes creadores 2006” Ayuntamiento de Madrid

• 1º premio “Urban Art Interna-tional Festival 2004”

SUSO 3312

Trayectoria profesionalEmpecé por lo básico: la firma y grafiti, sobre murales, carreteras,

trenes, solares, casas tapiadas…de todo.

Primero vino el grafiti clásico.

Después, el siguiente paso fue crear la “plasta”, la mancha de pintura (ahora emblema o icono de Suso33). A final de los años 80, lo que yo conocía del grafiti eran letras. Suprimir las letras por un icono fue una apuesta muy innova-dora. En su momento mis colegas me decían que eso no era grafiti. Ello me dio paso a hacer street art. Después, con las “Ausencias” que empecé a realizar, el entorno era lo que mandaba. Con ello resalta-ba lo que hay alrededor; así llegué al arte urbano. En aquel momento nosotros no sabíamos que eso que hacíamos era street art; lo llamába-mos intervenciones urbanas. Ahora

los términos están más definidos.

Cuando empecé con “Ausen-cias” a comienzos de los 90 lo hice en la zona de Tetuán, uno de los barrios que no tuvo plan de urbanismo al principio. Se que-daban muchos solares y casas deshabitadas, que eran sitios idóneos. Fue el barrio en el que yo me crié y al que luego volví.

SUSO 3314

“Cuando pinto tengo la sensación de libertad, como si estuviera volando, danzando, bailando, me siento libre, con una mano, con dos, con los pies, con el cuerpo.”

Forged SilverForged Silver aims to create fluid, gracefulcurves moving between each plane. The knifeis hammered out of one form, merely changingplanes to create a cutting edge and an ergonomichandle. Time, patience, heat and the force of thehammer draw the metal into the desired form.

“Mi trabajo tiene mucho que ver con la escena y con la danza. He tra-bajado con la Compañía Nacional de Danza, con el Ballet Nacional de Portugal… Me dicen muchas veces que cuando pinto es como si hiciera danza contemporánea. A veces empleo también la calle como escenario.”

All images copyright Farra std

SUSO 33 17

“En esta obra lo que hice fue dejarme fluir. Es una sensación similar a la que puede tenerse en la danza, y no desde el acto casi “militar” de ensayar, sino de dejarte fluir y volar. A veces te fas-cina cómo va fluyendo todo, por la experien-cia vital que tienes tú mismo.”

Hace algunos meses llegué a la página de Facebook de mr wonderful y me encantó su concepto: “Diseño gráfico para eventos no aburridos”, además de sus dibujitos y su for-ma de comunicar. Desde entonces, en el úl-timo año Mr Wonderful ha lanzado un blog llamado muy molón donde hablan de sus trabajos o de cosas curiosas que encuentran en la red, han superado los 18.000 fans en Facebook (¡y van en aumento!) y han lanza-do mr wonderful shop (o como la llaman ellos, “La tienda más molona del mundo mundial”), una tienda online donde puedes conseguir todo tipo de productos monos para hacer tus manualidades, láminas personalizadas, set de sellos, libretas, etiquetas, tazas…Hoy, vamos a conocer un poco más al equi-po que está detrás de esta iniciativa tan crea-tiva y tan no aburrida.

DISEÑO GRÁFICO PARA EVENTOS NO ABURRIDOS

Habladme un poquito sobre vosotros, nom-bres, edad, de dónde sois…. Con el número uno Javi, el ilustrador del equi-po y el que controla al gallinero. El jefe de veintitantos casi treinta pero aún no, de Barce-lona. Con el número dos Angi, la copy, bloguera y la que está en todos los saraos del equipo. La jefa de veintitantos (unos pocos mas que Javi). Asturiana de corazón, Catalana por casuali-dad y para siempre.Con el número tres Paty, la que lleva los dine-ros (que no son muchos pero dan trabajo) del estudio. La voz de la experiencia del business, hermana de la jefesita.Con el número cuatro Teresa, diseñadora y la persona que más rápido pone whasy tapes por segundo. La peque del grupo con veinti-pocos, muy pocos, de Barcelona.Con el número cinco Aida, nuestra tendera digital o “shop manager” que queda muy profesional, que es la persona que está detrás de mr wonderful shop. Que nació en Tarrago-na hace unas dos décadas y pico.

¿Cuándo empezó a atraeros el mundo crea-tivo? Desde pequeños, Javi recuerda que tiene carpetas y carpetas con todos los personajes de Oliver y Benji dibujados en todas las face

tas posibles. Angi hacia collages con las fotos del Hola de su madre.

¿Qué es lo que más os gusta? (ilustración, diseño de productos…) A Javi le encanta el diseño de imágenes cor-porativas, las invitaciones de boda y la ilus-tración y Angi está encantada con el mundo blogger y elegir productos con mucho cariño y amor para la tienda online.

¿Cómo surge mr wonderful? Siempre contamos que nació una tarde de enero en el sofá de casa entre mantas. No es una historia demasiado glamourosa, pero es real como la vida misma. Nos casábamos y Angi estaba muy metida en el mundo blogueril de bodas, mirando ideas y navegando todo el día por la red, así yo fui quien inició el proyec-to. Montamos una página web de invitaciones de boda mostrando ejemplos de algunas que habíamos hecho para amigos, pusimos un anuncio en Facebook y el primer día tuvimos un cliente. Botaba de alegría.

Si tuvierais que describir mr wonderful con una palabra, ¿cuál sería? Javi: diseñograficoparanoaburridos Angi: NO-ABURRIDO (a lo Jesulín) Teresa: Mundowonderful Aïda: Wonderful

“DISFRUTAMOS CON TODOS Y CADA UNO DE LOS PROYECTOS QUE ENTRAN EN MR WONDERFUL. DETRÁS DE CADA PROYECTO, SIEMPRE HAY UNA

HISTORIA, Y ESO NOS ENCANTA.”

¿Cuál fue vuestro primer proyecto como mr wonderful? Todo empezó con invitaciones, porque era un mundo en el que faltaba mucho diseño. Eso fue lo que nos empezó a hacer un hueco en la red. A Angi le encantan las historias de amor (una peliculera de narices) y le encantaba el trato con las personas (mucho más que con las marcas). Ahora disfrutamos con todos y cada uno de los proyectos que entran en Mr Wonderful, no sólo las invitaciones. Detrás de cada proyecto, siempre hay una historia, eso me encanta.

¿Y cuál es vuestro producto favorito? (el que mola más que ninguno)El producto favorito de Javi son las invitacio-nes y para Angi las láminas pero, en general, les tienen mucho cariño a todos, son como los hijos… los quieres mucho y por igual. Pero las tazas, las chapas, los wonderconsejos son lo que es más nuestros y con ellos se nos cae la baba.

¿Diríais que habéis convertido vuestra pasión en vuestra profesión? Sin duda, estamos como locos de ilusión por hacer lo que nos gusta y poder vivir de ello. Aunque eso suponga mucho esfuerzo y mu-chas muchas horas de dedicación.

Vuestra forma de pensar y expresar, las frases diarias, las ilustraciones, el naming (Mr Won-derful, blog Muy molon, tienda molona…) tienen una personalidad única, ¿cómo llegas-teis a definir vuestro estilo? Salió de manera espontánea y natural, noso-tros somos así. Poco a poco se ha creado este estilo buen rollero y amistoso de mr wonderful.

¿Qué os inspira? Nos tiramos muchas horas leyendo blogs y admirando el trabajo de otros artistas, pero creemos que también es importante crearse un estilo propio, una forma de hacer, un estilo de comunicación…

¿Cómo es vuestro proceso de creación o forma de trabajar? Vamos todo el día con la libreta arriba y abajo, dibujando apuntando, pensando y dándole

vueltas. Cualquier sitio es bueno para encon-trar la inspiración.

¿Algún sueño o proyecto futuro que os gusta-ría realizar? A día de hoy nuestro sueño es que la tienda online se vaya extendiendo poco a poco, po-der seguir creando y diseñando como ahora.

¿Por qué creéis que últimamente está de moda lo DIY o lo artesanal? Porque la gente busca encanto, y este está en las cositas hechas a mano. Con muchos detallitos y cositas monas y nada en masa y estandarizado.

¿Todo lo hacéis vosotros o contáis con algún equipo colaborador? No todo lo hacemos nosotros, contamos con proveedores, pero siempre intentamos que tengan el toque wonderful que nos caracteri-za, y que los proveedores sean personas que entienden nuestra filosofía y la comparten.

Sois muy activos y seguidos en redes sociales, ¿hasta qué punto os han ayudado a daros a conocer? Muchísimo, las redes sociales a día de hoy son claves, es muy importante estar en un buen lugar en un buen momento, y trabajar para mantenerse y seguir ahí día a día. Angi este mundo le apasiona y le dedica muchas horas a las redes sociales, al blog, y en general al mundo online.¿Qué os diferencia de otros? El diseño personalizado hecho con mucho amor y cariño, de productos que creamos solo y exclusivamente para el cliente que al final acaba siendo como un amigo/a mas de la familia.

23Yunyeen

“People I have worked with consider me a versatile de-signer, with an emphasis on The Brief first and the medium second.”

“Armed with a strong fascina-tion for bold colours, solid lines and an imagination to match, my work often captures the fun, quirky and vibrant side of life.”

“Conceptualization is a big part of my design process - an understanding of the big idea helps me deliver success-fully on the brief.”

“I graduated with a Bache-lor of Design (Communication Design) in 2010 from Mel-bourne’s RMIT University, and have been awarded the RMIT Foundation Studies (Art, Design & Architecture) Scholarship in 2007.”

“I recently completed a Master in Public Relations and Adver-tising at the University of New South Wales in 2011.”

“I would love to hear from you.”

E: yunyeen@gmail.com

24 Yunyeen24 Yunyeen

25Yunyeen

Jooze Fruit Juices

Jooze is a fi ctional company that manufactures fresh fruit juices, catered especially to kinder-garten and primary school students. It is a company that believes that healthy eating habits should begin at a very young age.A simplifi ed illustration of the fruits are to further clarify the fl avours, to add visual aesthetics, and to appeal and connect to the target audience.

26 Yunyeen

A Creature A Day: Day 57

PROFILEName: 57 Size: TinyFamily: Has 4 other siblings.Distinct Features: He only has a pair of hands.Ability: Has an incredible sense of touch.Additional Notes: Challenge him to a hand clapping game and you’re sure to lose!

27Yunyeen

Meet Adam

Made this avatar for a friend, Adam. Was torn between doing a digital illustration or a watercolour painting, so I decided to do both!

All images copyright Yunyeen

28 Yunyeen

NOW IN BRAZIL!

Early last year, I was contacted by friendly Ricardo from Casa Barcelona, a branding consultancy and innovation agency in São Paulo, Brazil.

He was after one thing (okay, maybe a few things) I had – my creatures from the ‘A Creature A Day’ project!

OBEY GIANT“La campaña Obey puede ser

explicada como un experimento de Fenomenología”

Shepard Fairey fue uno de los primeros artistas de gra� ti de � nales del siglo XX en propagar la técnica de pegatinas como intervención callejera. Sus primeras pegatinas mostraban una foto en alto contraste de André el Gigante, como mensaje sin contenido y con la principal intención de sorprender al viandante y espectador. De� ne este trabajo como “un experimento de fenomenología”.

Comenzó a repartir de forma gratuita estas pegatinas, convirtiéndose poco a poco en un icono de la cultura popular contemporánea. Ha realizado diferentes versiones del mismo tema, y también las ha incluido en exposiciones, posters, camisetas, diseños para estampados de monopatín, etc.

“La campaña Obey puede ser explicada como un experimento de Fenomenología. La principal intención de la Fenomenología es redespertar un sentido de fascinación hacia el entorno de uno. La campaña Obey intenta estimular la curiosidad y atraer a la gente a cuestionar tanto la campaña como sus relaciones con

quienes les rodean. Dado que la gente no está acostumbrada a ver anuncios o propaganda cuyos motivos no sean obvios, los encuentros frecuentes y noveles con la propaganda Obey provocan pensamiento y posible frustración, y en cualquier caso revitaliza la percepción y atención del espectador a los detalles.”

Se conoce bajo el nombre de Obey la obra callejera más representativa de Shepard Fairey. Como en otros artistas de gra� ti, este nombre sirve tanto para el acrónimo de la obra como para el pseudónimo de Fairey durante su ejecución. Consiste en una serie de pegatinas -más tarde posters- con el rostro de André el Gigante(André the GIANT) en diferentes variaciones de alto contraste.

El lema/nombre original era GIANT HAS A POSSE (=El Gigante tiene una pandilla), pero más tarde el concepto de Fairey empezó a hacer más presentes aspectos de � losofía social y crítica del sistema, y fue incluyendo la palabra OBEY (=Obedece) sumando así mayor impacto y absurdo a la estética del tema.

Su retrato de Barack Obama con la leyenda “Hope” fue utilizado por el actual presidente de los Estados Unidos durante su campaña presidencial.

Las primeras pegatinas fueron fotocopiadas y colocadas por Fairey de forma local o en sus viajes, pero pronto empezó a repartir copias, imprimirlas con calidad de papel, de� nición y tintas, y enviarlas por correo a amigos y curiosos, haciendo que sus pegatinas fuesen colocadas en los espacios colectivos de muchos países. Remitiría personalmente copias de pegatinas de la gama OBEY GIANT gratuitamente, a cambio de otros trabajos que otros artistas le enviasen. En la página web o� cial de OBEY recibe colaboraciones internacionales de los a� cionados y seguidores de este fenómeno-manifestación, bootlegs de las primeras versiones de GIANT, así como enlaces a trabajos y proyectos de otros artistas.

“Piensa y crea, imprime y destruye”

“Su situación como artista es controvertida”

Incluyendo lemas como “Piensa y crea, imprime y destruye”, que mezclan lo subversivo con el entretenimiento, su temática y estética viene a ser a menudo una mezcla entre caricatura y revival de la propaganda política, las ideas situacionistas y las revoluciones estético-� losó� cas de los 60, trasfondos temáticos muy comunes en el arte de � nales de los 90 y principios del presente siglo.

Su situación como artista es controvertida, manteniendo trabajos de diseño grá� co y publicidad con grandes marcas por un lado, y enfrentándose a detenciones en diversos países por vandalismo urbano con sus intervenciones.

Shepard Fairey cubre el campo del diseño grá� co como empleo regular, formando parte del gabinete publicitario “BlackMarket”(Blkmrkt). Ha realizado diseños para conocidas marcas, como Dew o Pepsi-cola, Adidas, Epitaph, monopatines Real Skateboards, y músicos de renombre como Sepultura, Chuck D de Public Enemy, Black Eyed Peas, Dub Pistols, entre otros.

Otros de sus trabajos callejeros más destacados son los posters de grandes dimensiones, con los que empapela paredes a la vista de los viandantes en diferentes países a los que viaja

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“cada vez que creo que he pintado algo ligeramente ori-ginal, me doy cuenta de que

Blek le Rat lo hizo mejor, sólo que veinte años antes.”

Banksy oculta su identidad real a la prensa general. Muchos periódicos han apuntado que su nombre podría ser Robert Banks o Robin Banks, pero este rumor podría haberse originado a partir de una broma por la similitud fonética entre el nombre “Robin Banks” y “robbing banks” (“ro-bando bancos” en inglés). Otro nombre sugerido incluye el de Robin Gunningham.

Simon Hattenstone, de Guar-dian Unlimited, una de las pocas personas en entrevistarlo cara a cara, lo describe como “una mez-cla entre Jimmy Nail y el rapero inglés Mike Skinner” y “un varón de 28 años que se presentó en un par de jeans y una camiseta con un diente de plata, una cadena de plata y un arete de plata”.

Generalmente se cree que es un varón blanco, de pelo rubio, alto, que viste ropa típica del grafi tero y que tiene entre 28 y 35 años.Comenzó su obra en las calles

de Bristol, su ciudad natal, entre 1992 y 1994. En el año 2000 orga-nizó una exposición en Londres y después de esto ha plasmado sus pintadas en ciudades de todo el mundo.

BANKSY UTILIZA SU ARTE URBANO CALLEJERO PARA PROMOVER VISIONES DIS-TINTAS A LAS DE LOS GRAN-DES MEDIOS DE COMUNI-CACIÓN. ESTA INTENCIÓN POLÍTICA DETRÁS DE SU LLAMADO “DAÑO CRIMI-NAL” PUEDE ESTAR INFLUI-DA POR LOS AD JAMMERS (MOVIMIENTO QUE DEFOR-MABA IMÁGENES DE ANUN-CIOS PUBLICITARIOS PARA CAMBIAR EL MENSAJE).

Banksy también trabaja cobrando para organizaciones benéfi cas como Greenpeace y para empre-sas como Puma y MTV, y vende cuadros hasta por 25.000 libras.

NAL” PUEDE ESTAR INFLUI-DA POR LOS AD JAMMERS (MOVIMIENTO QUE DEFOR-MABA IMÁGENES DE ANUN-CIOS PUBLICITARIOS PARA CAMBIAR EL MENSAJE).

Banksy también trabaja cobrando para organizaciones benéfi cas como Greenpeace y para empre-sas como Puma y MTV, y vende cuadros hasta por 25.000 libras.

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Vandalismo en sus obras

A tan solo 24 horas de su creación, la obra Girl with a Pierced Eardrum en Brístol (Chica con un Tímpano Perforado) fue manchada con pintura negra en un acto de vandalismo y crítica hacia el artista. Aunque no es la primera vez que sucede este tipo de daños en contra de su obra, en la pieza llamada Art Buff en Kent, Londres dos semanas después de su exposición apareció un pene y su pieza en Cheltenham,

Gloucestershire sobre la excesiva vigilancia del gobierno hacia el estado fue vandalizada con espray rojo y plateado. Otro caso fue el famo-so mural de Mild Mild West en Stokes Croft manchado con pintura roja. Por la importancia y posicionamiento que este artista ha logrado a través de los años ahora sus piezas son prote-gidas con plásticos que permiten una restaura-ción ante este tipo de daños.

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www.banksy.co.uk “Ya hay demasiados idiotas en el mundo tratando de hacerse visibles sin razón aparente”, escribe en Cut It Out (en inglés, “cortala”). Irónicamente, su deseo de invisibilidad lo ha expuesto aún más. Wall and Piece (literalmente, “pared y pedazo”, pero también un juego de palabras con “guerra” -war- y “paz” -peace- ) ya ha vendido más de 250.000 mil ejemplares.

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“¿Qué es lo que quieres hacer?”, Con la mira puesta en sus motivaciones. Banksy le contestó que al principio quería salvar el mundo, pero que ahora lo piensa dos veces porque ya no está seguro de que le guste tanto como para salvarlo. En contraste, los que sí se salvan son sus murales e inter-venciones callejeras, hoy considerados una forma espontánea de arte. Para sus seguido-res, borrar esos trabajos sería un auténtico crimen. Quienes entienden de arte y negocios prefieren colgarlo en sus paredes.

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Su pista se esfuma a cada paso.

Algunos compañeros le consideran un vendido. Otros opinan que sigue siendo el mismo que ensuciaba trenes con “SIEMPRE TAR-DE”. Aunque todos son conscientes de que ha creado un personaje a la altura del antifaz, un Robin Hood al revés, que pinta para los pobres, pero al que compran los ricos

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ISSUE SIX

TAKENOBU IGARASHI:EJEMPLO DE QUE EL DISEÑO NO PUEDE CONFORMARSE CON DOS DIMENSIONES

Takenobu Igarashi es un diseñador gráfico e indus-trial que se asume como un productor de conceptos artísticos. En la búsqueda por la libertad creadora y con la experiencia y trayectoria que le dio su paso por las artes gráficas, ha trascendido las barreras. Decidió cerrar su estudio en Tokio para dedicarse de lleno a la escultura en piedra.Para Germán Montalvo las pro-puestas artísticas de Igarashi se insertan en la estética

del arte contemporáneo: “Va muchísimo más allá de lo que comúnmente se puede pensar que podría producir un diseñador gráfico”. Una muestra de su trabajo se presentará a partir del miércoles 24 de junio en el Museo José Luis Cuevas.

La exposición Takenobu Igarashi. Diseño Industrial, Gráfico, Objetos, Escultura, es resul-tado del encuentro entre Montalvo y el artista japonés, originario de Takikawa, Hokkaido. Se conocieron en Tokio e Igarashi le habló de su deseo de presentar una exposición en Méxi-co. Montalvo se encargó entonces de buscar el espacio y fue el enlace con las instituciones organizadoras.

“Tuve interés porque el trabajo de Igarashi es para todos los que hacemos diseño gráfico, industrial, escultura u objetos, una muestra de gran calidad”. El propio diseñador japonés seleccionó las obras que conformarán la expo-sición en el Museo Cuevas. Es una especie de retrospectiva que abarca trabajos producidos de la década de los ochenta a la fecha.

HELLO

He attained international acclaim as a graphic designer in the mid-1970s through his axonometric alphabets. In 1979, GRAPHIS, a leading Swiss design magazine introduced and featured his work, followed by four more issues, the last one in 1998. On the other hand, he strived to introduce outstanding works of international designers by planning, gathering material, editing, and doing the layout and design all by himself in publications such as Graphic Designers on the West Coast, a special issue of IDEA magazine, and three volumes of World Trademarks and Logo-types. During this time, he also designed visual identity (VI) programs for domestic as well as international clients such as Meiji Milk Products Co. Ltd., Suntory Holdings Ltd., Mitsui Bank Ltd., Tama Art University, Oji Paper Co. Ltd., and UHAG.

In the 1980s he started making alphabet sculptures and also advanced into the field of product design. For the Museum of Modern Art, New York, he produced a series of graphic and product design goods. The calendar with three-dimensional numerals, which he designed for eight consecutive years, is one of his masterpieces. In the late 80s he supported Japanese regional industries by designing products employing their traditional craftsmanship. The series of products (YMD) developed through this project was sold in American and European museum stores. He was nominated and accepted as the member of Alliance Graphique Internationale (AGI) in 1980. From 1983 to 1989 he served two terms in the board of directors of the organization.

Actively involved in nurturing the younger generation, he has taught at Chiba University and the University of California, Los Angeles (UCLA). He collaborated in the foundation of the Faculty of Design at Tama Art University (Kaminoge Campus) to set up the first computerized design education in Japan, and was the first Head of Design Department. In 1988, he was invited as a Hallmark Fellow to give a speech on the final day of the Aspen Design Con-ference which was met with standing ovation.

In 1994, he ended his 25 years of design activity and moved to Los Angeles to become a sculptor. After working with marble, he discovered terracotta and wood as his material. He returned to Japan in June 2004. In recent years, he has been producing various sculptures and reliefs for public spaces all over Japan and has resumed his design activity from another view point as an artist.

Representative works are in the permanent collection of over 30 museums world wide including MoMA. Books on his work have been published in Japan, China, Korea, Germany and Switzerland. He has been awarded the Commen-dation of the Minister of Foreign Affairs, Katsumi Masaru Award, the Mainichi Design Award, the IF Design Award and the Good Design Award for his achievements and activities in the field of graphic and product design.

Appointed as President of Tama Art University from April 2011.

Takenobu Igarashi

“ATTENTION todetail, HONESTY to material,

CRAFT and FORM is whatdrives me”

“Owning less and owningwell” is the philosophy behindFarrah Sit’s designer objects.Her designs reflect an exactingattention to detail coupledwith a quiet minimalism.Farrah’s aesthetic developedover several years whiledesigning for Calvin KleinHome, in addition to creatingcollections for Vera Wang,Kim Seybert and Teroforma.

Farrah does not limit hercreative process to onediscipline, in addition toceramic work she also doeswelding and woodworkingto create furniture, lightfixtures and tabletopaccessories. Objects thathave an artisanal, handmadequality particularly inspire her –Farrah’s monochromatic pieces play on the lively inter-changebetween texture and form in

an attempt to achieve a“perfect imperfection”.

Farrah shies away fromoverdesigning objects andinstead focuses on creatingstrikingly simple designsthat speak to theirintended purpose.

“I’M OBSESSED WITHTHIS IDEA OF UTILITY ,I LOVE EXPLORINGTHE CONNECTIONBETWEEN THE OBJECTAND ITS USER .”

Farrah is currently working ona new line of ceramics withIllustrator Bryce Wymer usinga sgraffito technique, whereconceptual narratives areetched across dinnerware.

Find out more about Farrah byvisiting her website.

Light SakeLight Sake was born from a desire to comecloser to the ceramic medium. Farrah began xperimenting with wheel throwing and slip casting porcelain, which turned into hanging light fixtures and sake sets in 2006.

These porcelain wares were selected toappear at the “Handled with Care” exhibitduring London’s Design Week.

Dave Perillo was born in 1974, the same year Wham-O introduced the Slip N’ Slide…coinciden-

ce?

In 1st grade, Dave revealed in his autobiography “Me Book”, that when he grew up he would like to be Ziggy. This ambition was deflated by 2nd grade when he realized that A) Ziggy is not real, B) Ziggy

is completely bald, and C) Ziggy wears no pants.

While the thought of going throughout life sans pants was somewhat appealing he decided to pursue

his second choice, a career in art.

Dave draws inspiration for his work from many of the following sources: 1950’s Sci-Fi Movies, Char-les Schultz, Jim Flora, Ray Harryhausen, Roy Lich-tenstein, Jim Henson, Hanna Barbera, The Twilight Zone, Alfred Hitchcock & Character Advertising

Icons.

Dave currently resides in the burbs of Philly, works as an illustrator, believes that bowling is the sport of kings and a bag of Swedish Fish is a seafood dinner.

dave perillo

Alfred Hitchcock themed piece

DID YOU STODY ART O ARE YOU SELF TAU-GHT?It’s a little bit of both. I used to doodle in the margins of my notebook in grade school through high school when I should have been learning math or biology. In college, I studied art and graduated with a BA in gra-phic design. I think a background in graphic design made me a stronger illustrator; classes like typography and color theory were hugely beneficial.

YOU’VE DONE A LOT OF GALLERY WORK AND LIMITED EDITION POSTERS FOR VARIOUS COMPANIES. HOW DID YOU GET INVOLVED? WHAT’S COMING UP IN TER-MS OF GALLERY WORK?I started off just doing fan art and posting it on my blog and deviantart, and from there I got noticed by Gallery 1988 and was invited to par-ticipate in their annual Crazy 4 Cult exhibition. Everything kind of spiraled from there.

WHAT IS YOUR CREATIVE PROCESS LIKE? It really depends on the project. Sometimes I’ll do sketches, scan them in, and then work off those on the computer. Other times I’ll jump right into it on the computer.

WHO OR WHAT ARE YOUR MAIN SOURCES OF INSPIRATION?Guys like Walt Disney, Charles Schulz and Jim Henson I always admired as innovators. Also a fan of pop artists like Roy Lichtenstein and Andy Warhol, they showed me that art doesn’t have to be so serious. More recently I discovered artists like Jim Flora and Mary Blair, fantastic work and very inspirational.

Other things that inspire me are vintage ads from the ‘50s and ‘60s, great use of color and typography.

WHAT PROGRAMS AND TOOLS DO YOU USE IN CREATING YOUR WORK?For some things I’ll use Adobe Photoshop, but I work pretty much exclusively in Adobe Illustrator. Just seems to work best with my style of art.

HOW MANY YEARS HAVE YOU WORKED AS AN ILLUSTRATIOR/DESIGNER?I’ve been working as an illustrator professionally for over 13 years. I worked as an illustrator for a medical trade publication for a while and more recently have broken off to the world of full-time freelance.

WHAT GOT YOU INTO ILLUSTRATION?Probably from watching cartoons; I’ve always been a TV junkie. I grew up in the ‘70s and ‘80s, so stuff like Scooby Doo, The Flintstones, Looney Toons, GI Joe and Super Friends was infused into my brain.

Also, at a young age I got the book Ed Emberly’s Drawing Book of Animals and would draw the pictures from it constantly. Taught me how using basic shapes you could draw anything.

“One thing that I’ve been a fan of for a long time is the show Doctor Who. I’ve done quite a bit of “fan” art based off it, but I would love to do something official for that property”

LET’S CHAT ABOUT FREELANCE CLIENTS. WHO’S ON YOUR LIST OF “WORKED WITH”, AND WHAT COMPANIES/BRANDS ARE YOU HOPING TO COLLABORATE WITH IN THE FUTURE?I’ve had the opportunity to work for Disney and Target. I’ve done stuff for Breaking Bad and Ghostbusters though Gallery 1988 and Adventure Time and Paranorman through Mondo Gallery. I do a lot of work for Acme Archives, like Star Wars, Indiana Jones and The Simpsons. I’ve also got to do work for bands like Fall Out Boy and the Aquabats. Band posters are always fun to work on; lots of creative freedom there.

Like I mentioned before, I’d love to something for the BBC’s Doctor Who series. Also I think it would be fun to design toys.

NOT A STRANGER TO CONVECTION ARTIST ALLEYS, WHATS THE EXPERIENCE LIKE FOR YOU? WHAT’S YOUR PREFERENCE OF CONVECTION TYPE?I’ve been doing conventions for years now, mostly comic book conventions but the lines have blurred on the convention scene. There is a lot of crossover with movies, horror, anime, etc., at these shows.

I really dig meeting new artists in artist alley and seeing what’s out there. For me, that’s probably the most enjoyable thing about these shows.

WHAT WORDS OF ADVICE DO YOU HAVE FOR EMERGING ILLUSTRATORS WHO WISH TO EN-GAGE IN DESIGN AS YOU HAVE?I’d say, keep creating. If you love it and have a passion for it, just keep doing it. Also, I believe it’s extremely important to develop your own style/”thing”. It’s great to be influenced by other artists, but it’s important to make your own stuff unique and stand out from the others. If everybody copied everybody, we’d have a million Garfields out there, and that’s a scary thought.

My first solo show at Gallery 1988 started August 22nd. It ’s called “Squares 4 Squares” and features a collection of new pop-culture-inspired pieces all in a square format. The show runs ‘til September 20th at their G1988 East location.

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MANUEL ESTRADA“En el ordenador todos utilizamos los mismos recursos. Alejarse del ordenador y de internet beneficia

mi creatividad”

Manuel Estrada lleva siempre consigo un cuaderno, una herramienta de trabajo única para capturar cada breve instante de inspiración antes de que se extinga. En estos libretos de hojas inmaculadas, Estrada aboceta la realidad que percibe a través de su genuina mirada, creando un universo en el que los niños tienen ojos de pez, las jóvenes de gran belleza entran encombustión espontánea y el hombre está condenado a portar sobre los hombros su pesada cabeza de piedra.

Ahora, una exposición antológica e itinerante que explora la carrera y el proceso creativo deldiseñador madrileño desembar-ca en Nueva York. La muestra, bautizada «Estrada: Sailing Through Design» («Estrada: Navegando a través del diseño» en castellano), fue inaugurada

el pasado 17 de julio en la sede neoyorkina del InstitutoAmericano de Artes Gráficas (AIGA), una asociación profesional de diseñadores que llevapromoviendo el trabajo de este gremio desde 1914.

Aunque Estrada confiesa que no le gusta hablar de su propio trabajo porque se considera «muy tímido» y que prefiere hablar «sobre Obama y el mun-do», durante la inauguración de la exposición tuvo que claudicar y comentar sus creaciones con los asistentes. Entre los interesados que se acercaron a la presentación había jóvenes estudiantes,curiosos por conocer el tipo de diseño gráfico que se hace en España, y grandes nombres del sector como el ya citadoChermayeff, de quien Estrada es un firme admirador.

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De todas las editoriales con las que trabaja, Estrada le tiene un especial afecto a Alianza Editorial, una casa con la que el diseñador Daniel Gil trabajó hasta su muerte. CuadoGil falleció, Estrada no quiso aceptar deprimeras el puesto que su amigo acababade dejar vacante porque Gil era «brillante»y pensó que a él «lo iban a crucificar».

Sin embargo, cuando Alianza Editorial volvió a ofrecerle el trabajo un tiempo más tarde, Estrada no pudo negarse.

Alianza Editorial

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Antes de diseñar una portada, Estrada se obliga a leer el libro al que acompañará. A pesar del coste en tiempo, Estrada reconoce que esta forma de trabajo «es un gran placer», porque disfruta enormemente leyendo.

Portadas del alma

–60–All images copyright Farrah Sit

Aunque la mayor ía de los diseños de por tadas de su estudio son e l f ruto del t rabajo de equipo, Estrada expl ica que super visa de cerca cada una de e l las. Gran par te de este proceso de delegación se debe a que no le gusta diseñar con el ordenador, as í que pref iere que su t rabajo se mantenga en e l mundo de las ideas, mientras que sus compañeros las e jecutan.

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La exposición ha sido comisariada por Sonia Díaz y Gabriel Martínez, directores del colectivo de diseñadores activistas Un Mundo Feliz y fundadores del estudio de diseño gráfico LSDspace. «Explorar las imágenes de Estrada es como dar un paseo íntimo a través de su trabajo, donde nos tropeza-remos con posos dejados por diseñadores como Paul Rand, Ivan Chermayeff o Daniel Gil», comentan los comisarios en su presentación de la muestra.

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San Andrés2014