INDIEFERMAG Nº 21. Mayo 2013

MAYO 2013 | Nº 21

REVIEWS PHOENIX / JAMES BLAKE / THE KNIFE / DAUGHTER / TACHENKO THE BIRKINS / KURT VILE / NO JOY / THEE OH SEES / WAVVES / OSO LEONE / BALAGOENTREVISTA DEAD SONS DOSSIER ANTONY AND THE JOHNSONS INDIEQUETAS CRÓNICAS TRIÁNGULO DE AMOR BIZARRO / EELS ICO TOP ABRIL´13 Y MUCHO MÁS

ATLETES BAIXIN DE L'ESCENARIM A N E L

Review del mesManel

Análisis de Atletes Baixin De L'Escenari 3

ReviewsPhoenix: Bankrupt 7

James Blake: Overgrown 9The Knife: Shaking The Habitual 11

The Birkins: Châteaux En Espagne 15Daughter: If You Leave 17

Santa Rita: High On The Seas 19Tachenko: El Amor Y Las Mayorías 21

DossierAntony And The Johnsons 23

EntrevistaDead Sons 29

CrónicasTAB: Ocho y Medio Club, Madrid (27/04/13) 31

Eels: La Riviera, Madrid (28/04/13) 33

OpiniónPledgemusic o cómo revolucionar el mundo de la

industria discográfica 35

Indiquetas 37

Ico TopIco Top Abril 2013 41

IndiespensablesTops Abril 2013 45

ÍNDICEINDIEFERENCIA MAGAZINE Mayo 2013

M A NATLETES BAIXIN

4 INDIEFERENCIA MAGAZINE Mayo 2013

N E L N DE L'ESCENARI

Mayo 2013 INDIEFERENCIA MAGAZINE 5

¿Imagináis por unmomento que justo alempezar a sonar elnuevo disco de Manelse escuchara la pro-funda voz de Cons-tantino Romero?Hubiera sido unaforma de rompernoslos esquemas desdeel principio a todos losoyentes, pero a estasalturas Manel no ne-cesitan recurrir a arti-ficios para conseguiralgo que puedenhacer utilizando lamejor de sus armas:las canciones.

Con su ya tercer disco que lleva portítulo la famosa frase de Barce-lona’92 “Atletes, Baixin De L’esce-nari” se confirma lo que ya habíandemostrado con sus dos trabajosanteriores. Manel es un grupo quebebe de la tradición folk catalana,de cantautor de preciosas palabras,de aires mediterráneos acoplados aun pop costumbrista pero que acada paso que dan, avanzan y evo-lucionan. Para llevar a cabo esto,los Manel han decidido reducir suformato de banda a tan sólo cuatromiembros, prescindiendo de vientosy cuerdas y grandilocuentes pos-tproducciones que dotaban de tintesépicos al sonido de su anterior discoy que tan buen resultado les dio.

Esta simplificación se aprecia desdeel primer tema, porque “Ai, Yoko”empieza directamente apoyada enun punteo de guitarra y unas letrascargadas de referencias al pop y lavida del músico ante su musa. Estamisma onda eléctrica sigue “Vés,Bruixot”, donde el bajo dibuja unamelodía que nos traslada a los añosdel funky, pero rebajando la veloci-dad del tempo para adecuarlo alcancionero de Manel. Los tres minu-tos de “Ja Era Fort” son un paseopor la Costa Brava, dándose lamano con las costas italianas, reco-rriéndolas subido en una moto y dis-frutando del sonido más clásico quepodemos encontrar en este disco,perdiéndonos entre los arpegios deguitarra que no dejan de sonar a lolargo de todo el tema.

“Banda de Rock” es un homenajesentido a aquellos grupos que, sin

saber porque, han caído en el olvidoy aún te dibujan una sonrisa en lacara o te invitan a tamborilear tusdedos cuando suenan por sorpresaen la radio. Parecía que iban a sertan grandes y ahora no son nada…la historia de la cultura en este país,una cruda realidad. Como “Deixar-te un día” y las dificultades encon-tradas ante una situación tanhabitual como lo es terminar una re-lación. Salvo que lo que normal-mente sonaría como un drama seconvierte en ironía y en una formade libertad en la voz de Guillem. Yen “Mort D’un Heroi Romàntic”despliegan las reminiscencias de sudisco anterior y de temas como“Aniversari” y las conjugan con elcostumbrismo de la lírica medieval,como si estuvieran escribiendo unnuevo romancero actualizado anuestros días.

Y sin dejar de hablar de cosas delpasado, es evidente y lógico que enlas canciones de Manel se aprecieel legado de cantautores como Se-rrat o Lluís Llach. Esto sucede en“Imagina’t Un Nen”, no apta paracorazones sensibles porque es unametáfora realmente triste sobre lainfancia perdida o mejor dicho, arre-batada. Aunque por suerte, comocontrapunto a este momento tristenos invade “Teresa Rampell”,tema elegido de forma muy acer-tada para ser single del disco por-que es como una droga que te incitaa moverte. Con esta canción Maneldemuestran que son capaces deromper con esa etiqueta folk que lle-van encima y que facturan un temaque, todo hay que decirlo, es perfec-

MANELAtletes Baixin De L'Escenari / 2013


Por Jesús Daniel Marín

tamente bailable. Vuelta al mediotiempo con “A Veure Què En Fem”y la pesadilla de creer haber pasadopágina hasta que te sorprendes re-cordando aquellos momentos queno volverán, con unos coros sobre-salientes en el estribillo muy al estiloBeatles.

La única canción de la cual se po-dría prescindir en el disco es “Des-apareixiem Lentament”, porquepasa sin pena ni gloria. Suena, nomolesta, pero quien sabe si en sulugar podría haber entrado un hit delestilo de “Benvolgut” o un temaque casara mejor con la más ani-mada “Quin Dia Feia, Amics…”que relata el proceso de creación deuna canción en mitad de una esca-pada de una pareja, donde el noviopide a su pareja que no le molesteya que se encuentra escribiendo

una canción para ella. Anécdota di-vertida para este tema que suenatanto a Belle and Sebastian y queprecede a la melancólica “Fes-MePetons”, cantada al amor sin espe-ranza ni condición pero con entregaabsoluta. El broche final del disco lopone “Un Directiu Em Va Acomia-dar” donde en clave de humor ycon ese nuevo sonido que presentael grupo, se nos narra el despido deun trabajador al que no le quedanmás narices que asumirlo, entre gui-tarrazos y una batería que por finsobresale por encima del resto delos instrumentos, marcando con cla-ridad quién lleva la pauta en estetema.

Después de todo, podría decirseque Manel lo han vuelto a conse-guir. Sin resultar pedantes ni extre-madamente nacionalistas, han

facturado un gran disco que puedesuceder en éxito a “10 Milles PerVeure Una Bona Armadura”. Re-nunciando a esos arreglos de cuer-das y vientos han acercado sumúsica a lo que es una actuación endirecto de la banda y eso siemprees de agradecer. Así que haciendoreferencia al título del disco sóloqueda decir una cosa: “Manel,pugen a l’escenari.”

MANEL | ATLETES BAIXIN DE L'ESCENARI


Por Jaime Mateo Herrero

B A N K R U P T

REVIEW


P H O E N I X

Al final parece que Phoe-nix no han renacido de lascenizas de su anterior yencumbrado disco “Wolf-gang Amadeus Phoenix”.La cima musical del con-junto francés llegó coneste cuarto disco y la es-pera por volver a saber deellos ha sido de cuatro lar-gos años. Se podría pen-sar que este periodo hasido más que suficientepara volver con algo com-pletamente fresco y desta-cable. En el caso de“Bankrupt!” esto viene amedias. Ojo, no es undisco decepcionante, dehecho si no fuese de Pho-enix ahora mismo seríauna de las mayores sor-presas de este año. Peroclaro, llevar a cuestaslosas del tamaño de “Lizs-tomania”, “1901″ o “If IEver Feel Better” no estarea fácil.

Todo el hype de “Bankrupt!” llegó aprincipios de año. Primero conaquella web con el epiléptico logodel nombre del disco. Luego la por-tada con los motivos frutales ha-ciendo pinitos para liderar las listasde artcovers más feos del año. Ypor último ese single llamado “En-tertainment” con el rollo asiáticodespertando la curiosidad de mu-chos o poniendo a prueba los ner-vios de otros tantos. Pero noseamos exquisitos, el single se dis-fruta y es que, ¿qué es lo que se lepide a un grupo como Phoenix?Pues eso diversión y alegría.

Después de abrir el quinto LP dePhoenix con la canción antes men-cionada uno espera que se man-tenga ese ritmo a lo largo de lasdiez canciones que componen“Bankrupt!” Nada más lejos de la re-alidad. Desde los inicios de “TheReal Thing” uno ya se da cuentade que este disco va a requerir demuchas más escuchas de las habi-tuales en un disco de Phoenix paracogerle el punto. Serán los cambiosde ritmo, será la falta de inmediatezen los estribillos, será lo que seapero “Bankrupt!” de primeras le dejaa uno un poco templado.

Con “SOS In Bel Air” se agradeceese soplo de frescura. Es una can-ción con varios giros que consigueatrapar cuando sube el tono. Por sialguien no se había dado cuenta to-davía, el peso de los teclados y sin-tetizadores es más que notable eneste disco y “Trying To Be Cool”es otra buena muestra de ello. So-nidos vintage, escalas que ascien-den y descienden, campanastintineantes y Thomas Mars cen-trado en sus registros particulares.La canción que da nombre al discotodavía no la acabo de entender.Siendo el tema más largo de la tra-yectoria del grupo, algo ya arries-gado de por sí, no aporta gran cosaal conjunto global del disco más allá

de romper el ritmo del mismo. Convarias partes, podemos obviar lasiniciales y centrarnos en el minutajefinal con la parte más lenta de todoel disco. Algo que por mucho que lointenten Phoenix, nunca destacaránpor ello.

En la segunda mitad del disco en-contramos otros momentos muydisfrutables como los teclados des-cendentes finales de “DrakkarNoir” que reenganchan con la repe-titiva “Chloroform”. Un poco másde caña le meten a “Don’t”y “Bur-geois” para que no nos durmamosen los laureles sintéticos y las pas-tosas voces de Thomas.

Los de Versalles han vuelto con undisco de notable justo. Uno tieneque preguntarse qué le pedía algrupo francés con este “Bankrupt!”Si eres de los fanáticos que se su-bieron al carro con “Lizstomania” ycompañía, has de rebuscar bas-tante para encontrar algo parecido.Si por el contrario le pedías ciertaevolución y novedad musical algrupo, también. En cualquier caso,es un disco muy disfrutable al quevolverás varias veces a lo largo delaño aunque sólo sea para levan-tarte los ánimos después de un díade mierda.

PHOENIX | BANKRUPT | REVIEW


REVIEW | Por Jaime Mateo Herrero


James Blake vuelvedando un elegante golpesobre la mesa con su se-gundo disco “Over-grown”, catapultando sufigura a los altares deesa mezcla de electró-nica, soul y dubstep quese ha inventado él solitoy que vuelve loca a todala escena independiente.Después de cinco es-pléndidos EPs editadosentre 2010 y 2011,James Blake lanzó suálbum debut homónimopara revolver a toda lacrítica con temas impres-cindibles como “The Wil-helm Scream” o “LimitTo Your Love”. Una vezque ya nos tenía a todosen el bolsillo, vinieron co-laboraciones tan grandio-sas como aquel “FallCreek Boys Choir” conBon Iver.Dos años después, tras varios go-teos en forma de adelantos y labroma del ciervo en la portada deldisco, el joven genio londinense detan solo veinticuatro años vuelvepara derretirnos por dentro con un

disco repleto de huellas musicalesde la talla de Brian Eno o RZA. Lasbases siguen intactas, melodías in-timistas apoyadas en esa esenciasoul y con la guinda de los elemen-tos dubstep. Y entonces, ¿qué es loque ha cambiado en este“Over-grown”? Pues básicamente el es-pectro musical de James, queahora se abre al alcance de aque-llos que todavía se mostraban reti-centes con el estilo del británico.Ahora sí, si no te entra este disco,James Blake no es lo tuyo.

Ya desde el primer adelanto que co-nocimos a principios de año, “Re-trograde”, James nos lanzaba alvacío de ese bucle musical del quees imposible escapar, hipnotizandocon sus gemidos contenidos al ritmode esos toques dubstep. La mismaidea que en el disco anterior peroengrandecida aún con la variedadde sonidos que se mezclan en los,para mí, mejores cuatro minutos delo que llevamos de año.

El disco comienza con la canciónque le da nombre, “Overgrown”.En seguida uno se da cuenta deque ahora hay menos silencios ymás voz de James, depurada a laperfección y con matices nuevosque enriquecen las enamoradas le-tras del disco. Los teclados y sinte-tizadores son otras armas de lasque se sirve Blake para dejarnosnoqueados en temas como“LifeRound Here”, sonido más contun-dente que en la anterior “I AmSold”.

Llegamos a la gran sorpresa de este“Overgrown”, que lleva el nombrede “Take a Fall For Me” y se mues-

tra acompañada del siempre contro-vertido feat “alguien”. RZA ha sidoel elegido por el, ahora más quenunca, polifacético James paracomponer la que hasta hora es sucanción más hip hop. Una colabora-ción de la que no se puede salir másairoso y que asombra por la elegan-cia de la que se impregna RZA. Otradelicia para los oídos es la breve ysencilla “Dlm” que estremece concada subida de voz del británico.

En la segunda mitad del disco en-contramos dos canciones que so-bresalen (más si cabe) entre laabrumadora brillantez de “Over-grown”. Son “Digital Lion” y “Vo-yeur”. La primera de ellas juegacon los silencios y percusión insis-tente mientras que la segunda essencillamente la joya de la coronabritánica. En un irresistible bucle detintes electrónicos acompañado de¿campanas?, James Blake se su-pera compositivamente una vezmás con la opresiva “Voyeur”. Laemoción alcanza cotas imposiblesen muchos tramos de “Overgrown”como en el ascenso sonoro de “ToThe Last”. Simplemente perfecta.

Para cerrar, la tierna “Over LoveComes Back” pone la guinda a undisco redondo, en el que no sobrani un segundo como sí podría pasaren el debut de James. Sin duda al-guna estamos ante uno de los dis-cos del año, un regalo para losoídos procedente del imprescindibleuniverso sonoro de uno de los com-positores más importantes de mi ge-neración. Larga vida a James.

JAMES BLAKEOVERGROWN / 2013



Por qué “Shaking theHabitual”es un disconecesario e imprescin-dible.Por Jaime Mateo Herrero

“Habitual (adj)”: Que se hace a me-nudo, reiteradas veces, o que esfrecuente. “Shaking”: Agitar, remo-ver, hacer temblar.

Si atendemos a las razones quehan llevado a componer este discoencontramos desde la crítica al sis-tema capitalista o la democracia, elcuestionamiento de los roles de gé-neros o la intrincada teoría queer.Sabiendo uno a lo que viene quedaúnicamente hacer el esfuerzo de in-tentar encontrar el reflejo de estosmanifiestos en “Shaking The Habi-tual”. Después de varias escuchasy superar la dura resaca que deja,yo me decanto por el sí rotundo a lapropuesta de este disco. ¿Por qué?Para empezar, el título no puede sermás acertado. Que se incluya unacanción de cincuenta y cuatro se-gundos y la siguiente de diecinueveminutos no es algo habitual y te lopuedes tomar de dos maneras,como siempre. O te están tomandoel pelo, o son unos genios. En micaso yo no creo que la “caída debomba nuclear” de “Crake”ni la in-terminable y marciana “Old Dre-ams Waiting to Be Realized”sobren en este disco. Pero en unmundo impaciente como el nuestroesta última canción está abocada aldesprecio. Una pena, porque a miparecer la inquietud y opresión quedesprende el tema sería imposible

recoger en tres minutos. Despuésde los imprescindibles singles “ATooth for An Eye”y “Full of Fire”muchos ya se hicieron a la idea deque todo el disco iba a estar repletode hits de este calibre. El caso esque los hay, la primera parte de“Ranging Lung” o varios pasajesde “Stay Out Here” contienen esosritmos electrónicos que enganchangracias a la magnética voz de Karin.La trepidante frecuencia de “Net-working”sirve para realimentar latediosa segunda parte del disco. Encuanto a la primera, cabe destacarla épica “Wrap Your Arms AroundMe” o la rítmica “Without You MyLife Would Be Boring” con mesa-jes tan incendiarios como “shakingthe habitual really took time, we arelaughing at the future to find out thepast”.

Si lo que The Knife buscaban coneste disco política y musicalmenteincorrecto era hacernos reflexionarsobre la decadente sociedad en quevivimos, ya es cosa de cada unoquerer verlo de esta manera. Por-que la inexistente inmediatez de lascanciones y las ideas difuminadasentre tantos sonidos infinitos y den-sos no ayudan a comprender el sig-nificado de este “Shaking TheHabitual”. Pero la (necesaria) lla-mada de atención de The Knifequeda patente y puede que, comolas grandes obras, se reconozcadentro de diez años cuando yatodos busquemos auxilio en la elec-trónica para escapar de la desgraciahumana.

REVIEW THE KNIFE

Shaking The Habitual (2013)

Se podría afirmar que el úl-timo disco de The Knife hasido el más arriesgado dela historia reciente de laelectrónica contemporá-nea. Después del encum-brado “Silent Shout”(2006), el dúo sueco for-mado por los hermanosKarin Dreijer Anderssony Olof Dreijer vuelven paraagitar todo patrón estable-cido, ya sea musicalmenteo políticamente hablando.Estamos ante un discocomplejo, variado, muy di-fícil de digerir y conceptual-mente denso. Como lacrítica se ha polarizadocomo pocas veces, en laredacción hemos decididohacer una review doble,mostrando dos opinionesdistintas sobre el disco.


Por qué “Shakingthe Habitual”no esun disco necesa-rio ni imprescindi-ble.Por Joaquín Ollero García

¿Recordáis una canción titu-lada “Heartbeats” de ungrupo llamado The Knife?Así, en plan rápido, puedocomentar que dicha canciónincluida en el 2º álbum de lapareja sueca ha sido califi-cada como una de las mejo-res canciones de la década2000-2010 (Pitchfork Media,posición 15) e incluso comouna de las mejores cancionesque jamás se han hecho(Consequence of Sound,posición 14). También podríamencionar una tal “PassThis On” del mismo discoque grababa en nuestras re-tinas una épica escena de lapelícula Les Amours Imagi-naires, a base de una melo-día fresca y contundente. ¿Yalguien recuerda un álbumque saldría allá por 2006 quellevaba por título “SilentShout” (una joya indescripti-ble de aquel año)? Ya se in-clinaba por un tonoligeramente más oscuro ymaduro, pero aún así, elpunto en común de todos loselementos mencionados esque se trataba de buena mú-sica. Ni más ni menos. Al es-cuchar dichas canciones ydiscos te podías sentir que teencontrabas al frente decomposiciones inteligentesque sonaban con un propó-sito concreto.

En “Shaking the Habitual”todo esto ha cambiado deforma radical. La músicacomo concepto de forma detransmisión ha sido dejadade lado para hacer protago-

nista a una esencia que rei-vindica unas ideas a travésde un medio que no es eladecuado. A lo largo de los96 minutos que dura esteálbum doble la sensaciónconstante que tenemos pre-sente es que estamos escu-chando unos temas queparecen ser hechos al azar(es obvio que no ha sido así,por si hiciese falta aclararlo),con una disposición de lasnotas que no alcanza ningúntipo de armonía y que se es-tanca en la burla y en lo irri-sorio. Ciertos rayos de luz sepueden vislumbrar en conta-dísimas ocasiones en pasa-jes muy concretos escogidosde los famosos singles, “Wi-thout You My Life Would BeBoring” o “Ready to Lose”(una sombra de lo que se en-tendía por The Knife en el pa-sado), pero no sonsuficientes motivos para jus-tificar demasiado politiqueo yletras grotescas todo remo-vido con unas melodías a lasque es realmente complicadoencontrarle algún sentido.

Esta opinión sobre este espe-radísimo disco no está en ab-soluto en contra de que laspersonas y las ideas mutan ycambian, y es como debe ser.Se necesita una evolución,incluso con importantes girosde 180º, para escalar escar-padas montañas y llegarhasta las anheladas cimas, ypor ello es necesario realizaruna apuesta que puede re-sultar exitosa o no. The Knifeha producido este álbum quesale del interior de sus men-tes y por el hecho de ser unacontecimiento de sincerasintenciones ya es algo respe-table, pero si nos centramosen el apartado musical, nossentimos desorientados,como perdidos en un mar deniebla.


THE KNIFE | SHAKING THE HABITUAL | REVIEW



The Birkins vuelven consu segundo álbum de estu-dio, “Châteaux En Es-pagne”. Un disco conmelodías bohemias, unosversos llenos de melanco-lía y cargados de senti-miento.

El sonido de The Birkins es unamezcla entre el rock británico, conguitarras cargadas de distorsión, lacanción francesa con pinceladas demelancolía y versos bohemios. Aun-que también en algunas ocasionespodemos escuchar un poco de psi-codelia en sus teclados, algunos to-ques folk e incluso experimentación.

The Birkins está formado por DaniBirkin (voz y guitarra), Cris San-tana(voz), Alby Ramírez (guitarras)y Sergio Miró (batería y percusio-nes). La banda debuto en el año2011 con su primer largo, bajo elsello El Genio Equivocado. El ho-mónimo “The Birkins” fue una inte-resante carta de presentación en laque particparon también los teclis-tas Rami Jafree (Foo Fighters) yRoger Manning (Beck, Air) ade-más de Dayna Kurtz poniendo suvoz en el romántico e “italiano” tema“Frapuccino lovers”.

“Châteaux En Espagne” fue gra-bado por la banda canaria enPuerto de Santa María (Cádiz), enlos estudios de Paco Loco, que haproducido, grabado y mezclado estenuevo trabajo. En el trabajo ademáslos arreglos de cuerda están a cargo

de Chris Carmichael, Miguel Ba-rrones con el trombón, David Gui-llén se ha encargado de la trompetay Paco Loco ha trabajado en pu-ñado de arreglos por citar algunosmúsicos. El sonido del disco pode-mos decir que ha sido muy mimadoy cuidado al milímetro.

En palabras del grupo, “el título seantoja adecuado para describir estepreciso momento temporal en susvidas personales y en el país en elque viven”. El título “Châteaux EnEspagne”, que significa “castillos enEspaña”, retrata a la perfección larealidad tanto del país en el que vi-vimos como de la actualidad delmundo de la música. Un panoramaen el que la opulencia de unos esmuy distante de las grandes dificul-tades de otros, donde llegar al tér-mino medio ya podemos decir quees una victoria.

“Châteaux en Espagne” comienzacon “Where We Were”, un corte amodo de introducción. El sonido denoventero se podrá apreciar a lolargo de todo el disco, algo que in-tuíamos en el primer tema y que“Belle De Jour” cantada por CrisSantanay “A. Rimbaud and HisLong Way Home”, donde Dani Bir-kin recuerda a ratos a Joe Dassin,nos lo confirman. Guitarras sucias yvoces opuestas en una y otra can-ción, hacen que el disco sea variadoal transmitirnos diferentes puntos devista del mismo. “La Chatte deMon Amie”, la “chanson”del disco,cuenta con los arreglos de cuerdade Chris Carmichael y Coré Ruiz enel vibráfono . “La Signature” es

uno de los temazos del disco dondeCris Santana está brillante y las gui-tarras están más presentes quenunca con ese ritmo gamberro quenos hace saltar. Un corte con tonospsicodélicos y unos melancólicosversos: “je veux sortir d’ici / t’accom-pagner dans tes nuits de larmes /consoler tes soirées”. Diferentes pa-sajes son los que vivimos en este“Châteaux En Espagne”, como lafestiva “Ophelia (Just Sing)”;“Confessional Drinker” y “CurtainCall”, ambas con su sonido Folkmarcado o “Tell Me What YouWant” con sus cambios rítmicos ymelódicos. La recta final llega conun gran trío de canciones que co-mienza con la preciosa “TouteCette Lumière” donde podemosescuchar a Cris recitar los versosenvueltos en una atmósfera mágicacreada por Rami Jaffee y su Ham-mond B3; y Chris Carmichael denuevo con sus arreglos de cuerda.“Brouillon #3” cantada por Cris yDani Birkin nos hace viajar a losaños sesenta con este tema car-gado de pop que cuenta con unasección de viento que encaja a laperfección. Y como no, “ChâteauxEn Espagne”, pone el punto y finalcon un sonido animado, alegres gui-tarras acústicas y toda la bandacantando al unísono “algo me diceque este es el fin”.

Un final perfecto, para un más quedecente segundo álbum de estudiodonde The Birkins nos hacen viajara diferentes lugares de nuestro co-razón y nuestros recuerdos. Un tra-bajo lleno de luz, vibrante, bohemioy cargado de melancolía.

REVIEW THE BIRKINSChâteaux En Espagne (2013)

Por F. Javier Moreno



Como agua de mayo se esperaba eldebut de Daughter, que no podía lle-gar en otra época que no fuese elfinal del invierno, y así ha sido.Como los primeros rayos de sol queentran por la ventana después demeses llenos de nubes y lluvia. Yala portada refleja ese escenariosobre el que se dibujará el debut deElena Tonray sus recientes compa-ñeros, el guitarristraIgor Haefeliy elbatería Remi Aguilella. Los dos EPque preceden la trayectoria musicalde los londinenses, “His YoungHeart” (2010) y “The Wild Youth”(2010), ya dejaban entrever lo quepodría salir de semejante formación.

“If You Leave” contiene melodíasambientales que quitan el aliento.Es una labor de inmersión en unomismo escuchar cada uno de losdiez temas que lo conforman. Y esque la sencilla voz de Elena y lospausados rasgueos de guitarraacústica son suficientes para llenarde luz las homogéneas cancionesdel álbum. No hay cambios de regis-tro, no hay cambios de estilo, todoel disco fluye con una velocidad yeficacia asombrosa. Cada canciónes un pequeño viaje al deliciosomundo intimista de Daughter.

Desde el in crescendo de la ini-cial“Winter” hasta la eterna nostal-gia de “Swallows” para cerrardejando un gran sabor de boca. Haymucho de los primeros trabajos deFlorence and The Machine en este“If You Leave”, aquellos que sobre-cogían por sencillez y belleza.“Smother” recurre a coros y vocesangelicales para cerrar otro tema re-dondo. En “Youth” encontramos alos Daughter más tiernos y a la vezmás salvajes, con esa espectacularpercusión que le da oxígeno a va-rios fragmentos de la canción.“Still” nos narra la historia de unarelación amorosa abocada al fra-caso, pura emoción que se des-prende en una de las cimas delálbum.

Podría haber ocurrido que la preten-dida fragilidad de las canciones y sutono lánguido hubiese hundido “IfYou Leave” por excesiva monoto-nía. Sin embargo, Daughter han sa-bido controlar la duración de lostemas y los ritmos de las mismas,levantando canciones como “Life-forms” cuando parecía que no ibana aportar nada más. Las desgarra-doras letras que mezclan desamory naturaleza también son otra de las

bazas de este disco: “By tomorrowwe’ll be swimming with the fishes,leave out troubles in the sand… Andwhen the sun comes out, we’ll benothing but dust”.

En la recta final se encuentran dosde las joyas del disco. Es en“Human” donde Daughter jugue-tean con el mejor folk, alejándosedel remanso de paz que supone elresto del disco. Por otro lado,“Amsterdam” construye bellas me-lodías sobre la base de un insistentepunteo.

El debut de Daughter no trae nadanuevo al género y por lo tanto estosupone un riesgo. Es el riesgo deresultar redundantes, cosa quedesde luego no ocurre. Han definidotan bien su sonido y le han dadotanto cuerpo y tanta personalidadque “If You Leave” brilla con des-caro y sólo quedará al margen delos impacientes. Los londinensessalen airosos de su esperado debuty su disco se afianza como uno delos trabajos de este 2013 que mejo-res sensaciones transmite con tanpoco.

Por Jaime Mateo Herrero

DAUGHTER / If You Leave (2013)



Volver a los añosnoventa es un ejer-cicio fácil cuandoescuchamos “Highon the Seas”, discodebut de las barce-lonesas (o casi)Santa Rita. Apadri-nadas bajo el sellode calidad de la dis-cográfica AloudMusic, su debut enel larga duración esuna descarga derock de garaje y su-cias guitarras quebeben de la épocadorada del grunge.

Y es difícil conseguir un re-sultado tan bueno sin caeren los tópicos del género.Cuatro mujeres que abande-ran el sonido del rock crudo,sin artificios y con una for-mación clásica de bajo, gui-tarra, batería y voz. Porquepara conseguir sonar bienno hacen falta mayores arti-ficios, solo el buen gusto quedemuestran las chicas deSanta Rita en sus composi-ciones.

El disco se abre con “Bál-tico” y como si de olas ba-tiendo contra la roca setratara, despedazan el pri-

mer tema en tres minutosfrenéticos, cargados derabia. En “Necochea” abra-zan la herencia de CourtneyLove y Hole, relajando eltempo y dotándolo de un li-gero tono de oscuridad en laguitarra. Sorprende el cam-bio de estilo de la canción afalta de un minuto para quetermine, dotándola de un ro-llito funky que queda elegan-tísimo. Siguiendo la temáticamarina que trae el título deldisco, “Cantábrico” poseeuna melodía que mece lacanción hasta llegar a un es-tribillo que sube de intensi-dad y que probablementesea de las favoritas del pú-blico en directo.

Seguimos navegando en elálbum, llegando esta vezhasta “Mar Muerto”. Suletra es la declaración deamor más cojonuda que heescuchado en mucho tiempoacompañada de unos corosque nos recuerdan a los deArcade Fire, salvando todaslas distancias estilísticas,claro está. Volvemos a subirde calibre las guitarras para“Cap de Creus”, de melo-día pesada, rozando el sto-ner rock y con una laborvocal impresionante a cargode la líder de Santa Rita.Con “Fidji” retrocedemosun poco más en el tiempo,casi hasta las bases del so-nido de Led Zeppelin oDeep Purple, con un riff om-nipresente a lo largo de las

estrofas que no da descansoy se ha convertido en uno demis temas favoritos delálbum.

En la misma línea setenteraestá “Adriático”, oda a laresaca. Y no se me ocurremejor término en un discoque guarda tantas similitu-des con el mar y su oleaje,bravo en diversos momentosy completamente calmadoen otras, como es el caso de“Pacífico”. Medio tiempo delos que gustan en el rock,con una batería que dominadesde el inicio de la canción,creando el esqueleto per-fecto para sostener el tema.El disco termina su minutajecon “Fisterra”, epílogo deesta aventura y que resumea la perfección lo que ofreceSanta Rita: melodías poten-tes y cargadas de rabia,acompañadas de unas muybuenas letras y un grupo queya desde su primer trabajo,promete dar mucha guerra.

Lo único que se me ocurrepara cerrar esta review esdarle la razón a ellas mis-mas, quienes ya avisandesde su bandcamp queeste “High on the Seas” esun melocotonazo. Por cosascomo éstas y grupos comoellas, jamás hay que perderla fe en el rock.

REVIEW SANTA RITAHigh On The Seas (2013)



REVIEW | Por Jesús Rguez Gamero

TA C H E N K O


“El Amor Y Las Mayorías”, así reza el úl-timo disco que nos traen estos magnífi-cos maños que llevan ya varios discos ygiras a sus espaldas, cosechando éxitoscon melodías pop, muchas guitarras y le-tras sinceras llenas de poesía, siempre

defendiendo causas pérdidas.

La historia de la banda toma pie allápor el año 2002 con la unión de Ser-gio Vinadé, Andrés Perruca (a él,gran fan de la antigua URSS se leocurrió el nombre) ambos prove-nientes del Niño Gusano y SebasPuente. La consigna del grupo erasimple, una apuesta sincera por elpop con guitarras en una eternabúsqueda por la melodía perfecta, yque no muy lejos de encontrarla 10años después, y con algunos cam-bios en la formación inicial, siguendando que hablar pero para bien:“Tachenko somos todos y eso esasí”.

Quienes no hayan conocido el cuar-teto hasta la publicación tienen a lavista un disco que hará las deliciasde los más devotos al pop indepen-diente nacional. Tachenko demues-tra lo que verdaderamente significael pop, un auténtico estallido musi-cal, con estilo propio algo ortodoxoy con potentes guitarras. Este discoes sin duda un gran trabajo con unpuñado de buenas canciones, indis-pensable para los fans y de mere-cida escucha para profanos…

¡Tú y yo lo sabíamos! El LP cuentacon 12 temas, todas regladas conuna duración de entre 2 y 4 minutoscon tempo alegre, una base rítmicaimpecable, mucha naturalidad, conguitarras bien definidas y distorsio-

nes comedidas. Sobre las letras, delas que se encarga Sebas Puente,se habla en torno al amor y sobre “elsucio vandalismo de traje y reloj”;una lectura de actualidad con mirasde crítica social a los tiempos quecorren. El disco contiene un trío decanciones susceptibles de ser sin-gles como “Suerte y Relámpago”,“Estados libres de la Unión” o“Vendaval”… discrepando en mihonesta opinión con el single ele-gido “Dame una pista” pues me re-sulta comercial y algo banal con uninsípido toque electrónico.

“Campos de Marte”, supone unexcelente entrante para éste tra-bajo, “giros, virajes, golpes y cele-bración” muy bailonga que habla delos Campos de Marte allá en Parisy la revolución. El siguiente corte es“Suerte y Relámpago”la más popdel disco, con varios cambios y muybuenos arreglos de guitarra y ór-gano. “Dame una pista” single ele-gido para la promoción del disco yque recuerda mucho al anterior tra-bajo “Os Reís Porque Sois Jóve-nes”, algo electrónica y queconfrontará opiniones. “Leván-tate”canción con hammond, condos partes bien diferenciadas y unmagnífico final.

A continuación viene “Mi amor, lasmayorías” canción que da nombre

al disco, algo hipnótica y con letrade metalectura. En la próxima pistaaparece “Genzor Cabalga” can-ción instrumental que nos recuerdaa “El Equipaje” del segundo LP“Las Jugadas Imposibles” y que porcierto no aparece en Spotify… des-pués viene“Estados libres de laUnión”una de las canciones másfrescas y una de mis favoritas conestupendos coros: pop en estadopuro, para que fingir… el siguienteturno es para “Las cárceles” temacantado por Sebas Puente y sinduda la más melódica de todas.

Llegamos a la parte final con“Mundo Apache” esta cantada porVinadé, en la línea de la anteriorcanción con un ritmo muy marcado.Después “Error, Error” canciónmuy alegre y marchosa, muy pop ycon un guitarra muy pegadiza. Yapara acabar tenemos el plato fuertecon “Vendaval” título que le vienecomo anillo al dedo al tema. Y paracerrar “Ojo de Halcón” la másépica de todas con un magníficofinal y que supone el broche final deeste disco redondo: que hará inevi-table presionar al repeat.

EL AMOR Y LAS MAYORÍAS / 2013



ANTONY ANDTHE JOHNSONSPor Joaquín Ollero

DOSSIER

Recorremos la carrera musical de Antonyand the Johnsons, o mejor dicho, de unabanda liderada por Antony Hegarty, un serhumano nacido para dotar de texturas avalores abstractos tales como la sutileza,el dolor, el agradecimiento o la pasión.Sus composiciones cuentan con un granelenco de instrumentos, pero sin lugar adudas el más importante de todos ellos esla propia del voz del cantante, capaz deacercarnos tanto a la muerte como a lasalvación eterna. El chamber pop es ungénero muy delicado de tratar ya que suobjetivo es realmente complicado de al-canzar, centrándose en una casi utópicatrasmisión completa de sensaciones ide-ales a través de canciones que abarcancuestiones y preocupaciones existencia-les que cualquier persona sufre. Antonyand the Johnsons se ha entregado a estatitánica tarea desde 1998, publicando a lolargo de todo este tiempo 4 discos de es-tudio, 7 extended plays (aunque varioshan servido de complemento directo dedichos álbumes) y un par de directos querevisitaban las canciones más laureadasde toda la discografía además de incorpo-rar algún tema inédito.


“Antony and the John-sons” (1998)

El álbum debut se tituló de igual ma-nera que el nombre de la banda ydesde la primera canción (“Twi-light”) ya se demostró cual era elestilo que siempre se seguiría conel paso de los años, ya que enesencia ha cambiado muy poco.Nos referimos a canciones orques-tadas, muy ricas en instrumentosdulces como pianos y violines, de-jando el pedestal más alto del podiopara la voz de Hegarty (y por mu-chas veces que indique esto, no mecansaré de repetirlo).

“Cripple and the Starfish”, apartede tener como título una combina-ción muy… adecuada y exótica, esun emblema de la banda, una desus canciones más tocadas y prefe-ridas por el público (incluida en losdos directos). Con palabras escogi-

das meticulosamente nos encontra-mos ante una interpretación asom-brosa del dolor, donde se reconoceque siempre se deseó que el amorfuese dañino. La parte más exce-lente del tema la encontramos enesa sección que se sale de la es-tructura principal y que narra “I amvery happy, so please hurt me”. Estavisión tan sincera del dolor y vistacomo un medio para alcanzar la fe-licidad a través de estos sentimien-tos es algo que nos hace reflexionarsobre los métodos habituales hedo-nistas. Las alabanzas llovieron porparte de la crítica especializada.

El resto del álbum sorprendente-mente se aleja ligeramente de lasextraordinarias ideas presentadasen las dos primeras canciones, in-vestigando otras como una violen-cia bastante incipiente en “Hitler InMy Heart” y creciendo como unhermoso árbol con el resto del track-list, el cual esconde secretos delicio-sos, como la perspectiva de ladivinidad en “Divine”, con unoscambios de ritmo y una percusiónque crean una intensidad digna demencionar.

“I Am A Bird Now”(2005)

No, la banda no pasó 7 años cre-ando exclusivamente este disco,uno de los mejores de primera dé-cada de este tercer milenio, si noque entrenaron con varios EPs de

gran repercusión en la mitología delgrupo, como “I Feel In Love With ADead Boy EP” o “The Lake EP”, queserán descritos más adelante en susección correspondiente. Aún asídurante todo ese tiempo sí que per-feccionaron una notable técnica ex-hibida en el disco debut y obraronun álbum de 10 canciones práctica-mente perfecto desde el primer ins-tante hasta el último.

Es muy fácil decir que es extraordi-nario desde el comienzo, porqueprecisamente ese inicio está repre-sentado por la mejor canción de labanda y una de las mejores del2005, ya que “Hope There’s So-meone” es música de otra galaxia.Los primeros compases son segu-ramente los más determinantes quehe escuchado en mi vida entera porcada uno de sus elementos: esetono de voz angelical que se diviertecon tu alma, esas terroríficas pala-

Antes de comenzar con la disección de cada trabajo publicado por la banda no podemosdejar de remarcar el impacto que ha tenido la banda en el panorama musical, de notableenvergadura, centrándose sobre todo en la piedra angular de suma importancia que es“I Am A Bird Now”. En multitud de ocasiones, la crítica se ha deshecho en elogios conlas canciones más sonadas, ya que estas han conseguido alcanzar una dimensión se-guramente inexplorada hasta entonces de celestial delicadeza. Los adjetivos se hanfundido constantemente en torno a la figura de Antony Hegarty, un osado y atractivoespíritu que simboliza la exaltación de la sinceridad y la valentía.

DOSSIER | ANTONY AND THE JOHNSONS


bras de esperanza y los coros fan-tasmales que se materializan y me-rodean a tu alrededor. Es unaexperiencia vital e inigualable, lacual culmina con una segunda partede la canción que muestra un cán-tico desmesurado y espectral quees imposible que deje indiferente alser más inerte que se pueda imagi-nar. No hay palabras suficientespara intentar explicar qué ha su-puesto esta canción tanto al mundode la música como a cada una delas personas que la ha escuchado.

¡Y tan sólo he mencionado la pri-mera canción del disco! Pero es quetoda y cada una de las restantesrozan una elegante grandiosidad,incluso los dos atemorizantes/libe-radores interludios: “What Can IDo?”, con la acertadísima colabo-ración de Rufus Wainwright, esuna clase maestra de como conden-sar en tan sólo 1 minuto y 40 segun-dos unas notas musicalesexcelentemente ordenadas. La otracanción de corta duración, “Free AtLast”, es un discurso de agradeci-miento y de libertad, que se con-vierte en un ejercicio muy especialen cuanto al intento de transmitirese sentimiento tan especial comoes la gratitud.

“My Lady Story”, “You Are MySister” y todas las restantes sonobras cantadas siempre con finezay pulcritud. Las historias del álbumtranscurren con una pasmosa apa-cibilidad mientras cada tema brillacon luz propia.“Fistful of Love” esla creación de mayor longitud delvolumen y que roza de nuevo esecielo desde donde Antony Hegartynos observa. Tras la narración de unpequeño poético preámbulo, nosvamos metiendo en la melodía másarriesgada y resuelta de todas,donde se nos relata el mazazo su-frido al encontrarnos ante el siem-pre frío muro de la nocorrespondencia, llegando hasta su-

plicar, aunque sea, por un puñadode amor. Cuando escuchamos “andI feel the whip and I know it’s out oflove”, nosotros sentimos ese lati-gazo, y cuando se canta “and I feelyour burning holes, straight to myheart” nos hemos quedado comple-tamente sin palabras ante el des-consuelo que se siente cuandosentimos que la cadena que debeunir nuestro corazón con otro, estápartida por la mitad.

Con “Bird Gerhl” llegamos al finalde una aventura que nos ha hechoexperimentar pánico, tortura y espe-ranza. Los 35 minutos que dura esteálbum están grabados a fuego lentoen los corazones de aquellas perso-nas que han sido lo suficientementevalientes para estar dispuestos asufrir para alcanzar la felicidad.

“The Crying Light”(2009)

La portada nos muestra a KazuoOhno, bailarín japonés a quién estádedicado este álbum. Siguiendo laestela de ese cometa liberador quefue “I Am A Bird Now”, este tercerdisco de Antony and the Johnsons-trata sobre paisajes idílicos y el fu-turo. El primer single sería“AnotherWorld” ya que un año antes habíaaparecido en un EP que llevaba elmismo nombre y donde se nos ade-lantaba el sabor de esta luz. No esmás que otra tremenda barbaridadque sumar a la lista de la banda. Elsentimiento que se evapora de lasnotas de piano de la canción nosvuelve a resultar nostálgico, interésprimordial que se quiere transmitiren cada canción, y es que si nosmudásemos a otro planeta… ¿noecharíamos de menos acaso el mar,la nieve, el sonido y cada uno de losrinconcitos que hacen especial aesta nuestra casa?

Lo que no echamos de menos en

este álbum son unas composicionesinstrumentales exquisitas como“Epilepsy Is Dancing”, una piezade baroque pop que intenta buscarla armonía con el entorno. Tambiéndestacamos sobre el resto a “HerEyes Are Underneath theGround”, poesía en movimientocon una interpretación vocal porparte del cantante sensacional. Quéauténtico placer es sumergirse enlas diferentes capas de la voz deAntony Hegarty e imaginar límitesinfranqueables para estos sean re-basados continuamente con sumafacilidad. “Kiss My Name” es laque lleva el ritmo en la sangre y sepuede decir perfectamente que re-coge el testigo de “Fistful of Love”,convirtiéndose en un ensayo muyacertado y un salto arriesgado, ale-jándose de las confortables orillasde la apacibilidad de los pianos ensolitario.

La segunda mitad baja el nivel conrespecto a las canciones menciona-das, aunque sin lugar a dudas todasmerecen ser visitadas y vividas.“The Crying Light” también fue calu-rosamente acogido por la críticamundial y por las ventas, alzándosecomo un lanzamiento esencial en el2009, aunque no llegaría a las cotasde éxito de su antecesor, pero la for-mula seguía con una fortaleza difícilde agotar.

ANTONY AND THE JOHNSONS | DOSSIER


“Swanlights” (2010)

Fue asombroso que al año siguienteya se tuviera preparado un nuevodisco, aunque hay que tener encuenta que “The Crying Light” selanzó en enero de 2009 y “Swan-lights” en agosto de 2010, así que lopodemos dejar en cosa de año ymedio. En esta ocasión vemos queel cantante se rodea de un par decolaboradores para dar forma a trescanciones: Nico Muhly (aunquequedaría ligeramente en la sombra)y la fascinante Björk para crear unacanción titulada “Fletta” escrita enun indescifrable islandés pero “nohace falta entender nada” para sen-tirse acongojado por el dúo tan es-pléndido que se marca la pareja depiel blanca, y es que, para qué nosvamos a engañar, no podía ser deotra manera. Vaya dos y vaya tema.

Dejando colaboraciones aparte,este álbum carecería de gran partede su sentido si no contase con“Thank You For Your Love”. Peroafortunadamente esta canción apa-rece en la posición número 8 paradejarnos literalmente boquiabiertos.Nueve veces el cantante dice aque-llo de “thank you for your love”, yhasta 42 veces podemos escucharque se articula “thank you”. Una yotra vez hasta 42. Y cada una deellas veces se inventa una nuevaforma de decirlo, de adornarlo conun canto bello e inimitable. ¿Os haocurrido que en alguna ocasión ha-

béis sentido ese sentimiento de gra-tificación de forma inusitada y ha-béis deseado transmitirlo sin perderun ápice de su valor? El artista lo re-pite hasta la saciedad y parece queal final queda bastante claro lo quequiere contagiar, ¿no?

La sensación esparcida durante eldisco se puede resumir en una ba-talla que se libra entre la alegría y ladesesperanza, y aunque los pilaresfundamentales siguen estando pre-sentes (y tanto en algunos casos),también encontramos un tenue ho-rizonte difuso en unas cancionesque se extravían un poco en su ca-mino. De todas formas, general-mente el disco no deja de ser otramuestra característica de la exce-lencia de la banda.

EP’s, directos y colabo-raciones

Alrededor de 7 trabajos de corta du-ración ha publicado la banda, yaque hay algunas canciones sueltasque no encajan muy bien en ningúnsitio. Estos EP’s, por regla general,han servido de adelanto de los álbu-mes de estudio, y con esto nombroa “Hope There’s Someone EP”

(2005), “You’re My Sister EP”(2005), “Another World EP” (2008),“Thank You For Your Love EP”(2010) y“Swanlights EP”(2010). Haycanciones que no aparecen en losdiscos y sí en estos EP’s, como“Frankenstein”, “Forest ofLove”o “My Lord My Love” y sonde obligada escucha. Seguramentesean poco conocidas por el públicopero no por ello se merecen menosreconocimiento. Los dos extendedplay más frescos son, tal y como semencionó al principio del artículo, “IFell In Love With A Dead Boy EP”(2001) y “The Lake EP” (2004). Elprimero presenta una canción con elmismo título que es bastante espe-cial, y el segundo nos regala “TheLake”, una obra misteriosa y de unencanto desorbitado, aunque lamejor versión de esta canción la en-contramos en el directo de St.Olave. Edgar Allan Poe escribióeste poema y Antony and the John-sonsse sirve de un piano y un vio-loncello para colorearlo de músicatenebrosa y desoladora. Este temaquizás sea uno de los más desaper-cibidos de la banda y sin embargotiene magia como el que más. Con-cluimos esta sección nombrando a“The Horror Has Gone”, también


incluido en “The Lake EP”, una can-ción que hubiésemos deseado suaparición en los discos para que asímás gente pudiese disfrutar de ella.

Con respecto a los dos directos edi-tados, el primero de ellos en el 2003fue grabado en la Iglesia de St.Olave (Londres, Inglaterra), y es unajoya para los seguidores más alle-gados a la banda ya que las versio-nes de “The Lake” y “The Crippleand the Starfish” son incluso supe-riores a las “oficiales”. Si os gustanesas canciones, tenéis que conse-guir escuchar las que se grabaronpara este álbum. El siguiente y úl-timo directo se titula “Cut the World”,grabado en Copenhague en agostodel 2012 y aparte de dar un repasopor toda la discografía en forma de10 canciones revisitadas, exhibe“Cut the World”, un tema que ya secoló el año pasado en las listas demejores canciones del 2012 y quetiene un videoclip protagonizado porWillem Dafoe y Carice Van Houtenque es legendario (fue elegido 2ºmejor videoclip del año aquí en In-dieferencia Magazine). Hay quellamar la atención sobre “FutureFeminism”, un discurso de 7 minu-tos y medio donde escuchamos aAntony hablando sobre cosas tan in-teresantes como que Dios es unamujer, sobre Dalai Lama y la Luna.No tiene desperdicio, creedme.

Por otra parte, desde 2003 el artistaha colaborado año a año con artis-tas de la talla de Lou Reed, Coco-Rosie, Franco Batiato… aunquelas colaboraciones que ha realizadode mayor importancia serían ese hitque fue “Blind” de Hercules andLove Affair, y “Particle of Light”junto con Carice Van Houtenel añopasado (parece que Antony y Meli-sandre hicieron muy buenasmigas…). Y una última curiosidad:no os perdáis “Rise”, una canciónsobre corales de considerable her-mosura.

ConclusiónAntony and the Johnsonsimpregna de belleza sus canciones deforma serena y natural, consiguiendo transmitir una serie de valoresy sensaciones que no se pueden describir con meras palabras. Lasescalofriantes creaciones son despiadadas criaturas que no teme-rán en devorar nuestro interior pero siempre dejando un halo deesperanza en nuestro alma. Y tal y como dijo Lou Reeden unas de-claraciones: “When I first heard “Cripple and the Starfish”‚ I knew Iwas in the presence of an angel”. Es imposible que estemos másde acuerdo contigo, Lou, ya que nosotros también nos sentimos enel cieloacompañados de Antony.

1. Hope There’s Someone (I Am A Bird Now, 2005).2. The Lake (The Lake EP, 2004).3. Fistful of Love (I Am A Bird Now, 2005).4. Crippled and the Starfish (Antony and the Johnsons, 1998).5. Thank You For Your Love (Swanlights, 2010).6. Cut the World (Cut the World (Live), 2012).7. You Are My Sister (I Am A Bird Now, 2005).8. Another World (The Crying Light, 2009).9. Her Eyes Are Underneath the Ground (The Crying Light, 2009).10. Twilight (Antony and the Johnsons, 1998).11. My Lady Story (I Am A Bird Now, 2005).12. Fletta (Swanlights, 2010).13. Kiss My Name (The Crying Light, 2009).14. What Can I Do? (I Am A Bird Now, 2005).15. I Fell In Love With A Dead Boy (I Fell In Love With A..., 2001).16. Forest of Love (You Are My Sister EP, 2005).17. Epilepsy Is Dancing (The Crying Light, 2009).18. Free At Last (I Am A Bird Now, 2005).19. The Horror Has Gone (The Lake EP, 2004).20. Bird Gerhl (I Am A Bird Now, 2005).21. Frankenstein (Hope There’s Someone EP, 2005).22. For Today I Am A Boy (I Am A Bird Now, 2005).23. My Lord My Love (Thank Your For Your Love EP, 2010).24. Man Is the Baby (I Am A Bird Now, 2005).25. Spiralling (I Am A Bird Now, 2005).

Lista de mejores canciones de Antony and the Johnsons

ANTONY AND THE JOHNSONS | DOSSIER


1. Algunos de los miembros de Dead Sons vienende una banda anterior. ¿Qué os lleva a formar DeadSons?

Queríamos crear un sonido más grande y no tener laslimitaciones que podía presentar el ser un grupo de trespersonas tocando en directo.

2. Y ahora que habeis lanzado vuestro primer disco,¿cómo os sentís?

Estamos muy orgullosos del disco. Nos ha costado unbuen tiempo el hacerlo, pero a la vez nos empuja a que-rer seguir publicando más y más música.

3. ¿Podéis contarnos cómo fue el proceso de gra-bación de “The Hollers and The Hymns”?

El proceso de grabación nos llevó una semana junto aTim Hampton de Bromheads, un buen amigo. Esa se-mana ha sido una de las mejores de nuestra carrerahasta el momento.

4. ¿Podéis decirnos vuestras tres canciones favo-ritas de “The Hollers and The Hymns”?

Es una pregunta jodida. No podríamos quedarnos contres, a todas les tenemos el mismo cariño. Pero si nosapuntárais con una pistola a la cabeza, respondería-

El pasado 19 de abril tuvimos la ocasión de entrevistar a uno de los grupos de Sheffieldque más están dando que hablar en la actualidad. Ellos son Dead Sons, y nos aten-dieron a las preguntas que les realizamos sobre la grabación de su primer álbum deestudio, “The Hollers and The Hymns”, así como, el proceso creatívo del mismo, pla-nes para girar por europa y el futuro de la banda en referencia a nuevo material. Noshan dejado información muy interesante en exclusiva y la podéis leer a continuación.

ENTREVISTA | 19/04/13

D E A D S O N S

Por Jesús Daniel Marín & F.Javier Moreno


mos que las tres favoritas son “Ghost Train”, “TheLast Man Standing At The Nine Till Noon Inn” y“Hagnman”. Sobretodo porque nos encanta tocarlasen directo.

5. Algo que es evidente es el esfuerzo que dedicáisa vuestros vídeos. ¿Es importante ofrecer alo vi-sualmente interesante junto a vuestra música?

Bueno, Youtube es un arma promocional a nivel ma-sivo. Grabamos las canciones y a la vez, hacemos elvídeo. Es una forma perfecta de expresarte tú mismo yenseñar a la gente con lo que estamos trabajando.

6. ¿Cuáles son vuestras principales influencias mu-sicales?

Queens of the Stone Age, Tom Waits, Captain Bee-fheart, Thin Lizzy… y la lista podría seguir.

7. Cuando estáis de gira, ¿qué disco no sale de lafurgoneta?

Normalmente, escuchamos la discografía entera deQueens of the Stone Age. Si el viaje alcanza el puntode relajación adecuado, cambiamos a Leonard Cohen,Rodriguez, Nancy Sinatra, Lee Hazelwood, IsobelCampbell y Mark Lanegan…

8. ¿Os inspiró alguna película durante la grabacióndel disco?

Sí. Nos dejamos llevar por la inspiración que nos dieron“Roadhouse y Tombstone”.

9. Si pudiérais resucitar a una estrella del rock,¿quién sería?

Sin duda alguna, sería Phil Lynott de Thin Lizzy.

10. ¿Podéis elegir un personaje literario con el queos gustaria compartir una noche de fiesta?

Sería el Doctor Gonzo de “Miedo y Asco en LasVegas”.

11. ¿Qué debemos esperar de un concierto de DeadSons?

Algo vibrante, emocionante, que te dejará la ropa inte-rior mojada, las orejas sangrando y totalmente cargadode energía sexual.

12. ¿Qué planes tenéis para este verano? ¿Algúnfestival?

Estamos escribiendo el segundo disco. Entre medias,tenemos algún conciertos y esperamos salir por Europade gira.

13. ¿Podremos ver y disfrutar de Dead Sons en Es-paña este año?

Estamos trabajando para conseguir varias fechas porEuropa. Si sabéis de algún sitio donde podamos tocar,decídnoslo y nos encantaría ir a tocar para vosotros ydisfrutarlo juntos.

14. No hace mucho comentásteis que estábais gra-bando en el estudio. ¿Era para un nuevo single noincluído en el disco?

Si, exacto. Estamos trabajando constantemente ennuevo material. Tenemos un montón bajo la manga ynos encanta avanzar y ser mejores a cada canción.

15. Gracias por vuestras respuestas. Ahora podéisdecir lo que queráis a nuestros lectores.

Muchas gracias por el apoyo contínuo, porque real-mente significa mucho para nosotros. Es un cumplidosaber que tenemos fans más allá de las fronteras delReino Unido y nos hace trabajar más duro para salir yveros a todos. Con mucho amor, Dead Sons.

DEAD SONS | ENTREVISTA



El pitido de oídos que medejaron anoche Triángulode Amor Bizarro me lomerezco. Me lo merezcopor no haber ido antes aun concierto de los galle-gos, por haberlos sacrifi-cado ya en variosfestivales a saber porquién. El caso es que unservidor ya había leído encientos de sitios acerca deldirecto de estos chicos, yanoche constaté que, efec-tivamente, gozan de lamejor actitud sobre un es-cenario que se pueda veren este país.

Lo de anoche pretendía ser la pre-sentación de su nuevo disco “Victo-ria Mística”, el cual entre unos cosasmás bizarras que otras (algo de unterremoto en China), no ha visto to-davía la luz. Sí un par de singles delos que hablaremos más adelante.La sala donde tuvo lugar la explo-sión de decibelios era But, en estecaso bajo el nombre de la famosafiesta alternativa de la ciudad, el yamítico Ocho y Medio Club. Tam-bién era la primera vez que iba alOcho a un concierto y la calidad desonido me pareció espectacular. No

debe ser fácil llevar al directo esadescarga de noise. Si bien al princi-pio la voz de Rodrigo no terminabade escucharse del todo bien, ense-guida se solventó y el sonido en elresto del concierto fue irreprocha-ble. A lo largo de la hora que duró elconcierto, los gallegos repasaronlos temas más importantes de susdos discos previos, “Triángulo deAmor Bizarro” y “Año Santo”. Sin-gles de la talla de “El fantasma dela transición”, “El Himno de laBala”o “Amigos del Género Hu-mano” sirvieron para prender lamecha en el público y originar esepogo de las primeras filas que nodio tregua en todo el concierto.Triánguloson violentos en el esce-nario, con una actitud envidiable porparte de cada uno de los compo-nentes. Mientras Isajuguetea con subajo en el centro del escenario, Ro-drigo arrea las cuerdas de su guita-rra con descaro,Rafael se vuelvehiperactivo a la batería y RubénMuñoz destroza los teclados y sin-tes con elegancia. Todo ello con unacompenetración que parece frater-nal.

El primer tema que cayó del nuevodisco, de nombre desconocido, nosdejó muy buen sabor de boca. ConIsa pisando los frenos en un co-mienzo notablemente pausado paralo que nos tiene acostumbrados elgrupo, la canción mutaba luego enuna vorágine de ruido made inTriángulo. Otra de las nuevas con-

taba con unos sintetizadores hechi-zantes que se repetían a lo largo dela canción y que dejaban muybuena impresión. “Robo TuTiempo” era sin duda una de lasmás esperadas, con esas guitarras(sierras) eléctricas destrozando losoídos de los asistentes, esperandola “guillotina” final. Por otro lado“Estrellas Místicas”, otro de lossingles del grupo que pasará a lahistoria y que sonó espectacular,constató la voz de Isa como impres-cindible en el grupo. También nostocaron “Ellas se burlaron de mimagia”, canción que, según noscontaron, compusieron poco antesde dar su anterior concierto en elOcho y Medio y el cual dedicaron ala sala.

Poco más se presentó del disconuevo así que el resto del conciertosiguió con las canciones que han al-zado a Triángulo de Amor Bizarro-dentro de la escena alternativa deeste país. No pudo faltar la locura“De la monarquía a la criptocra-cia”, el himno que ya es“Estrellaazul de España”, o los gritos de“Isa Vs. El Partido Humanista”.Breve pero intensísimo el abrasivoconcierto de Triángulo de Amor Bi-zarro, y muy buenas impresiones delos nuevos temas que se esperancomo agua de mayo. Chicos seguidincendiando las salas así que nos-otros sonreiremos, hostia.

Ocho Y Medio Club, Madrid (27/04/13) | Por Jaime Mateo Herrero

CRÓNICA

TRIÁNGULO DEAMOR BIZARRO



Mucho más difícil se hacepensar sólo en Mr. E con eldirecto de Eels, pues elpeso del resto de la bandase convierte en determi-nante, no sólo porque élmismo se encargara de re-marcarlo con cada una delas tres despedidas (hubodos bises), sino por el au-mento de potencia conrespecto al disco que su-ponen las dos guitarras deP Boo y The Chet, el ex-traordinario bajo de Ho-nest Al y la batería deKnuckles. Alguno de elloscumple ya 10 años conEverett y allí lo celebraron.

Ya se presagiaba una noche bar-buda cuando, de camino a La Ri-viera, me encuentro con IgnatiusFarray en el metro. Pero lo que nome esperaba es que los cinco mú-sicos luciesen, además del uniformeoficial de la gira (todos con chándaladidas negro), barba y gafas de sol,como unos Men In Black de coña.Gira europea que, por cierto, acabóanoche tras 10 semanas y con laque han presentado su reciente“Wonderful, Glorious”, décimo discobajo el nombre de Eels.

Tanto potencial sonoro, como era deesperar, servía para representar lascanciones más blueseras de su másactual repertorio, dejándose el su-puesto “grandes éxitos” para losfestivales. Así comenzó, con toda laartillería pesada: “Bombs Away”,“Kinda Fuzzy” y “Open My Pre-sent” del tirón, sin respiro. Soberbiaforma de dejar las cosas clarasdesde el principio, ya que el sonidode una abarrotada Riviera(nunca visemejante llenazo) hizo merecidajusticia… o más bien al revés. Lasegunda sorpresa de la noche fue loque vino a continuación: una impre-sionante versión a todo trapo de“Oh Well” de Fleetwood Mac, ín-tegramente rocanrolera y de lamisma duración, un gustazo. Perono sería la única. De sus álbumesanteriores rescató, cómo no, lasmás rockeras, que intercaló con lossingles del nuevo aún por sonar(“New Alphabet”, “Peach Blos-som” y “Stick Together”). Por esoparecía lógico acordarse más de“Hombre Lobo” (2009) con “Tre-mendous Dynamite” y “Prizefigh-ter” y de “Souljacker” (2001) conuna preciosa versión guitarrera de“Fresh Feeling” (quién lo diría) y“Souljacker, Pt.1” casi al final, queconvirtió la sala en el apoteosis.

También hubo algún momento derespiro, pues la otra vertiente de labanda vino representada, de formacasi anecdótica, por temas como“The Turnaround” (aunque tam-

bién enfurece), “I’m Your BraveLittle Soldier” ya en el primer bis yla otra sorpresa de la jornada:“Itchycoo Park” de The SmallFaces que hizo las delicias de unpúblico, mayormente, madurito. In-olvidable momento. Como lo fuetambién el cierre antes de los bises:la homónima “Wonderful, Glo-rious”, que ya olía a cierre de con-ciertos, venía a confirmar cuál es lamejor canción del álbum. El otrograndioso momento de la (dolorosa)despedida fue esa fusión que hicie-ron de “My Beloved Monster” con“Mr. E’s Beautiful Blues” a modode mashup, como él mismo dijo ycon la que nos vaciló a todos reco-nociendo su cansancio (eh,vamos… es una sola, pero como sifuesen dos).

Como fan de Mark Oliver Everettsabía que no me iban a defraudar,pero lo que no me esperaba era esetorrente sonoro, el sentido delhumor que desprende el ya entraña-ble líder y mucho menos, un reper-torio tan exclusivamente rockero. Elfactor sorpresa. Y sin “NovocaineFor The Soul”, con un par. Maravi-lloso, Glorioso.

La Riviera, Madrid (28/04/13) | Por Quique Gómez

CRÓNICA

E E L S


Os voy a contar una historia: Érase una vez untipo cualquiera cuya pasión en la vida era hacermúsica, pero que no creía en las imposicionesde las discográficas ni en sus atracos a mano ar-mada al artista y a su trabajo. Así, un día Benjidecidió comenzar a grabar sus propios discos ya hacerlos llegar a la gente de su entorno, no sindescubrir, claro está, los altos costes que estosuponía para un tipo cualquiera. Esto hizo aBenji pensar "mierda, voy a necesitar que al-guien invierta en mi" y era cierto, necesitaba in-versores para poder continuar con su trabajo yque así sus fans pudieran seguir disfrutando deaquello que él hacía mejor. Pero Benji no esco-gió el camino tradicional, tomó un desvío…

Pidió a todas aquellas personas que disfrutabancon su trabajo que contribuyesen a hacerlo po-sible, aunque fuese con la más ínfima cantidadde dinero, pidió a sus seguidores que se com-prometieran con su música, sin implicar a los se-ñores de la música ni a sus altas comisiones yescasos beneficios. Así, consiguió en pocos díaslos fondos necesarios para hacer su proyecto re-alidad. Su disco salió al mercado gracias a la in-versión de sus propios fans, aquellas personaspara las que él creaba, aquellas que en él cre-ían.

También os voy a contar, que se trata de una his-toria real. A mí me pareció un cuento de hadasla primera vez que oí hablar de ello, pensé queno podía ser todo tan bonito, así que me calcélas gafas de nerd, arranqué google y me dispusea indagar sobre el tema. El resultado fue bas-tante satisfactorio, pues los propios miembrosdel equipo de Pledgemusic se mostraron másque amables a la hora de aclararme de qué ibala vaina. El tal Benji, su CEO y fundador, metransmitió su entusiasmo en el proyecto.

Benji Rogers es un músico independiente londi-nense cuya iniciativa le ha dado la vuelta a la tor-tilla de la industria discográfica, la cual atraviesael peor momento de su historia y probablemente

OPINIÓN | Por Chabel Santacreu

Pledgemusic o cómo revolucionar el mundo de la industria discográfica


esté entrando en lo que puede serel principio de su propio fin tal ycomo la conocemos. Allá por 2009Rogers creó Pledgemusic, un sis-tema de crowdfunding mediante elcual, artistas y seguidores están encontacto directo, sin intermediarios,sin formalidades, sin imposiciones,sin nada más que música y genteque quiere escucharla

La cosa es tan sencilla como bri-llante: El artista crea un proyecto dedisco o gira y lo publica en su perfilde la plataforma Pledgemusic conun objetivo económico concreto quenecesita para hacerlo real. Éste pro-yecto es accesible a cualquier per-sona, de manera que todo aquelque quiera contribuir a que el pró-ximo trabajo del artista suceda,puede invertir algo de dinero y reci-bir a cambio el trabajo en cuestión.En otras palabras, viene a ser lomimos que cuándo haces uno deesos pre-orders de un disco de ungrupo al que sigues, lo compras poradelantado y cuándo llega la fechade publicación, te lo hacen llegar acasa. Pledgemusic funciona de lamisma manera, con la diferencia deque tú, como fan, decides cuántoquieres invertir en el trabajo del ar-tista al que sigues (con unos míni-mos impuestos, claro) yprácticamente la totalidad de ese di-nero va destinada al artista, ya quelos tipos de Pledgemusic sólo co-bran una tarifa plana del 15% delobjetivo que el artista haya fijado enun primer momento, una vez conse-guido éste objetivo el 100% de losbeneficios van a parar al bolsillo deartista, el cual decide si quedárselosíntegramente o donar una pequeñaparte de ellos a beneficencia. ¡Ah! Ylos derechos de autor, son y seránpropiedad del autor, como su propionombre ha indicado siempre, perono ha significado nunca. De éstamanera, el artista está en total con-trol de su trabajo en todo momento,

es quien hace, deshace y decide.Trabaja para su público, no para sujefe.

Suena bien, ¿eh? Pues no acabaahí la cosa, no todo son sólo mejo-ras para el artista, fanos y fanastambién tienen al alcance de sudedo toneladas de material exclu-sivo que pueden conseguir con unsólo clic y un par de euros; paracada proyecto, el autor ofrece gene-ralmente material exclusivo para lagente que invierte en él, vídeos,acústicos, merchandising quenunca saldrá a la venta, remixes,entradas para conciertos con des-cuento, material firmado, dedicato-rias personalizadas… ¡y hastaconciertos privados en el salón detu casa! cuanto más dinero estésdispuesto a invertir, más cosas reci-birás a cambio. Se acabó el pagarX euros por un disco y punto, ahoratus euros van a dar mucho más desí, uno de los objetivos de la plata-forma es convertir el acto de com-prar un disco en algo másinteresante y divertido para el pú-blico. Al fin y al cabo, en los tiemposque corren nadie está dispuesto apagar por nada ni un céntimo másde lo que cuesta en realidad. Y losseñores de Pledgemusic.com, losaben bien.

En suma, Pledgemusic ha abierto laventana de la industria de la músicay ha arrojado una bocanada de airefresco a la ya rancia y anticuadamanera de vender melodías a laque estábamos acostumbrados y dela que muchos empezábamos aestar un poco hartos. "Creemos fir-memente que una campaña enfo-cada directamente al seguidorentrará a formar parte de cada lan-zamiento de disco en el futuro, tantosi se trata de un artista de una granfirma o de una banda sin discográ-fica. Incluyendo a los seguidores enel proceso de grabación y siendo

capaces de ofrecerles más expe-riencias e incentivos adicionales, asíes como debe ser el futuro", en pa-labras del propio Julian Huntly (res-ponsable de catálogo enPledgemusic España).

Pero una pregunta evidente se plan-tea ante tanto cambio maravilloso ytanta idea impresionante, ¿qué opi-nan las grandes compañías disco-gráficas de la aparición dePledgemusic? ¿Dónde las dejaesto? Pues bien, la respuesta esbien fácil: muchas de las grandesfirmas asumen que la industria de lamúsica es algo en constante evolu-ción y son capaces de ver el valorreal de una plataforma como ésta,que está en contacto constante conel seguidor, quién al fin y al cabo, esquien tiene el poder, y es por ello yase han subido al carro e intentan tra-bajar en conjunto con ellos. Muchosde los artistas que han utilizadoPledgemusic como plataforma delanzamiento de su primer trabajo,han firmado contratos con compa-ñías discográficas como Sony, Uni-versal o Warner al finalizar lacampaña, de manera que Pledge-music, también hace de trampolín ala fama de nuevas bandas o artistassin recursos para sacar la cabecitaen un mundillo tan complicado.

Total, que en ésta época de cam-bios a mucho peor en la que nos en-contramos, descubrimientos comoéste, provocan una sonrisa espe-ranzadora en la gente que, comoyo, se niega a creer que la industriade la música tiene un fin anunciado.

¡Por fin alguien toca música para losoídos de los artistas!, ¡Por fin el "acada uno lo que es suyo"!, Por finuna manera de hacer música queimplica una pequeña revolución enla industria… Por fin.

OPINIÓN


Si os dan tres conceptos como son psicodelia, baile ypost rock, pensaréis que alguien se ha fumado algomuy gordo y muy poco legal. Pero os estáis equivo-cando, porque esa combinación mágica es lo que hacede Muñeco un grupo altamente adictivo. Con un ep ho-mónimo bajo el brazo, llegan desde Barcelona con altasdosis de calidad y buen gusto que nos llevan al éxtasisen tan sólo seis canciones.

Demuestran su gusto por las guitarras ruidosas entemas como “GSVX” y su aluvión de riffs para cerrarsus cinco minutos de duración. “Muerte Cuántica” esun tema imprescindible para entender la mezcolanzaque se hace patente en el sonido de Muñeco. De nuevo

unas guitarras abrasadoras, disparando continuos pun-teos, pero con la presencia de unos sintetizadores yefectos de fondo que acercan su sonido a ese post rockdel que os hablábamos con anterioridad.

Su lado más psicodélico sale a la luz en “Mosquito”,entre reverbs y delays, creando una maraña de sonidosno aptos para disfrutarlos bajo los efectos de algunassustancias, a riesgo de emprender un viaje más allá dela mente. El primer trabajo de estos barceloneses secierra con “El Experimento”, pildorazo de post rockclásico con grabaciones vocales intercaladas que ponela guinda a este pastel sónico.

MuñecoM u ñ e c o E P

i n d i e q u e t a s

Escuchalo en: Somosmuneco.comMuneco.bandcamp.com



En Indiequetas no solemos hablar de segundos traba-jos, salvo que la ocasión así lo requiera. Y como siem-pre hay una excepción que confirma la regla, AlBerkowitz nos han hecho romperla. En este “A LongHereafter. Nothing Beyond”, el disco se divide en dospartes de seis canciones cada una. La primera corres-ponde a la primera parte del título, “A Long Hereafter”.De tono pausado y calmado, casi atmosférico, la em-briagadora voz del grupo nos lleva caminando entre pá-ramos desolados y melancólicos. El momento álgido deesta primera parte del disco llega con la pinkfloydiana“Farewell, My Lady!”, que es una genialidad.

Para “Nothing Beyond” las melodías se suavizan, lle-gando hasta tonos más alegres, como abrazando el op-

timismo y asumiendo que no hay nada más allá. El bajode inspiración funk de “Father, I Think I Was Wrong” essimplemente maravilloso y acompaña a un trabajo deguitarras espectacular. Nada molesta en sus composi-ciones y todo encaja a la perfección, creando temas delarga duración donde pueden dar rienda suelta a un ho-menaje a Syd Barret y su forma de entender la músicacomo sucede con “Apprenticeship And Attitude”.

Nos gustan los grupos que arriesgan en sus propues-tas, creando discos cargados de matices y de capas,para buscar ese sonido que hace que nos interesemospor ellos. Al Berkowitz lo tienen y es por ello que lesdamos la enhorabuena por haber sacado este enormedisco.

Cuando Ayswal se pusieron en contacto con nosotrospara hacernos llegar su música, lo primero que penséfue que había algo que no me cuadraba. Cantan en in-glés y dicen ser andaluces, pero yo creo que han na-cido en algún lugar de habla inglesa, porque hacíatiempo que no escuchaba cantar a un grupo nacionalcon tan buen inglés y así se lo hice saber a ellos mis-mos. Se autodefinen con esta frase: “Sonido compacto,electrónica, guitarras distorsionadas, arreglos de cuer-das, melodías épicas, letras en inglés y una voz conmucha personalidad”. Pues efectivamente, todo eso escierto.

A medio camino entre el sonido Pearl Jam y el descarode bandas como Panic! At the Disco, su primer disco

contiene temazos como “Condecorated Kids”, con unestribillo que se mete en tus oídos y no sale ni con aguacaliente o “Kill Them (Save Them)” donde demues-tran su fuerza y energía como banda. Mención especialmerece “Lady”, que con menos de un minuto de dura-ción, explota el sonido acústico y se convierte en un pe-queño tesoro y un remanso de paz entre la descargade decibelios que nos regalan estos gaditanos.

Llevan cuatro años juntos y se nota en lo compacto desu sonido y la seriedad de su propuesta. Probable-mente, Ayswal tengan el honor de ser una de las indie-quetas más completas que han pasado por nuestraspáginas. Habrá que seguirles la pista, porque desdeluego, merecen llegar lejos.

Ayswal P o l y p h o n i c E m p a t h y

Al BerkowitzA l o n g h e r e a f t e r .N o t h i n g B e y o n d

Escuchalo en: Ayswal.bandcamp.com

Escuchalo en: Alberkowitzband.bandcamp.com

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I N D I E Q U E TA S¿Tienes una banda?

Entonces estás en la sección adecuada. En este espacio tratamos de ayudar aesos grupos musicales que están comenzando y quieren darse a conocer, quie-ren que la música que han creado con tanta pasión sea escuchada por la mayorcantidad de personas posible.

¿Cuáles serán promocionadas?¿Qué sacan de beneficio lasbandas?

Una vez que escuchemos la maqueta en la redacción los discos autoproduci-dos/maquetas/EPs que recibamos en nuestro correo, elegiremos las que másnos gusten y serán promocionadas mediante una pequeña review que será pu-blicada en la web, como también en nuestra cuenta de twitter y Facebook de larevista. En esta review hablaremos sobre la banda y la maqueta. Además las5 mejores maquetas de cada mes saldrán en la revista del PDF mensual en susección correspondiente.

El estilo musical nos es indiferente, aunque debería encajar dentro de los quesolemos hablar en la revista: indie, rock, rock alternativo, post-rock, shoegaze,indietronica, dreampop, psicodélica,..etc.

¿Qué es necesario?

Tener un disco autoproducido/EP/Maqueta. Mínimo 2 canciones.Tener vuestro trabajo colgado en Soundcloud o Bandcamp.No tener sello discográfico.

¡Envíanos vuestro trabajo!

Las demos/maquetas/EPs nos las tenéis que enviar a esta dirección de correo:

[email protected]


I C O T O PABRIL 2013Por Quique Gómez

Ico Top | INTERNACIONAL

Admitidlo: a poco que os gusteun poco el sonido de guitarra ostiene que gustar Kurt Vile. Elmelenudo artista de Filadelfiacanta bien, compone mejor,pero, sobre todo, toca de putamaravilla. Ponerse un disco deeste animal es un gustazo por-que es imposible parar de escu-charlo. Su quinto disco ensolitario, este “Wakin On APretty Daze”, mejora no sólo asu predecesor, el también ma-gistral “Smoke Ring For MyHalo” (2011), sino a los dos ál-bumes que firma junto a AdamGranduciel bajo el nombre deThe War On Drugs. Sin ánimode que lo deje con su amiguete,al bueno de Vile le sobra todoCristo (cuenta con The Viola-tors, banda para el directo conquien lo veremos en el Prima-vera Sound) para liderar, deforma insultante, la escena alter-nativa del rock de autor.

Se cumplen dos años desde suanterior trabajo, mes, marzo, enel que esta misma publicacióndebutó y en el que, por su-puesto, aparecía ese inolvidableálbum. También le dedicamosunas palabras, meses después,en su último trabajo con la men-

cionada banda. Pero es ahora,por fin, cuando podemos reco-nocer que Kurt Vile acaba de fir-mar uno de los discos del año.Si miras en la dirección del so-nido americana, te puedes partirla cara con artistas como KurtWagner (Lambchop) o Bill Ca-llahan, con Bonnie `Prince´Billy o Micah P. Hinson, conIron & Wine o Silver Jews.Pero no, estamos hablando derock, de cantautores rock, esosque se han ido extinguiendo conel paso de los años y dondenuestro hombre destaca, ymucho, sobre otros importantesnombres actuales como CassMcCombs o James Blacks-haw. Por eso convendría empe-zar a hablar de gente como NeilYoung, Cat Stevens o TimBuckley.

El disco empieza con una homó-nima canción de casi diez minu-tos aunque parezcan tres. Peroes que así ocurre con todo elálbum, pues sus, ojo, 70 minu-tos no lo parecen, pues se hacede lo más ameno. Piloto auto-mático y a disfrutar. El estadocomatoso de piel de gallina noacaba hasta que esa otra joyacon la que cierra, también dediez minutos, pone fin a tanemocionante trayecto. Pero vol-vamos al principio, porque “KVCrimes” es un himno rock,“Was All Talk” te pone a flotarcon esa puta guitarra y “Girl Ca-lled Alex” es, sencillamente,una de las canciones del año.Recuerda el principio, y mucho

aunque sin subidón final, a esaotra joya indie-rock de Ola Po-drida llamada “Cindy”, detalleque no podía augurar nadamalo. “Never Run Away” se di-fiere (algo) del resto por querersonar estándar, pero qué va, nopuede, se le ve el plumero yvuelve a destacar su particularforma de mezclar guitarra y voz.“Pure Pain” debería ser single,y “Too Hard” es otra preciosabalada de guitarra con arpegiosy deslices de mástil que tantome pone. No se va ese estadocatatónico ni con lo que podríaser un sencillo de corte más popcomo el de “Shame Chamber”porque siempre mantiene a floteel estilo que desprende aunsiendo la canción menos impor-tante del lote. De eso hablamos,de la genialidad de un tío que,su más prescindible canción deldisco la querría firmar cualquierotro artista de su generación y/oestilo.

“Snowflakes Are Dancing” nosvuelve a poner levitando conesos mantras mitad acústico,mitad eléctricos y “Air Bud”empieza pareciendo un experi-mento dentro de su discurso ex-clusivamente guitarrístico, perose vuelve a transformar en ge-nialidad. No me salen palabraso críticas malas a ni una sola delas canciones, porque, simple-mente, no las hay. No es normalque tras los más de diez minutosflotando con los que cierra en“Goldtone” uno quiera más, ymás, y más…

KURT VILEWakin On A Pretty Daze


Hace unos meses apostábamos que, a primeros de 2013, volveríamos a ver a Thee OhSees en otro Ico Top… Efectivamente y sí, aquí los tenemos. Y es que es normal, porqueestos californianos garajeros se han convertido en nuestro ojito derecho. No hay nadie comoellos, capaces de firmar, uno tras otro, discazos de nueve en nueve meses. Los años seles hacen largos. Y si decíamos que “Putrifiers II” (2012) merecía la pena, va este “FloatingCoffin” y lo supera. En todo. No sé qué mierdas desayuna esta gente, pero son capaces degenerar ideas a un ritmo impensable para el resto de su generación. Llegará un momentoen que dejen de sonar originales, o que la forma en la que tienen de escupir talento seacabe, pero de momento no hacemos otra cosa que fliparlo con tanta calidad y a tanta ve-locidad. Décimo disco desde que debutaron bajo esta formación en 2008. Sí, décimo discoen su sexto año de vida. Que tomen ejemplo.

Thee Oh Sees / Floating Coffin

Las coincidencias entre The Besnard Lakes y Low no terminan en el estilo musical, puesel núcleo duro de ambas bandas lo compone un matrimonio. En este caso el que formanJace Lasek y Olga Goreas, dos canadienses que, junto a Kevin Laing y Richard White,firman su tercer álbum de estudio tras el emotivo y espectacular “Are The Roaring Night”(2010). Sin la inspiración de aquel, poco les hace falta para emocionarnos de nuevo, yaque las ahora alargadas ocho canciones flotan aún más en el aire. A diferencia de los deDuluth, ellos prescinden de la delicadeza de un productor como Jeff Tweedy sensibilizandoal personal con pianos, y se siguen basando en sus personales capas de atmosféricas gui-tarras (no sin teclados, evidentemente) y en la insistente búsqueda por “lo bonito”. Lo con-siguen, no en sus casi 50 minutos, pero sí en gran parte del recorrido. Un viaje que esimposible hacer con escalas.

The Besnard Lakes / Until In Excess, Imperceptible UFO

Cuarto disco ya del skater Nathan Williams que, bajo el nombre de Wavves (esta vez sinmovimiento de uves), se afianza en el género. Digo esto porque poco tiene que ver ya elsonido de sus dos últimos álbumes con ese bizarro y homónimo debut, mucho más oscuroy punk, allá por 2008. Lo que vino a continuación, “Wavvves” (2009), fue otro paso en firmeen su personalísima forma de hacer lo-fi, incomprendida y mal producida. Hizo las deliciasde un sector que estaba de moda, pero fue con “King Of The Beach” (2010), su mejor tra-bajo, cuando consiguió un relativo reconocimiento aun alejándose un poco de la baja fide-lidad y acercándose más al surf. Ahora repite con “Afraid Of Heights”, donde hay riffspotentes desde el principio (“Sail To The Sun” para abrir), estribillos adictivos y coreablesy más indie en general. Como si, por cercanía (San Diego), tendiese a coger el relevo debandas más surferas como los primeros Weezer.

Wavves / Afraid Of Heights

El subgénero shoegaze siempre es muy tentador, por lo menos para mis oídos, y más esteaño que quedará marcado como el del retorno de los verdaderos padrinos. Pero tambiénes un hándicap, pues cuando no hay canciones, ni el regustillo a guitarras flotantes o capasde distorsión lo arreglan, ni siquiera los nuevos intentos de acercarse más al pop que seles nota en este sensacional “Wait To Pleasure”. Podría haber salido fatal, pero la historiade estas dos mujeres no hace más que crecer desde ese estupendo y algo inocente debuten 2010 con “Ghost Blonde”. Jasmine White-Glutz, que compartía material desde Los Án-geles con Laura Lloyd, decidió mudarse a Montreal, donde vivía esta última, para ponersobre la mesa esas grandes ideas. Dejan de ser sorpresa, pues, para convertirse en reali-dad, tanto por la cabezonería de mantener un estilo propio como por salir airosas al intentarexpandir el sonido más allá del encasillado género. Unas grandes.

No Joy / Wait To Pleasure


Hablar del segundo trabajo de OsoLeone no es nada sencillo porqueson algo así como inclasificables.No se les puede comparar connadie. “Mokragora” tiene tanto deslowcore como de delicado rocketéreo y de electrónica minimalista.Para más sofisticación, han llamadoa sus nueve canciones con nom-

bres de plantas, todas ellas de ca-rácter mediterráneo como su proce-dencia (Mallorca). Cantan en ingléspero poco importa el idioma, pues lofundamental aquí son las sensacio-nes transmitidas, que son muchas ymuy fuertes. ¡Emocionantes!.

Tanto importa el sonido como los si-lencios. En ese plano se podrían pa-recer a The xx o James Blake,pero sería injusto quedarse ahí,pues el carácter folk de algunostemas bien podría acercarlos a BonIver o Fleet Foxes. Hay cancionesque recuerdan a esos tramos sua-ves de Foals (se me ocurre la introde “Spanish Sahara”), incluso enla voz, como en “Ficus”. Hay par-tes jazzísticas que bien podríanpasar por canciones de Tortoise o

Broken Social Scene (“Clivia” y“Monstera”). En la acojonante“Salvia” se podrían parecer a Ste-reolab, y en la estilosa “Cactus”,con guitarra española incluida, tedejan levitando. Dos cumbres quedestacan poco debido a la calidadglobal del disco. Tanto sirven parabanda sonora de película de corteintenso como para domingo frío deinvierno, Oso Leone algún día serángrandes, si no lo consiguen ya coneste sensacional y sorprendente“Mokragora”.

El álbum, además, se complementacon un libro (“Belle- Île”) de los fo-tógrafos Gabriel Haberland y Mer-cedes Mangrané con el que teregalan una copia digital del disco.

Oso Leone / Mokragora

Qué buen rollo da Kiko Veneno. La ligereza con la que, aparentemente, suenan sus can-ciones se queda en la primera escucha, pues una vez prestada la merecida atención, en-contramos mucho más allá: mensajes políticos y naturalistas, sencillos y, en general, condoble lectura sutil y fina. “Sensación Térmica” continúa con el flamenco-pop que destacóen el genial y revitalizante “Dice La Gente” (2010), aunque con alguna pega esta vez(“Babú” entra con calzador). El responsable de los atemporales “Échate Un Cantecito”(1992) y “Veneno” (1977, mejor disco nacional del siglo XX según Rockdelux) cuenta estavez con la producción de Raül Fernández (Refree) y se nota en canciones con las que,probablemente, haya aprendido más este último del maestro de Figueras. “No Cal Partir”,por ejemplo, cuenta con la característica superposición de capas que les da Raüla sus dis-cos, pero queda la sensación de que igual no hacía falta, pues a Kiko le bastaba con suguitarra. A sus 61 años está sembrado.

Kiko Veneno / Sensación Térmica

Quinto álbum ya del trío catalán y nueva vuelta de tuerca al particular universo intimista dela banda. Si con Oso Leone hablábamos de minimalismo y música etérea, con Balago te-nemos que irnos aún más lejos, pues la sutileza e introspección es todavía mayor con estostres locos, responsables de importantes discos de nuestro panorama indie como“Erm”(2001) con el que debutaron, "D'Aquii" (2008) con el que se consagraron y “ExtractesD’Un Diari” (2010) con el que se les fue la olla por completo (¿obra cumbre?). “Darder”vuelve al terreno de los paisajes sonoros más desolados sin tantísima experimentación perocon más poso electrónico (nadie debería perderse canciones como “Foc De Camp” o “L’E-tern Retorn”). Todo más equilibrado y con más sentido. Entrar en el universo sonoro deDavid Crespo (guitarra y sampler), Jordi Soldevila (guitarra y programación) y Guim Se-rradesanferm (sintetizadores) es dar un salto de fe, un salto al vacío. Pero una vez dentro,no hay vuelta atrás.

Balago / Darder

Ico Top | NACIONAL


INDIESPENSABLES: Abril 2013Quique Gómez

1. James Blake - Overgrown2. Kurt Vile - Wakin On A Pretty Daze3. The Knife - Shaking The Habitual4. Manel - Atletes, Baixin De L'Escenari5. Thee Oh Sees - Floating Coffin

1. Eleanor Friedberger - Stare At The Sun2. Daft Punk - Get Lucky3. Triángulo De Amor Bizarro - Estrellas Místicas4. James Blake - Digital Lion5. Beady Eye - Flick Of The Finger

David G. Altarejos1. Phoenix - Bankrupt2. Allure - Reunion3. Major Lazer - Free The Universe4. Manel - Atletes, Baixin De L'Escenari 5. Cold War Kids - Dear Miss Lonelyhearts

1. Phoenix - S.O.S. in Bel Air2. Major Lazer - Jessica (feat. Ezra Koenig)3. Daft Punk - Get Lucky4. Allure - I Will Change (feat. Jordan Lee)5. Cold War Kids - Miracle Mile

F. Javier M. Bel1. Rob Zombie - Venomous Rat Regeneration Ven...2. Allure - Reunion3. WLVS - The Last Gang In Town4. The Knife - Shaking The Habitual5. Phoenix - Bankrupt

1. MGMT - Alien Days2. A Place To Bury Strangers - Don't Burn The Fires3. Queens Of The Stone Age - My God Is The Sun4. Allure - King5. Daft Punk - Get Lucky

Alejandra Otero1. Oso Leone - Mokragora2. James Blake - Overgrown 3. Iggy Pop - Ready To Die4. The Knife - Shaking The Habitual 5. Phoenix - Bankrupt!

1. Queens Of The Stone Age - My God Is The Sun2. Florence + The Machine - Over The Love3. Jack White - Love Is Blindness 4. Sergio Pizzorno - Shiva (Extended Version)5. James Blake - Overgrown

DISCOS CANCIONES

DISCOS CANCIONES

DISCOS CANCIONES

DISCOS CANCIONES

Jesús D. Marín1. The Black Angels - Indigo Meadow2. The Thermals - Desperate Ground3. Manel - Atletes, Baixin De L'Escenari4. The Flaming Lips - The Terror5. Junip - Junip

1. Daft Punk - Get Lucky2. Beady Eye - Flick Of The Finger3. Is Tropical - Dancing Anymore4. A Place To Bury Strangers - Don't Burn The Fires5. Queens Of The Stone Age - My God Is The Sun

DISCOS CANCIONES

Joaquín Ollero1. Kurt Vile - Wakin on a Pretty Daze2, Charli XCX - True Romance3. James Blake - Overgrown4. Allure - Reunion5. Paramore - Paramore

1. Kurt Vile - Wakin on a Pretty Day2. James Blake - Our Love Comes Back3. Paramore - Still Into You4. Iron & Wine - Singers And The Endless Song5. The Flaming Lips - You Lust

DISCOS CANCIONES


LISTAS SPOTIFYURL - http://open.spotify.com/user/1113679117

Ander Simón1. Manel - Atletes, Baixin De L'Escenari2. James Blake - Overgrown3. Kurt Vile - Wakin' On A Pretty Daze4. L.A. - Dualize5. Thee Oh Sees - Floating Coffin

1. Chvrches - Recover2. The National - Don't Swallow The Cap3. Daft Punk - Get Lucky4. Kurt Vile - Wakin' On A Pretty Day5. Convergència i Unió - Guerres I Amagatall

DISCOS CANCIONES

INDIESPENSABLES: Abril 2013

Jaime M. Herrero1. James Blake - Overgrown2. The Knife - Shaking The Habitual3. Kurt Vile - Walking On A Pretty Daze4. Manel - Atletes, Baixin De L'Escenari5. Junip - Junip

1. James Blake - Voyeur2. Deerhunter - Monomania3. Triángulo de Amor Bizarro - Estrellas Místicas4. Kurt Vile - KV Crimes5. Daft Punk - Get Lucky

DISCOS CANCIONES


REDACCIÓN

Ander Simón, Quique Gómez, Joaquín Ollero, F. Javier Moreno, JesúsDaniel Marín, David García Altarejos, Alejandra Otero, J.N. Carretero,Jaime Mateo Herrero, Daniel López Martín y Laura Bauhaus.

DISEÑO & MAQUETACIÓN

F. Javier Moreno

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En INDIEFERENCIA Magazine tenemos el fin de divulgar informaciónsobre la música que nos gusta. Desde los grupos más destacados de laescena hasta las nuevas bandas que aún son desconocidas por la mayoríadel público.

Jesús Rguez Gamero, review TachenkoChabel Santacreu, artículo de opinión PledgemusicFotos Manel de la propia banda, ManelFotos The Birkins de Noemi Tejera- www.jodyrogac.comFoto Tachenko por Gustaff Choos - www.gustaffroom.comFoto Eels por Vagrant RecordsFotos Dead Sons de www.deadsons.co.ukFoto Santa Rita por Román Yñán - www.romanynan.comFoto Kurt Vile por Shawn Brackbill - www.shawnbrackbill.com

AGRADECIMIENTOS

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INDIEFERMAG Nº 21. Mayo 2013