Franz Joseph Haydn WorksHaydn's duties as Kapellmeister to the Esterhбzy family involved the provision of church music, as well as music for entertainment. The Mass settings composed for the younger Prince Nikolaus include the well known Nelson Mass, celebrating the English admiral's victory at the Battle of the Nile. Between 1796 and 1802 Haydn wrote seven Masses, all with popular German nicknames, "Heiligmesse", "Paukenmesse", "Coronation Mass", "Theresienmesse", "Schцpfungsmesse" and "Harmoniemesse Haydn's visits to London suggested to him the musical possibilities of oratorio, in the form perpetuated after Handel's death by commemorative festival performances. The result was The Creation (Die Schцpfung), with a text by Baron van Swieten based on English sources, first performed in Vienna in 1798. MIDI FILE - from "Creation": Chorus (2'19'') The Seasons (Die Jahreszeiten), with a text by van Swieten based on James Thomson, was first performed in 1801. Haydn's earlier oratorios include Il ritorno di Tobia (The Return of Tobias), completed in 1775. His two dozen operas have received rather less attention than many of his other works. Most of them were written for performance at Esterhбzy, either in the main theatre or in the marionette theatre. Haydn wrote a number of songs, providing nearly 400 British folk-song arrangements for the Edinburgh publisher Thomson, in addition to songs and cantatas in German and English. The two sets of Canzonettas written in England in 1794 and 1795 include settings of verses by the wife of Haydn's London surgeon, Hunter. Haydn's 108 symphonies, written between 1759 and 1795, range from works written for the relatively modest local court orchestra of two oboes, two horns and strings, to the greater complexity of his London Symphonies, all twelve written for performance in London under the direction of the German-born violinist and impresario Salomon during the composer's two London visits. MIDI FILE - from the Symphony No.7 "Midi": 1th mov. (7'04'') The London Symphonies include a number of works with nicknames, n. 94, "The Surprise", n. 96, "The Miracle", n. 100, "The Military", n. 101, "The Clock", n. 103, "The Drumroll", and n. 104, known as "The London" or "The Salomon".MIDI FILE - from Symphony No.96: 1th Mov. (6'07'')

Other named symphonies that remain in regular concert repertoire include n. 92, "The Oxford" and ns. 82, 83 and 84, "The Bear", "The Hen" and "La reine" (The Queen of France). Earlier named symphonies include the interesting Symphony n. 22, "The Philosopher", which includes two cor anglais or English horns, tenor oboes in place of the normal higher-pitched instrument, written in 1764, three years after "Le matin", "Le midi" and "Le soir" (Morning, Noon and Evening), ns. 6, 7 and 8. The "Farewell" Symphony n. 45 was composed, so the story goes, to allow players at Esterhбza to leave the platform one by one and return to their families at home. MIDI FILE - from Symphony No.45: 1th mov. (3'33'') Its immediate predecessor is the "Trauersinfonie", Mourning Symphony, while n. 49, " La Passione", reflects elements of Sturm und Drang, the Storm and Stress movement in German literature and art of the period. Of Haydn's concertos, the work written in 1796 for the newly developed and soon to be obsolete keyed trumpet, is the best known, closely rivalled by the two surviving Cello Concertos, in D and in C. MIDI FILE - A Movement   from a Cello Concerto (4'12'') Three genuine Violin Concertos remain, in G, in C and in A, and one Horn Concerto. The keyboard concertos have recently entered popular repertoire, in particular the Concerto in D major. They were originally designed either for organ or harpsichord and were written in the earlier part of Haydn's career, before his employment with the Esterhбzys. Haydn was a prolific composer of chamber music, with a considerable number of compositions for his chief patron, Prince Nikolaus Esterhбzy, who played the baryton, a bowed string instrument resembling a viola da gamba, with sympathetic strings that could also be plucked. For the more conventional string quartet Haydn wrote some 83 works, described originally as divertimenti, but later given a more serious title by which they are generally known. MIDI FILE - from String Quartet op.64 No.2: 1th mov. (5'20'') Sets of named quartets include the Sun Quartets of 1772, Op. 20, the Russian Quartets written in 1781, Op. 33, and including "The Joke" and "The Bird", the Prussian Quartets of 1787, Op. 50, much influenced by Mozart and including "The Frog". There are three sets of Tost Quartets, Opp. 54, 55 and 64, bearing the name of the Esterhбza violinist turned business-man Johann Tost. These include "The Razor" and "The Lark".

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Further sets of quartets were published in 1793 and 1797, the "Apponyi", Opp. 71 and 74, including "The Rider", and the "Erdцdy", Op. 76, including the "Fifths", "Emperor" and "Sunrise", both groups bearing the names of aristocratic patrons. The Opus 1 Quartets were seemingly written between 1757 and 1761. The Seven Last Words of Christ on the Cross was arranged in string quartet form from the original work for full orchestra, amplified with the addition of choral parts. It was written for performance in Cбdiz on Good Friday 1787. In addition to a number of works for two violins and cello and for baryton trios, Haydn wrote a number of attractive piano trios between 1784 and 1797. The best known of these last is the G major Trio with its so-called Gypsy Rondo. Haydn composed nearly fifty keyboard sonatas, the earlier intended for harpsichord and the last for the newly developed hammer-action fortepiano. MIDI FILE - from Piano Sonata No.37 in D: 1 th mov. (3'05'')The final works in this form include the so-called English Sonata in C major, written in 1795 during Haydn's second visit to London.

MOZART WERKEMozart was principally an operatic composer, although he was prolific in all contemporary genres. His greater stage works belong to the last decade of his life, starting with "Idomeneo" in Munich in January 1781. In Vienna his first success came with the German opera or Singspiel Die Entfuehrung aus dem Serail (The Abduction from the Seraglio), a work on a Turkish theme, staged at the Burgtheater in 1782. "Le nozze di Figaro" (The Marriage of Figaro), an Italian comic opera with a libretto by Lorenzo da Ponte based on the controversial play by Beaumarchais, was staged at the same theatre in 1786 and "Don Giovanni", with a libretto again by da Ponte, in Prague in 1787. MIDI FILE - from "Le nozze di Figaro": Overture (5'04'')Cosм fan tutte (All Women Behave Alike) was staged briefly in Vienna in 1790, its run curtailed by the death of the Emperor. La clemenza di Tito (The Clemency of Titus) was written for the coronation of the new Emperor in Prague in 1791, no such commission having been granted Mozart in Vienna. His last stage work "Die Zauberfloete" (The Magic Flute), performed at the end of September in the Theater auf der Wieden, was a magic opera that was still running with success at the time of the composer's death.MIDI FILE - from "Zauberflцte": Die Kцnigin der Nacht (2'45'') As he lay dying Mozart was joined by his friends to sing through parts of a work that he left unfinished: this was his setting of the Requiem Mass, commissioned by an anonymous nobleman, who had intended to pass the work off as his own. MIDI FILE - from Requiem: "Dies irae" (1'49'') The Requiem was later completed by Mozart's pupil Franz Sьessmayer, to whom it was eventually entrusted. Mozart composed other church music, primarily for use in Salzburg. Settings of the Mass include the Coronation Mass of 1779, one of a number of liturgical settings of this kind. In addition to settings of litanies and Vespers, Mozart wrote a number of shorter works for church use. These include the well known Exsultate, jubilate, written for the castrato Rauzzini in Milan in 1773 and the simple four-part setting of the Ave verum, written to oblige a priest in Baden in June 1791. Mozart's Church or Epistle Sonatas were written to bridge the liturgical gap between the singing of the Epistle and the singing of the Gospel at Mass. Composed in Salzburg during a period from 1772 until 1780, the sonatas are generally scored for two violins, bass instrument and organ, although three of them, intended for days of greater ceremony, involve a slightly larger ensemble.In addition to a smaller number of works for vocal ensemble, Mozart wrote concert arias and scenes, some of them for insertion into operas by others. Songs, with piano accompaniment, include a setting of Goethe's Das Veilchen (The Violet).Mozart wrote his first symphony in London in 1764-5 and his last in Vienna in August 1788. The last three symphonies, Nos. 39, 40 and 41, were all written during the summer of 1788, each of them with its own highly individual character. No. 39, in E flat major, using clarinets instead of the usual pair of oboes, has a timbre all its own, while No. 40 in G minor, with its ominous and dramatic opening, is now very familiar.

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The last symphony, known as the Jupiter Symphony, has a fugal last movement, a contrapuntal development of what was becoming standard symphonic practice. Of particular beauty is Symphony No. 29, scored for the then usual pairs of oboes and French horns and strings, written in 1774, the more grandiose Paris Symphony No. 31, written in 1778 with a French audience in mind, the Haffner, the Linz and the Prague, Nos. 35, 36 and 38. The so-called Salzburg Symphonies, in three movements, on the Italian model, and scored only for strings, were probably intended for occasional use during one of Mozart's Italian journeys. They are more generally known in English as Divertimenti, K. 136, 137 and 138. The symphonies are not numbered absolutely in chronological order of composition, but Nos. 35 to 41 were written in Vienna in the 1780s and Nos. 14 to 30 in Salzburg in the 1770s.The best known Serenade of all is Eine kleine Nachtmusik (A Little Night-Music), a charming piece of which four of the five original movements survive. MIDI FILE - from "Eine kleine Nachtmusik": 1th Mov. (8'27'') It is scored for solo strings and was written in the summer of 1787, the year of the opera Don Giovanni and of the death of Mozart’s father. The Serenata notturna, written in 1776 in Salzburg uses solo and orchestral strings and timpani, while the Divertimento K. 247, the Lodron Night-Music, dating from the same year, also served a social purpose during evening entertainments in Salzburg. Cassations, the word more or less synonymous with Divertimento or Serenade, again had occasional use, sometimes as a street serenade, as in the case of Mozart's three surviving works of this title, designed to mark the end of year university celebrations. Generally music of this kind consisted of several short movements. Other examples of the form by Mozart include the so-called Posthorn Serenade, K. 320, which makes use of the posthorn and the Haffner Serenade, designed to celebrate an event in the Haffner family in Salzburg. The Serenade K. 361, known as the Gran Partita, was written during the composer's first years of independence in Vienna and scored for a dozen wind instruments and a double bass.Mozart wrote some 30 keyboard concertos: the earliest of these are four arrangements of movements by various composer, made in 1767, in the form of keyboard concertos. In 1772 Mozart arranged three sonatas by Johann Christian, the youngest son of J.S. Bach, to form keyboard concertos. These last three concertos are not generally included in the numbering of the concertos. Apart from these arrangements Mozart wrote six keyboard concertos during his years in Salzburg. The more important compositions in this form, designed clearly for the fortepiano, an instrument smaller than the modern pianoforte and with a more delicately incisive tone, were written in Vienna between 1782 and 1791, principally for the composer's use in subscription concerts with which he at first won success in the imperial capital. MIDI FILE - Piano Concerto No.23:

Allegro con spirito (11'21'')Andante un poco adagio (5'57'')Rondo allegretto grazioso (10'05'')Of the 27 numbered concertos particular mention may be made of the Concertos in C minor and D minor, ns. 24 and 20, K. 491 and 466. Mozart completed his last piano concerto n. 27, K. 595 in B flat major, in January 1791. Mozart wrote a series of five concertos for solo violin, one in 1773 and four in 1775 at a time when he was concertmaster of the court orchestra in Salzburg. Of these the last three, K. 216 in G major, K. 218 in D major and K. 219 in A major are the best known, together with the splendid Sinfonia concertante of 1779, for solo violin and solo viola. The Concertone for two solo violins, written in 1774, is less frequently heard. Mozart's concertos for solo wind instruments include a concerto for bassoon, two concertos for solo flute and a concerto for solo oboe, with a final concerto for clarinet written in October 1791. Mozart wrote four concertos for French horn, principally for the use of his friend, the horn-player Ignaz Leutgeb and a Sinfonia concertante for solo wind instruments, designed for performance by Mannheim friends in Paris. During his stay in France in 1778 he also wrote a fine concerto for flute and harp, intended for unappreciative aristocratic patrons.MIDI FILE - from Concert for flute and harp: 1st Mov. (8'58'') It was inevitable that Mozart should also show his mastery in music for smaller groups of instruments. With some reluctance he accepted a commission in Mannheim for a series of quartets for flute and string trio, two of which he completed during his stay there in 1777-78. A third flute quartet was completed in Vienna in 1787, preceded by an oboe quartet in Munich in 1781, a quintet the following year for French horn, violin, two violas and cello and finally, in 1789, a clarinet quintet, the wind

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part for his friend Anton Stadler, a virtuoso performer on the newly developed clarinet and on the basset-clarinet, an instrument of extended range of his own invention. Mozart's work for string instruments includes a group of string quintets, written in Vienna in 1787 and, in the course of about twenty years, some 23 string quartets. Particularly interesting are the later quartets, a group of six dedicated to and influenced by Joseph Haydn and three final quartets, the so-called Prussian Quartets, intended for the cello-playing King of Prussia, Friedrich Wilhelm II. To the music of more serious intention, despite its title, may be added Ein musikalischer Spass, K. 522 (A Musical Joke) for two horns and solo strings, written in 1787. The music is a re-creation of a work played for and presumably composed by village musicians, including formal solecisms and other deliberate mistakes of structure and harmony. There are other chamber music compositions, principally written during the last ten years of Mozart's life in Vienna, involving the use of the piano, an instrument on which Mozart excelled. These later compositions include six completed piano trios, two piano quartets, and a work that Mozart claimed to consider his best, a quintet for piano, oboe, clarinet, bassoon and French horn, K. 452. Mozart added considerably to the violin and piano sonata repertoire, writing his first sonatas for these instruments between the ages of six and eight and his last in 1788, making a total of some thirty compositions. On the whole the later sonatas intended for professional players of a high order have more to offer than the sonatas written for pupils or amateurs, although there is fine music, for example, in the set of six sonatas written during the composer's journey to Mannheim and Paris in 1777 and 1778.Mozart's sonatas for the fortepiano cover a period from 1766 to 1791, with a significant number of mature sonatas written during the years in Vienna. The sonatas include much fine music, ranging from the slighter C major Sonata for beginners K. 545 to the superb B flat Sonata, K. 570. MIDI FILE - Sonata K 545 (complete) for piano (11'15'') In addition to his sonatas he wrote a number of sets of variations, while his ephemeral improvisations in similar form are inevitably lost to us. MIDI FILE - from Sonata K 331 for piano: Rondo alla turca (3'39'') The published works include operatic variations as well as a set of variations on the theme Ah, vous dirai-je, maman, known in English as Twinkle, twinkle, little star.There is very little organ music by Mozart or, indeed, by other great composers of the period, although organ improvisation was an art generally practised, then as now. Mozart's organ music includes a few compositions for mechanical organ, one improvisation, transcribed from memory by a priest who heard most of it, and a number of smaller compositions perhaps intended for organ, written in childhood. Mozart's last appointment in Salzburg was as court organist, and there are significant organ parts in some of the church sonatas he wrote during that brief period, in 1779 and 1780.

Das Köchelverzeichnis ist ein Werkverzeichnis und der meistverwendete Katalog der Kompositionen von Wolfgang Amadeus Mozart. Der genaue Titel lautet: Chronologisch-thematisches Verzeichnis sämtlicher Tonwerke Wolfgang Amadé Mozarts.Erstellt wurde das Köchelverzeichnis von Ludwig von Köchel (* 1800, † 1877). Er sammelte viele Fakten über Mozart und nummerierte seine Werke in chronologischer Reihenfolge. Die erste Auflage des Verzeichnisses erschien 1862. Mittlerweile liegt das Köchelverzeichnis in der 8. Auflage vor.Die Abkürzung für Köchelverzeichnis ist KV (bzw. K im Englischen), und so hat die berühmte Kleine Nachtmusik die Bezeichnung KV 525. Insgesamt enthält das Köchelverzeichnis 626 Werke Mozarts.Ab der 3. Auflage (1937, von Alfred Einstein) wurden die Nummern etlicher Werke geändert; die neuen Nummern enthalten oft einen zusätzlichen Kleinbuchstaben (z. B. Sinfonia concertante für Violine und Viola Es-Dur, ursprünglich KV 364, jetzt KV 320d). Besonders viele Umstellungen brachte die 6. Auflage (1964, von Franz Giegling, Gerd Sievers und Alexander Weinmann). Mit diesen Änderungen wurden neue Erkenntnisse über die Chronologie der Werkentstehung und dem Zusammenhang einzelner Werke berücksichtigt. Außerhalb der Wissenschaft haben sich diese Änderungen nicht durchgesetzt: Notenverlage, Konzertveranstalter, Autoren populärer Handbücher und Musikindustrie verwenden nach wie vor Köchels ursprüngliche Nummern.

Le nozze di FigaroLe nozze di Figaro, zu deutsch Die Hochzeit des Figaro oder Figaros Hochzeit, ist eine Oper von Wolfgang Amadeus Mozart. Das italienische Libretto stammt von Lorenzo Da Ponte und basiert auf der Komödie La folle journée ou Le mariage de Figaro von Beaumarchais aus dem Jahr 1781, dessen Aufführung verboten war, da in dem Stück die unerträglichen Verhältnisse im vorrevolutionären Frankreich deutlich aufgezeigt wurden. Die Fassung von Da Ponte und Mozart konnte jedoch unbeanstandet aufgeführt werden, da der (italienische) Text

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moderater war, obwohl von dem für die damalige Zeit brisanten Inhalt keine Abstriche gemacht wurden. Die Uraufführung war am 1. Mai 1786 im Wiener Burgtheater. Die Oper spielt am Schloss des Grafen Almaviva in Sevilla um 1780.

PersonenGraf Almaviva (Bariton) Gräfin Almaviva (Rosina) (Sopran) Figaro, Kammerdiener (Bariton oder Bass) Susanna, Mündel und Kammerzofe der Gräfin, Figaros Verlobte (Sopran) Cherubino, Page des Grafen und Barbarinas Verlobter (Mezzosopran oder Sopran) Marcellina, Beschließerin im gräflichen Schloss (Mezzosopran) Bartolo, Arzt (Bass) Basilio, Musikmeister der Gräfin (Tenor) Don Curzio, Richter (Tenor) Antonio, Gärtner und Susannas Onkel (Bass) Barbarina, Tochter des Antonio (Sopran) Zwei Frauen Chor der Landleute (Coro di Contadini) [HandlungDie Handlung der Oper ist die direkte Fortsetzung von Beaumarchais’ Le barbier de Seville (Der Barbier von Sevilla). Rosina ist nun die Gräfin Almaviva; ihr Mann, kein Muster an Tugend, bemüht sich um die Liebe von Antonios Tochter Barbarina. Als er den Pagen Cherubino bei der Gräfin entdeckt, versucht er ihn loszuwerden, indem er ihm ein Offizierspatent verschafft. Figaro ist in den Dienst des Grafen getreten und trifft gerade die Vorbereitungen für seine Hochzeit mit Rosinas Mündel Susanna. Die Rolle des Cherubino wird als Hosenrolle, also von einer Frau gesungen.

1. AktEin Zimmer im Schloss. Figaro misst den Raum aus, um die Möbel zu stellen. Susanna probiert vor dem Spiegel einen Hut an (Heutzutage wird, um der französischen Vorlage näher zu kommen, der Hut durch einen Brautschleier ersetzt) (Duett: „Cinque, dieci, venti, trenta, trentasei, quarantatre“ - „Fünf, zehn, zwanzig, dreißig, sechsunddreißig“). Sie reden über die Zukunft (Duett: „Se a caso madama la notte ti chiama.“ - „Sollt′ einstens die Gräfin des Nachts dir schellen“). Susanna ärgert sich über Almavivas Galanterie, wird aber durch Figaro beruhigt (Arie: „Se vuol ballare Signor Contino“ - „Will einst das Gräflein ein Tänzchen wagen“). Dr. Bartolo tritt auf, der von Marcellina, der Haushälterin, engagiert wurde, um Klage gegen Figaro vorzubringen, der ihr zuvor die Ehe versprochen habe, um eine Schuld abzulösen (Bartolos Arie: „La vendetta, oh, la vendetta! - Süsse Rache, du gewährest hohe Freuden“; Duett zwischen Marcellina und Susanna: „Via resti servita, Madama brillante“ - „Nur vorwärts, ich bitte, Sie Muster von Schönheit“). Cherubino erscheint und bittet Susanna um Fürsprache beim Grafen, weil er das Schloss nicht verlassen will (Arie: "Non so più cosa son, cosa faccio" - „Neue Freuden, neue Schmerzen“). Als der Graf und Basilio auftreten, versteckt er sich, und Susanna täuscht eine Ohnmacht vor; in dem Durcheinander springt Cherubino auf einen Stuhl und versteckt sich unter einem Kleid (Terzett: "Cosa sento! Tosto andate, e scacciate il seduttor" - „Wie? Was hör' ich? Unverzüglich geh und jage den Bösewicht gleich fort“). Der Graf entdeckt ihn, und er wird nur durch den Auftritt der Landleute von einer Bestrafung verschont (Chor: „Giovani liete, fiori spargete“ - „Muntere Jugend, streue ihm Blumen“). Der Graf zwingt Cherubino, sich auf den Weg zur Armee zu machen, und Figaro gibt ihm gute Ratschläge mit auf den Weg (Arie: „Non più andrai, farfallone amoroso“ - „Dort vergiss leises Flehn, süsses Wimmern“).

2. AktZimmer der Gräfin. Die Gräfin beklagt des Grafen Untreue(Arie: „Porgi, amor, qualche ristoro“ - „Heil'ge Quelle reiner Triebe“). Susanna lässt Cherubino herein, und sie fahren fort, ihn in Frauenkleider zu stecken, damit er so die Hochzeit abwarten kann (Arie des Cherubino: „Voi che sapete che cosa è amor“ - „Ihr, die ihr Triebe des Herzens kennt“). Sie frisieren seine Haare - (Susannas Arie: „Venite, inginocchiatevi“ - „Komm näher, knie vor mir“). Der Graf kommt an, Cherubino flieht in das Nachbarzimmer, in das der Graf ebenfalls hinein will, nachdem er jemanden darin gehört hat. Die Gräfin sagt, es sei nur Susanna, und der Graf verlässt mit der Gräfin die Bühne, nachdem er alle Türen abgeschlossen hat, um auf einem anderen Weg ins Nachbarzimmer zu gelangen (Terzett: „Susanna, or via, sortite, sortite, io così vo'“ - „Nun, nun, wird's bald geschehen? Susanna, komm heraus“, Duett: „Consorte mia, giudizio“ - „Frau Gräfin, darf ich bitten?“). Susanna befreit Cherubino (Duett: „Aprite, presto, aprite; aprite, è la Susanna“ - „Geschwind die Tür geöffnet, geschwind, ich bin Susanna!“), der aus dem Fenster springt, und sie betrifft den Raum, aus dem er geflohen ist. Graf und Gräfin kommen zurück. Er denkt, Cherubino habe sich versteckt, findet aber zu seinem Erstaunen nur Susanna vor (Finale: „Esci omai, garzon malnato, sciagurato, non tardar“ -

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„Komm heraus, verworfner Knabe! Unglücksel'ger, zaudre nicht!“). In der Zwischenzeit versucht Figaro, der die Zudringlichkeiten des Grafen fürchtet, ihn durch einen anonymen Brief vom Erscheinen auf seiner Hochzeit abzuhalten, aber von der Gräfin befragt, gesteht er, dass er der Verfasser ist. Als der Gärtner Antonio einen Brief bringt, von dem er sagt, er sei von einem Mann fallen gelassen worden, der aus dem Fenster floh, behauptet Figaro, dass er bei Susanna gewesen sei. Das Dokument erweist sich jedoch als Cherubinos Ernennung zum Offizier, und Figaro gelangt aus der Klemme, indem er es dem Grafen präsentiert, damit dieser sein noch fehlendes Siegel anbringt. Marcellina, Bartolo und Basilio treten auf und Marcellina bringt ihre Klage über Figaro vor. Die Hochzeit wird verschoben, damit der Graf den Vorwurf untersuchen kann.

3. AktDer Festsaal. Der Graf ist aufgrund der vorangegangenen Ereignisse verwirrt, und auf Bitte der Gräfin stimmt Susanna zu, ihn im Garten zu treffen. Zuvor jedoch tauscht sie mit der Gräfin die Kleidung (Duett: „Crudel! Perché finora farmi languir così?“ - „So lang' hab' ich geschmachtet“). Susanna flüstert Figaro zu, dass der Erfolg nun sicher sei und sein Rechtsstreit gewonnen. Der Graf ist verärgert (Arie: „E un ben ch'invan desio“ - „Ich soll ein Glück entbehren“). Es folgt die Szene im Hof, in der sich herausstellt, dass Figaro der uneheliche Sohn von Marcellina und Bartolo ist, so dass er die Haushälterin gar nicht heiraten kann (Sextett Almaviva, Figaro, Don Curzio, Bartolo, die Gräfin und Susanna: „Riconosci in questo amplesso“ - „Lass mein liebes Kind dich nennen“). Die Gräfin bleibt alleine zurück (Rezitativ und Arie: „E Susanna non vien“ - „Und Susanna kommt nicht“), als das Mädchen ankommt und berichtet, dass alles gut verlaufe. Die Gräfin diktiert einen Liebesbrief, den Susanna absenden soll (Duett: „Sull'aria...“ - „Nun, soll ich?“). Der Graf soll die Nadel zurücksenden, die den Brief zusammenhält, um den Empfang zu bestätigen. Ein Chor von jungen Bauern, unter ihnen Cherubino, singt der Gräfin ein Lied („Ricevete, oh padroncina“ - „Gnäd'ge Gräfin, diese Rosen“). Der Graf tritt mit Antonio auf, entdeckt den früheren Pagen, braust auf, wird aber durch Susannas Brief beruhigt. Er verletzt sich seinen Finger mit der Nadel, was ihn weiter ärgert (Marsch und Finale: „Ecco la marcia, andiamo“ - „Lasst uns marschieren! In Ordnung!“). Der Akt schließt mit einer Einladung zum abendlichen Fest. (Chor: „Amanti costanti, seguaci d'onor“ - „Ihr treuen Geliebten, mit Kränzen geschmückt“).

4. AktIm Garten (vorher manchmal eine Szene im Korridor). Den Anweisungen im Brief folgend, hat der Graf Barbarina mit der Nadel geschickt, die sie aber verloren hat (Arie: "L'ho perduta... me meschina" - "Unglücksel'ge kleine Nadel"). Figaro erfährt dessen Bedeutung von Barbarina. Aus Eifersucht bringt er Bartolo und Marcellina dazu, auch in den Garten zu kommen, um bei dem Gespräch zwischen dem Grafen und Susanna anwesend zu sein. Marcellina informiert Susanna über diesen Plan (Rezitativ und Arie: "Giunse alfin il momento" - „Deh, vieni, non tardar, oh gioia bella“, „Endlich naht sich die Stunde“ - „O säume länger nicht, geliebte Seele“). Die Gräfin erscheint in Susannas Kleid; Cherubino versucht die vermeintliche Susanna zu küssen wird aber zurückgehalten durch die Intervention des Grafen, der mit der Hand nach Cherubino zielt, aber irgendwie den immer präsenten Figaro trifft. Der Graf verfolgt die vermeintliche Susanna, die ihm geschickt aus dem Weg geht, als die richtige Susanna in den Kleidern der Gräfin auftritt. Figaro berichtet ihr von des Grafen Absichten und erkennt seine Braut. Er spielt die Komödie mit, indem er ihr Ehre als Gräfin erweist, und bekommt erneut eins auf die Ohren. Die beiden schließen Frieden und er spielt weiterhin seine Rolle. Als der Graf erscheint, erklärt er seine Liebe und sinkt vor ihr auf die Knie. Der Graf ruft nach Waffen und seinen Leuten. Lichter werden angezündet und ein allgemeines Wiedererkennen löst die Verwirrung des Grafen ab, der keine Entschuldigung mehr vorbringen kann (Finale: „Pian pianin le andrò più presso“ - „Still, nur still, ich will mich nähern“)

WeblinksLibretto auf Italienisch Libretto auf Deutsch

Don Giovanni

Don Giovanni oder richtiger: Il dissoluto punito ossia il Don Giovanni (Der bestrafte Wüstling oder Don Giovanni) ist ein Dramma giocoso in zwei Akten von Wolfgang Amadeus Mozart nach einem Libretto von Lorenzo Da Ponte. Zu dem Thema Don Giovanni oder Don Juan gibt es eine Reihe von Bearbeitungen, auch Opern, aber Mozarts Meisterwerk ist unerreicht. Es wurde im Gräflich Nostitzschen Nationaltheater in Prag am

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29. Oktober 1787 uraufgeführt. Ursprünglich waren Musik und Dialoge alternativ zu hören, aber heutzutage werden die von Mozart komponierten Rezitative am häufigsten aufgeführt.Zur Herkunft des Stoffes siehe: Don Juan

PersonenDon Giovanni (Bariton) Il Commendatore (Der Komtur) (Bass) Donna Anna, seine Tochter (Sopran) Don Ottavio, ihr Verlobter (Tenor) Donna Elvira, vornehme Dame aus Burgos, Don Giovannis verlassene Geliebte (Sopran) Leporello, Don Giovannis Diener (Bass) (berühmte Darsteller sind Walter Berry und Bryn Terfel) Masetto, ein Bauer, Bräutigam der Zerlina (Bass) Zerlina, seine Braut (Sopran) Chor (Bauern, Bäuerinnen, Musikanten, Diener) Ort und Zeit der Handlung: Sevilla im 17. Jahrhundert

1. AktIm Garten des Commendatore.Leporello hält Wache vor dem Haus, in das Don Giovanni geschlichen ist, um Donna Anna zu verführen, die Verlobte von Ottavio (Introduktion: Notte e giorno faticar). Donna Anna und Don Giovanni kommen auf die Bühne, etwas ist passiert. Sie will den Davoneilenden aufhalten, will wissen, wer er ist und schreit um Hilfe. Als ihr Vater, der Komtur, erscheint, rennt sie ins Haus. Der Komtur erzwingt ein Duell und wird von Don Giovanni erstochen, der unerkannt geblieben ist. Anna entdeckt den toten Vater, ist bestürzt, und Ottavio schwört Rache (Rezitativ: Ma qual mai s'offre, o Dei; Duett: Fuggi, crudele, fuggi).Verwandlung: Ein öffentlicher Platz vor dem Palast des Don Giovanni.Don Giovanni und Leporello treten auf (Rezitativ: Orsù, spicciati presto. Cosa vuoi?). Elvira, die er auch verführt hat, erscheint. Don Giovanni erkennt sie nicht und versucht, sich mit ihr bekannt zu machen (Sextett: Ah, chi mi dice mai; Rezitativ: Stelle! che vedo!). Als Don Giovanni merkt, wen er vor sich hat, schiebt er Leporello nach vorne und flieht. Leporello bemüht sich, Elvira zu trösten, indem er eine Liste mit Don Giovannis Liebschaften entrollt (Registerarie: Madamina, il catalogo è questo). Elvira schwört Rache (Rezitativ und Arie: In questa forma dunque).Als sie gegangen sind, betritt eine Hochzeitsgesellschaft mit Masetto und Zerlina die Szene (Duett und Chor: Giovinette che fate all'amore). Don Giovanni sieht Zerlina, die ihm gefällt, und er versucht, den eifersüchtigen Masetto wegzulocken (Rezitativ: Oh guarda, che bella gioventù; Arie des Masetto: Ho capito, signor sì! ). Don Giovanni und Zerlina sind bald alleine und er beginnt sofort mit seinen Verführungskünsten (Rezitativ: Alfin siam liberati; Duett: Là ci darem la mano).Elvira kommt hinzu, aber Don Giovanni beantwortet ihre Vorwürfe, indem er Ottavio und Anna bedeutet, dass beide, Zerlina und Elvira geistesgestört seien (Rezitativ: Fermati, scellerato!; Arie der Elvira: Ah, fuggi il traditor; Rezitativ, Ottavio und Anna: Oh, Don Giovanni; Quartett, Elvira, Ottavio, Anna, Don Giovanni: Non ti fidar, o misera). Anna glaubt, in Don Giovanni den Mörder ihres Vaters zu erkennen, und Ottavio entschließt sich, ihn zu beobachten (Rezitativ: Don Ottavio, son morta; Arie der Anna: Or sai chi l'onore und des Ottavio Dalla sua pace la mia dipende). Leporello unterrichtet Don Giovanni, dass alle Gäste der Bauernhochzeit im Haus seien, er Beschäftigung für Masetto gefunden habe, dass die Rückkehr von Zerlina aber alles verdorben habe. Elvira habe er in einen leeren Raum gesperrt.Der sorglose Don Giovanni ist ausgesprochen vergnügt (sog. Champagnerarie: Finch'han dal vino, calda la testa). Er läuft zum Palast. Zerlina folgt dem eifersüchtigen Masetto und versucht, ihn zu besänftigen (Rezitativ und Arie: Batti, batti, o bel Masetto). Don Giovanni führt beide ins Brautzimmer, das bunt ausgeschmückt wurde, und Leporello lädt dazu drei Maskierte ein, Elvira, Ottavio und Anna (Sextett: Sù! svegliatevi da bravi).Verwandlung: Ballsaal im Schloß des Don Giovanni.Nach der Einführung durch Don Giovanni und Leporello (Riposate, vezzose ragazze) erklingen gleichzeitig Menuett, Kontratanz und Deutscher Tanz. Don Giovanni führt Zerlina weg, während Leporello Masettos Aufmerksamkeit fesselt. Als Zerlinas Hilfeschrei zu hören ist, spielt Don Giovanni eine Komödie, indem er auf Leporello zustürzt und ihn der Verführung Zerlinas anklagt. Da ihm niemand glaubt und er angegriffen wird, kämpft er sich den Weg durch die Menge frei (Finale: Trema, trema, o scellerato).

2. AktVor Elviras Haus.Don Giovanni beruhigt Leporello und tauscht Mantel und Hut mit ihm (Duett: Eh via, buffone, non mi seccar). Leporello wird gezwungen, eine Botschaft zu Elvira zu bringen (Terzett, Elvira, Leporello, Don Giovanni: Ah taci, ingiusto core). Danach singt Don Giovanni dem Mädchen eine Serenade (Deh, vieni alla finestra, o mio tesoro).

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Von Masetto und seinen Freunden überrascht, flieht der falsche Leporello und verprügelt Zerlinas Bräutigam (Rezitativ und Arie: Metà di voi qua vadano) Zerlina tritt auf und stößt auf Masetto. (Arie: Vedrai, carino, se sei buonino).Verwandlung: Elviras Zimmer. Dunkelheit.Zu Elvira kommen Ottavio, Anna, Masetto und Zerlina, die den falschen Don Giovanni demaskieren. Es wird mehr und mehr zur Gewissheit, dass der wirkliche Don Giovanni der Mörder des Kommendatore ist (Sextett: Sola, sola in buio loco). In einer (von Mozart später hinzugefügten) Arie beklagt Ottavio erneut das Schicksal seiner Braut (Tergi il ciglio, o vita mia).Verwandlung: Ein Friedhof mit der Reiterstatue des Kommendatore.Leporello berichtet Don Giovanni, was geschehen ist. Eine Stimme von der Statue befiehlt dem Wüstling, still zu sein; auf Befehl Don Giovannis liest Leporello die Inschrift auf dem Sockel: Dell'empio che mi trasse al passo, estremo qui attendo la vendetta (Ich warte hier der Rache an jenem Buben, der mir das Leben raubte). Der Diener erzittert, aber der unverfrorene Don Giovanni lädt voller Ironie die Statue zum Abendessen ein (Duett: O statua gentilissima). Die Statue nickt und antwortet: “Sì/Ja.”Verwandlung: Das Zimmer der Donna Anna.Ottavio macht ihr Vorwürfe, weil sie die Hochzeit verschoben hat (Rezitativ: Crudele? Ah no, giammai mio ben).Verwandlung: Zimmer des Don Giovanni. (Finale: Già la mensa è preparata (Ha, das Mahl ist schon bereitet)). Elvira tritt ein in der Hoffnung, Don Giovanni zur Reue zu bewegen (L'ultima prova dell'amor mio). Als Elvira voller Verzweiflung geht, erscheint die Statue des Commendatore mit schwerem Schritt; auch sie ermahnt den sorglosen Bösewicht erfolglos und versinkt dann im Boden. Höllenfeuer lodert um Don Giovanni herum auf und er wird nach unten gezogen.Alle übrigen Personen treten nun auf und singen glücklich über den Ausgang der Geschichte, machen Zukunftspläne und freuen sich des Lebens. Dieses Ensemble wird oft weggelassen (wie schon in der Wiener Aufführung von 1788), ist aber von Bedeutung für die Konzeption der Oper als Dramma giocoso, in dem das Gute siegt.

Weblinks - Das Libretto auf Italienisch - Das Libretto auf Deutsch

Requiem (Mozart)Das Requiem in d-Moll (KV 626) aus dem Jahr 1791 war Wolfgang Amadeus Mozarts letzte Komposition, und es ist eines seiner gewaltigsten und beliebtesten, zugleich aber auch umstrittensten Werke.

Komposition und VervollständigungDie Komposition ist angelegt für Sopran-, Alt-, Tenor- und Bass-Solisten, Chor und einem kleinen

klassischen Orchester, bestehend aus zwei Bassetthörnern (Altklarinetten), zwei Fagotten, zwei Trompeten, drei Posaunen, Pauken, Streichorchester und B.c. (Orgel). Bis zu seinem Tod am 5. Dezember 1791 hatte Mozart lediglich den Eröffnungssatz (Requiem aeternam) mit allen Orchester- und Vokalstimmen niedergeschrieben. Das folgende Kyrie und der größte Teil der Sequenz (vom Dies irae bis zum Confutatis) sind lediglich in den Gesangsstimmen und dem Continuo fertiggestellt, darüber hinaus sind verschiedentlich einige der wichtigen Orchesterpartien kurz skizziert. Der letzte Satz der Sequenz, das Lacrimosa, bricht nach acht Takten ab und blieb unvollständig. Die folgenden beiden Sätze des Offertorium, das Domine Jesu und Hostias sind wiederum in den Gesangsstimmen und dem Continuo ausgearbeitet. In den 1960er Jahren wurde eine Skizze für eine Amen-Fuge entdeckt, die die Sequenz nach dem Lacrimosa hätte beenden sollen.

Mozart wurde (durch Vermittler, die für den exzentrischen Grafen Walsegg-Stuppach agierten) anonym mit dem Requiem beauftragt und hatte die Hälfte der Bezahlung im Voraus erhalten, so dass seine Witwe Constanze begierig darauf war, dass das unvollständige Werk abgeschlossen wurde (wohl, um auch die zweite Hälfte des Lohns zu erhalten). Joseph Eybler war der erste Komponist, der mit der Vervollständigung beauftragt wurde, und er hatte auch an den Sätzen vom Dies irae bis zum Lacrimosa gearbeitet, als er die Aufgabe an Constanze zurückgab, weil er sich nicht in der Lage sah, sie zu erfüllen.

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Die Arbeit wurde einem anderen jungen Komponisten anvertraut, Franz Xaver Süßmayr, der einiges von Eyblers Notizen entlehnte, als er seine Vervollständigung machte. Süßmayr fügte seine eigene Orchestrierung ab dem Kyrie hinzu, komplettierte das Lacrimosa, und komponierte einige neue Sätze, die normalerweise in einem Requiem enthalten sind: Sanctus, Benedictus und Agnus Dei. Dann ergänzte er den abschließenden Teil, Lux aeterna, indem er die beiden Eröffnungssätze, die Mozart noch selbst komponiert hatte, auf die Schlussworte anpasste.

Es ist möglich, dass andere Komponisten Süßmayr geholfen haben könnten oder dass er Skizzen von Mozart unter den Unterlagen für das Requiem entdeckte. Es wird angenommen, dass der ältere Komponist Maximilian Stadler die Orchestrierung des Domine Jesu für Süßmayr vervollständigt hat.

Das komplette Werk, angefangen von Mozart, aber weitgehend von Süßmayr komplettiert, wurde mit einer gefälschten Unterschrift Mozarts versehen und an den Grafen Walsegg versandt – und auf 1792 datiert. Die verschiedenen vollständigen und unvollständigen Manuskripte wurden irgendwann im 19. Jahrhundert aufgefunden, aber viele der dabei Beteiligten hinterließen nur zweideutige Aussagen zu den dazugehörenden Umständen. Trotz der Kontroverse, wie viel von der Musik wirklich von Mozart stammt, hat die Qualität der Musik viele Bedenken außer Kraft gesetzt – insbesondere die sieben ersten Orchestertakte des kraftvollen Dies irae.

AblaufIntroitus Requiem aeternam Kyrie Sequenz Dies irae Tuba mirum Rex tremendae Recordare Confutatis Lacrimosa Offertorium Domine Jesu Hostias Sanctus Benedictus Agnus Dei Communio Lux aeterna

MythenTrotz des Beifalls und der Anerkennung ist das "Requiem" wohl eines der geheimnisvollsten Stücke, die Mozart komponierte – viele Legenden sind darum entstanden, die durch Peter Shaffers Stück Amadeus und den daraus entstandenen Film noch angefacht wurden:

Mythos: ein unbekannter Bote bestellt ein Requiem, das für Mozarts eigene Beerdigung zu sein scheint. Realität : Der Auftraggeber war Graf Walsegg-Stuppach, der sich bei der Übergabe des Auftrags wohl tatsächlich anonymer Boten bediente. Die wahre Identität des Auftraggebers wurde Constanze Mozart erst im Jahr 1800 bekannt

Mythos: Antonio Salieri half Mozart auf seinem Totenbett bei der Vervollständigung Realität : Vervollständigung durch Süßmayr auf Constanzes Drängen.

Mythos: Es wurde auf Mozarts Beerdigung gespielt Realität : Mozart wurde am 6. oder 7. Dezember 1791 in einem Schachtgrab beerdigt. Ein Gedenkgottesdienst in der Wiener Hofpfarrkirche St. Michael wurde für den 10. Dezember 1791 von Emanuel Schikaneder organisiert, auf dem angeblich das Requiem-Fragment gespielt wurde – tatsächlich weiß man nicht, welche Teile des Requiems zur Aufführung kamen

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40. Sinfonie (Mozart)Wolfgang Amadeus Mozart schrieb seine 40. Sinfonie in g-Moll, KV 550 1788.Sie wird manchmal als die große g-Moll-Sinfonie bezeichnet, im Unterschied zur kleinen, der 25.. Diese beiden Sinfonien sind die einzigen, die Mozart in einer Molltonart geschrieben hat.

KompositionMozart schrieb seine 40. Sinfonie während einer außergewöhnlich produktiven Phase innerhalb weniger Wochen, in denen auch die 39. und die 41., die später Jupiter-Sinfonie genannt wurde, entstanden. Es wird angenommen, dass Mozart sich mit diesen Kompositionen auf eine Englandreise vorbereitete, die aber niemals zustande kam.Tatsächlich gibt es keinen Beweis, dass die 40. zu Mozarts Lebzeiten aufgeführt wurde. Lediglich die Tatsache, dass sie in zwei Versionen existiert, der ursprünglichen aus 1788 und einer späteren, in der Mozart eine Partitur für 2 Klarinetten hinzufügte und die für Oboe änderte, lässt darauf schließen, dass er eine spezielle Aufführung im Sinn hatte.

Die MusikDie Sinfonie wurde (in seiner revidierten Fassung) geschrieben für Flöte, 2 Oboen, 2 Klarinetten, Fagott, 2 Waldhörner, und einer Streichergruppe, bestehend aus der üblichen ersten und zweiten Violine, Viola, Cello und Kontrabass. Bemerkenswert ist, dass Trompeten und Kesselpauken fehlen.

Die Sinfonie hat vier Sätze im üblichen Arrangement (schnell, langsam, Menuett, schnell) für ein Orchester aus der Zeit der klassischen Musik.Molto allegro Andante Menuetto: Trio Allegro assai

Jeder Satz, mit Ausnahme des dritten, ist in Sonatenform; das Menuett und das Trio sind in der üblichen Dreierform (ABA).

Der erste Satz beginnt düster mit einem Pulsieren in den Violas, dem bald das erste Thema folgt. Die Technik, den Zuhörer sofort ins Geschehen zu bringen, ohne eine formelle Introduktion zu bringen, wurde später die bevorzugte Art der Romantik. Beispiele dafür sind der erste Satz in Mendelssohns Violinkonzert und in Rachmaninows drittem Klavierkonzert.

Der zweite Satz ist ein lyrisches Stück im Sechsachteltakt in Es-Dur, der Terzparallele der dominierenden Tonart g-Moll.

Das Menuett beginnt mit einem zornigen, kreuzbetonten lähmendem Rhythmus; verschiedene Kommentatoren führen aus, dass, obwohl die Musik Menuett genannt wird, sie kaum zum Tanzen geeignet sei. Das kontrastierend freundliche Trio, in G-Dur, alterniert das Spiel der Streicher mit dem der Holzbläser.

Der vierte Satz ist weitgehend in eine achttaktigen Phrase geschrieben, der generellen Tendenz zu rechteckigen Rhythmen in den Finales klassischer Sinfonien folgend. Eine bemerkenswert modulierende Passage tritt zu Beginn des Entwicklungsabschnitts auf, in dem jeder Ton bis auf einen in der chromatischen Tonleiter gespielt wird. Anders als viele andere Moll-Finales der klassischen Musik, verharrt dieser Satz entschlossen in der Moll-Tonart bis zum Ende.

Weblinks

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Beethoven´s WerkeBeethovens Stil

Beethoven baut auf den Stil von Philipp Emanuel Bach und Mozart auf, wird durch die Kompositionsweise der Mannheimer Schule und der Franzosen Gretry und Cherubini angeregt, und schreibt Musik von einem bis dahin nie gehörten individuellen Ausdruck. Als Folge davon wird Musik als zu Herzen gehende menschliche Kraft der Empfindung wahrgenommen. In der Konzentration der Form aus dem musikalischen Material ist Beethoven nur noch mit Johann Sebastian Bach vergleichbar. Typisch für Beethoven sind die Kraft der Rhythmik, die melodische Expansion, die dynamischen Kontraste, die Deutlichkeit und Prägnanz der Themen und Motive mit deren Verarbeitungen. Sein Werk hat zu individuellen Deutungen Anlaß gegeben. So bauen die beiden großen musikalischen Linien des 19. Jahrhunderts auf Beethoven auf:

die konservative Linie mit Mendelssohn - Schumann - Brahms, sowie die Neudeutsche Schule mit Liszt- Wagner- und Richard Strauss.

Stilphasen Beethovens:1. bis etwa 1802: die Vorbildwirkung Haydns und Mozarts ist gegeben, 2. bis etwa 1812: Beethoven erarbeitet seinen persönlichen Stil in den tradierten Formen und

Kunstmitteln, 3. die subjektive musikalische Ausdrucksweise gewinnt an Bedeutung, zum Teil unter neuartiger

Verschmelzung mit den Stilmitteln der Variation und der Fuge.

Bedeutung des Beethovens WerkenBeethovens Werke werden überall auf der Erde gespielt. Es gibt unzählige Schallplatten- und CD-

Aufnahmen.Beethovens besonderes Verdienst als Komponist besteht im wesentlichen darin, dass er als der erste die

absolute oder Instrumentalmusik, die seinen Vorgängern nur zum Ausdruck allgemeiner Empfindungen gedient hatte, zur Darstellung eines bestimmten dichterischen Inhalts verwendete und ihre Formen und Ausdrucksmittel zu ungeahntem Reichtum erweitert und vermehrt hat. In diesem Sinne ist er der Schöpfer der modernen Instrumentalmusik. In der ersten Periode seines Schaffens schloss er sich noch aufs engste an Haydn und Mozart an, bis er zu seinem ganz eigenen Stil fand. Was ihn nun vor diesen Vorgängern auszeichnet, die ja ihrerseits schon die Sprache der Instrumente zu reicher Entwicklung geführt hatten, ist zunächst die weitere Ausgestaltung der übernommenen Formen zu größeren, den neuen Ideen angemessenen Dimensionen. Unter seinen Händen erweiterte sich das Menuett zum viel sagenden Scherzo, das Finale, vor Beethoven meist nur ein heiter und lebhaft sich verlaufender Ausgang, wurde bei ihm zum Gipfelpunkt der Entwicklung des ganzen Werks und übertrifft an Wucht und Breite nicht selten den ersten Satz. Das andere Neue war die überall erkennbare Einheit eines zusammenfassenden Gedankens. Was er in einzelnen Werken (z. B. in den Klaviersonaten Pathétique und Appassionata, Les Adieux, in der "Eroica" und in der Pastoral-Sinfonie) schon durch den Titel deutlich machte, lässt sich auf die Mehrzahl seiner Instrumentalwerke anwenden: dass die in den einzelnen Teilen dargestellten Seelenzustände in einer inneren Beziehung zueinander stehen und daher die Werke recht eigentlich als Tondichtungen zu bezeichnen sind.

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Beethoven-Denkmal in Frankfurt am Main

Erste Epoche des individuellen SchaffensSie begann mit der Herausgabe der ersten drei Klaviertrios Op. 1 (1795) und endete etwa mit den Jahren

1800-1802.Die 1. Sinfonie gehört dazu. Im Alter von 29 Jahren nahm Beethoven sie in Angriff und vollendete sie

am Anfang des darauf folgenden Jahres. Sie wurde mit großem Erfolg am 2. April 1800 uraufgeführt. Bahnbrechend in dieser Zeit waren die Klavierkompositionen, sowohl in der Form des Konzerts als auch der Sonate und Variation, nicht nur in der Technik, sondern auch im Zuschnitt der Sätze und des Ganzen.

Zweite SchaffensperiodeSie begann etwa in den Jahren 1800-1802 und dauerte bis 1814. Hierher gehören vor allem die

Sinfonien.

Eroica und Fidelio

Mit der 3. Sinfonie fand Beethoven endgültig zur Form der großen Sinfonie. Ursprünglich trug sie den Titel „Sinfonia grande, intitolata Bonaparte“ (benannt nach Napoleon). Nachdem er jedoch erfuhr, dass Napoleon sich am 18. Mai 1804 die Kaiserkrone aufgesetzt hatte, radierte er in großer Wut den Namen aus dem Titelblatt. Seine neue Überschrift hieß nun „Heroische Sinfonie, komponiert um das Andenken eines großen Mannes zu feiern“, heute wird sie meistens mit ihrem italienischen Titel Eroica genannt. Uraufgeführt wurde sie im August 1804 im Wiener Palais des Fürsten Lobkowicz, dem sie nun auch gewidmet war.

1805 wurde Beethovens einzige Oper, Fidelio, uraufgeführt. Sie hatte, wie auch viele andere Werke, etliche Überarbeitungen erlebt und hieß ursprünglich "Leonore". In der dritten und bleibenden Fassung (mit der E-Dur-Ouvertüre) kam sie 1814 auf die Bühne. Beethoven hat mit ihr keine neuen Wege dramatischer Gestaltung beschritten. Ihre besondere Stellung hat sie nach wie vor durch den reichen und tiefen, menschlich interessanten und berührenden Stoff und die Qualität ihrer Musik.

Symphonie Nr. 3, Es-Dur; op. 55, "Eroica"Ludwig van Beethoven

Aufführungsdauer: ca. 52 MinutenUraufführung: 3. Jänner 1805Widmungsträger: Fürst Franz Joseph von Lobkowitz (siehe "Österreich-Lexikon") Orchester: 2 Flöten, 2 Oboen, 2 Klarinetten, 2 Fagotte, 3 Hörner, 2 Trompeten, Pauken, Streicher.

Zur Widmungsgeschichte Ursprünglich war die Symphonie Napoleon Bonaparte gewidmet, doch wurde diese Widmung nach

der eintreffenden Nachricht von der Kaiserproklamation Napoleons zurückgenommen.

Uraufführung

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Diese vollzog sich am 3. Jänner 1805 in einer privaten Aufführung für den Fürsten Lobkowitz in seinem Palais, dem heutigen Palais Lobkowitz, Wien I. Dieser Saal trägt heute den Namen "Eroica -Saal". Im Rahmen eines Hauskonzertes fand auch im August 1804 eine Aufführung dieses Werkes statt. Fürst Lobkowitz hatte sich das Aufführungsrecht zum persönlichen Gebrauch für ein halbes Jahr reservieren lassen. Als Orchester fungierte ein kleines Privatorchester, die Zuhörer waren ein kleiner Kreis geladenener Gäste.

Die erste öffentliche Aufführung fand am 7. April 1805 im Theater an der Wien statt.

Sätze (HÖRBEISPIELE)

1. Satz: Allegro con brio2. Satz: Marcia funebre (Adagio assai)3. Satz: Scherzo4. Satz: Finale (Allegro molto-Poco Andante-Presto)

Beethoven urteilt über seine Symphonie aus dem Jahre 1806:

"Diese Symphonie, die über das gewohnte Maß ausgedehnt ist, möge lieber kurz nach Beginn, als gegen das Ende einer musikalischen Veranstaltung angesetzt werden, etwa nach einer Ouverture, einer Arie oder einem Konzert. Sie würde sonst, wenn der Zuhörer von dem Vorhergegangenen bereits ermüdet ist, von ihrer Wirkung verlieren." (Anmerkungen Beethovens in der 1806 erschienenen Erstausgabe der Partitur im "Verlag für Kunst und Industrie")

Beethoven hatte vor Beginn der Arbeit an der "Eroica" die Gewißheit erhalten, daß er in den folgenden Jahren ertauben würde.

Die Anregung zur Symphonie "Eroica" Die Anregung auf Napoleon Bonaparte eine Symphonie zu schreiben, stammt höchstwahrscheinlich

von General Bernadotte, dem damaligen französischen Gesandten in Wien. Jean Baptiste Bernadotte (1763 - 1844), Schwager Napoleons, war in den französischen Revolutionskriegen General, wurde 1806 von Napoleon I. zum Fürsten von Pontecorvo erhoben, 1810 von den schwedischen Ständen zum Kronprinzen gewählt und vom schwedischen König Karl XIII. adoptiert. Er veranlaßte den Anschluß Schwedens an die Gegner Napoleons und befehligte in den Befreiungskriegen die Nordarmee. Beethoven begeisterte sich an der Persönlichkeit Napoleons und sah in ihm die politische Figur, die die Ideale von Freiheit, Gleichheit und Brüderlichkeit in Europa durchsetzen könnte. Er sah in ihm einen Nachfolger jener Konsuln, die einst das alte Rom zur Freiheit erhoben und zur Weltherrschaft geführt haben.

Bernadotte erbot sich, die fertiggestellte Partitur an Bonaparte zu überbringen. Das Titelbatt trug bereits den Vermerk "intitolata Bonaparte" von "Luigi van Beethoven", als die Nachricht eintraf, daß sich Napoleon zum Kaiser der Franzosen ausrufen habe lassen. Der Senatsbeschluß über die Umwandlung Frankreichs in ein erbliches Kaisertum wird in einer Volksabstimmung gebilligt. Nachdem Papst Pius VII. die Salbung vollzogen hatte, krönt Napoleon am 2. Dezember 1804 sich und seine Gemahlin Josephine Beauharnais in der Kirche Notre-Dame zu Paris.

Beethovens Reaktion auf diese Nachricht hat sein Schüler und Vertrauter Ferdinand Ries übermittelt.

"Ist er auch nichts anderes wie ein gewöhnlicher Mensch? Nun wird er auch alle Menschenrechte mit Füßen treten, nur seinem Ehrgeize frönen, er wird sich nun höher wie alle anderen stellen, ein Tyrann werden!"

Als Widmumgsträger wurde daraufhin Fürst Franz Joseph von Lobkowitz eingesetzt, in dessen Palast die erste Aufführung stattfand.

Das Werk erschien 1806 unter dem Titel "Sinfonia eroica, composita per festiggiare il sovvenire di un grandґuomo" (Heldensymphonie, niedergeschrieben, um das Andenken an einen großen Mann zu feiern.) Vom Ideal Napoleon ist das Andenken an einen großen Mann geblieben.

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Mit der "Eroica" gelingt Beethoven der entscheidende Schritt von der "klassischen" Symphonie des 18. Jahrhunderts zur "großen" Symphonie des 19. Jahrhunderts: neu sind die ungewöhnlichen Ausmaße, die kühn klingende Instrumentation und Harmonik und die damit verbundene weltbürgerliche Sprache. Werkgeschichte

In einem erhaltenen Eroica Skizzenbuch (1802/04) ist belegt, daß Beethoven die ersten Entwürfe zur Eroica im Jahre 1801 komponierte. Vom Mai bis November 1803 entstanden in Baden bei Wien und in Oberdöbling (heute Wien XIX., Döblinger Hauptstraße 92) die wesentlichen Teile der Symphonie. Die Partitur war Anfang 1804 vollendet und trug den Titel "Symphonie grande, intitolata Bonaparte".

Die erste öffentliche Aufführung fand am 7. April 1805 unter Beethovens Leitung im Theater an der Wien statt. Autograph

Die Urschrift ist verschollen, doch unterrichtet ein erhalten gebliebenes Skizzenbuch, das sich heute in Moskau befindet, vom Fortgang der Arbeit. Beethoven dürfte im Sommer 1803 nur an der "Eroica" gearbeitet haben, es gibt keine Belege, daß auch an anderen Werken gearbeitet wurde ( Zu den Wohngewohnheiten Beethovens in Wien).

Neuartiges Die "Eroica" - die erste große Symphonie der Musikgeschichte. Die dritte Symphonie Beethovens bedeutet einen Bruch mit den Klangerscheinungen der damals gebräuchlichen symphonischen Werke.

Erweiterung der Form Harmonische Neuerungen Rhythmische Kühnheiten (Gegenrhythmus) Neue leidenschaftliche Tonsprache Erweiterung der Coda zur zweiten Durchführung Einführung neuer Themen in der Durchführung Aufnahme des Trauermarsches Das gleichzeitige Erklingen von Tonika und Dominante vor der Reprise des 1. Satzes ("falsche Stelle")

Symphonien Nr. 5 c-moll, Nr. 6 F-Dur und Nr. 7 A-DurSeine 5. Symphonie wurde in der Vergangenheit auch „Schicksalssinfonie“ genannt, sie entstand in einer schweren Lebensphase des Komponisten (über die vier berühmten Anfangstöne soll Beethoven gesagt haben: "So pocht das Schicksal an die Pforte", allerdings wurde dies inzwischen als spätere legendarische Zuschreibung belegt). Am 22. Dezember 1808 wurde sie zusammen mit der 6. Symphonie (Pastorale), dem vierten Klavierkonzert und Teilen der C-Dur Messe uraufgeführt. Die Pastorale ist nicht im eigentlichen Sinne Programmmusik, wie sie fälschlich oft bezeichnet wird, sondern nach Beethovens eigener Aussage "mehr Ausdruck der Empfindung als Malerei". Damit befindet sich die Symphonie immer noch auf dem Boden der Klassik und ist nicht Vorbereiter oder Wegweiser zu den Symphonischen Dichtungen der Romantik. Franz Liszt, der die ersten symphonischen Dichtungen schrieb, bezog sich bei der Entwicklung dieses neuen Genres vielmehr auf die Ouvertüren Beethovens, wie etwa Coriolan oder König Stephan. Allerdings stellte die naturbezogene Thematik der Pastorale ein Grundelement der folgenden Epoche der Romantik dar, der Epoche symphonischer Dichtungen schlechthin. Ebenso legte die Kunst der Romantik den Akzent auf das Innerste des Menschen, also sein Empfinden und seine Gesinnung. Unter dem Gesichtspunkt, den wahrscheinlich auch Beethoven für seine Pastorale eingenommen hatte, könnte diese sehr wohl als Romantikvorläuferin betrachtet werden. Dafür spricht die Formerweiterung auf fünf Sätze ebenso wie der Einbezug von Instrumenten (z.B. Piccoloflöte), die im klassischen Symphonieorchester nicht heimisch sind. Noch deutlicher jedoch leitete die 9. Symphonie die Romantik ein.

Symphonie Nr. 5, op. 67, c-MollLudwig van Beethoven

Aufführungsdauer: ca. 30 MinutenEntstehungszeit: erste Aufzeichnungen reichen in das Jahr 1800 zurück, direkte Niederschriften finden sich in seinem Skizzenbuch vom Feber und März 1804, die Fertigstellung erfolgte vom April 1807 bis zum Frühjahr 1808.Uraufführung: 22. Dezember 1808 im Theater an der Wien.Widmungsträger: Fürst Franz Joseph von Lobkowitz (siehe "Österreich-Lexikon") und Graf Andreas Kyrillowitsch von Rasumovsky.

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Orchester: 2 Flöten, 1 Piccoloflöte, 2 Oboen, 2 Klarinetten, 2 Fagotte, 1 Kontrafagott, 2 Hörner, 2 Trompeten, 3 Posaunen, Pauken, Streicher.

Uraufführungskonzert Unter Beethovens Leitung wurde an diesem Tag im Theater an der Wien, die Fünfte, die Sechste

("Pastorale"), das 4. Klavierkonzert op. 58, die Chorphantasie op. 80, sowie mehrere Sätze der C-Dur Messe, op. 86, uraufgeführt.

Die 5. und 6. Symphonie waren damals noch umgekehrt numeriert. Das Konzert war nicht nur im zeitlichen Ablauf zu lang - heute würde dieses Konzertprogramm zweieinhalb Konzertabende füllen - das Theater an der Wien war überdies nicht geheizt, der Besuch war spärlich. Chor und Orchester waren aus heterogenen Teilen zusammengesetzt, es konnte nicht genügend geprobt werden, Solisten, so Frau Anna Milder, sagte kurzfristig ihre Mitwirkung ab, sodaß Ersatz geschaffen werden mußte. Beethoven geriet mit dem Orchester in Streit, die Musiker verbaten sich seine Anwesenheit während des Einstudierens. Als Klaviersolist war Beethovens Schüler Ferdinand Ries vorgesehen, der jedoch den Solopart zu spielen ablehnte, weil er erst fünf Tage vor dem Konzerttermin die Noten ausgehändigt bekam - so mußte Beethoven selbst als Solist auftreten.

Sätze

1. Satz: Allegro con brio2. Satz: Andante con moto3. Satz: Allegro4. Satz: Allegro

Letzte SchaffensperiodeDie Jahre 1814-18 bedeuteten einen relativen Stillstand in Beethovens Produktion. In diesem kurzen

Zeitraum traten nur ganz vereinzelt größere Kompositionen, z. B. die Sonate in A (1815), der "Liederkreis" u. a., hervor. Krankheit und bitteres häusliches Leid hemmten seine Phantasie. Nach Überwindung dieser Zeit der Entmutigung war er in mancher Beziehung verändert. Sein Empfinden war bei völliger Abgeschlossenheit gegen die Außenwelt noch mehr verinnerlicht, infolgedessen der Ausdruck häufig noch ergreifender und unmittelbarer als früher, dagegen die Einheit von Inhalt und Form mitunter nicht so vollendet wie sonst, sondern von einem subjektiven Moment stark beeinflusst.

Die Hauptwerke dieser dritten Epoche sind die "Missa solemnis" (1818-22), die Beethoven selbst für sein vollendetstes Werk hielt, und die neunte Sinfonie in d-moll (1823-24). Außerdem gehören zu dieser Zeit: die Ouvertüre "Zur Weihe des Hauses", Op. 124 (1822), die Klaviersonaten Op. 106 in B-Dur (1818), Op. 109 in E-Dur, Op. 110 in As-Dur (1821) und Op. 111 in c-moll (1822), mehrere kleinere Stücke für Klavier und Gesang und schließlich die letzten großen Streichquartette Op. 127 in Es -Dur(1824), Op. 130 in B-Dur und Op. 132 in a-moll (1825), Op. 131 in cis-moll und Op. 135 in F-Dur (1826). Viele Entwürfe, darunter der zu einer zehnten Symphonie, befanden sich im Nachlass des Komponisten.

9. Sinfonie1824 vollendete Beethoven die 9. Sinfonie. Der letzte Satz mit dem Chorfinale zu Schillers Ode "An die Freude", in dem Beethoven eine Volksweise verarbeitete, hat dieses Werk sehr populär gemacht. Die Musik drückt das Ringen eines Menschenherzens aus, das sich aus Mühen und Leiden nach dem Tag reiner Freude sehnt, der ihm doch in voller Klarheit und Reinheit nicht beschieden ist. Die ersten drei Sätze mit ihrer grandiosen Architektur, Instrumentierung und Themenverarbeitung wurden richtungsweisend für die Sinfoniker der Romantik bis hin zu Gustav Mahler. Die Uraufführung der 9. Sinfonie erfolgte zusammen mit Teilen der „Missa Solemnis“ am 7. Mai 1824. Beethoven wollte, da er die Aufführung nicht mehr selbst leiten konnte, den Dirigenten durch Angabe der Tempi unterstützen. Das Orchester war allerdings angewiesen worden, dies nicht zu beachten

Klaviersonate Nr. 8 c-Moll op.13 (Beethoven)

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wurde von Beethoven Grande Sonate Pathétique bezeichnet und unter dem Namen Pathétique bekannt. Sie ist dem Fürsten Karl von Lichnowsky gewidmet.

Die Sonate hat 3 Sätze.Grave; allegro di molto e con brio Noten Adagio cantabile Noten Rondo: allegro Noten

Der erste Satz wird von einem langsamen Teil (Grave) mit einem seufzerischen Thema eingeleitet, der in der Dominante endet. Das Haupthema des Allegro ist eine in Stakkato aufsteigende Moll-Skala mit großer Terz in der rechten Hand. Dazu sorgen die Oktav-Tremoli in der linken Hand für eine ungeheure Dramatik, die es bis zum Zeitpunkt der Entstehung in der Klaviermusik noch nicht gab.

Am Ende der Exposition erscheint vor der Durchführung wieder der Grave-Teil, dessen Thema in der Durchführung, wieder begleitet mit Oktav-Tremoli, in der linken Hand aufgegriffen wird. In der Coda erscheint das Grave-Thema ein drittes Mal, ehe der Satz mit der Wiederholung des Hauptthemas furios endet.

Das Thema des langsamen Satzes ist eines der bekanntesten Themen Beethovens. Interessant ist die Rhythmisierung: die Triolen des mittleren Teils werden in der Begleitung des Hauptthemas im dritten Teil fortgeführt.

Das Rondo ist ein verspielter Satz mit einem aufsteigenden Thema das an das Seitenthema der ersten Satzes anknüpft.

Hauptwerke Beethoven´s9 Sinfonien 5 Klavierkonzerte Violinkonzert D-Dur op. 61, 1806 Tripelkonzert für Klavier, Violine und Violoncello C-Dur op. 56, 1804-1805 Oper (Fidelio bzw. Leonore), op. 72. Für diese Oper schrieb Beethoven vier verschiedene Ouvertüren (drei Leonoren-Ouvertüren und eine Fidelio-Ouvertüre) 1804-1814 Musik zum Bühnenwerk „Egmont“ op. 84, 1809-1810 Coriolanouvertüre c-moll op. 62, 1807 Ein Oratorium „Christus am Ölberge“ op. 85, 1803-1804 Messe C-Dur op. 86, 1807 Missa Solemnis D-Dur op. 123, 1819–1823, zur Inthronisation seines Schülers und Förderers Erzherzog Rudolf von Österreich, Kardinalerzbischof von Olmütz 32 Klaviersonaten Zahlreiche Lieder und Volksliedbearbeitungen

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Schubert als SymphonikerVon Schubert sind acht Symphonien erhalten, die ersten sechs stehen unter dem Einfluß von Mozart und Haydn. Die 7. Symphonie (C-Dur, 1828) wurde von Robert Schumann 1838 bei Schuberts Bruder Ferdinand entdeckt. Sie wird auch die 9. Symphonie genannt. Die 8. Symphonie aus dem Jahre 1822 in h-Moll, wird als "Die Unvollendete" bezeichnet. Sie wurde erst 1865 zur Uraufführung gebracht. Skizzen zum 3. Satz, dem Scherzo, sind vorhanden. Die "Gasteiner Symphonie" ist verschollen. Sie ist der Gesellschaft der Musikfreunde in Wien gewidmet, von der er dafür ein Ehrengeschenk von 100 Gulden erhielt. Der Eingang der Partitur ist im Archivverzeichnis der Gesellschaft vermerkt. In seinen letzten beiden Symphonien knüpft Schubert an Beethoven an, findet jedoch bereits den Übergang zur Hochromantik: Liedhafte Themen, neuartige Themenfortführung in der Durchführung, Ausschöpfen der Stimmungskraft der Harmonik, Schwanken zwischen Dur und Moll, Verwendung des Horns als melodisches Soloinstrument, individuelle Instrumentalfarben.

Schubert als Liedkomponist

Er schrieb über 660 Lieder, 66 davon auf Goethe-Gedichte. 1811 entsteht sein erstes Lied - "Hagars Klage". 1814 und 1815 entstehen "Gretchen am Spinnrad", "Erlkönig", "Heidenröslein". Eine formale Entwicklung oder eine künstlerische Steigerung im Liedschaffen ist nicht feststellbar. Stärkstes Mittel der Charakteristik ist der melodische Erfindungsreichtum.

Von Schubert existieren zwei Liedzyklen: "Die schöne Müllerin" aus dem Jahre 1823. die "Winterreise" aus dem Jahre 1827. Beide Zyklen sind nach Gedichten von Wilhelm Müller komponiert.

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„Die schöne Müllerin“Die schöne Müllerin (op. 25, D. 795) ist ein Liederzyklus für Singstimme und Klavier von Franz Schubert, der 1823 komponiert wurde.

Textbasis ist die Gedichtsammlung "Die schöne Müllerin" von Wilhelm Müller, enthalten in den 1821 erschienenen "77 nachgelassenen Gedichten aus den Papieren eines reisenden Waldhornisten". Von den 25 Gedichten wurden 20 vertont. Der Inhalt bezieht sich nach Quellen und Briefen auf seine unglückliche Beziehung zu Luise Hensel.

InhaltDer Inhalt ist typisch romantisch: Ein junger Müllersgeselle befindet sich auf Wanderschaft. Er folgt dem Lauf eines Baches, der ihn schließlich zu einer Mühle führt. Dort verliebt er sich unglücklich in ein Mädchen, die Tochter seines neuen Meisters. Doch die angestrebte Liebesbeziehung zur schönen und für ihn unerreichbaren Müllerin scheitert. Zwar scheint sie ihm zunächst nicht abgeneigt, doch dann wendet sie sich einem Jäger zu, denn dieser hat den angeseheneren Beruf und verkörpert Maskulinität und Potenz. Aus Verzweiflung darüber ertränkt sich der unglückliche Müller in dem Bach, der im Liederzyklus selbst den Rang einer teilnehmenden "Figur" einnimmt: Er wird häufig vom Müller direkt angesprochen; im vorletzten Lied (Der Müller und der Bach) singen beide im Wechsel, im letzten Lied schließlich (Des Baches Wiegenlied) singt der Bach ein ergreifendes und wehmütiges Schlaf- und Todeslied für den Müller, der in ihm ruht wie im Totenbett.

Die ersten Lieder des Zyklus sind freudig und vorwärts drängend komponiert, was sich auch in der virtuosen Klavierbegleitung niederschlägt. Der zweite Teil des Liederzyklus kippt in Resignation, Wehmut und ohnmächtigen Zorn um und verweist in seiner Todessehnsucht auf das zweite große vokale Werk Schuberts: Die Winterreise. Die Grenzen zwischen unbändigem Lebenswillen, Angst und Verzagtheit, Wehmut bis hin zur Depression sind in beiden Werken bis auf das Äußerste ausgelotet und führen sowohl die Interpreten als auch die Hörer des Werkes in Grenzbereiche der menschlichen Psyche. In der Komposition spiegelt sich neben Schuberts eigener unglücklicher Liebe auch seine von Kreativität und schwerer Krankheit geprägte Lebensstimmung. Diese Befindlichkeit der Seele und Wahrnehmung der Welt als Wille und Vorstellung findet sich in sprachlicher Form auch in den philosophischen Werken des Zeitgenossen Arthur Schopenhauer und des frühen Friedrich Nietzsche.

Das Werk zählt neben der Winterreise zu den Höhepunkten der Kammermusik des 19.Jahrhunderts und der Gattungen Liederzyklus und Kunstlied.

LiedertitelDas Wandern Wohin? Halt! Danksagung an den Bach Am Feierabend Der Neugierige Ungeduld Morgengruß Des Müllers Blumen Tränenregen Mein! Pause Mit dem grünen Lautenbande Der Jäger Eifersucht und Stolz Die liebe Farbe Die böse Farbe Trockne Blumen Der Müller und der Bach Des Baches Wiegenlied

„Winterreise“Die Winterreise ist ein Zyklus von 24 Liedern für Singstimme und Klavier, den Franz Schubert im Herbst 1827, ein Jahr vor seinem Tod, vollendete.

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EntstehungDie Texte stammen von Wilhelm Müller (1794-1827). Sie sind enthalten in seiner 1821 erschienenen Sammlung „77 Gedichte aus den hinterlassenen Papieren eines reisenden Waldhornisten“. Müller kam aus Dessau und verkehrte im schwäbischen Dichterkreis um Ludwig Uhland, Justinus Kerner, Wilhelm Hauff und Gustav Schwab. Beeinflusst wurde er von den Romantikern Novalis (Friedrich von Hardenberg), Clemens Brentano und Achim von Arnim. Franz Schubert fühlte sich von den Texten unmittelbar angesprochen und vertonte sie im Todesjahr Wilhelm Müllers.

InhaltGeprägt von Todessehnsucht und Trauer, scheint „Die Winterreise“ das Lebensgefühl des von Syphilis

gezeichneten und durch Ludwig van Beethovens kürzlichen Tod schwer getroffenen Schubert wiederzuspiegeln.„Fremd bin ich eingezogen, fremd zieh ich wieder aus“ - mit diesen Versen beginnt die „Winterreise“, einer der bekanntesten Liederzyklen der Romantik, mit dem Schubert eine Darstellung des existentiellen Schmerzes des Menschen von fast schon mythischer Größe gelang. Im Verlauf des Zyklus wird der Hörer immer mehr zum Begleiter des Wanderers, der zentralen Figur der Winterreise. Dieser hat nach einem Liebeserlebnis, das bereits vor Beginn des Zyklus' abgeschlossen ist, Liebe und Geborgenheit bewusst und aus eigener Entscheidung hinter sich gelassen und zieht ohne Ziel und Hoffnung hinaus in die Winternacht.

Innerhalb des Zyklus lässt sich kein durchgehender Handlungsstrang erkennen. Es handelt sich eher um einzelne Eindrücke eines jungen Wanderers. Auf den 24 Stationen seines passionsgleichen Weges ist er zunächst starken Stimmungsgegensätzen von überschwänglicher Freude bis hin zu hoffnungsloser Verzweiflung ausgesetzt - von Schubert durch den häufigen Wechsel des Tongeschlechts verdeutlicht -, bevor sich allmählich eine einheitliche, jedoch vielfältig schattierte, düstere Stimmung durchsetzt.

Im Ausklang des Zyklus trifft der Wanderer auf den Leiermann, der frierend seine Leier dreht, aber von niemandem gehört wird. Die Melodie erstarrt hier zur banalen Formel, das musikalische Leben hat sich verflüchtigt und das Gefühl scheint aus einem verloschenen Herzen entwichen zu sein - und doch gelingt Schubert in dieser Szenerie unendlicher Hoffnungslosigkeit hier eines seiner anrührendsten und gleichzeitig schlichtesten Lieder.Mit der Frage „Willst zu meinen Liedern Deine Leier dreh´n?“ endet die „Winterreise“. Manche sehen in diesem Lied die Kunst als letzte Zuflucht dargestellt, andererseits wird der Leiermann, dem der Wanderer sich anschließen will, auch als Tod gedeutet.Die geistige Welt und die Befindlichkeit der menschlichen Psyche im Liederzyklus „Winterreise“ findet sich auch in den Gemälden von Caspar David Friedrich und in der Philosophie des jungen Arthur Schopenhauer.

Lieder

Gute Nacht (Fremd bin ich eingezogen) D 911,1 d-Moll Die Wetterfahne (Der Wind spielt mit der Wetterfahne) D 911,2 a-Moll Gefrorene Tränen (Gefrorne Tropfen fallen) D 911,3 f-Moll Erstarrung (Ich such im Schnee vergebens) D 911,4 c-Moll Der Lindenbaum (Am Brunnen vor dem Tore) D 911,5 E-Dur Wasserflut (Manche Trän aus meinen Augen) D 911,6 e-moll Auf dem Flusse (Der du so lustig rauschtest) D 911,7 e-Moll Rückblick (Es brennt mir unter beiden Sohlen) D 911,8 g-Moll Irrlicht (In die tiefsten Felsengründe) D 911,9 h-Moll Rast (Nun merk ich erst, wie müd ich bin) D 911,10 c-Moll Frühlingstraum (Ich träumte von bunten Blumen) D 911,11 A-Dur Einsamkeit (Wie eine trübe Wolke) D 911,12 h-Moll (Kompositionspause von Schubert)Die Post (Von der Straße her ein Posthorn klingt) D 911,13 Es-Dur Der greise Kopf (Der Reif hatt einen weißen Schein) D 911,14 c-MollDie Krähe (Eine Krähe war mit mir) D 911,15 c-Moll Letzte Hoffnung (Hie und da ist an den Bäumen) D 911,16 Es-Dur Im Dorfe (Es bellen die Hunde, es rasseln die Ketten) D 911,17 D-Dur Der stürmische Morgen (Wie hat der Sturm zerrissen) D 911,18 d-Moll Täuschung (Ein Licht tanzt freundlich vor mir her) D 911,19 A-Dur Der Wegweiser (Was vermeid ich denn die Wege) D 911,20 g-Moll Das Wirtshaus (Auf einen Totenacker) D 911,21 F-Dur Mut (Fliegt der Schnee mir ins Gesicht) D 911,22 g-Moll Die Nebensonnen (Drei Sonnen sah ich am Himmel stehn) D 911,23 A-Dur Der Leiermann (Drüben hinterm Dorfe) D 911,24 a-Moll

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Schuberts Liedtypen: Strophenlied bei strenger Strophengleichheit (z.B. "Heidenröslein"). Strophenlied mit gelegentlicher Variierung einzelner Strophen gemäß dem Text ("Des Baches

Wiegenlied", "Du bist die Ruh", "Der Lindenbaum"). Durchkomponiertes Lied mit eigener Melodie für jede Strophe, wobei auf zahlreiche Kombinationen

zurückgegriffen wird, z.B. Deklamation im Wechsel mit Arioso, Arie oder Strophe, Vereinheitlichung durch motivisch-symphonische Gesamtanlage ("Prometheus", "Der Doppelgänger", "Letzte Hoffnung").

In der Verbindung von Gesang und Klavier lassen sich etwa folgende charakteristische Formen unterscheiden: 1. Volksliedähnliche Lieder mit der Melodie ausschließlich in der Gesangstimme, die Klavierbegleitung

ist nur Begleitung ("Das Wandern", "Das Heidenröslein"). 2. Das formal bindende Element liegt im Klavierpart, durch Charakteristisches in der Koloristik und

Harmonik wird eine Annäherung an das Symphonische erreicht ("Die junge Nonne", "Der Wanderer").

3. Das deklamatorische Lied, bei dem das Gedicht die musikalische Anlage allein bestimmt ("Der Doppelgänger").

4. Singstimme und Klavier: das vokale Element und das instrumentale Element, sind als symphonisches Gewebe organisch, gleichrangig und untrennbar miteinander verbunden.

Schubert schöpfte aus der Dichtung seiner Zeit: Hölty, Matthison, Salis, Klopstock, Goethe, Schiller, Claudius, Körner, Mayrhofer, Wilhelm Müller, Rellstab, Heine. Sein Liedschaffen hat sich an Goethes Dichtungen entzündet.Schubert als Kirchenmusiker

Sechs Messen, Deutsche Messe, kleinere Kirchenwerke.

Schuberts Messen entstammen dem volkstümlichen Empfinden des Wiener Bodens. Sie zeichnen sich durch melodisches Empfinden aus. Höhepunkt sind die Messen in As-Dur (1819 - 1822) und Es-Dur (1828). Sie haben den Charakter von Festmessen.

Schubert als Klavierkomponist

21 Sonaten "Wandererfantasie", 1822 8 Impromptus 6 Moments musicaux Märsche Polonäsen Variationen

Schubert schrieb keine Instrumentalkonzerte. Schuberts Klavierstil ist vom Liedhaften beeinflußter Instrumentalstil, aufgebaut auf Kantilenen; auf dramatische Raffung und Themenkontraste wird verzichtet; das Technische wird nie zum Selbstzweck. Schuberts Klavierwerk fehlt die Brillanz (Schubert war kein Konzertpianist). Seine Kleinformen werden von Einfluß für die weitere Entwicklung der Klaviermusik. Die sechs Impromtus haben ihr unmittelbares Vorbild in der 1820 veröffentlichten gleichnamigen Sammlung des tschechischen Komponisten Jan Václav Vorisek. Die Wandererfantasie (instrumentiert von Liszt, siehe "Österreich-Lexikon") weist auf die einsätzige, mehrteilige Phantasiesonate voraus.

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Symphonie Nr. 8, h-Moll "Die Unvollendete"Franz Schubert

Enstehungszeit: Im Oktober 1822 in WienAufführungsdauer: ca. 23 MinutenUraufführung: in Wien am 17. Dezember 1865 im großen Redoutensaal der Wiener HofburgOrchester: 2 Flöten, 2 Oboen, 2 Klarinetten, 2 Fagotte, 2 Hörner, 2 Trompeten, 3 Posaunen, Pauken, Streicher.

Zur Entstehungsgeschichte Die h-Moll Symphonie ist das berühmteste Werk Schuberts auf symphonischen Gebiet. Einwandfrei

historische Belege zur Entstehungsgeschichte sind bis heute nicht zu erbringen. Sicher ist, daß Schubert im Herbst 1822 das Werk komponierte. Vollendet wurde der erste und zweite Satz - daher rührt auch der Name "Die Unvollendete" - vom Scherzo, dem 3. Satz sind nur neun Takte ausgeführt, sonst sind bis zum Trio nur Skizzen vorhanden. Versuche aus diesem vorhandenen Material das Werk zu ergänzen, wurden z.B. unternommen von Felix Weingartner (1863 - 1942, siehe Österreich-Lexikon"), Dirigent und Komponist, von der musikalischen Welt jedoch nicht angenommen. Das Werk trägt nach aktuellem Stand der Forschung in der Reihe von Schuberts Sinfonien die Nr. 7. Dies war nicht immer so: zunächst wurde die Sinfonie als Nr. 8 gezählt.

Bedeutung der h-Moll-Symphonie Die "Unvollendete" gehört zu den Werken der Musikgeschichte, die einen neuen Bereich der

symphonischen Instrumentalmusik eröffnet. Dieser neue Bereich wird als die musikalische Romantik apostrophiert. Zerlegt man Musik in ihre Bestandteile, so wird der Gesamtklang durch folgende Komponenten bestimmt: Melodie, Harmonie, Rhythmus, Dynamik (Lautstärke) und Instrumentation, die sich in der Klangfarbe ausweist. Bei Schubert, dem "Liederfürsten" und insbesondere bei der Unvollendeten, stechen zwei Komponenten besonders hervor: die Melodie und die Klangfarbe. Diese liedhaften Themen werden oft aus der klanglichen Eigenart bestimmter Instrumente erdacht. Die Instrumentationskunst des 19. Jahrhunderts, wesentlicher Bestandteil der Kompositionstechnik, zeigt sich in der "Unvollendeten" und setzt damit Klangfarbe als gleichberechtigte Komponente neben Rhythmik, Dynamik und Harmonie.

WerkbeschreibungDie Sinfonie besteht aus 2 Sätzen:

Allegro moderato Andante con moto Von einem geplanten 3. Satz Scherzo (Allegro) - Trio hat Schubert nur die ersten 20 Takte orchestriert; das als Klavierskizze notierte Particell zu diesem Satz bricht indes erst mit dem 16. Takt des Trios ab.

GeschichteSchubert arbeitete 1822 an der Sinfonie in h-Moll. Warum er die Arbeit an der Sinfonie einstellte, die nach dem Verständnis zur Entstehungszeit vier Sätze umfassen sollte, ist nicht bekannt. Andererseits bot Schubert die Partitur 1823 dem Steiermärkischen Musikverein als "eine meiner Symphonien in Partitur" an, was darauf hindeutet, dass Schubert selbst sie auch in der zweisätzigen Form als abgeschlossen betrachtete.Dennoch geriet das Werk zunächst in Vergessenheit. Die Uraufführung fand erst am 17. Dezember 1865 statt. Da zu diesem Zeitpunkt die später entstandene Große Sinfonie in C-Dur bereits als Nr. 7 veröffentlicht war, erhielt die "Unvollendete" zunächst die Nr. 8. Erst die neueste Auflage des Deutsch-Verzeichnisses stellte 1978 die chronologische Reihenfolge der Nummerierung wieder her.

Versuche zur Vervollständigung1928, zum 100. Todestag Schuberts, veranstaltete die Columbia Gramophone Company in England

einen Wettbewerb zur Vervollständigung der Sinfonie. Der Pianist Frank Merrick gewann den Wettbewerb, und sein Scherzo und Finale wurden aufgeführt und aufgenommen. Diese beiden Sätze sind aber mittlerweilen vergessen. In jüngster Zeit hat der britische Musikwissenschaftler Brian Newbould eine weitere Vervollständigung der Sinfonie vorgelegt, indem er Schuberts eigene Skizzen des Scherzos (das Trio musste

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ergänzt werden) und die Zwischenaktmusik von Schuberts Begleitmusik zum Schauspiel Rosamunde verwendete.

Die Zwischenaktmusik aus Rosamunde wurde von einigen Musikwissenschafltern lange für das Finale der Sinfonie gehalten. Sie steht auch in h-Moll, die Instrumentation ist identisch, und die musikalische Stimmung ist den beiden vollendeten Sätzen der Sinfonie ähnlich. Falls die Zwischenaktmusik das Finale der Sinfonie sein sollte, dann hätte es Schubert tatsächlich aus der Sinfonie herausgelöst und es stattdessen im Schauspiel verwendet.

Die Werke von Frederic Chopin Chopins Hauptwerk ist für Klavier geschrieben. Das Violoncello ist immerhin in vier Kompositionen

vorgesehen: das Ende der 20er Jahre entstandene Klaviertrio und die Introduction et Polonaise brillante für Klavier und Violoncello sowie das gemeinsam mit seinem Cellisten-Freund Auguste Franchomme verfasste Grand Duo über Themen aus Meyerbeers Oper „Robert der Teufel“. Seine späte Sonate für Violoncello und Klavier steht den drei Klaviersonaten kompositorisch in nichts nach.

Seine Lieder erlangten dagegen nie die Bedeutung, wie sie Lieder von zum Beispiel Franz Schubert, Robert Schumann oder Hugo Wolf erreichten. Um so erstaunlicher mag es erscheinen, dass Chopins Werke, vor allen Dingen solche, die nicht die Fingertechnik in den Vordergrund stellen, gesanglichen Charakter haben. Erforschungen seines Kompositionsstils haben gezeigt, dass alle Melodiephrasen so strukturiert sind, als würde sie ein Sänger interpretieren. Die Melodiebögen enden stets an der Stelle, an der ein Sänger Luft holen würde.

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11 gegen 6, und 22 gegen 12 Töne aus Chopins Nocturne Opus 9 Nr.1

Bezeichnend für seine Werke ist auch die scheinbar völlige Unabhängigkeit der Hände voneinander. Nicht selten hat Chopin passagenweise Triolen, also drei Töne in der rechten gegen zwei in der linken Hand gesetzt. Die zweite Etüde opus posthumus besteht komplett aus dieser Kombination. Auch fünf Töne gegen vier oder 21 gegen sechs; man muss davon ausgehen, dass Chopin diese Verbindungen mühelos spielte, ohne dass es zu rhythmischen Unebenheiten kam. In der Spätromantik kamen solche gegeneinander gesetzte Rhythmen immer häufiger zum Einsatz, allerdings war Chopin mit einer der ersten Komponisten, der das Außergewöhnliche wagte.( Hörbeispiel Nocturne Opus 9 Nr. 1)

Solistische WerkeAls Pole hat Chopin – wie sein Landsmann Karol Kurpiński – den heimatlichen Tänzen, Polonaisen und

Mazurken, ein liebevolles Denkmal gesetzt. Allerdings eignen sich seine Werke nicht, um zum Tanz aufzuspielen, sie sind in den meisten Fällen in zu schnellem Tempo und zu virtuos konzipiert. Einige Polonaisen sind Jugendwerke, die Chopin später nicht veröffentlichen wollte, weil sie ihm zu schlicht waren. Sie sind ohne Opuszahl.

Bezüglich der Tanzbarkeit gilt entsprechendes auch für Chopins Walzer: Ebenfalls in zu raschem Tempo konzipiert, lassen sich mit diesen Werken keine Runden auf dem Parkett drehen. Seine Walzer sind ganz typische Salonstücke, darauf angelegt, angenehm zu unterhalten. Deshalb ist es nicht verwunderlich, dass Chopin mit wenigen Ausnahmen diese Stücke in Dur-Tonarten setzte, stehen diese doch nach dem abendländischen Harmonieverständnis für eine freudvollere Stimmung als die Moll-Tonarten. Der berühmte „Minutenwalzer“ ist übrigens – anders, als man es häufig hört – nicht darauf angelegt, möglichst in einer Minute gespielt zu werden. Das Werk heißt „Minutenwalzer“, weil es Ausdruck dafür ist, „den Augenblick“ festzuhalten. Dieses Stück ist übrigens auch unter dem Namen „Petit chien“ bekannt, da einer Überlieferung nach Chopin durch den Anblick eines jungen Hundes, der versuchte, seinen eigenen Schwanz zu fangen, zu dem sich ständig um den Ton as drehenden Hauptthema inspiriert worden sein soll.

Eine andere von Chopin weiterentwickelte Werkgruppe sind die Nocturnes. Ab Opus 27 veröffentlichte er die Stücke durchweg paarweise, weil er sie als miteinander durch ihren antithetischen Charakter verbunden sah.

Die 24 Préludes sind, wie erwähnt, während des Aufenthalts auf Mallorca entstanden. Robert Schumann, der Jahre zuvor aus dem Munde seines Eusebius angesichts Chopins Komposition Là ci darem la mano (beruhend auf der gleichnamigen Arie aus Mozarts Oper Don Giovanni) jubelte: „Hut ab, ihr Herren, ein Genie“, war schlicht entsetzt. 24 Préludes sind es, weil jeder Tonart eines zugedacht ist. Sie sind in der Reihenfolge des Quintenzirkels angeordnet, im Uhrzeigersinn fortlaufend und stets im Wechsel der Dur- sowie der ihr zugehörigen Moll-Tonart. Beginnend bei C-Dur mit dem sich anschließenden a-Moll, springt Chopin einige Stücke später nach dem Fis-Dur-Prélude wegen der enharmonischen Verwechslung nicht nach dis-Moll, sondern direkt nach es-Moll.

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Chopin-Denkmal in Warschau

Zu Chopins weiteren Werken zählen vier Balladen und vier Scherzi1, sehr konzertante und anspruchsvolle Stücke. Im Mittelteil seines Scherzo op. 20 in h-Moll, dessen erstes Thema atemlos und geradezu verzweifelt daherzukommen scheint (angeblich ist es autobiografisch gefärbt), setzte Chopin seiner Heimat ein Andenken, indem er das Thema des polnischen Wiegenliedes Lulajże Jezuniu, lulajże, lulaj, (Schlaf, kleiner Jesus, schlaf) einarbeitete.

Chopins Etüden op. 10 und op. 25 sowie die drei posthum veröffentlichten Werke dieser Gattung widmen sich technischen Raffinessen, sind aber gleichwohl für konzertante Aufführungen geeignet. Chopin betrat hier Neuland, bisher waren Übungsstücke (etwa von Carl Czerny und Johann Baptist Cramer) vorwiegend technisch orientiert. Im Jahrhundert der Romantik sind nun solche Werke nicht mehr ausschließlich der eigenen Vervollkommnung zugedacht.

Die berühmte „Revolutionsetüde“ in c-Moll – eine heroische Melodie in der rechten Hand über einer technisch anspruchsvollen Sechzehntelbewegung in der Linken – soll anlässlich der Niederschlagung des polnischen Novemberaufstandes 1830 entstanden sein. Dass Chopin mit ihr persönliche Empfindungen wiedergeben wollte, spiegelt nicht nur ihr aufwühlender Charakter, sondern auch der absichtsvoll offen gelassene Schluss (das Werk endet auf einem Dominantakkord).

Beliebtheit erfreut sich auch die Etüde op. 10 Nr. 5 in Ges-Dur, die unter dem Beinamen „Etüde auf den schwarzen Tasten“ bekannt ist. Präzise gesagt ist es aber nur die rechte Hand, die ausschließlich auf den schwarzen Tasten daherwirbelt.In der Sammlung op. 25 fasziniert vor allem die Nr. 11 in a-Moll: Das choralartige, wehmütige Thema wird kurz vorgestellt und dann von virtuosen Passagen in der Oberstimme begleitet.

Unter Chopins Impromptus ist eines des bekanntesten und beim Publikum beliebtesten das Fantasie Impromptu. Es erschien posthum, denn Chopin hatte es nicht zur Veröffentlichung freigegeben. Als Grund hierfür wird angenommen, dass er erst nach dem Entstehen des Stückes erkannt habe, dass der Mittelteil eine unglaubliche Ähnlichkeit mit einem Klavierwerk seines böhmischen Kollegen Ignaz Moscheles hatte. Den Vorwurf des Plagiats wollte Chopin sich nicht anheften lassen.

Im Besonderen: Die SonatenChopins umfangreiches Schaffen für Klavier umfasst erstaunlicherweise lediglich drei Sonaten. Die

zeitliche Nähe zur Wiener Klassik schien es ihm schwer zu machen, mit dieser an strenge Formen gebundenen Gattung umzugehen. Bis in die heutige Zeit hält sich die Kritik, dass er das Genre nicht richtig beherrschte. Gleichwohl ist zu konzedieren, dass Chopin sich möglicherweise gar nicht an die Form halten wollte. Die erste Sonate ist ein Jugendstück (Chopin widmete sie seinem Lehrer Józef Elsner), die dritte (op. 58, entstanden 1844) ein monumentales Werk, reich an Gedankenvielfalt und Kantabilität.

1 Ein Scherzo (gesprochen Skerzo, Mehrzahl Scherzi) ist die Bezeichnung für eine musikalische Satzform. Das Scherzo (von ital. "scherzando" heiter, lustig) ist seit Ludwig van Beethoven zumeist der 3. Satz einer Sonate oder Sinfonie. Das Scherzo ging aus dem Menuett hervor, einem dreiteiligen Tanzsatz, der in der Wiener Klassik, z.B. bei Joseph Haydn und Wolfgang Amadeus Mozart, in die Sonate/Sinfonie integriert wurde und seinen Ursprung wiederum in höfischer Tanzmusik des Barock hat.Ein Scherzo ist zumeist bewegt (schnell) und wird heiter und lebendig gespielt (Tempobezeichnungen: Allegro, Vivace oder Presto). Oft steht es im 3/4-Takt, eingeschoben ist außerdem ein Trio als beruhigender Mittelteil. Das Scherzo kann verschiedene Färbungen entwickeln: vom heiteren Tanzsatz bis hin zu dämonischer (Fryderyk Chopin), schwirrend-schwebender (Felix Mendelssohn Bartholdy), kraftvoll-rustikaler (Anton Bruckner), melancholischer, grotesker (Gustav Mahler) oder tragikomischer (Dmitri Schostakowitsch) Atmosphäre.Das übliche Formschema für Scherzi ist, wie im Menuett, Scherzo - Trio (Mittelteil) - Scherzo, schon Beethoven behandelt die Form aber ziemlich frei. In der Musik der Romantik treten oft weitere Mittelteile hinzu, sodass das Schema hier zum Beispiel A - B - A - C - A heißen kann.

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Die Gemüter am meisten bewegt hat Chopins zweite Sonate in b-Moll (op. 35, entstanden 1839). Seinen berühmten „Trauermarsch“ („marche funèbre“) hatte Chopin bereits 1837 fertiggestellt. In seiner zweiten Sonate, die diesen Trauermarsch als dritten Satz enthält, komponierte Chopin das vorangestellte Grave – doppio movimento und das Scherzo sowie das hintangestellte Presto um dieses Werk herum. Auf ein erstes Hinhören scheinen die Stücke keine Verbindung miteinander zu haben, doch gibt es musikwissenschaftliche Untersuchungen, die Verknüpfungen aufzeigen. Mit diesem Werk hatte Chopin schon zu Lebzeiten Anstoß erweckt. Erstens: Alle Sätze der Sonate sind in Moll geschrieben (was außergewöhnlich für diese Zeit war, entsprach es doch der Gepflogenheit, bei Sonaten in Moll wenigstens einen Satz in Dur zu setzen). Und zweitens sind die Themen der verschiedenen Sätze von einer Schauerlichkeit, die Robert Schumann zu dem Aufschrei veranlasste, Chopin habe hier „vier seiner tollsten Kinder vereinigt“. Die Atemlosigkeit des Grave – doppio movimento, die fast brutale Heftigkeit des Scherzo, der „Trauermarsch“ (Schumann: „grauenhaft“) und das melodielose Finale (ein für beide Hände unisono gesetzte und im Presto-Tempo dargebotene Aneinanderreihung von Tönen – Anton Rubinstein bemerkte: „ein Raunen des Windes über den Gräbern“) sind alles andere als zeitgemäß.

In diesem Zusammenhang sollte man sich gewahr werden, dass Chopin aufgrund seines kurzen Lebens kein Alterswerk vorlegen konnte. Andere Komponisten wie Ludwig van Beethoven oder Franz Liszt sind Beleg für eine große und weiterentwickelte, reife Schaffenskraft im höheren Alter. Wäre Chopin ein entsprechend hohes Alter vergönnt gewesen, man hätte sich wahrscheinlich auf noch ganz andere Stücke als die Sonate in b-Moll einstellen dürfen.

Die KlavierkonzerteNeben solistischen Werken erfreuen sich zwei Klavierkonzerte großen Bekanntheitsgrades. Nr. 1 in e-

Moll entstand zeitlich später als Nr. 2 in f-Moll. Immer wieder gern diskutiert und doch nicht eindeutig geklärt ist, ob Chopin die Orchestrierung der Konzerte selbst vorgenommen hat. Es spricht nichts dagegen, Chopin konnte orchestrieren, allerdings zeigen diese Kompositionen, dass er die Rolle des Orchesters eher als schmückendes Beiwerk betrachtete. Das Orchester darf einleiten, überleiten und die Schlusspassagen spielen, aber dort, wo das Klavier seinen Auftritt hat, ist es komplett zurückgenommen und reduziert auf eine schmale Begleitung des Soloinstrumentes. Man könnte darauf verzichten. Und man könnte, wenn Kraft und Konzentration es zulassen, die Klavierkonzerte auch als reine Solostücke aufführen, indem man die Orchesterpartie in der Klavierfassung gleich mitspielt.

MIDI FILE - Ballade no.1 (8'43'')

- MIDI FILE - Ballade no.2 (6'34'')

- MIDI FILE - Ballade no. 3 (6'42'')

MIDI FILE - Ballade no. 4 (9'25'')

"Das Klavier ist mein zweites Ich": dieser Satz ist bezeichnend fьr Chopin und spiegelt sich auch in seinem Werk wieder, das fast zur Gдnze fьr Klavier geschrieben ist.

Im frьhen 19.Jhd. erlebte die Klavierspieltechnik einen enormen Aufschwung, wobei vor allem Chopin und Liszt groЯe Verдnderungen bewirkten.

Zu Chopins Zeiten galten seine Etьden op.10 gleich wie viele Werke Liszts noch als unspielbar.

- MIDI FILE – 12 Studies op.10:

n.1 (1’56’’)n.2 (1’24’’)n.3 (4’10’’)n.4 (2’05’’)n.5 (1’37’’)n.6 (3’09’’)n.7 (1’24’’)n.8 (2’15’’)

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n.9 (2’17’’)n.10 (2’12’’)n.11 (2’24’’)n.12 (2’27’’)

Doch obwohl bei Chopin der Hang zum Virtuosen oft spürbar ist, steht die Virtuosität bei ihm immer im Dienste der Poesie, sie ist musikalisch immer gerechtfertigt.

Chopins Stil war etwas Neuartiges, unmittelbare Vorbilder gibt es keine.

Doch spürt man den Einfluß von Paganini, Liszt (Etüden) und dem Bel Canto in den Opern von Rossini und Bellini (Nocturnes).

- MIDI FILE - Nocturnes (complete)

Nocturne Op.9 No.1 (5'45'')Nocturne Op.9 No.2 (4'00'')Nocturne Op.9 No.3 (6'36'')Nocturne Op.15 No.1 (4'06'')Nocturne Op.15 No.2 (3'40'')Nocturne Op.15 No.3 (3'26'')Nocturne Op.27 No.1 (5'12'')Nocturne Op.27 No.2 (5'47'')Nocturne Op.32 No.1 (5'09'')Nocturne Op.32 No.2 (5'48'')Nocturne Op.37 No.1 (6'22'')Nocturne Op.37 No.2 (6'35'')Nocturne Op.48 No.1 (6'17'')Nocturne Op.48 No.2 (7'24'')Nocturne Op.55 No.1 (4'57'')Nocturne Op.55 No.2 (5'22'')Nocturne Op.62 No.1 (7'07'')Nocturne Op.62 No.2 (5'56'')Nocturne Op.72 No.1 (4'38'')Nocturne No.20 (4'01'')Nocturne No.21 (3'04'')

Am markantesten fällt jedoch der Einfluß polnischer Volksmusik auf (Polonaisen, Mazurken), was bei Chopin weniger als Heimweh zu verstehen ist, als vielmehr ein Zeichen für die Aufrechterhaltung des Kontakts mit der Heimat.

- - MIDI FILE – Polonaise "Heroic" op.53, for piano (6’25’’)

Robert SchumannMIDI FILE -   Papillons for piano (14’45’’)

Unmittelbar nach L. van Beethovens und F. Schuberts Tod setzt sein hochpoetisches, oft frei phantastische, klassische Gebundenheit überspielendes, vielgestaltiges Klavierwerk ein, das wesentliche Impulse der (zeitlich früheren) literarischen Romantik, allerdings sehr persönlich geförät, ins Musikalische übertragt.

MIDI FILE -   Träumerei, for piano (2’09’’)

Beethovens Klaviersatz und motivische Arbeit wird, ihres dialektisch-konstruktiven Sinns entkleidet, zu differenziertester Stimmungsschilderung eingesetzt, Schuberts kühne Harmonik und liedhafte Melodik virtuos aufgebrochen und alles dies in einer spezifisch klavieristischen Klanggestalt dargestellt.

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Die Sonatenform wird durch die Aneinanderreihung kurzer Charakterstьcke zu Zyklen umgangen, überschriften lassen außermusikalische Assoziationen zu, sind aber nur als Anregung, nicht direkt programmatisch zu verstehen.

In Schumanns Liedern tritt der Klavierpart selbständig und charakteristisch hervor, bleibt jedoch eingebettet in einen vom Dichterwort inspirierten, schlichten oder bewegten, heiteren oder düster-geheimnisvollen Lyrismus.

Neben vielen anderen finden Goethes und v.a. Heines und Eichendorffs Gedichte hier eine adäquate musikalische Ausdeutung.

In Schumanns Kammermusik, die ebenfalls stark vom Klavier inspiriert und beherrscht ist, besticht der Elan, der Schwung großer Ideen bei stetem Willen zu dichter, differenzierter Ausformung.

Seine vier Symphonien stehen nicht alle auf gleicher Höhe; frisch und neuartig ist die erste, romantisch ausgreifend die (als zweite entstandene) vierte, kräftig und breiter angelegt die dritte aus der hoffnungsvollen ersten Düsseldorfer Zeit.

Häufig kritisiert wurden Schumanns etwas blockhaft unbewegliche Instrumentation sowie manche zu ostentative Wiederholungen.

Das Vorbild Beethoven konnte in der Symphonik weder erreicht noch umgangen werden; einzigartig und ein Hцhepunkt der Gattung überhaupt ist Schumanns Klavierkonzert a-moll.

MIDI FILE - Piano Concerto:

Allegro (13'17'')

Intermezzo - Allegro Vivace (14'35'')

Auf dem Gebiet der Oper ("Genoveva") und des Oratoriums ("Das Paradies und die Peri") hat Schumann sehr interessante und eigenstдndige Werke geschaffen, die wohl zu Unrecht nur selten aufgeführt werden.

Auch seine Chormusik ist reich an Formen und romantischen Ausdrucksfarben.

Bis 1842 war jedes Werk Schumanns ein neuer, genialer Wurf; später wechseln weniger originelle, mitunter etwas akademisch anmutende Kompositionen mit wiederum hochbedeutenden ab.

Insgesamt war Schumann in Stil und Haltung von bestimmendem Einfluß auf Brahms, im Lied und in der Klaviermusik auch auf andere Komponisten.

Mit ihm beginnt die für das 19. Jahrhundert bezeichnende Trennung in eine romantisch-klassizistische (Schumann, Mendelssohn-Bartholdy, Brahms) und eine progressive Kompositionshaltung (neudeutsche Schule), deren Vertreter Schumann jedoch teilweise kannte und schätzte.

Schumann repräsentiert in seiner romantisch vielfach gebrochenen Persönlichkeit und in seinem Bewußtsein, poetisch universales Streben mit seiner geschichtlich späten Stellung kaum noch synthetisieren zu können, einen neuen, modernen Künstlertyp.

MIDI FILE - Toccata for piano (6'47'')

Seine Schriften, Zeugen einer ebenfalls typisch romantischen Doppelbegabung, sind bleibende Muster produktiver Musikkritik und selbstloser Anerkennung auch fremder, andersartiger Schaffenskonzeptionen.

Carnaval, Op. 9 ist ein aus kurzen Klavierstücken bestehender Zyklus (die meisten Stücke in As-Dur) von Robert Schumann.

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Der "Carnaval" entstand in den Jahren 1834/1835. Ihm vorangegangen war die Verlobung Schumanns mit Ernestine von Fricken, der Adoptivtochter eines böhmischen Barons. Schumann löste die Verlobung vor Ablauf eines Jahres. Gleichwohl setzte er Ernestine mit dem "Carnaval" ein musikalisches Denkmal. Die von Frickens entstammten nämlich dem böhmischen Städtchen Asch; dieser Ortsname ist Grundlage des Zyklus in der Weise, dass Schumann die Buchstaben A-Es-C-H und As-C-H als Töne in den Miniaturen umsetzte. Das Stück dreht sich gewissermaßen um die im Mittelteil eingefügten lettres dansantes, zu denen auch die Kombination Es-C-H-A gehörte (die einzigen Buchstaben aus Schumanns Nachnamen, die als Töne umsetzbar sind). In den Sphinxs werden die Tonfolgen "erklärt". Die Sphinxs werden nicht mitgespielt, sie sind lediglich Drehkreuz: Im ersten Teil wird konsequent (meistens gleich am Anfang einer Miniatur) die Tonfolge A-Es-C-H, in der zweiten Hälfte des Werks bei den Stücken die Notation As-C-H integriert.Eigentlich sollte das Werk den deutschen Titel "Fasching" bekommen, in dem auch die Tonbuchstaben A-Es-C-H oder As-C-H stecken. Der Untertitel sollte "Schwänke auf vier Noten" lauten. In "Schwank" findet man wie in "Schumann" Es-C-H-A. Schumann fügte sich aber den Wünschen des Verlegers. Der Titel wurde der Mode entsprechend französisiert zu "Carnaval, Scènes mignonnes sur quatre notes".Ein Stück trägt den Titel „Estrella“ (Davidsbündlername von Ernestine von Fricken), eines ist „Chiarina“ (Davidsbündlername von Clara Schumann) gewidmet, auch der „Marsch der Davidsbündler gegen die Philister“ als krönender Abschluss fehlt nicht. Der Eingang des Stückes, die "Preambule" sowie die Miniaturen mit den Titeln „Chopin“ und "Paganini bilden die Ausnahmen in dem Duktus der beschriebenen Notation (= die Tonfolgen A-Es-C-H bzw. As-C-H scheinen nicht auf).

Die Miniaturen Préambule - Quasi maestoso - Più moto - Animato - (vivo)- Presto Pierrot - Moderato: Motiv A-Es-C-Ces (=H) im Bass (piano), im Kontrast dazu Es-C-B (forte) Arlequin - Vivo: Motiv A-Es-C, effektvoll die sich steigernden Sprünge in der Oberstimme Valse noble - Un poco maestoso: Motiv A-Es-H-C Eusebius - Adagio - Più lento: Motiv A-Es-C-H umspielt mit Nebennoten Florestan - Passionato: Motiv A-Es-C-H unterbrochen von Adagio-Themen aus den Papillons op. 2 Coquette - Vivo: Motiv A-Es-C-H im Thema in Punktierungen verarbeitet Réplique - L'istesso tempo: Nachsatz zur Coquette Sphinxs - Motive Es-C-H-A, As-C-H und A-Es-C-H, diese Noten sollen nicht gespielt werden Papillons - Prestissimo: Motiv A-Es-C-Ces(=H) A.S.C.H.-S.C.H.A. (Lettres dansantes) - Presto: Motiv As-C-H Chiarina - Passionato: Motiv As-C-H Chopin - Agitato: Motiv versteckt am Schluss, in Melodie H-C, Schlusston As Estrella - Con affetto - Più presto: Motiv As-C-H Reconnaissance - Animato: Motiv As-C-H, Die Melodie wird in der rechten Hand oktaviert gespielt, in

der unteren Lage in Sechzehntel-Stakkato, in in der oberen Lage in Achtel Pantalon et Colombine - Presto: Motiv As-C-H Valse allemande - Molto Vivace: Motiv As-C-H Paganini - Presto: ein Intermezzo zum Valse allemande. Virtuose gegenläufige und metrisch versetzte

Stakkato-Sechzehntelfiguren Aveu - Passionato: Motiv As-C-H Promenade - Con Moto: Motiv As-C-H, in Nr. 3 der Davidsbündlertänze op. 6 wird ein Motiv hieraus

zitiert Pause - Vivo: Wiederaufnahme des Vivo-Teiles aus dem zweiten Teil der Préambule Marche der „Davidsbündler“ contre les Philistins - Non Allegro - Molto più vivo - Animato - Vivo -

Animato molto - Più stretto: Motiv As-C-H, Zitate aus den Papillons op.2 und von Formteilen aus der Préambule; strahlender Schluss

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Johannes BrahmsBrahms wird noch heute vielfach als der „legitime Nachfolger Ludwig van Beethovens“ bezeichnet. Diese Bezeichnung, der Brahms schon zu Lebzeiten skeptisch gegenüber stand, hat ihren Ursprung vor allen Dingen im Musikstreit des 19. Jahrhunderts, der zwischen den Anhängern der konservativen, absoluten Musik und den sich als fortschrittlich betrachtenden „Neudeutschen“ entbrannte.

Der Musikstreit

Schon 1860 kam es zu offenen Differenzen zwischen den der Tradition verbundenen Verfechtern der absoluten Musik und den Anhängern der unter Franz Liszt gegründeten „Neudeutschen Musik“ (auch: Neudeutsche Schule genannt). Der Streit beruhte auf einem grundsätzlich unterschiedlichen Verständnis der Musik. Liszt und Richard Wagner hatten sich die "Zukunftsmusik" auf ihre Fahnen geschrieben. Sie wollten die

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Entwicklung der Musik mit der Sinfonischen Dichtung und dem Musikdrama unbedingt vorantreiben. Ein in dem Kontext neues und zugleich drittes Stichwort bildete die sogenannte Programmmusik. Sprachrohr der Neudeutschen war die von Franz Brendel übernommene „Neue Zeitschrift für Musik“. Zu den Traditionalisten wiederum gehörten u. a. Joseph Joachim, Brahms und der Musikkritiker Eduard Hanslick, dessen Parteinahme für die Musik von Brahms zugleich Basis einer intensiven Freundschaft zwischen beiden war. Deren Ziel war, was Brahms mit seinem Lieblingsausdruck "dauerhafte Musik" beschrieb, nämlich dass Musik dem historischen Wandel durch ihre spezifische Qualität entzogen sei.

Mit einem Manifest, das auch Joachim und Brahms unterschrieben hatten, protestierten die Vertreter des konservativen Lagers gegen die ihren Vorstellungen zuwiderlaufenden Entwicklungen musikalischer Strömungen und heimsten prompt eine Verhöhnung ein. Der Text gelangte durch eine Indiskretion noch vor seiner Veröffentlichung in die Hände der Angegriffenen und war somit korrumpiert. Die Neudeutschen antworteten mit einer Persiflage auf das Manifest, bescheinigten damit dessen Verfassern, einen „Bruderbund für unaufregende und langweilige Kunst zu schmieden und setzten u.a. ein „J.Geiger“ (für Joseph Joachim), ein „Hans Neubahn“ (für Johannes Brahms – Anspielung auf den Artikel „Neue Bahnen“) und ein „Krethi und Plethi“ darunter.

Damit war die Stimmung zwischen den zerstrittenen Parteien endgültig verdorben. Brahms und Wagner blieben zeitlebens auf kühler Distanz zueinander. Während Brahms sich vorsichtig zurückhielt, konnte Wagner es in einigen Äußerungen nicht lassen, seine Abfälligkeit über Brahms' Musik zum Ausdruck zu bringen. Eduard Hanslicks Parteinahme für Brahms dürfte maßgeblich zu der Einschätzung beigetragen haben, er sei Beethovens Nachfolger, denn Hanslick war zu seiner Zeit einer der einflussreichsten Musikkritiker Wiens und stellte seine Herausgehobenheit ganz in den Dienst der Konservativen. Und noch eine Person offenbarte sich als glühender Verehrer dieser Richtung: Hans von Bülow. Er, der ursprünglich überzeugter Wagnerianer gewesen war, vollzog den Bewusstseinswandel, nachdem ihm Wagner seine Frau Cosima ausgespannt hatte. Bülows Haltung zu Brahms manifestierte sich vor allem in dem berühmt gewordenen Ausspruch, die erste Symphonie von Brahms sei die zehnte von Beethoven.

Brahms' WerkBei aller Diskussion darüber, ob Brahms als Beethovens Nachfolger anzusehen ist, steht fest: Sein Werk

steht in einer gesamten europäischen Musiktradition. Nicht nur Beethoven, auch Johann Sebastian Bach, Georg Friedrich Händel und Giovanni Pierluigi da Palestrina hatten Einfluss auf seine Musik. Brahms griff auf mittelalterliche Kirchentonarten zurück und auch auf die niederländische Kanontechnik. Er fühlte sich dem Vergangenen verpflichtet. Die von ihm vorgenommenen Abweichungen zur Tradition wurden in unauffälligen Schritten vollzogen. Und obwohl Brahms im wesentlichen tradierte Formen übernahm, schöpfte er ein unabhängiges und damit zugleich neues Werk.

Musikwissenschaftliche Arbeiten sprechen bei ihm von drei Schaffensperioden: Die erste reiche bis zum „Deutschen Requiem“, die zweite bis zum zweiten Klavierkonzert und die dritte beginne mit der dritten Sinfonie. Für die erste Periode sei die romantische Grundeinstellung signifikant, die zweite sei durch einen stark klassischen Einschlag geprägt, und die dritte sei eine Verschmelzung dieser Grundeinstellungen miteinander.

Mit seinen Sinfonien stellte Brahms nicht nur das allgemeine Publikum, sondern auch seine Freunde auf eine harte Probe, da sie keinen leichten Zugang bieten. Schon über seine erste Sinfonie notierte er: „Nun möchte ich noch die vermutlich sehr überraschende Mitteilung machen, dass meine Sinfonie lang und nicht gerade liebenswert ist“. Auch bei den weiteren arbeitete Brahms mit Harmonien, die das Publikum nicht nachvollziehen mochte.

Ein deutsches Requiem (Brahms)Ein deutsches Requiem, op. 45 ist der Titel eines Werks des deutschen Komponisten Johannes Brahms.

Der festgelegte Text der lateinischen Totenmesse, des Requiems also, ist ein Bittgebet, das den Verstorbenen begleitet, ihm gilt und ihm helfen soll, zur Erlösung zu gelangen. Ganz anders geht Johannes Brahms mit der Idee seines Requiems um. Nicht die Verstorbenen brauchen Hilfe und Trost, sondern die Hinterbliebenen. Seine Textauswahl ist eine Zusammenstellung aus Schriftstellen des Alten und Neuen Testamentes sowie der Apokryphen, deren Aussagen von der Linderung des Leids der Trauernden bis zur Mahnung reichen, die Tatsache des Todes als Konsequenz in unser Leben einzulassen.

"Seit Bachs h-Moll-Messe und Beethovens Missa solemnis ist nichts geschrieben worden, was auf diesem Gebiete sich neben Brahms deutsches Requiem zu stellen vermag", so hymnisch urteilte der schwer zu begeisternde Wiener Musikkritiker Eduard Hanslick über dieses singuläre Werk der Gattung Requiem, das dem gerade 33jährigen Komponisten den Durchbruch verschaffte, mehr noch das zum bedeutendsten und populärsten seiner Werke werden sollte.

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Die Idee, eine Trauerkantate zu schreiben, entstand in Johannes Brahms schon sehr früh und wurde möglicherweise unter dem Eindruck des tragischen Todes seines verehrten Freundes und Förderers Robert Schumann 1856 noch verstärkt. 1861 notiert Brahms die Textzusammenstellung auf der Rückseite des vierten Liedes seiner Magelonen-Romanzen op. 33. Der Tod der Mutter im Februar 1865 scheint die inzwischen ruhende Komposition wieder in das Bewußtsein von Brahms gerückt zu haben, er nimmt die Komposition wieder auf und sendet im April 1865 den Satz IV zur Begutachtung an Clara Schumann; bis dahin scheinen die Sätze I und II schon komponiert gewesen zu sein (jedoch ohne einen Schluss). Satz III ist wohl während eines längeren Aufenthaltes bei dem Freund und Fotographen Julius Allgeyer in Karlsruhe entstanden, die Sätze VI und VII wohl im Sommer des Jahre 1866 in Lichtenthal (bei Baden-Baden) und/oder in Winterthur. Der heutige Satz fünf wurde erst im Mai 1868 komponiert und nach den ersten beiden Aufführungen in das Werk eingefügt. Die ersten drei Sätze wurden Anfang Dezember 1867 in einem Konzert der Gesellschaft der Wiener Musikfreunde uraufgeführt - mehr wollte man dem Publikum 'nicht zumuten' - mit eklatantem Misserfolg. Weitaus mehr Anklang fand die Uraufführung des (damals noch sechssätzigen) Werkes am Karfreitag 1868 im Dom zu Bremen. Der bei diesem Konzert noch fehlende fünfte Satz wurde auf Anregung des Bremer Domkapellmeisters Carl Martin Reinthaler eingefügt, und das vollständige Werk, wie wir es heute kennen, erlebte am 18. Februar 1869 seine erste Aufführung im Leipziger Gewandhaus. Die Auswahl der Texte zeugt von einer enormen Bibelkenntnis Brahms' und von seiner persönlichen religiösen Überzeugung, die Zuordnung zeigt zugleich seine geistige Freiheit, mit dem Gefundenen umzugehen und es in neuen Beziehungen erscheinen zu lassen. Die subjektive Komponente der Entstehungsgeschichte ist bezeichnend für Brahms und seine Erlebniswelt. Der selbst durchlittene Schmerz setzte in ihm künstlerische Potenzen frei, das künstlerische Gestalten des Todesgedankens half ihm, selber Trost zu finden und das Leid zu überwinden.

Das Deutsche Requiem ist keine Trauermusik. Der zentrale Gedanke des Werks ist nicht die ewige Ruhe der Toten, sondern vor allem der Trost derer,"die da Leid tragen"; eine Musik also vor allem für die Lebenden.

Liszts LebenswerkFranz Liszt hat die bis zu seiner Zeit übliche Form des Klavierspiels und dementsprechend auch die

Klavierkomposition neu geprägt. Was hierfür entscheidend war: Die Hammerklaviermechanik gab es zwar schon seit 1709 (sie wurde von Bartolomeo Cristofori erfunden), gleichwohl erfuhr sie ihre bedeutendste Fortentwicklung im 19. Jahrhundert. Zudem brach Liszt von Anbeginn mit allen Regeln der Klavierspieltechnik, die zu der Zeit streng nach Hauptmerkmal die so genannte Zigeunertonleiter mit kleiner Terz, übermäßiger Quarte, kleiner Sexte und großer Septime ist. Hinzuzufügen ist aber, dass Liszt in seinen Kompositionen hierüber gleichwohl den in den Salons seiner Zeit vorherrschenden Musikgeschmack berücksichtigt hat.

Um 1850 setzte in Liszts musikalischer Sprache eine zunehmende Abkehr von der virtuosen Brillanz früherer Werke ein. Die Thematik ist oft religiös inspiriert, und als Liszt 1865 die niederen Weihen eines Abbé empfing, kehrte sich seine Musik langsam von der Welt ab. Harmonisch betrat er nun völlig neue Wege, er ging weit über die Harmonik von Wagners „Tristan und Isolde“ hinaus, sogar das Terrain der Dur-Moll-Tonalität verließ er und gelangte dabei an die Grenze zur Atonalität. Damit stieß er rund 30 Jahre vor Arnold Schönberg und Alexander Skrjabin auf musikalisches Neuland vor, das sich seinen Zeitgenossen unmöglich erschließen konnte, und erwies sich damit als einer der großen Visionäre der Musikgeschichte.

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Erwähnenswert ist, dass Liszt seine schöpferische Fantasie gern in den Dienst des Andenkens an Ludwig van Beethoven stellte. Von diesem war er als 12-Jähriger im April 1823 nach einem Konzert in Wien geküsst worden, was Liszt zeitlebens als große Ehrung empfand. So war es für ihn selbstverständlich, alle 9 Sinfonien von Beethoven in Form der Transkription zu Klavierfassungen umzuarbeiten und seinem Publikum in den Konzerten stets den einen oder anderen Satz daraus vorzuspielen.

Bei seinen Werken für Orchester favorisierte Liszt eine Entwicklung, die u. a. von Hector Berlioz angestoßen worden war: Die Gattung der Sinfonischen Dichtung. Ihr Wesensmerkmal ist, der Musik ein „Programm“ zugrundezulegen (z. B. bei der „Faust“-Sinfonie die gleichnamige Tragödie von Johann Wolfgang von Goethe), und dieses "Programm" (ausschließlich) instrumental thematisch aufzubereiten und hörbar zu machen. Mit dieser Form erfolgte zugleich die Abkehr von dem bis dahin auch in der Romantik noch sehr gebräuchlichen formalen Aufbau in der Sinfonie.Neben der Idee der Programmmusik verwendete Liszt in seinen Werken häufig eine Art Leitmotiv, also ein Motiv, das in verschiedenen Teilen des Werkes wiederkehrt und mit dem häufig eine programmatischer Inhalt verknüpft ist (z.B. das Faust-Mephistopheles-Thema in der Faust-Sinfonie). Seine musikalischen Innovationen können nicht hoch genug eingeschätzt werden. Das Spätwerk weist weit über seine Zeit hinaus und wurde von seinen Zeitgenossen nicht mehr wahrgenommen. Bezeichnenderweise wurden seine letzten Werke für Komponisten wie Bartok und Schönberg wegweisend, da Liszt Atonalität und Zwölftontechnik antizipierte. Erst ab den 70er Jahren wurde jedoch seine Außergewöhnlichkeit als Komponist von Publikum und Wissenschaft zunehmend erkannt.Lehrbüchern praktiziert wurde. Eine der bekanntesten Vorlagen diesbezüglich dürfte die von Johann Nepomuk Hummel 1828 herausgebrachte "Ausführliche theoretisch-practische Anweisung zum Piano-Forte-Spiel" gewesen sein. Unbeeindruckt von jedweder „Hummelschen Krabbeltechnik“ ließ Franz Liszt seine Hände hoch über die Tastatur fliegen, viele Karikaturen geben Zeugnis von der Eigenart seines Spiels.

Zu seinen Erfindungen zählen die so genannten Konzertparaphrasen, bei denen Liszt ein Thema oder mehrere Themen aus bekannten Opern aufgriff und diese ausgeschmückt mit eigenen kompositorischen Ideen zu brillanten Klavierstücken umarbeitete. Bis auf den heutigen Tag sind seiner Technik des Klavierspiels keine nennenswerten Neuerungen hinzugefügt worden.Sehr bekannt und beliebt sind auch Liszts ungarische Rhapsodien. Sie basieren auf Zigeunerweisen, deren

Klavierwerke (eine Auswahl) Paganini-Etüden (1838) 12 Études d'exécution transcendante (1851) Années de pelerinage (1848-53) Sonate h-moll (1853) Ungarische Rhapsodien (ab 1851) Mephisto-Walzer (1861)

Orchesterwerke (eine Auswahl) Tasso, Lamento e Trionfo (Sinfonische Dichtung Nr. 2) (1849/1854) Les Préludes (Sinfonische Dichtung Nr. 3) (1848-1854) - (Das Werk erlangte eine ungewollte Popularität im Prometheus (Sinfonische Dichtung Nr. 5) (1850/55) Mazeppa (Sinfonische Dichtung Nr. 6) (1839/1850) Hamlet (Sinfonische Dichtung Nr. 10) (1858) Eine Faust-Sinfonie in drei Charakterbildern (1857) Eine Sinfonie zu Dantes Divina Commedia (Dante-Sinfonie) (1855-1856) Zwei Klavierkonzerte, Nr. 1 in Es-Dur (1849), Nr. 2 in A-Dur (1839 - umgearbeitet 1861)

Orgelwerke Fantasie und Fuge über den Choral Ad nos, ad salutarem undam(1850) Praeludium und Fuge über den Namen BACH (1855,1870) Variationen über den chromatischen Bass von Johann Sebastian Bachs Kantate Weinen, Klagen, Sorgen, Zagen (1863)

Vokalwerke Oratorium Christus(1855-66) Oratorium Die Legende der heiligen Elisabeth(1857-62) Messe Missa solemnis (31. August 1856) Einweihung der Graner Basilika

Bücher und Essays (von Lina Ramann ins Deutsche übersetzt) Überdies hat Liszt eine Reihe literarischer, musiktheoretischer, philosophischer und religiöser Schriften hinterlassen

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Klaviersonate in h-Mollgilt als eines der bedeutendsten Klavierwerke der Romantik. Sie ist Robert Schumann gewidmet und entstand 1853.Die Sätze des Werkes gehen ohne Pause ineinander über. Grob kann man das Werk in drei Teile einteilen, die auch eine Interpretation der Sonate als ein großer Sonatensatz erlauben:Der Erste Teil - einer Art Exposition in dem die Themen vorgestellt und verarbeitet werden der langsame Mittelteil einer Reprise, die schließlich in eine Coda mündet. Charakteristisch für das Werk ist die Reduktion auf wenige Kernmotive:Am Anfang eine düster klingende absteigende Tonleiter. Diese Tonleiter erscheint in unterschiedlichen Lagen und chromatisch verändert häufig, vor allem am Schluss des Werkes, wo sie wie ein Epilog das Anfangsmotiv aufgreift. Das "Hauptthema": ein aufsteigenes Oktavmotiv gefolgt von jäh abfallenden Septimen und Septimenakkorden steht am Beginn des Allegro. Als "Antwort" erscheint im Bass ein klopfendes Stakkato-Motiv. Dieses Motiv erscheint in der Mitte der Exposition in liedhafter Form (cantabile). Ein choralartiges Thema, das in Forte-Fortissimo nach einer virtuosen kadenzartigen Überleitung mit gebrochenden Akkordsprüngen erscheint. Dieses Thema wird vor allem im Mittelteil zitiert. Die Reprise wird von einer Fugato-Verarbeitung des Hauptthemas eingeleitet, das sich furios steigert. Die Coda greift den ruhigen Charakter der Einleitung wieder auf.

12 Études d'exécution transcendante

Die Douze Études d'exécution transcendante sind ein Zyklus von zwölf Etüden für Klavier solo, komponiert von dem ungarischen Komponisten Franz Liszt. Es gibt drei Fassungen der Transzendentalen Etüden: die Erste stammt aus dem Jahr 1826, die Zweite aus dem Jahr 1837 und die letzte und von Liszt einzig gültig anerkannte Fassung stammt aus dem Jahr 1851.

Franz Liszt, Lithographie von Deveria, 1832Nr. 1 C-dur "Preludio" Nr. 2 a-moll (ohne Titel) Nr. 3 F-dur "Paysage" Nr. 4 d-moll "Mazeppa" Nr. 5 B-dur "Feux follets" Nr. 6 g-moll "Vision" Nr. 7 Es-dur "Eroica" Nr. 8 c-moll "Wilde Jagd" Nr. 9 As-dur "Ricordanza" Nr. 10 f-moll "Appassionata" Nr. 11 Des-dur "Harmonies du soir" Nr. 12 b-moll "Chasse-neige"

Entstehung1826 hatte der damals 15-jährige Franz Liszt bereits das thematische Material für die 12 Transzendentalen Etüden in einer Urfassung niedergeschrieben. Damals las man allerdings noch von insgesamt 48 Etüden in allen Dur- und Molltonarten.(vgl. J.S.Bach: Das Woltemperierte Klavier) 1837 begann Franz Liszt mit einer Umarbeitung, welche nur mehr thematisch an das Jugendwerk erinnern sollte. Die erst 1839 erschienenen Etüden waren prinzipiell seinem Lehrer Carl Czerny gewidmet, nur in der italienischen Ausgabe seinem Freund Frédéric Chopin. Die Ausgabe von 1839 war im Vergleich zu dem Jugendwerk bereits viel reifer im Klaviersatz, die bereits gesammelten Konzerterfahrungen des umjubelten Virtuosen dürften dabei eine große Rolle gespielt haben. Die letzte und endgültige Version aus dem Jahr 1851 verzichtet zu Gunsten des musikalischen Wertes beine vollständig auf Virtuosität um der Virtuosität Willen, auf bravouröses Flitterwerk also, in erster Linie dazu

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da, das Publikum mitzureißen. Die Technik wird hier, wie es Ferruccio Busoni ausdrückte, zur "Helferin der Idee".

Analyse

Etüde Nr. 1 PreludioGenau so wie bei den Paganini-Etüden aus dem Jahr 1838 beginnt auch dieser Zyklus mit einem Preludio (Vorspiel). Das Stück ist in C-dur komponiert und ist in Presto zu spielen. Eigentlich weist die erste Etüde keine thematische Bindung auf, es handelt sich bei ihr vielmehr um eine breit ausgelegte Intrada, die in improvisatorischem Stil zu interpretieren ist.

Etüde Nr. 2 (ohne Titel)Die zweite Etüde ist, ebenfalls ganz im Geiste der Paganini-Etüden, in eine leicht diabolische Stimmung getaucht. Es handelt sich dabei um eine in Molto Vivace (sehr lebhaft) vorzutragende Bewegungsstudie, die vom Komponisten unbetitelt blieb. Die thematische Kernzelle ist ein viertöniges Repetitionsmotiv. Die fatale Stimmung, die in der gesamten Etüde vorherrscht rührt von den sekundgeschärften Dissonanzen her, welche den leicht diabolischen Hauch noch verstärken.

Etüde Nr. 3 PaysageEine der wenigen Studien, die nicht in die Kategorie der Bravouretüden eingeordnet werden kann ist die Transzendentale Etüde Nr. 3 Paysage (Landschaft). Das gesamte lyrische Stück ist in F-dur, der "pastoralen" Tonart, die meist verwendet wird um schöne, ruhige Stimmungen auszudrücken, geschrieben. Der Hauptteil ist in einem ruhigen 6/8-Takt in Poco adagio geschrieben, und auch der Mittelteil ist nur ein wenig beweter.

Etüde Nr. 4 MazeppaDie wohl berühmteste Etüden aus dem großen Zyklus von Liszt, welche 1847 auch als Einzelstück im Druck erschien, ist Nr. 4 Mazeppa. Das Stück, dessen poetische Vorlage Victor Hugos Poem vom Kosakenhauptmann Mazeppa war, ist durch ein sich zunehmend verkürzendes Bewegungsmotiv in der Mittellage geprägt. Darüber eine tragische schwergewichtige Melodie, meistens in Oktaven und mit wuchtigen Bässen versehen. Donnernde Doppeloktaven und kadenzartiges Arpeggienwerk umrahmen den Cantus im Tenor in einer ausgeglichenen Mittelstrecke. Als gegen Ende alles tragisch zu ermatten scheint, setzen unerwartet schmetternde Fanfaren ein: "Il tombe enfin! ... et se relève Roi" (Er stürzt nun hin! ... unt steht als König auf), zitiert Liszt am Schluss der Etüde aus Hugos Gedicht.

Etüde Nr. 5 Feux FolletsDas fünfte Stück aus Liszts Zyklus ist eine koloristische Bewegungs- und Filigranstudie, motivisch auf den Trillerformen des Halbton- und des Ganztonschrittes beruhend. In dem Alegretto in B-dur schillert ein unheimlich anmutendes Spiel mit den verminderten Septimakkorden. Besonders in den Stakkato-Außentönen des Mittelteils in A-dur treten die spukhaften Lichteffekte hervor. Mit den Feux Follets (Irrlichter) prägt Liszt zum ersten Mal den Begriff des "Klavieristischen Spuks", der außer in anderen Etüden von Liszt, wie zum Beispiel Gnomenreigen, vor allem bei Maurice Ravels Kompositionen eine entscheidende Rolle einnehmen wird (Miroirs, Gaspard de la Nuit).

Etüde Nr. 6 VisionDas pompöse Lento g-moll im 3/4-Takt, welches angeblich auf die Bestattung Napoléons auf St. Helena komponiert wurde, wobei dies nur symbolisch gemeint sein kann, denn der verbannte Diktator starb ja bereits 1821, nimmt einiges von den düsteren Spätstücken Franz Liszt, etwa den Années de pelerinage voraus. Im tosenden Zentrum der Vision verbreiten terzverwandte Harmoniefolgen ein dunkel glühendes Licht.

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Felix Mendelssohn B. Works

 

Mendelssohn's music for the theatre includes full incidental music for Shakespeare's "A Midsummer Night's Dream", written for the new King of Prussia and first used at Potsdam in 1843, preceded by the Overture written in 1826.

The music typically captures the enchanted fairy world of the play.

In connection with the King's attempts to revive Greek tragedy, Mendelssohn also wrote incidental music for the Antigone and Oedipus at Colonus of Sophocles, as well as for Racine's Athalie.

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His attempts at opera have not survived in modern repertoire.

Mendelssohn wrote five symphonies, in addition to an attractive series of twelve early symphonies for strings, completed at the age of fourteen.

Of the mature symphonies the Italian Symphony No. 4, completed in 1833 and reflecting the composer's experiences in Italy during his Grand Tour, is the most popular, closely followed by Scottish Symphony No. 3 with its echoes of the Palace of Holyrood in the days of Mary Queen of Scots.

Symphony No. 5, known as the Reformation Symphony, written in 1832 to celebrate the third centenary of the Augsburg Confession, is less often heard, as is the choral Symphony No. 2, Hymns of Praise, written to mark the fourth centenary of the invention of printing in 1840.

Mendelssohn’s concert overtures include the 1826 Overture, A Midsummer Night's Dream, a work in many ways typical of the composer's deftness of touch in its evocation of the fairy world of the play for which he later wrote incidental music.

MIDI FILE - from "A Midsummer Night's Dream": Scherzo (4'25'')

The Hebrides, otherwise known as Fingal's Cave, evokes a visit to Scotland and the sight of the sea surging over the Giant's Causeway.

Meeresstille und glueckliche Fahrt (Calm Sea and Prosperous Voyage) is based on a poem by Goethe who had received the young Mendelssohn at Weimar and prophesied for him a successful career.

The Overture Ruy Blas, completed in 1839, is based on the play by Victor Hugo.

The best known of Mendelssohn's concertos must be the Violin Concerto in E minor, the third to make use of the solo violin.

The E minor Concerto was written in 1844 and first performed in Leipzig the following year.

Two piano concertos, the first written in 1831 and the second in 1837, are heard less frequently.

Mendelssohn wrote a number of works for possible church use, both Protestant and Catholic; of these the best known is "Hear My Prayer", a favourite with boy trebles.

The carol "Hark the Herald Angels" sing was adapted by W. H. Cummings from a chorus in a secular cantata.

His oratorios Elijah and St. Paul remain traditionally popular with choral societies.

In addition to settings of psalms,which include a setting of Psalm 100, Jauchzet den Herrn (Praise the Lord) and sacred and secular cantatas, Mendelssohn wrote a number of choral songs and a larger quantity of lieder (German song), intended for intimate social gatherings rather than the concert hall.

Among the most exciting is Hexenlied (Witches' Song), one of an early set of twelve songs written in 1828.

Another dozen, published two years later, include the contrasting Im Fruehling (In the Spring) and Im Herbst (In the Autumn).

Mendelssohn wrote his last songs in 1847, the year of his death.

Mendelssohn wrote his first chamber music at the age of ten: one of the most delightful works is the Octet, for double string quartet, written to celebrate the 23rd birthday of a violinist friend in 1825.

MIDI FILE - from Octet: 1st Mov. (14'54'')

Evidence of earlier precocity is heard in the equally fine Sextet for violin, two violas, cello, double bass and piano, written in

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1824.

The two string quintets and six string quartets may enjoy less general popularity, although they contain many felicities, String Quartet n. 4 in E minor offering a characteristic view of the composer's command of technique and mood, ranging from the fairy world of the Scherzo to the passion of the Finale.

The two late piano trios, the Piano Trio in D minor and the Piano Trio in C minor represent the composer at his very best.

His duo sonatas, the two Cello Sonatas and the Variations concertantes for cello and piano, with a late Song without Words for cello and piano, make an important part of 19th century cello repertoire.

The 19th century was the age of the piano, a period in which the instrument, newly developed, became an essential item of household furniture and the centre of domestic music-making.

MIDI FILE - Songs without Words op.30 n.3 (1'54'')

MIDI FILE - Songs without Words op.85 n.2 (1'00'')

MIDI FILE - Songs without Words op.102 n.2 (2'24'')

MIDI FILE - Songs without Words op.102 n.3 (1'11'')

MIDI FILE - Songs without Words op.102 n.6 (2'01'')

Short piano pieces always found a ready market, none more than Mendelssohn's eight albums of Lieder ohne Worte (Songs without Words), a novel title that admirably describes the length, quality and intention of these short pieces

Modest Mussorgsky

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Die Entstehungsgeschichte „Bilder einer Ausstellung“

Victor Hartmann

Im Jahr 1873 starb der Architekt Viktor Hartmann (1834-1873). Mussorgsky hatte Hartmann um 1870 durch Wladimir Stassow kennengelernt, der diesen in den Balakirew-Kreis einführte. Hartmann hatte in Petersburg studiert und trat zuerst mit Buchillustrationen hervor. Danach arbeitete er als Architekt und schuf unter anderem das 1862 in Nowgorod eingeweihte Denkmal zur Tausendjahrfeier Rußlands. Im Jahre 1864 ging er für vier Jahre ins Ausland. In dieser Zeit entstanden die meisten seiner Aquarelle und Genreskizzen. Beim letzten Zusammensein mit Mussorgsky erlitt Hartmann einen Schwächeanfall, während sich beide über einen neuen russischen Stil im Bauwesen unterhielten. Wenig später starb Hartmann. Mussorgsky schrieb einen kurzen Nachruf für die "Petersburger Nachrichten". Als Stassow, der sich zur Zeit des Todes Hartmanns im Ausland aufhielt, wieder nach Petersburg zurückkehrte, veranstaltete er im Februar und März 1874 zum Gedenken an seinen Freund eine Ausstellung mit dessen Werken. Der Ausstellungskatalog verzeichnete etwa vierhundert Werke, darunter die frühen Buchillustrationen, Reiseskizzen, Architektur- und Kostümentwürfe. Eine ganze Reihe von Werken kam noch während der Ausstellung hinzu. Diese Ausstellung regte Mussorgsky an, dem verstorbenen Freund auch ein musikalisches Denkmal zu setzen. In einem enormen Schaffensrausch komponierte er seine Klaviersuite "Bilder einer Ausstellung", die er am 22. Juni 1874 vollendete

Mussorgskys Musik

In seiner Suite gestaltet Mussorgsky musikalisch zehn Bilder Hartmanns, gegliedert durch die viermal wiederkehrende "Promenade", die den Betrachter beim Gang durch die Ausstellung zeigt. Die "Promenade" steht auch am Anfang der "Bilder einer Ausstellung", bei den Wiederholungen weist sie jedesmal einen anderen Charakter auf, der sich aus der veränderten Stimmung durch die vorangehende Bildbetrachtung erklärt. Dem ersten Bild "Gnomus" liegt eine Zeichnung eines nußknackerartigen Weihnachtsschmucks zugrunde. Mussorgsky gestaltete daraus ein Porträt eines kleinen Zwergs, der linkisch auf mißgestalteten Beinen einhergeht. Im "Alten Schloß" stimmt ein mittelalterlicher Troubadour seine Romanze an, bis in den "Tuilerien" streitende Kinder im Garten der Tuilierien zusammen mit ihren Gouvernanten nachgezeichnet werden. Das kraftvolle nächste Bild läßt einen "Bydlo", einen polnischen Ochsenkarren, am Betrachter vorbei poltern und langsam wieder verschwinden. Fьr das Scherzino "Ballett der Küchlein in ihren Eierschalen" ließ Mussorgsky sich von einem Kostümentwurf Hartmanns für das Ballett "Trilby" (Das Ballett "Trilby" wurde im Jahre 1871 in Petersburg uraufgeführt. Die Musik komponierte der Petersburger Dirigent, Geiger und Komponist Julius Gerber.) leiten. "Samuel Goldenberg und Schmuyle - Zwei polnische Juden, der eine reich, der andere arm" ist der Titel der Schilderung zweier Charaktere, die zuerst isoliert und am Ende aufeinandereinredend dargestellt werden. Noch einmal wird es laut und hektisch, wenn auf dem "Marktplatz von Limoges" französische Marktweiber schreien und zanken. Dann wird Hartmann selbst gezeigt, wie er die "Katakomben" von Paris beim Licht einer Laterne untersucht. Mussorgsky notierte dazu in der Partitur die Worte "con mortuis in lingua mortua" (mit den Toten in der Sprache der Toten) und dann auf russisch "Der schöpferische Geist des verstorbenen Hartmann führt mich zu den Schädeln und ruft sie an - die Schädel beginnen im Inneren sanft zu leuchten". Durch eine Variation des Promenadenmotivs stellt sich Mussorgsky als Betrachter selbst mit Hartmann dar, bevor er im nächsten Bild die russische Hexe Baba Jaga einen wilden Hexenritt vollführen läßt. Den Abschluß des Werkes bildet Hartmanns Zeichnung des "Großen Tores von Kiew", eines Architekturentwurf eines Tores im altrussischen Stil mit einer Kuppel in Form eines slawischen Helms. Die Basis dieses monumentalen Schlußgemäldes ist wieder die "Promenade", die nun aber mit zusätzlichem motivischen Material (Choral der russischen Liturgie, Glückengeläut) angereichert wird und im letzten Bild der Suite die Größe eines Opernfinales verleiht.

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Hartmanns Entwurf zum Ballett "Trilby" Bilder von zwei Juden.

Die Aufführungsgeschichte Mussorgsky gestaltete die Inhalte der Bilder sehr frei nach den Vorlagen, von denen nur noch wenige

erhalten geblieben sind (Erhalten geblieben sind: Der Kostümentwurf zu "Trilby", zwei einzelne Zeichnungen polnischer Juden, die Zeichnung Hartmanns in den Pariser Katakomben, die Uhr, die zur Hütte der Baba-Jaga wurde, und das "Große Tor von Kiew".). Der wilde Hexenritt der Baba-Jaga kam Mussorgsky beispielsweise durch einen Entwurf einer bronzenen Uhr mit Füßen in Form von Hühnerbeinen in den Sinn. Zu Mussorgskys Lebzeiten wurden die "Bilder einer Ausstellung" vollständig ignoriert, selbst Rimsky-Korsakow berichtet in seiner Chronik nicht darüber. Erst einige Jahre nach Mussorgskys Tod (1886) wurde die Suite erstmals gedruckt. Im Konzertsaal erklang sie fast nie, erst in den Zwanzigerjahren des nächsten Jahrhundert wurde sie wiederentdeckt und populär, nachdem Maurice Ravel im Jahre 1922 für Sergej Kussewizki seine Orchestrierung anfertigte. Heute liegen die "Bilder einer Ausstellung" in einer Vielzahl von Orchestrierungen und anderen Bearbeitungen vor und haben Mussorgskys Namen in der ganzen Welt bekannt gemacht.

Die Hütte der Baba Jaga Das große Tor von Kiew

Die Musik in MIDI-Dateien 1. Promenade - Gnomus 2. Promenade - Das alte Schloß 3. Promenade - Tuilerien 4. Bydlo 5. Promenade - Ballett der Kьchlein in ihren Eierschalen 6. Samuel Goldenberg und Schmuyle 7. Promenade - Der Marktplatz von Limoges - Die Katakomben 8. Die Hütte der Baba Jaga - Das große Tor von Kiew

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Oper „Boris Godunow“Komponiert: 1869, rev. 1872Uraufführung: 1874

Beschreibung: Die Oper zeigt als große historische Oper kein heroisches Geschichtsbild, sondern einen faktisch vermittelten Realismus, der die inneren Widersprüche der Historie offenbart. Mit den dargestellten Ereignissen um Aufstieg und Fall des Zaren Godunow (1598-1605) wird zugleich die Frage nach der Legitimität politischer Macht gestellt. Ist das gute Regieren im falschen Leben möglich? Der Gottesnarr hat nach dem Tod Godunows das letzte Wort: "Weine, weine, du hungerndes Volk der Russen!"

Zur Oper:Handlung Musikalisches Volksdrama in 3 Aufzügen und 8 BildernPrologIm Jungfrauenkloster in Moskau wird das Volk durch den Vogt und die Hauptleute mit Knuten angetrieben, den unschlüssigen Boris zu bitten, Zar zu werden. Dieser gibt schliesslich nach und lässt sich unter dem Jubel des Volkes und den Huldigungen der Bojaren in der Kathedrale krönen.Erster Akt

In seiner Zelle des Tschudow-Klosters schreibt der greise Mönch Plmen an einer russischen Chronik, die sein Schüler, der junge Mönch Grigori, vollenden soll. Dieser fühlt sich nicht zum Chronisten und Mönch berufen und entschliesst sich, als er hört, dass der ermordete Zarewitsch Dmitri jetzt genauso alt wie er wäre, dessen Stelle einzunehmen. In einer Schenke an der litauischen Grenze sucht Grigori Zuflucht vor den Häschern des Zaren, weil er nach seiner Flucht aus dem Kloster durch aufrührerische Reden Verdacht erregt hat. Er will mit zwei Bettelmönchen nach Litauen fliehen und springt, als eine Streife die Schenke betritt, aus dem Fenster.Zweiter Akt

Xenia klagt um den toten Bräutigam, als der schwermütig gewordene Zar den Raum betritt. Schujski, ein hinterhältiger Intrigant, meldet, dass ein falscher Zarewitsch, der sich für Dmitri ausgebe, mit einem Heer von Polen im Anmarsch sei. Als Boris erfährt, dass der echte Dmitri im Kloster von Uglitsch ermordet wurde, wird er von einem Wahnsinnsausbruch heimgesucht.Dritter Akt

Marina, die gern Zarin werden möchte, zieht den falschen Dmitri in ihren Bann und wird vom Jesuiten Rangoni ermahnt, ihn nur dann zu erhören, wenn er gelobe, Russland dem katholischen Glauben zuzuführen. Dmitri erwartet im Schlossgarten die Geliebte; Rangoni verspricht ihm die Erfüllung seiner Wünsche. Marina stachelt die Polen zum Krieg gegen Russland auf, dem unschlüssigen Dmitri verheisst sie ihre Liebe, wenn er Zar geworden ist.Vierter Akt

Im Kreml fällen die Bojaren gegen Dmitri das Todesurteil. Da erscheint Zar Boris, vor Gewissensqual halb wahnsinnig, und bricht zusammen, als Pimen ihm berichtet, dass ein Blinder am Grab des ermordeten Zarewitsch sehend geworden sei. Er tritt die Herrschaft an seinen Sohn Fjodor ab, warnt ihn vor den Bojaren und stirbt.Dmitri erscheint mit Heeresmacht vor Moskau und wird vom Volk jubelnd als rechtmässiger Thronerbe begrüsst. Ein Blödsinniger bleibt zurück und beklagt Russlands tragisches Schicksal.

Werke Rimsky –Korsakov´s:

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Of the fifteen operas completed by Rimsky-Korsakov, mention may be made of The Snow Maiden, The Maid of Pskov, The Tale of Tsar Saltan, Mlada, Sadko, The Legend of the Invisible City of Kitezh and the satirical, once banned, Le coq d'or (The Golden Cockerel).

MIDI FILE - Sadko (2'04'')

Orchestral and instrumental excerpts from some of these may be very familiar, including the famous "Flight of the Bumble Bee", from The Tale of Tsar Saltan, a prince who turns himself into a bee and stings his wicked aunts.

MIDI FILE - Bumblebee flight (1'12'')

Of the various orchestral works by Rimsky-Korsakov "Capriccio espagnol" (Spanish Caprice) and the symphonic suite "Sheherazade", based on the book "Arabian Nights" are by far the best known, followed by the Russian Easter Festival Overture.

MIDI FILE - " Sheherazade": The Sea and Sindbad's Ship (10'39'')

The title of the Capriccio espagnol is self-explanatory, while Sheherazade, with no detailed and specific programme, is based on the tales told by the princess Sheherazade, represented by a solo violin, in her effort to postpone the death sentence declared on her by her master, the Caliph

Scheherazade (Rimsky-Korsakov)

Scheherezade (Шехерезада in Cyrillic, Šekherezada in transliteration), Op. 35, is a symphonic suite composed by Nikolai Rimsky-Korsakov in 1888. Based on The Book of One Thousand and One Nights, this orchestral work combines two features of the best Russian music, and of Rimsky-Korsakov in particular: dazzling, colorful orchestration and an interest in the East, which figured greatly in the history of Imperial Russia.The suite is divided into four movements. The composer was persuaded to give them programmatic titles as follows, but later removed them in favor of mere tempo markings and discouraged attempts to read literal storytelling into the music.

I. The Sea and Sinbad's Ship (Largo e maestoso — Allegro non troppo) II. The Kalendar Prince (Lento — Andantino — Allegro molto — Con moto) III. The Young Prince and The Young Princess (Andantino quasi allegretto — Pochissimo più mosso — Come prima — Pochissimo più animato) IV. Festival At Baghdad. The Sea. The Ship Breaks against a Cliff Surmounted by a Bronze Horseman. (Allegro molto — Vivo — Allegro non troppo maestoso)

The musical theme which opens the first movement is supposed to represent the domineering Sultan; this theme is built on four notes of the descending whole tone scale. But soon we hear the one theme that appears in every movement; this represents the character of the storyteller herself, Scheherezade, his wife, who eventually succeeds at appeasing him with her stories. This is a haunting, sensuously winding melody for violin solo, accompanied by harp. Both of these two themes are shown below.

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Oper „Der goldene Hahn“Der goldene Hahn ist eine Oper in 3 Akten mit Prolog und Epilog nach Puschkin von Wladimir Bielski. Musik von Nikolai Rimski-Korsakow.

Handlung:Prolog: Ein Astrloge erscheint auf der Bühne und kündigt die nachfolgende Handlung an.

1. Akt: In der Palasthalle des Dodons. Auf den alt gewordenen König Dodon lasten schwere Sorgen. Sein Reich wird von allen Seiten bedroht und seine Erfolge auf dem Schlachtfeld liegen weit zurück. Er sucht Rat bei seinen Söhnen, den Prinzen Gwidon und Afron, aber die Maßnahmen, die sie vorschlagen, sind absurd. Nun betritt der Astrologe die Szenerie und bietet als Lösung einen goldenen Hahn an der mit den Schwingen schlägt und laut zu krähen beginnt, sobald Gefahr droht. Der König und seine Berater gehen freudig auf diese bequeme Lösung ein. Der Astrologe verschiebt die angebotene königliche Belohnung auf später. Fortan erfüllt der goldene Hahn seine Wächterpflicht zu aller Zufriedenheit. Bei seinem ersten Alarm rücken die Königssöhne mit den Soldaten ins Feld. Der zurückbleibende Hofstaat verfällt wiederum in süßes Nichtstun und auch Dodon träumt von der schönen Königin von Schemacha. Doch schon bald warnt der goldene Hahn vor neuem Unheil. Das Volk versammelt sich angstvoll vor dem Palast und endlich weckt General Polkan den schlafenden König. Mißgelaunt zieht Dodon mit den verbleibenden Soldaten unter dem Jubel der Menschen in die Schlacht um seinen Söhnen zu helfen.

2. Akt: Der König in einer in einer engen Schlucht. Seine Armee ist geschlagen und seine Söhne liegen tot zu seinen Füßen. Dodon will Rache. Er vermutet den Feind in einem plötzlich aus dem Nebel auftauchendem prunkvollem Zelt. Sogleich läßt er seine letzte verbliebene Kanone laden doch dann tritt aus dem Zelt eine junge, betörend schöne Frau. Sie besingt die aufgehende Sonne, es ist die Königin von Schemacha aus Dodons Traum und sie will sein Reich. Aber nicht mit Gewalt sondern mit Schönheit soll es erobert werden. Rätselhaft und spöttisch lächelnd umgarnt sie den den geschlagenen König. In ihrer Erinnerung lebt das Gelage mit Gwidon und Afron wieder auf, die ihr beide die Krone boten und sich für sie durchborten. Dodon verfällt ihr völlig und merkt nicht wie ihn die Königin verhöhnt. Er bietet ihr blindlings sich selbst und sein Reich, in das beide mit vielen Sklaven, Soldaten und kostbaren Schätzen dann ziehen.

3.Akt: Die Aufseherin Amelfa verkündet dem Volk den Ausgang der Schlacht und das Heimkommen Dodons mit der neuen, fremden Königin. Schon naht der Zug und der ebenfalls erscheinende Astrologe verlangt vom König als Preis für den goldenen Hahn die Königin von Schemacha. Wütend schlägt Dodon den Astrologen mit dem Zepter nieder und tötet ihn. Ein Unwetter zieht auf, die Königin lacht verstohlen und Dodon sieht Unheil auf sich zukommen. Als er sie küssen will stößt sie ihn zurück weil die Strafe für seine Verbrechen nahe sei. Da stürzt sich der goldene Hahn auf ihn und hackt solange mit dem Schnabel auf ihn ein, bis er leblos zusammensinkt. Die Königin entflieht mit dem Wundervogel in einem sich entladenden Gewitter. Verlegen und ohne Einsicht betrachtet das Volk die neue Lage.Epilog: Ein letztes Mal betritt der Astrologe die Bühne und rät dem Publikum den düsteren Schluss des Märchens nicht zu ernst zu nehm

Pjotr TschaikowskyMIDI Files: http://www.classicalarchives.com/midi/t.html#TCHAIKOVSKY

Oper „Eugen Onegin“Die Oper Eugen Onegin wurde um 1878 von Pjotr Iljitsch Tschaikowski geschrieben. Sie basiert auf dem gleichnamigen Versroman Eugen Onegin von Alexander Puschkin. Die Uraufführung fand am 29. März 1879 im Moskauer Maly-Theater statt.Eugen Onegin ist ein reicher Dandy aus der Großstadt, den eine Erbschaft aufs Land verschlägt. Dort trifft er die reiche Landbesitzerin Larina und ihre beiden Töchtern Olga und Tatjana. Olga verliebt sich in den Dichter Lenskij, einen Nachbarn und Freund Onegins. Bei einem Besuch gesteht Lenskij Olga seine Liebe. Gleichzeitig

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verliebt Tatjana sich in Onegin, der aber weist sie zurück. Einige Zeit später findet ein Ball statt, bei dem Onegin mit Olga tanzt. Aus Eifersucht fordert Lenski Onegin zum Duell heraus und wird dabei getötet. Jahre später trifft Onegin Tatjana wieder. Sie ist inzwischen die Frau des reichen Fürsten Gremin. Noch immer liebt sie Onegin, gibt ihm aber zu verstehen, dass sie Gremin treu bleiben wird.

Eugene Onegin (lyric opera) Act II:Lenski's Aria (Kuda, kuda) [4:55] (P.D.McGeown). Act III:Polonaise [4:51 · 185k] (P.Cvikl). {¶} Act III:Prince Gremin's Aria (Lyubvi vsye) [3:54]

(M.Bernardini). Act III, No.13:Entr'acte and Waltz with Scene and Chorus

[7:32 · 116k] (P.Cvikl) {¶}

1. Klavierkonzert (Tschaikowski)entstand 1874. Uraufgeführt wurde es 1875 in Boston mit Hans von Bülow am Klavier, dem das Konzert auch gewidmet ist.

Hintergrund

Ursprünglich wollte Tschaikowski das Klavierkonzert seinem Freund und Mentor Nicolaj Rubinstein widmen, dem er viel zu verdanken hatte, hatte dieser ihm doch nicht nur eine musikalische Ausbildung ermöglicht, sondern dem mittellosen Tschaikowski auch ein paar Jahre kostenlos Logis und Verpflegung geboten. Doch als er es Rubinstein am Klavier vorspielte, äußerte dieser lediglich maßlose Kritik und Verachtung, hielt das Werk für unrettbar, riet Tschaikowski aber schließlich, es gründlich umzuarbeiten.

Tschaikowski änderte an dem Konzert nicht eine Note, sondern schickte es dem Pianisten und Dirigenten Hans von Bülow mit der Bitte zu, sich ein Urteil zu bilden. Dieser hatte an dem Konzert nichts auszusetzen, ließ es vom Orchester einstudieren und saß bei der Uraufführung 1875 in Boston persönlich am Klavier. Zu wahrem Erfolg verhalf ihm dann doch noch Rubinstein, der seine Meinung zu dem Werk geänderte hatte und 1887 eine legendäre Aufführung in Paris gab. Von dort trat das Werk einen regelrechten Siegeszug an; es wurde zu dem am häufigsten eingespielten Klavierkonzert überhaupt und wird darin bis heute von keinem anderen Konzert übertroffen.

Das WerkWelch großer Beliebtheit sich das Konzert nicht nur unter Fans der sog. Klassischen Musik erfreut,

zeigt auch die Tatsache, dass seine Einspielung durch den Pianisten Van Cliburn als Schallplatte Ende 1961 mehr als eine Million Mal verkauft wurde, ein bis dahin von keinem anderen klassischen Werk erreichter Rekord. Die Begeisterung für das Werk dürfte maßgeblich durch das Eingangsthema des ersten Satzes geprägt sein, das vom Klavier mit wuchtigen, über alle 7½ Oktaven reichenden Akkorden begleitet wird.

Die Satzbezeichnungen des Konzerts lauten:Allegro non troppo e molto maestoso Andantino semplice Allegro con fuoco

Der KopfsatzDer Kopfsatz des Konzerts weicht von der in der Wiener Klassik geprägten starren Form des

Sonatenkopfsatzes ab. Er beginnt in Des-Dur (der Paralleltonart zu b-Moll) mit einer weit ausladenden Einleitung, die fast schon als eigenes Thema gelten kann und anfänglich den Eindruck erweckt, hier handele es sich um ein Konzert in Des-Dur, nur: Dieses Anfangsthema wird im späteren Verlauf und auch in den anderen Sätzen des Konzerts nicht wieder aufgegriffen. Geprägt ist die Einleitung durch eine vom Orchester intonierte Melodie, die vom Klavier mit wuchtigen, sich über die 7½ Oktaven der Klaviatur erstreckenden Akkorden begleitet wird. Bereits in diesem Teil gibt es eine dem Charakter einer Kadenz ähnelnde Passage (Takt 40), in welcher das Klavier einen solistischen Part hat.

Der Einleitung folgen nacheinander die zwei kopfsatztypischen Themen: Das dynamische Thema in b-Moll (Takt 108) ist unisono in rechter wie linker Hand gehalten, beginnt triolisch und erfährt eine erste

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Durchführung durch Auflösung der Triolen in Sechzehntel-Bewegungen (Takt 160) noch vor Einsatz des zweiten, lyrischen Themas (Takt 184). Dieses wiederum ist verwoben mit einem dritten Thema (Takt 205), das eigentlich eher als ein Themenbruchstück beginnt, in der Durchführung aber gleichwertig neben den zwei Hauptthemen behandelt wird. Die Reprise kommt etwas überraschend im Wiederaufgreifen des dynamischen, zu Sechzehntel-Noten aufgelösten ersten Themas (Takt 445). Die solistische Kadenz (Takt 539) hat das dritte und schließlich das zweite Thema zum Schwerpunkt und führt in die Schluss-Sequenz, in welcher Klavier und Orchester den Satz mit dem dritten Thema ausklingen lassen. Der Kopfsatz endet in der Tonart B-Dur.

Der 2. SatzDer zweite Satz in Des-Dur beginnt mit einer solistischen Melodie in der Querflöte, die vom Klavier

aufgegriffen wird. In scharfem Kontrast zu diesem lyrischen Thema steht in der Mitte des 2. Satzes ein schneller Abschnitt über die französische Chansonette "Il faut s'amuser, danser et rire“ (Man muss sich vergnügen, tanzen und lachen). Dieses Lied im Satzmittelpunkt bildet gleichsam die Spiegelachse einer Symmetrie, denn am Ende wird das Eingangsthema wieder aufgegriffen und von Klavier und Oboe zu Ende geführt.

Der 3. SatzDer dritte Satz ist in Form eines Rondos angelegt, seine Themen haben ihren Ursprung in ukrainischen

Volkstänzen. Das erste Thema kehrt im Wechselspiel zwischen Klavier und Orchester immer wieder. Dazwischenliegende Passagen aus Läufen und akkordischen Sprüngen verlangen dem Solisten einiges an Können ab und verleihen dem Schlusssatz seine Brillanz. Der Pianist Alexander Siloti, ein Cousin Sergej Rachmaninows, hat aufgrund der übermäßigen Länge des Satzes eine Bearbeitung in Form einer drastischen Kürzung einer Passage vorgenommen. Noch heute wird das Konzert meist in dieser verkürzten Version aufgeführt.

Piano Concerto No.1 in Bb-, Op.23

1.Allegro non troppo e molto maestoso. Allegro con spirito [20:12 · 226k]; 2.Andantino semplice. Prestissimo. Tempo primo [6:17 · 43k]; 3.Allergo con fuoco [7:18 · 119k]. (H.Suzuki)

6 Symphonie: Symphony No.6 in B-, 'Pathétique', Op.74

HÖRBEISPIELE: 1.Adagio. Allegro non troppo [17:15 · 151k]; 2.Allegro con grazia [7:17 · 59k]; 3.Allegro molto vivace [9:09 · 169k]; 4.Finale:Adagio lamentoso [9:19 · 44k]. (M.Knezevic)

Titel: Symphonie Nr. 6Untertitel: PathétiqueTonart: b-mollKomponiert: 1893Besetzung: OrchesterSpieldauer: ca. 45 MinutenOpus: op. 74

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Richard WagnerOper: „Tannhäuser und der Sängerkrieg auf Wartburg „ist eine romantische Oper in drei Akten von Richard Wagner.

Sie ist seine fünfte Oper und entstand zwischen 1842 und 1845. Die Uraufführung fand am 19. Oktober 1845 im Königlich Sächsischen Hoftheater in Dresden statt.Das Libretto stammt vom Komponisten selbst und ist stark inspiriert durch unabhängige Sagen aus dem Deutschen Sagenbuch von Ludwig Bechstein: „Die Mähr von dem Ritter Tannhäuser“, „Der Sängerkrieg auf der Wartburg“ und „Die heilige Elisabeth“.

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In diesem Werk verbindet Richard Wagner die spätmittelalterlichen Sage um Tannhäuser, der für sein Verweilen im Venusberg Erlösung suchte, mit dem sagenhaften Sängerkrieg auf der Wartburg, in dem ein Sängerfest zu einem letztlich mit Waffengewalt ausgetragenem Wettkampf im Rahmen des Streits zwischen Staufern und Welfen wurde.

HandlungZu Beginn des Werks begegnen wir Tannhäuser in der Welt des Venusberges (d. i. der Hörselberg bei Eisenach). Die Welt der Venus ist ausschließlich der Sinnlichkeit gewillt. Tannhäuser hat als Sterblicher den Weg hierher gefunden, ist des Genusses jedoch zusehends überdrüssig („Wenn stets ein Gott genießen kann, bin ich dem Wechsel untertan“). Venus versucht, ihren Ritter zum Bleiben zu bewegen, und prophezeit, dass die Menschen Tannhäuser sein Verweilen bei der heidnischen Göttin der Liebe nie verzeihen werden: dort fände er nie sein Heil. Tannhäuser jedoch bleibt bei seinem Entschluss: „Mein Heil ruht in Maria!“ Bei der Anrufung Mariens versinkt die Welt der Venus, und Tannhäuser sieht sich in ein liebliches Waldtal in Thüringen am Fuße der Wartburg versetzt. Er versöhnt sich mit den Rittern, die er einst verlassen hatte und will an einem Sängerfest, das auf den nächsten Tag bestimmt ist, teilnehmen, um auch das Herz Elisabeths, der Nichte des Landgrafen zu gewinnen.Im zweiten Aufzug begegnen sich Tannhäuser und Elisabeth wieder. In einem Dialog zwischen beiden und einem Gespräch zwischen Elisabeth und dem Landgrafen wird die Verbindung der beiden kaum verhüllt vorbereitet. Während des Sängerfestes jedoch bekennt Tannhäuser, dass er im Venusberg gewesen ist, wodurch er nach den Gesetzen der Zeit sein Leben verwirkt hat. Die Anrufung oder der Aufenthalt bei heidnischen Göttern war allemal Götzendienst und Abgötterei. Nur auf die Fürsprache Elisabeths wird Tannhäuser gestattet, nach Rom zu ziehen, und um Erlösung durch die Kirche zu bitten, „doch nimmer kehre wieder, ward' dir sein Segen nicht!“Im dritten Aufzug erleben wir, dass Elisabeth ihr Leben für Tannhäusers Erlösung geben will. Tannhäuser selbst war in Rom gewesen, hatte jedoch keine Verzeihung gefunden. Der Papst (in der Sage ist es Urban IV.), hatte seinen Priesterstab geschwungen und ausgeführt: „Wie dieser Stab in meiner Hand nie mehr sich schmückt mit frischem Grün, kann aus der Hölle heißem Brand Erlösung nimmer dir erblühn.“ Tannhäuser ist verzweifelt und will wenigstens seine letzten Tage wieder bei Venus verbringen. Diese erscheint auch, doch Wolfram, einer der Wartburgritter, hält Tannhäuser von dem letzten verzweifelten Schritt ab. Er ruft Elisabeths Namen aus, deren Bitte, für Tannhäusers Vergebung sterben zu dürfen, inzwischen erfüllt wurde, sodass Venus augenblicklich verschwindet. Tannhäuser stirbt im Glauben an seine Erlösung. Pilger bringen den wundersamerweise erblühten Priesterstab aus Rom: „Den dürren Stab in Priesters Hand hat ER geschmückt mit frischem Grün!“Das Werk schließt mit der Verheißung des Chores: „Hoch über aller Welt ist Gott und sein Erbarmen ist kein Spott“.

GeschichteDas Werk hat aus mehreren Gründen eine wechselvolle Geschichte erlebt. Die Kirche nahm an der Kritik gegenüber dem Papst Anstoß, weswegen das Werk im katholischen Österreich erst spät zur Aufführung kam. Wagner selbst schrieb mehrere Fassungen: diejenige der Uraufführung (Dresdner Fassung), eine weitere für eine Aufführung in Paris, wo er die Venusbergszene um ein Ballett, das sog. Bacchanal ergänzte (in Paris kam es dennoch zum Skandal, weil die dortige Aufführungstradition ein Ballett im zweiten Aufzug erheischte) und schließlich noch weitere Fassungen, die Wagner alle letztlich nicht zufrieden stellten. Überliefert ist, dass er noch in seinen letzten Lebensmonaten sagte, er sei der Welt noch den Tannhäuser schuldig.Weblinks

Libretto Bechstein-Texte – Zum Sagenhintergrund der Oper Richard Wagner Postkarten-Galerie - Bilder zu Tannhäuser Textbuch und Szenenübersicht zu Tannhäuser

Oper: „Lohengrin“ ist eine romantische Oper des deutschen Komponisten Richard Wagner. Sie gilt als seine märchenhafteste Oper, obwohl oder gerade weil sie vor einem geschichtlichen Hintergrund spielt.Die Uraufführung war am 28. August 1850 in Weimar im Großherzoglichen Hoftheater.

Personen Heinrich der Vogler, deutscher König (Bass) Lohengrin, Gralsritter und Sohn Parzivals (Tenor) Elsa von Brabant (Sopran)

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Friedrich von Telramund, brabantischer Graf (Bariton) Ortrud, Friedrichs Gemahlin (dramatischer Sopran, wird oft mit Mezzosopranistinnen besetzt) Der Heerrufer des Königs (Bariton) Vier brabantische Edle (zwei Tenöre, zwei Bässe) Vier Edelknaben (zwei Soprane, zwei Alt) Herzog Gottfried, Elsas Bruder (stumme Rolle)

VorbemerkungDie Handlung spielt zur Zeit König Heinrichs I. (des Voglers) im Herzogtum Brabant. (Eigentlich kam es zur Gründung dieses Herzogtums erst einige Jahrzehnte später, der Handlung tut dies jedoch keinen Abbruch.)Es ist die Zeit der kriegerischen Auseinandersetzung mit den Ungarn und König Heinrich versucht, die regionalen Fürstentümer dazu zu bewegen, sich an den bevorstehenden Kämpfen zu beteiligen. Deswegen kam er auch nach Brabant (Komm ich zu Euch nun, Männer von Brabant, zur Heeresfolg' nach Mainz Euch zu entbieten), was angesichts dessen, dass die Kriegsgefahr die östlichen Gefilde des Reiches betrifft, Brabant jedoch im äußersten Westen gelegen ist, eine politisch heikle Mission darstellt (Ob Ost, ob West, das gelte allen gleich: was deutsches Land heißt, stelle Kampfesscharen) und historisch auch nicht korrekt ist. Diese historischen Rahmenbedingungen sind für weite Teile der gesamten Handlung bestimmend.

Vorspiel und Erster AufzugZu Beginn der Oper erleben wir jedoch bereits musikalisch eine ganz andere Welt. Das Vorspiel entführt uns in das Reich des Gral, die musikalische Thematik ist weithin in A-Dur gehalten.Dies kontrastiert dann mit einem durchaus positiven, kräftigen aber ebenso irdischen C-Dur zu Beginn des ersten Aufzugs. Der Heerrufer kündigt die Ankunft König Heinrichs an (Hört Grafen, Edle, Freie von Brabant: Heinrich der Deutschen König kam zur Statt, mit Euch zu dingen nach des Reiches Recht - gebt Ihr nun Fried' und Folge dem Gebot?) Heinrich, der wie erwähnt eigentlich einen Heerzug organisieren möchte, erfährt nun von Friedrich, Graf von Telramund, dass der Herzog von Brabant verstorben ist und seine beiden Kinder (Elsa, die Jungfrau und Gottfried, den Knaben) der Obhut Telramunds anvertraut hat. Gottfried war sodann zum Entsetzen Telramunds verschwunden und in Telramund hatte sich die Überzeugung gebildet, dass Elsa hierfür verantwortlich sei, indem sie Gottfried getötet habe. Telramund löste daraufhin die Verlobung (Dem Recht auf ihre Hand, vom Vater mir verliehen, entsagt' ich willig da und gern) und vermählte sich mit Ortrud, der letzten Nachfahrin der Friesen. Es war aber Ortrud, die Telramund eingeflüstert hatte, sie habe beobachtet, wie Elsa ihren Bruder im Weiher ertränkt habe.Telramund klagt Elsa des Brudermordes an und erklärt weiter, dass ihm dann auch die Herzogswürde zustehe: Dies Land doch sprech' ich für mich an mit Recht, da ich der Nächste von des Herzogs Blut. Mein Weib dazu aus dem Geschlecht, das einst auch diesen Landen seine Fürsten gab.Elsa bestreitet die Tat, so dass ein Gottesgericht entscheiden muss. Elsa hatte zuvor geträumt, ihr werde ein von Gott gesandter Streiter zur Seite stehen. Nachdem sie dem König von diesem Traum berichtet und der Heerrufer zum Gottesgericht gerufen hat, erscheint tatsächlich Lohengrin, der Sohn des Gralskönigs Parzival auf einem Nachen, der von einem Schwan gezogen wird. Er besiegt Telramund im Zweikampf und verlobt sich mit Elsa, der er zu Bedingung macht, nie zu fragen "woher ich kam der Fahrt, noch wie mein Nam' und Art". Bei dieser Bedingung handelt es sich freilich, wie wir später im Rahmen der Gralserzählung erfahren werden, nicht um eine eitle Anwandlung Lohengrins, sondern um ein Gralsgesetz, das der Ritter an seine Frau weitergeben muss.Telramund ist durch die Niederlage im Zweikampf entehrt. Lohengrin wäre berechtigt, ihn zu töten, verzichtet hierauf aber: Durch Gottes Sieg ist jetzt dein Leben mein - ich schenk' es dir, mögst du der Reu' es weih'n.

Zweiter AufzugZu Beginn des zweiten Aufzugs gelingt es Ortrud erneut, Telramund davon zu überzeugen, dass ihm Unrecht getan werde und Lohengrin den Zweikampf nur mit Hilfe eines Zaubers habe gewinnen können. Gleichzeitig behauptet Ortrud, der Zauber werde von Lohengrin genommen werden, wenn ihm nur das kleinste Körperglied, und wenn es nur eines Fingers Spitze wäre, entrissen würde. Außerdem gibt sich Ortrud scheinbar reuevoll gegenüber Elsa, die kurz vor ihrer Hochzeit steht. Elsa ist nur zu gern bereit, allen und auch Ortrud zu verzeihen. In einem vertraulichen Gespräch deutet Ortrud dunkel an, es könne ein dunkles Geschick sein, aus dem heraus Lohengrin gezwungen sei, seinen Namen zu verbergen. Elsa weist allen Zweifel von sich, ohne sich letztlich ganz davon befreien zu können.Die Szene wechselt und wir hören, wie der Heerrufer die Brabanter zusammenruft und ihnen verkündet, dass Telramund, wie es die Gesetze erfordern, "weil untreu' er den Gotteskampf" gewagt, der Reichsacht verfallen ist. Der "fremde, gottgesandte Mann" aber soll mit dem Herzogtum Brabant belehnt werden: Doch will der Held nicht Herzog sein genannt; ihr sollt ihn heißen "Schützer von Brabant". Der Heerrufer fährt fort und kündigt an, dass Lohengrin sich noch am selben Tage mit Elsa vermählen werde, um am nächsten Tag mit den Brabantern gemeinsam dem König auf dem Kriegszug zu folgen.

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Am Rande der Szene beobachten wir ein kleines Häuflein Unzufriedener sich um Telramund scharen, die nicht einsehen wollen, dass sie wegen der räumlich entfernten Bedrohung in den Krieg ziehen sollen.

Dritter AufzugElsa ist mit Lohengrin vermählt. In der Hochzeitsnacht kommt es somit auch zu dem ersten vertraulichen Gespräch der beiden, dass entgegen zeitgenössischen Inszenierungen keineswegs im Brautbett, sondern auf einem Sofa im Gemach der beiden stattfindet. Elsa will Lohengrin versichern, dass sie auch dann zu ihm halten würde, wenn Ortruds Verdacht zuträfe. Lohengrin möchte sie beruhigen und erklärt wahrheitsgemäß, dass ihm kein Unheil gedroht habe (Kein Los in Gottes weiten Welten wohl edler als das meine hieß: Böt mir der König seine Krone, ich dürfte sie mit Recht verschmähn. Das einz'ge, was mein Opfer lohne, muss ich in Deiner Lieb ersehn).Elsa jedoch kann sich nicht beruhigen. Voller Angst, Lohengrin werde einst bedauern, soviel um ihretwillen aufgegeben zu haben, fragt sie den Ritter nach seinem Namen. In diesem Moment dringt Telramund in das Gemach ein und es kommt zu einer Neuauflage des Kampfes, in dessen Verlauf Lohengrin Telramund erschlägt.Auf Lohengrins Geheiß kommen die Edlen Brabants vor dem König zusammen. Dem König berichtet er in der bekannten Gralserzählung von seinem Namen und seiner Sendung sowie dem weiteren Geschehen und erklärt zugleich, nunmehr, nachdem Elsa die Schicksalsfrage gestellt habe, nicht länger in Brabant verweilen und insbesondere den Feldzug nicht leiten zu können. Der König, der für das Ganze aber nichts kann, werde durch einen Sieg über die Ungarn entschädigt: Doch, großer König, lass mich Dir weissagen: Dir Reinem ist ein großer Sieg verliehn. Nach Deutschland sollen noch in fernsten Tagen des Ostens Horden siegreich nimmer ziehn. An Elsa gewandt berichtet Lohengrin weiter, dass es nur eines Jahres vertrauensvoller Ehe zwischen ihnen bedurft hätte, und Gottfried wäre nach Brabant zurückgekehrt.Trotz Elsas Flehen und des Königs Drängen darf Lohengrin nicht bleiben. Der Schwan kommt zurück und zieht wiederum den Kahn. In schrecklichem Triumph ruft Ortrud aus, sie habe den Schwan wohl als den verschwundenen Gottfried erkannt: "Am Kettlein, das ich um ihn wand, ersah ich wohl wer jener Schwan: es ist der Erbe von Brabant!"Auf Lohengrins Gebet wird Gottfried bereits jetzt, noch vor Ablauf der Jahresfrist erlöst, der Kahn, indem Lohengrin "unendlich traurig" (Regieanweisung) scheidet, wird von einer Taube heimgezogen. Ortrud sinkt mit einem Aufschrei entseelt (=tot) zu Boden, Elsa stirbt an psychischer Erschöpfung.Die Musik des Werkes jedoch verklingt in Dur, ein Zeichen, dass jenseits der strengen Gesetze des Grals auch für Lohengrin und Elsa eine glücklichere Wiederbegegnung warten mag.

Weblinks Libretto beim Projekt Gutenberg-DE Textbuch und Szenenübersicht zu Lohengrin Richard Wagner Postkarten-Galerie - Bilder zu Lohengrin

Oper: „Die Meistersinger von Nürnberg“ ist eine von 13 Opern des Komponisten Richard Wagner. Sie wurde 1868 uraufgeführt und dauert mit Pausen ca. fünfeinhalb Stunden. Somit ist sie die längste regelmäßig aufgeführte Oper überhaupt

Das Werk hat im Gegensatz zu anderen Opern Wagners keinen mythologischen Hintergrund, sondern stützt sich auf Berichte über wirkliche Personen aus der Zeit von Hans Sachs. Dieser in Nürnberg und ganz Süddeutschland geliebte und verehrte Dichter und Schustermeister (1494–1576) war mit über 10.000 Werken (4.000 Lieder, 200 Dramen, Fabeln und Schwänken) einer der produktivsten deutschen Dichter. Er war nicht nur der bekannteste Vertreter der Meistersänger, sondern auch ein sehr toleranter Mensch. So schlug er z. B. vor, die Beurteilung von Meisterliedern seiner Nürnberger Zunft nicht nur den vier Merkern zu überlassen, sondern dies mehrmals im Jahr der Zuhörerschaft zu übertragen.

Richard Wagner entnahm sein Wissen um die damals bereits sehr strengen Regeln der Meistersinger (die „Tabulatur“) und die Musiker-Kollegen von Sachs dem 1697 erschienenen „Buch von der Meister-Singer holdseliger Kunst“ (Johann Christoph Wagenseil, 1633–1705).

Die angeblich bereits im 14. Jahrhundert schriftlich fixierte Tabulatur, welche die Musik der höfischen Minnesänger dem Bedarf ihrer bürgerlichen Nachfolger adaptieren sollte, gibt „nebenbei“ einen detaillierten Einblick in das damalige Leben der Handwerkermeister.

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Wagner hat allerdings nur die Namen von Wagenseil übernommen. Die Handlung und die Berufe der Meister entspringen seiner Fantasie. Das Wort Meister-Singer besitzt eine doppelte Bedeutung. Einerseits waren alle Mitglieder der damaligen Musikgilden Meister in ihrem jeweiligen Beruf, andererseits bildeten die Meistersinger in vielen deutschen Städten eine eigene, angesehene Zunft, innerhalb deren 5-stufigen Rangsystems der Meistertitel analog zum Handwerkerberuf nur durch ein wirkliches Meisterstück errungen werden konnte. Wagner karikiert freilich einige Auswüchse - vor allem in der Person des strengen Stadtschreibers Beckmesser, dessen Name zum Synonym für Pedanterie wurde.

Außer seinem frühen, kaum aufgeführten Werk „Das Liebesverbot“ sind „Die Meistersinger“ die einzige komische Oper, die Wagner schrieb; sie enthält allerdings mancherlei dunkle, melancholische Zwischentöne. Nach der ekstatischen Oper Tristan und Isolde schuf Wagner hier eine konträre Atmosphäre, die von der festlichen Tonart C-Dur dominiert wird. Mit „Die Meistersinger von Nürnberg“ wurde am 21. August 1901 das Prinzregententheater in München eingeweiht. Auch als das neue Nürnberger Opernhaus im Jahre 1905 eröffnet wurde, spielte man – wohl nicht zuletzt aufgrund des lokalen Bezuges – ebenfalls die Meistersinger.

Weblinks „Die Meistersinger von Nürnberg“ beim Projekt Gutenberg-DE Libretti zu „Die Meistersinger von Nürnberg“ Hans-Sachs-Spiele in Rothenburg ob der Tauber Textbuch und Szenenübersicht Meistersinger Richard Wagner Postkarten-Galerie - Bilder zu "Die Meistersinger von Nürnberg

Giuseppe Verdi

Oper: “Rigoletto”Rigoletto (von it. "Spaßmacherlein") Oper in drei Akten von Giuseppe Verdi aus dem Jahr 1851. Libretto von Francesco Maria Piave nach dem Drama "Le roi s'amuse" von Victor Hugo (1832). Uraufführung: Venedig, 11. März 1851. Die Handlung spielt in Mantua, im 16. Jahrhundert.

Personen Herzog von Mantua - Tenor Rigoletto, sein Hofnarr - Bariton Gilda, dessen Tochter - Sopran Giovanna, Gildas Gesellschafterin - Alt Graf von Monterone - Bass Graf Ceprano - Bariton Gräfin Ceprano - Sopran

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Marullo, ein Kavalier - Bariton Borsa, ein Höfling - Tenor Sparafucile, ein Mörder - Bass Maddalena, dessen Schwester - Mezzosopran

HandlungDie Oper handelt von Rigoletto, dem buckligen Hofnarren des Herzogs von Mantua, eines notorischen Frauenhelden und Wüstlings. Stets macht der Narr sich über die Opfer des Herzogs - gehörnte Ehemänner und enttäuschte Väter - lustig und überzieht sie mit beißendem Spott, bis das Schicksal ihn einholt.

Schlossfestspiele Schwerin 2005. Rigoletto. Ein Fest beim Herzog von Mantua

Erster Akt:

Auf einem der rauschenden Feste des Herzogs denkt dieser an eine schöne Unbekannte, die er in der Kirche gesehen hat, wendet sich auf der Feier aber der Gräfin Ceprano zu, die er zu verführen gedenkt. Rigoletto verspottet den ebenfalls anwesenden Ehemann der Gräfin und unterbreitet dem Herzog vor der Hofgesellschaft den Vorschlag, den Mann der Gräfin zu verhaften, um ihn aus dem Weg zu schaffen und die Gräfin zu entführen. Selbst die intriganten Höflinge sind über die Bösartigkeit des buckligen Narren entsetzt. Einer der Höflinge behauptet, Rigoletto habe eine Geliebte, die er allabendlich besuche. Es entsteht der Plan, die vermeintliche Geliebte des boshaften Narren zu entführen, um ihm einen Denkzettel zu verpassen. Schließlich erscheint der Graf von Monterone, dessen Tochter vom Herzog entehrt wurde. Rigoletto verspottet auch ihn und wird dafür vom Grafen mit einem Fluch überzogen.

Zweiter Akt:

Im Palast berichtet der Chor der Höflinge dem Herzog, der von der Entführung nichts wusste, von der gelungenen Intrige. Er erkennt den Irrtum seines Gefolges, das Gilda immer noch für die Geliebte des Narren hält, und eilt zu ihr. Nunmehr erscheint der verzweifelte Rigoletto, der das Verschwinden seiner Tochter bemerkt hat und sie im Palast vermutet. Sie begegnen einander im Palast und entsetzt muss Rigoletto hören, dass seine Tochter sich in den Herzog verliebt hat. Trotz ihrer Bitten, dem Geliebten zu verzeihen, will Rigoletto Rache für die beschmutzte Ehre seiner Tochter.

Dritter Akt:

Um seiner Tochter den Charakter des Herzogs zu offenbaren, besucht er mit ihr die Schenke des Mörders Sparafucile und zwingt sie, dort zu beobachten, wie der als Offizier verkleidete Herzog ein Schäferstündchen mit Maddalena, der Schwester Sparafuciles, verbringt. Anschließend bittet er seine Tochter, als Mann verkleidet vor dem Herzog nach Verona zu fliehen und gewinnt sodann den Banditen Sparafucile dafür, den Herzog zu ermorden und ihm dessen Leiche in einem Sack zu übergeben. Als Sparafucile die Tat ausführen will, stellt sich seine Schwester in den Weg und bettelt um das Leben ihres Geliebten. Sparafucile lässt sich erweichen und beschließt, den nächsten Mann, der zur Tür hereintritt, zu ermorden, um Rigoletto einen mit einer Leiche gefüllten Sack übergeben zu können. Nunmehr betritt Gilda, die einen Teil des Gesprächs zwischen dem Mörder und seiner Schwester belauscht hat - als Mann verkleidet - die Schenke, um den Herzog zu retten. Sie wird von

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Sparafucile erstochen. Als Rigoletto im Morgengrauen erscheint, um den Sack mit der Leiche in Emfang zu nehmen, glaubt er, seine Rache sei gelungen. Plötzlich hört er die Stimme des Herzogs, der ein Lied singt, als er die Schänke verlassen will. Erschrocken öffnet Rigoletto den Leichensack und hält seine sterbende Tochter im Arm. Der Fluch des Grafen Monterone hat sich erfüllt.

AnmerkungDas Libretto, dessen Vorlage sich auf den Lebenswandel des Königs Franz I. von Frankreich bezieht, musste auf Druck der Zensurbehörden mehrmals umgeschrieben werden. Auch der Umstand, dass ein Krüppel zum Helden einer Oper gemacht wurde, erregte Anstoß. Letztlich konnte sich Verdi jedoch mit seinen Ideen durchsetzen und der grandiose Erfolg der Uraufführung in Venedig gab ihm Recht. Die vom Herzog von Mantua gesungene Arie "La donna è mobile" ("Ach wie so trügerisch") musste während der Uraufführung dreimal wiederholt werden und wurde zum Gassenhauer.

Oper “Il Trovatore”Il Trovatore (Der Troubadour) ist eine Oper von Giuseppe Verdi nach einem Libretto von Salvatore Cammarano und Leone Emmanuele Bardare. Das dramma lirico in vier Akten basiert auf dem Schauspiel El trovador von Antonio García Gutiérrez (1836).Il Trovatore wurde am 19. Januar 1853 im Teatro Apollo in Rom uraufgeführt.

Handlung: 1. Akt - Das DuellIn der Vorhalle des Schlosses von Aliaferia lagern müde die Wachsoldaten. Um sie munter sein, die deshalb zum Tod auf dem Scheiterhaufen verurteilt wurde. Aus Rache habe deren Tochter den jungen Grafensohn geraubt und den Flammen überantwortet. In der Asche der Mutter fand man später die verkohlte Leiches eines Kindes. Der alte Graf sei, so Ferrando, überzeugt gewesen, dass sein jüngerer Sohn noch lebe und habe vor seinem Tod den älteren Sohn mit der Suche nach dem Bruder und der Tochter der Zigeunerin beauftragt. Am Abend gesteht die Gräfin Leonore ihrer Hofdame und Freundin Inez im Park des Schlosses Sargasto ihre Liebe zu dem Troubadour Manrico. Auch der Graf von Luna wirbt um die Gunst Leonores. Diese hört in der Ferne Manrico ein Lied singen und will zu ihm eilen - findet sich jedoch in den Armen des Grafen wieder, den sie im Dunkeln für Manrico gehalten hatte. Als dieser erscheint, erkennen beide Männer, dass sie nicht nur Rivalen in der Liebe, sondern zugleich politische Widersacher sind: Manrico steht auf Seiten des rebellischen Herzogs von Urgel. Leonore kann das Duell der beiden nicht verhindern.zu halten, erzählt ihnen Hauptmann Ferrando eine Episode aus der jüngeren Geschichte des Grafenhauses: Der Vater des jetzigen Grafen von Luna hatte zwei Söhne. Der Jüngere soll das Opfer von Zauberkünsten einer Zigeunerin geworden

2. Akt - Die Zigeunerin

Die Zigeuner sind nach einer Schlacht in ihr Lager zurückgekehrt. Dort wird Azucena von der Vision des grausamen Feuertodes ihrer Mutter verfolgt. Sie gesteht in einer plötzlichen Aufwallung ihrem Adoptivsohn Manrico, dass sie damals in der Erregung versehentlich den eigenen, leiblichen Sohn dem Feuer übergeben habe, weicht aber den weiterforschenden Fragen Manricos über seine wahre Herkunft aus. Azucena kann nicht verstehen, dass er seinerzeit den im Duell unterlegenen Grafen von Luna nicht getötet habe, der ihn - auch aus politischen Gründen - weiterhin verfolge. Der Bote Ruiz meldet Manrico dessen Ernennung zum Kommandanten und berichtet von Leonores Entschluss ins Kloster zu gehen, da sie vom angeblichen Tod des Geliebten auf dem Schlachtfeld erfahren habe. Manrico eilt zu ihr, um sie von diesem Entschluss abzuhalten. Als sein Feind und Rivale Graf von Luna sie mit Hilfe seiner Mannen entführen will, kann Manrico dies gerade noch rechtzeitig mit seinen Gefolgsleuten verhindern. Luna schwört Manrico Rache.

3. Akt - Der Sohn der ZigeunerinIm Kriegslager des Grafen von Luna herrscht Angriffsstimmung. Manrico und Leonore befinden sich auf der nahe gelegenen Festung Castellor, die gegen Lunas Heer verteidigt werden soll. Azucena ist bereits gefangengenommen worden, und Hauptmann Ferrando erkennt in ihr die Zigeunerin wieder, die damals Lunas jüngeren Bruder geraubt hatte. Azucena soll auf dem Scheiterhaufen verbrannt werden. – Eingeschlossen in ihrem Versteck wollen sich Leonore und Manrico trauen lassen. Da meldet Ruiz die Gefangennahme Azucenas. Um die Mutter zu retten, befiehlt Manrico einen Überfall auf das gegnerische Lager.

4. Akt - Das Hochgericht

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Lunas Partei hat gesiegt. Manrico ist mit seinem Angriff gescheitert und in Gefangenschaft geraten. Er erwartet im Kerker des Schlosses Aliaferia zusammen mit Azucena die Hinrichtung. Leonore konnte fliehen. Um den Geliebten zu retten, gibt sie den Liebeserklärungen des Grafen zwar nach, doch hat sie heimlich Gift genommen. Sie kann Manrico noch die Nachricht von seiner Befreiung überbringen. Aber er weist diese Hoffnung zurück, da Leonore nicht mit ihm kommen will und er sich nun von ihr verraten glaubt. Erst als sie ihm ihr Verhalten erklärt und dann sterbend zusammenbricht, erkennt er ihre Treue. Als Graf Luna die tote Leonore sieht, lässt er Manrico, rasend vor Wut, zur Hinrichtung führen. Azucena, die von Luna gezwungen wird, diesen Akt mitanzusehen, schleudert ihm entgegen: "Er war dein Bruder." Denn Manrico war der geraubte Sohn des Grafen, Lunas jüngerer Bruder.

Oper „La Traviata“La Traviata (italienisch: Die Gestrauchelte, auch Die Verirrte oder Die Entgleiste, wörtlich Die vom Wege Abgekommene) ist der Titel einer Oper von Giuseppe Verdi (Musik) und Francesco Maria Piave (Libretto). Sie wurde am 6. März 1853 im Teatro La Fenice in Venedig uraufgeführt und fiel zunächst beim Publikum durch, bevor sie -überarbeitet- zu einer der erfolgreichsten Opern der Musikgeschichte wurde. Fast jede Arie der Oper kann als "Hit" bezeichnet werden.

Besonders die Tatsache, dass mit Violetta Valery eine Prostituierte in den Mittelpunkt der Oper gestellt wurde, die noch dazu sehr realistisch an einer tödlichen Krankheit zugrunde geht, war für die damalige Zeit eine unerhörte Neuerung. Wie schon zuvor in "Rigoletto" und "Il Trovatore" stellte Verdi hiermit wieder eine von der Gesellschaft geächtete und abgelehnte Person ins Zentrum des Geschehens. In der Literatur war der Stoff mit der Kameliendame(s. u.) bereits angekommen. Ungefähr gleichzeitig ging es als Theaterstück auf Tournee durch Europa.

Personen Violetta Valery, (Sopran) Flora Bervoix, Freundin von Violetta, (Mezzosopran) Annina, Dienerin und Vertraute Violettas (Sopran) Alfredo Germont, Geliebter Violettas (Tenor) Giorgio Germont, sein Vater (Bariton) Gastone, Bekannter Violettas (Tenor) Barone Douphol, Bekannter Violettas, auch ihr Verehrer (Bariton) Marchese d'Orbigny, Bekannter Violettas (Bass) Dottore Grenvil, Violettas Arzt (Bass) Giuseppe, Violettas Diener, (Tenor) Ein Diener Floras, (Bass) Ein Dienstmann, (Bass) Freunde Violettas und Floras, Stierkämpfer, Zigeuner, Maskierte u.a.

HandlungDie Handlung beruht auf dem Roman und dem Drama Die Kameliendame ("La dame aux camélias") von Alexandre Dumas d. J.: Alfredo, er ist aus gutem Haus, vom Land und sehr naiv, kommt nach Paris und lernt dort Violetta, eine Prostituierte, die an Tuberkulose leidet, kennen, in die er sich verliebt. Sie verliebt sich ebenfalls, kämpft jedoch mit ihren Gefühlen, da in ihrem Gewerbe Liebe das Ende bedeutet. Sie gibt sich jedoch der Liebe hin und zieht mit ihm aufs Land.Alfredos Vater erkennt jedoch sofort was Violetta ist, und fordert sie auf, auf Alfredo zu verzichten. Der Vater begründet den Verzicht darauf, dass Alfredos Schwester heiraten will, und dies nicht möglich ist, wenn Alfredo mit einer Prostituierten liiert ist. So verzichtet Violetta und hinterlässt ihm einen Brief, in dem sie schreibt, dass sie ihn nicht mehr liebe.Alfredo liest den Brief und glaubt, Violetta habe ihn wegen eines reichen Barons verlassen – so eilt er ihr hinterher, und auf einem Fest des Barons beleidigt er ihn und Violetta öffentlich. Nun kommt es unweigerlich zum Duell zwischen dem Baron und Alfredo wobei der Baron schwer verletzt wird. Nun kehrt er zu Violetta zurück, die inzwischen aber aufgrund ihres Leidens und ihrer Entbehrungen todkrank ist. Sterbend vergibt sie ihrem Geliebten.[Weblinks

http://www.klassika.info/Komponisten/Verdi/Oper/18_Traviata/ Libretto als pdf-Datei 383 kb

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ANTONIN DVORAKIn seinem Werk verband er Einflüsse von Klassik und Romantik mit Elementen der Volksmusik. Zu

seinen Hauptwerken gehören seine neun Sinfonien (darunter am bekanntesten die Nr. 9, Aus der Neuen Welt), das Cellokonzert, Oratorien von unvergleichlicher Suggestivkraft, wie das Stabat Mater und das Requiem, zahlreiche Kammermusikwerke, die sechzehn slawischen Tänze und die Oper Rusalka.

Mit Dvořáks vielseitigem Werk fand das tschechische Musikschaffen seine unverwechselbare nationale Identität. Was Bedřich Smetana mit den nationalen Stoffen und folkloristischen Zügen einiger seiner Opern und mit seinem Zyklus "Mein Vaterland" eingeleitet hatte, führte Dvořák zu einem beeindruckenden Höhepunkt. Unbeirrt von ideologischen Strömungen ging er seinen eigenen Weg und ließ es sich nicht nehmen, sowohl Richard Wagner als auch Johannes Brahms in gleicher Weise zu bewundern.

Heimatliebe, Naturverbundenheit, tiefe Religiosität, aber ebenso berauschende Lebensfreude kommen im Werk dieses bescheidenen Menschen zum Ausdruck, der geduldig eine lange Durststecke des Misserfolgs durchstand, bis durch die Empfehlung von Brahms seine "Slawischen Tänze" im Druck erschienen und die Musikwelt auf ihn aufmerksam wurde. Mit unübertrefflichem Einfallsreichtum hat Dvořák stets mitreißende Musik geschaffen. Nachdem zunächst nur wenige seiner Werke im internationalen Musikbetrieb Fuß gefasst hatten, machten Pioniertaten wie die Gesamteinspielung seiner Sinfonien durch István Kertész bewusst, dass das gesamte Werk des böhmischen Meisters Beachtung verdient.

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9. Sinfonie (Dvořák)Die 9. Sinfonie e-moll op. 95 Antonín Dvořáks trägt den Namen Aus der Neuen Welt, da sie von Dvoráks

dreijährigem Amerikaaufenthalt inspiriert wurde. Neben einer Melodie aus der Oper Hans Heiling von Heinrich Marschner sind die Themen jedoch nicht echt indianisch, sondern inspiriert durch Dvořáks Besuch der "Buffalo Bill Cody's Wild West Show", in der der Kampf gegen die Indianer mit viel Tamtam nachgestellt wurde.

Als Antonín Dvořák (1841 - 1904) 1892 amerikanischen Boden betrat, um der Berufung zum Direktor des National Conservatory of Music Folge zu leisten, war er bereits ein weltbekannter Komponist. Seinen Ruhm begründete er mit der Komposition „Die Erben des Weißen Berges“ (1872), der Dank seiner „Mährischen Duette“ sowie der „Slawischen Tänze“ sogar über den eines Bedřich Smetana hinauswuchs. Es war daher nicht verwunderlich, dass Jeanette Thurber, die Witwe eines wohlhabenden Kaufmanns und Mitbegründerin des New Yorker Instituts, ihm diesen lukrativen und prestigeträchtigen Posten anbot.

Mit der 9. Sinfonie, die während seines dreijährigen Amerika-Aufenthaltes entstand, schuf Dvořák sein wohl populärstes sinfonisches Werk. Obwohl Dvořák als Dirigent und Lehrer die Aufgabe übernommen hatte, eine junge Musikergeneration heranzubilden, die einen national-amerikanischen Musikstil entwickeln sollte, ist seine 9. Sinfonie keinesfalls amerikanische Musik. Er selbst äußerte sich dazu folgendermaßen: „Aber den Unsinn, dass ich indianische oder amerikanische Motive verwendet hätte, lassen Sie aus, weil das eine Lüge ist. Ich habe nur im Geiste dieser amerikanischen Volkslieder geschrieben.“

Dieser „Geist“ lässt sich in verschiedenen harmonischen und rhythmischen Eigenheiten nachweisen. So basiert die Englischhorn-Melodie des 2. Satzes auf der in der Indianermusik gebräuchlichen halbtonlosen fünftönigen Skala. In rhythmischer Hinsicht tritt die für Negro-Spirituals typische Synkope in Erscheinung (1. und 3. Hauptthema des 1. Satzes). Daneben zeigt sich unverkennbar der böhmische Musiker mit seiner in der heimatlichen Volksmusik verwurzelten Tonsprache, wie z. B. beim gemütvollen Ländler des Scherzo-Trios.

Die Themen seiner Ecksätze sind kurz und prägnant und einer zyklischen Grundkonzeption untergeordnet: das 1. Hauptthema des 1. Satzes, man könnte es als das „Motto“ der Sinfonie bezeichnen, erscheint in allen folgenden Sätzen und im Finale sind außerdem die Hauptthemen des 2. und 3. Satzes andeutungsweise verarbeitet.

Inspiration holte sich der Meister nicht zuletzt bei Longfellows Indianer-Epos „Song of Hiawatha“. Das Scherzo geht wahrscheinlich auf den Tanz Pau-Puk-Keewis auf dem Hochzeitsfest zurück, während das Largo an das Begräbnislied auf Minnehaha denken lässt.Am 16. Dezember 1893 erlebte die Sinfonie „Aus der neuen Welt“ durch das Orchester der Philharmonischen Gesellschaft unter der Leitung des deutschen Dirigenten Anton Seidl in der Carnegie Hall ihre Uraufführung. Nach stürmischen Ovationen des Publikums wurde das Largo noch einmal dargeboten.

Il Barbiere di Siviglia RossiniIl Barbiere di Siviglia ossia L'inutile precauzione (Der Barbier von Sevilla oder Die nutzlose Vorsicht) ist eine komische Oper in zwei Aufzügen von Gioacchino Rossini. Das Libretto stammt von Cesare Sterbini und ist eine Bearbeitung des Schauspiels Le Barbier de Seville von Pierre Augustin Caron de Beaumarchais.

Unter dem Titel Almaviva o sia L'inutile precauzione wurde die Oper unter der Leitung des Komponisten am 20. Februar 1816 im Teatro Argentina in Rom uraufgeführt. Am 10. August 1816 wurde sie in Bologna erstmals unter dem Titel Il Barbiere di Siviglia aufgeführt. Die deutsche Erstaufführung war am 1. Januar 1819 in München, die Erstaufführung in deutscher Sprache am 27. Mai 1819 in Graz statt.

Die Oper war eine Auftragsarbeit des Teatro Argentina, für deren Ausarbeitung Rossini weniger als 26 Tage blieben. Um die Oper in so kurzer Zeit fertigstellen zu können, arbeitete der Komponist zahlreiche Nummern aus seinen früheren Werken ein. Die berühmte Ouvertüre etwa war vorher bereits bei zwei anderen Opern Rossinis zum Einsatz gekommen, bei Aureliano in Palmira sowie bei Elisabetta, regina d'Inghilterra.

Die Spielzeit der Oper beträgt ungefähr zweieinhalb Stunden. Die Handlung spielt in Sevilla, Mitte des 18. Jahrhunderts.

Neben Rossinis Oper gibt es eine weitere, ältere Vertonung des Stoffs von Giovanni Paisiello. Seine Oper Il Barbiere di Siviglia ossia L'inutile precauzione wurde 1782 in Sankt Petersburg uraufgeführt und danach bis etwa 1800 in ganz Europa gespielt. Auch wenn Paisiellos Oper immer wieder als Rarität auf dem Spielplan von Opernhäusern und Festspielen auftaucht, genießt Rossinis Werk heute weitaus größere Popularität und ist als Standardwerk des internationalen Opernrepertoires eine der meistaufgeführten Opern der Welt.

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Weitere Vertonungen des Stoffes stammen von Friedrich Ludwig Benda (1776), Johann Abraham Peter Schulz (1786) und von Niccolò Isouard (1797).

Die Hauptpersonen des Barbiere sind auch Hauptfiguren der später in deren Leben angesiedelten Handlung der Oper Le nozze di Figaro von Wolfgang Amadeus Mozart und Lorenzo da Ponte nach Beaumarchais' La folle journée ou Le mariage de Figaro.

Oper: „Guillaume Tell“Guillaume Tell (Wilhelm Tell) ist die letzte Oper von Gioacchino Rossini. Sie ist zugleich seine erste große französische Oper die er geschrieben hat. Der Text stammt von Etienne de Jouy und Hippolyte Bis, nach dem gleichnamigen Drama von Friedrich Schiller (siehe auch Wilhelm Tell).Die Uraufführung des Wilhelm Tell fand am 3. August 1829 in Paris statt. Aufführungsdauer der Oper: ~240 min.

HistorischesRossini habe ein neues Werk unter dem Titel Guillaume Tell versprochen, doch habe er zugleich erklärt, dass diese Oper die letzte aus seiner Feder sein würde, so das in Paris erscheinende Magazin La Revue musicale im April 1828. Und Rossini, der damals größte noch lebende Komponist, hatte sich daran gehalten. Der damals 36-jährige Rossini fühlte sich ausgebrannt und war gesundheitlich angeschlagen.Er hatte in gut zwei Jahrzehnten bis zu fünf Opern jährlich für verschiedene Opernhäuser komponiert. Fast immer Auftragsopern. Doch nun war er dank guter Investments und der guten Beratung von Bankiersfreunden finanziell unabhängig. Aufs Komponieren verzichtete er nie ganz, doch komponierte er nur noch für sich selbst und seine Freunde. Doch zuerst musste noch der Wilhelm Tell fertiggestellt werden.Als Librettist wollte Rossini zuerst den populären Eugene Scribe, der schon das Libretto für sein Werk Le Comte Ory schrieb, verpflichten. Jedoch bot Scribe ihm nur Gustave III, welches später von Giuseppe Verdi unter dem Titel Der Maskenball vertont wurde, und La Juive an, welche aber Rossini ablehnte. So wendete er sich an Etienne de Jouy. Dieser stellte ihm ein Libretto über 4 Akten und 700 Versen zusammen, welches Rossini allerdings auf das heftigste verärgerte.Hippolyte Louis Florent Bis erhielt den Auftrag von Rossini, Jouys Libretto zu überarbeiten. Bis schrieb vor Allem den problematischen zweiten Akt um und kam am Ende auf einen akzeptablen Umfang des Librettos. Einige Szenen des zweiten Aktes diskutierte Rossini noch mit dem revolutionären Armand Marrast (der Tutor der Kinder seines Bankierfreundes), der seine eigenen radikalen politischen Gefühle mit in den Text einbrachte.Bei der Musik und dem Libretto dieser Oper zeigte Rossini besondere Achtsamkeit und Sorgfalt, wohl in dem Wissen, dass dies wirklich seine letzte Oper sein sollte. Zudem war dieses Werk seine wirklich echte erste große französisch geprägte Oper für das Haus in Paris. Seine anderen französischen Opern wie Le siege de Corinthe war eine Umarbeitung seines italienischen Erfolges Maometto II, Moses et Pharao von Mose in Egitto. Diese Opern waren zwar vom Publikum begeistert aufgenommen worden, nicht aber, genau so wie Le Comte Ory, von der Presse und der musikalischen Welt. Da Rossini der Kritik nie gleichgültig gegenüberstand, wollte er mit seinem letzten großen Werk, alle, das normale Publikum, Presse und die musikalische Welt begeistern.Die Uraufführung der Oper fand am 3. August 1829 in Paris statt. Die Berichte über die Uraufführung fielen unterschiedlich aus. Aber die Presse war diesmal dem Komponisten wohl gesonnen.Doch ging man danach daran, die Oper zu verstümmeln. Adolphe Nourrit, ein führender Tenor der Opera und Arnold der Uraufführung hatte Probleme mit dieser Rolle. Bei der zweiten oder dritten Aufführung ließ er die eine oder andere Arie aus. Innerhalb eines Jahres wurde die Oper auf 3 Akte gekürzt. Der Clou des Ganzen war aber, dass die Pariser Oper irgendwann daran ging und nur noch den zweiten Akt aufführte,In Italien wurde die Oper als Guglielmo Tell am 17. September 1831 in Lucca zum ersten Male mit großem Erfolg aufgeführt. Calisto Bassi, der offizielle Hauptpoet der Mailänder Skala übersetzte den Text ins italienische. Dank der liberalen Herrschaft des Großherzogs Leopold II von der Toscana wurde das Libretto ohne jede Änderung zugelassen.Anders in Mailand. Dort verlangte die habsburgische Zensur, dass der Ort des Geschehens nach Schottland verlegt wurde, und der Titel wurde in Gugliemo Vallace umgetauft. Auch in anderen Städten verlangte die Zensur, dass Änderungen vorgenommen wurden, bzw der Titel in ein anderes Land verlegt wurde, da ihnen der Wilhelm Tell zu revolutionär war, so auch in Rom, London und Petersburg.Im 19. Jahrhundert wurde Wilhelm Tell regelmäßig, sowohl auf französisch und italienisch, wenn auch seltensten Fällen komplett, aufgeführt. Heute wird die Oper nur noch zu außergewöhnlichen Anlässen ins Programm mit aufgenommen.

Handelnde PersonenWilhelm Tell; Bass Arnold; Tenor

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Mathilde; Sopran Walther; Bass Melchthal, Bass Jemmy; Sopran Hedwig; Alt Ein Fischer; Tenor Leuthold; Bass Gessler; Bass Rodolf; Tenor Ein Jäger; Bariton

Erster Akt

In einem Schweizer Dorf wird ein Fest vorbereitet. Wilhelm Tell, seine Frau, sein Sohn und ein Fischer sitzen vor ihrem Haus, und unterhalten sich über Gott und die Welt. Da kommt der alte Hirte Melchthal und sein Sohn Arnold hinzu. Melchthal soll den Vorsitz der Feierlichkeiten übernehmen, bei dem drei Paare getraut werden. Er neckt seinen Sohn, dass es für ihn ebenfalls an der Zeit wäre zu heiraten. Als alle in der Wohnung Tells sind, bekennt sein Arnold, dass er in die schöne Habsburger Prinzessin Mathilde verliebt sei, und dadurch sich sein Volk zu Feinden machen könne. Da sie jetzt mit dem verhassten Landvogt Gessler auf der Jagd sei, will er ihr entgegen gehen. Tell, der gerade aus seinem Hause tritt, sieht die Traurigkeit Arnolds. Er mahnt ihn an seine patriotischen Pflichten. Arnold, der hin und her gerissen ist, zwischen Vaterland und seiner Geliebten, bekennt sich schließlich doch zu seinen Pflichten.Das Dorffest beginnt. Melchthal segnet die drei Brautpaare und erinnert diese an die vaterländischen Pflichten. Tell, der sah wie Arnold sich entfernte, geht ihm nach. Es wird getanzt, gesungen, bei einem Bogenschießen geht Tells Sohn Gemmy als Sieger hervor. Plötzlich wird das Fest jäh unterbrochen. Der Hirte Leuthold rennt ins Dorf, auf der Flucht vor Gesslers Soldaten. Er hat einen Soldaten getötet, der seine Tochter entführen wollte. Er bittet einen Fischer, ihn über den Vierwaldstätter See zu bringen. Doch für diesen ist der Sturm zu stark. Tell kehrt zurück. Er erklärt sich bereit, Leuthold mit dem Boot über den See zu bringen. Als sie am anderen Ufer ankommen, kommt Rudolf, der verhasste Anführer von Gesslers Soldaten zum Fest. Er fragt nach den Flüchtigen, doch keiner gibt ihm Antwort. Der alte Melchthal spricht sogar: Schweizer seien keine Angeber! Rudolf lässt Melchthal verhaften und das Dorf in Brand stecken. Als das Dorf niedergebrannt und Melchthal weggeschleppt wird, schwören die Einwohner Rache an den Unterdrückern.

Zweiter AktIn einem tiefen Gebirgstal zieht die Jagd vorüber. Die Teilnehmer dieser Jagd drücken ihre primitive Freude darüber aus. Mathilde hat sich von der Jagdgesellschaft entfernt, um ihren Geliebten Arnold zu treffen. Als er eintrifft, spricht er die Standesunterschiede an. Sie sagt ihm, wenn er auf dem Feld der Ehre Heldentaten vollbringt, hat er jedes Anrecht, um ihre Hand anzuhalten. Sie versprechen sich, am kommenden Tage wieder zu sehen. Sie will aber verschwinden, bevor Tell oder einer seiner Freunde sie zusammen sehen.Tell hat Mathilde noch gesehen. Sein Misstrauen gegen Arnold ist geweckt, und er macht ihm schwere Vorwürfe. Da kommt Walther Fürst mit der Nachricht, dass Arnolds Vater Melchthal von den Soldaten erschlagen wurde. Sofort schließt sich Arnold dem Tell an.Nun kommen auch Vertreter der drei Urkantone. Nachdem diese angekommen sind, begrüßen sie Tell und ernennen ihn auch gleich zu ihren Führer. Sie wollen für die Freiheit des Vaterlandes bis in den Tod kämpfen.[

Dritter AktMathilde und Arnold treffen sich an einer abgelegenen Kapelle. Er erzählt ihr vom Tode seines Vaters, und dass er sich dem Freiheitskampf angeschlossen hat. Mathilde ist traurig und fleht ihn an, auf sich acht zu geben. Beide trennen sich, scheinbar für ewig.

Zweites Bild: Marktplatz zu Altdorf, Burg Gesslers im HintergrundIn Altdorf lässt der Landvogt Gessler den Jahrestag der Habsburgischen Herrschaft feiern. Da sich die Schweizer nicht aufzulehnen wagen, feiern und tanzen sie mit. Dann fällt es Gessler ein, seine Untertanen weiter zu demütigen. Er lässt eine Stange mit einem Hut darauf aufstellen, vor dem sich jeder Untertan verneigen muss, der daran vorbeigeht. Alle tun es, außer Tell und sein Sohn. Rudolf nimmt beide fest und führt sie vor Gessler. Tell lässt sich aber nicht einschüchtern.Rudolf erkennt in Tell nun den Mann, der Leuthold über den See ruderte. Da lässt Gessler den Tell nun seine ganze Grausamkeit spüren. Da er bemerkt, dass die Sorge Tells einzig seinem Sohn gilt, befiehlt er diesen, dass er einen Apfel vom Kopf des eigenen Kindes schießen soll. Vor lauter Angst demütigt sich Tell, wirft sich sogar

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dem Gessler zu Füßen, dieser bleibt aber hartherzig. Tell sagt seinem Sohne, dass er sich nicht rühren solle, zielt und schießt den Apfel vom Kopfe.Gessler hatte gesehen, dass Tell einen zweiten Pfeil zu sich gesteckt hatte, und fragt nach dem Grund. Tell antwortet, dass, falls er den Apfel verfehlt hätte, dieser Pfeil für den Landvogt bestimmt gewesen sei, und dieser hätte sein Ziel nicht verfehlt. Der Landvogt lässt Tell und seinen Sohn sofort verhaften. Mathilde, die gerade noch rechtzeitig dazukam, und von der Brutalität Gesslers entsetzt ist, befreit den Knaben. Tell soll in Ketten nach Küssnacht gebracht werden. Während dieser Ereignisse hat sich die Stimmung im Volke gewandelt. Man drückt nun seinen Haß und Abscheu gegen die Tyrannen offen aus.

Vierter Akt

Erstes Bild: In der Hütte des alten MelchthalArnold ist in der Hütte seines Vaters und klagt sein Leid. Immer mehr Schweizer, welche die Unterdrückung beenden wollen, eilen zu ihm.

Zweites Bild: Felsgegend am Vierwaldstätter SeeMathilde bring Gemmy zu seiner Mutter zurück. Sie umarmen einander und Mathilde lässt verlauten, dass sie sich dem Freiheitskampf anschließen will. Da erinnert sich Gemmy an einen Auftrag. Er steckt die Hütte seines Vaters in Brand, das das Signal für die Eidgenossen sein soll. Vorher hat er aber seines Vaters Armbrust und Köcher in Sicherheit gebracht.Auf dem See wütet ein Sturm und ein Schiff nähert sich dem Ufer, welches Wilhelm Tell steuert. Auf der Fahrt nach Küssnacht kam ein Unwetter auf, und nur Tell war in der Lage, das Ruder zu übernehmen. Am Ufer springt er an Land, und stößt das Schiff samt Gessler und seine Soldaten wieder zurück auf See. Dennoch erscheint Gessler kurz darauf auf einem Felsen. Er schreit nach Rache. Tell, der das ganze Volk nun auf seiner Seite hat, spannt die Armbrust, und befreit die Schweiz von dem Tyrannen. Kurz darauf erscheint Arnold mit seinen Genossen und verkündet, dass Altdorf in ihren Händen sei. Nun ist die Schweiz endgültig befreit.

Gaetano Donizetti

Oper: “Lucia di Lammermoor”Die Oper Lucia di Lammermoor wurde von Gaetano Donizetti komponiert, Uraufführung war 1835 in Neapel. Das Libretto schrieb Salvatore Cammarano, nach dem Roman The bride of Lammermoor von Walter Scott. Die Oper handelt von zwei Liebenden aus verfeindeten Familien, die erst tragisch im Tode vereint werden.

KurzhandlungLord Ashton intrigiert seine Schwester Lucia in eine Ehe, von der sich Lord Ashton Ansehen und Rehabilitation erhofft, Lucia aber den Wahnsinn bringen wird. Unter Vorspiegelung falscher Tatsachen drängt er sie so lange, bis sie wahnsinnig Ihren frisch vermählten Ehemann mit dem Degen ersticht und selbst aus Wahnsinn stirbt. Ihr Liebhaber Edgardo di Ravenswood entleibt sich verzweifelt daraufhin selbst.

Donizetti Hauptwerke:

The opera "Anna Bolena", which won considerable success when it was first staged in Milan in 1830, provides a popular soprano aria in its final "Piangete voi? Deserto in terra".

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The last opera, "Don Säbastien", staged in Paris in 1843, is a favourite with operatic tenors, from Caruso to Pavarotti.

The comic opera "Don Pasquale", staged in Paris in 1843, is a well-loved part of standard operatic repertoire, as is "L'elisir d'Amore" ("The Elixir of Love"), from which the tenor aria "Una furtiva lagrima" ("A hidden tear") is all too well known.

Mention should be made of "La Favorita" and "La Fille du rиgiment" ("The Daughter of the Regiment"), both first performed in Paris in 1840 and sources of further operatic recital arias.

"Lucia di Lammermoor", based on a novel by Sir Walter Scott, provides intense musical drama for tenors in the last act "Tomba degl'avi miei" ("Tomb of My Forebears").

BelliniNorma (Oper)Norma ist eine tragische Oper in zwei Akten von Vincenzo Bellini. Das Libretto stammt von Felice Romani. Die Uraufführung fand 1831 in Mailand statt. Die Spieldauer der Oper beträgt zweieinhalb Stunden und spielt in Gallien (ungefähr im Jahr 50 v. Chr.).

Erster Akt: Gallien ist von den Römern besetzt, die gallischen Krieger erwarten von ihren Druidenpriestern einen Hinweis darauf, dass die Göttin Irminsul mit dem Kampf gegen die Römer einverstanden ist. Die Priesterin Norma verkündet aber nach dem Schneiden der Mistel an der heiligen Eiche, dass die Zeit noch nicht gekommen sei. Norma ist auch im inneren Konflikt, weil sie ihr Gelübde gebrochen hat und seit langem heimlich die Geliebte des Römers Pollione ist und mit ihm bereits zwei Kinder hat. Pollione aber hat sich längst in eine andere, die Novizin Adalgisa verliebt und will mit dieser fliehen. Es kommt zu einem Aufeinandertreffen von Norma, Adalgisa und Pollione, in dem die Beziehungen offenbart werden, und Norma schwört ihm Rache.

Zweiter Akt: Norma will ihre beiden Knaben töten, doch ihre Mutterliebe siegt. Sie fordert Adalgisa auf, mit Pollione und ihren Kindern nach Rom zu gehen, aber Adalgisa möchte versuchen, Pollione und Norma wieder zusammenzuführen. Pollione lehnt dies aber ab. Erbittert schlägt Norma jetzt an den Schild und gibt das Zeichen zum Kampf gegen die Römer. Der glückliche Ausgang dieses Kampfes soll durch ein Opfer beschworen werden. Man nimmt einen Römer gefangen, der das Heiligtum entehrt hatte: es ist Pollione. Er weigert sich, Adalgisa zu entsagen selbst als Norma droht, als Rache ihre gemeinsamen Kinder umzubringen und Adalgisa im Feuer zu opfern. So lässt sie einen Scheiterhaufen richten für eine Priesterin, die das Keuschheitsgebot gebrochen habe. Als sie nach dem Namen der Schuldigen gefragt, opfert sie sich in ihrem Gewissenskonflikt selbst, nennt ihren Namen, vertraut ihre Söhne dem Schutz Orovesos an und geht gefasst ihrem Tod entgegen. Überwältigt und von neuer Liebe erfasst, folgt ihr Pollione.

PersonenPollione, der römische Prokonsul in Gallien (Tenor) Orovist, der oberste Druidenpriester (Bass) Norma, Orovists Tochter, die Oberpriesterin (Sopran) Adalgisa, Novizin im Tempel der Irminsul (Sopran) Klothilde, Normas Freundin (Sopran) Flavius, Polliones Freund (Tenor)

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I puritani (Oper)I puritani ist eine Oper von Vincenzo Bellini nach einem Libretto von Carlo Pepoli, die am 24. Januar 1835 im Pariser Théâtre Italien uraufgeführt wurde.

RollenLord Gualtiero Walton, Bass Sir Giorgio, Bass Lord Arturo Talbo, Tenor Sir Riccardo Forth, Bariton Sir Bruno Roberton, Tenor Enrichetta di Francia, eigentlich Königin Henrietta Maria, Mezzosopran Elvira, Sopran

Die Oper spielt zur Zeit Cromwells in England.1. Akt Der königstreue Arturo die Puritanertochter Elvira lieben sich. Auch Riccardo liebt Elvira. Als

jedoch Arturo kurz vor der Hochzeit auf Enrichetta, die Frau des hingerichteten Stuartkönigs trifft ist er entschlossen sie zu retten. Riccardo wird davon Zeuge. Elvira deutet Arturos Verschwinden als Treuebruch und verliert den Verstand.

2.Akt Arturo wird in Abwesenheit zum Tode verurteilt. Elvira will sterben und irrt halb wahnsinnig durch die Puritanerfestung. Sir Giorgio kann Riccardo überreden, nach dem Kampf für die Begnadigung seines Rivalen einzutreten um so Elvira zu retten.

3.Akt Arturo kehrt zurück und überzeugt Elvira von seiner Treue, woraufhin diese wieder zu Verstand kommt. Arturo wird festgenommen und sieht keine Hoffnung mehr. Riccardo jedoch bringt das Begnadigungsurteil. Allgemeine Freude.

MEYERBEERS WerkSeine Opern haben noch bis zur Gegenwart ihre Anziehungskraft auf das Publikum aller Länder bewahrt, namentlich die "Hugenotten", in denen die außerordentlichen Fähigkeiten des Komponisten, dramatische Wärme, unerschöpflicher Reichtum an charakteristischen Melodien, die Kunst, wirksam für die Singstimmen zu schreiben, und geistvolle Verwendung der Orchesterinstrumente zur Verdeutlichung der darzustellenden Charaktere und Situationen am entschiedensten hervortreten.Dazu kommt noch seine Befähigung, sich den Kunstgeist der Musiknationen Deutschland, Italien und Frankreich anzueignen und zu einem eigenartigen Neuen zu verschmelzen, wie es die französische große Oper verlangt, deren wesentliches Merkmal eben jener Eklektizismus bildet. gerade in den vergangenen Jahren wurde wiederholt aufgezeigt, wie eminent die Bedeutung Meyerbeers für die Weiterentwicklung der Großen Oper war. Dadurch wurde er zum Vorbild Richard Wagners, der diesen Einfluß jedoch im Nachhinein leugnete und in Antisemitismus wandelte.

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Meyerbeers erstes Werk für die Pariser Opéra bedeutet einen Höhepunkt in der Geschichte der Gattung. Mit der Titelfigur schaffen Scribe und Meyerbeer den Typus des schwankenden Helden, der unschlüssig und eher hilflos reagiert. Robert galt vielen als Vertreter der Julimonarchie; somit wurde bereits diesem Werk ein politischer Akzent zugemessen, der in den späteren Opern noch weit mehr ausgeprägt erscheint. Mit der Figur des gefallenen Engels Bertram, der vernichten mu ß, was er liebt, hebt Meyerbeer das Werk aus der Sphäre des Melodrams und verleiht ihm Dimensionen eines modernen Charakterdramas. Nicht das Schöne, sondern das Charakteristische und Ausdruckstarke stehen im Mittelpunkt. Nicht von ungefähr tauchen Parallelen zu E.T.A. Hoffmann auf; aber auch der Faust-Stoff ist gegenwärtig. Die Beschwörung der sündigen Nonnen, die aus ihren Gräbern aufsteigend einen lasziven Tanz ausführen, ist ein dramaturgisches Novum in der Operngeschichte. Hier wird das Ballett erstmals vollständig in die Handlung integriert. Mit Hilfe von Leitklängen knüpft Meyerbeer formale Beziehungen: die Evokationsfanfare des Bertram, das Andante cantabile zum Tanz der Äbtissin Hélène sind beredte Beispiele, Paradigmen, die in immer neuen, ähnlichen Kompositionen anderer Komponisten auftauchen. Die kritische Ausgabe basiert auf dem Text der Autographen (Standorte: Paris und Kraków) und der Partiturdrucke von 1831 und 1837. Sie berücksichtigt das Aufführungsmaterial der Pariser Uraufführung sowie zahlreiche autographe Skizzen, Erweiterungen und Bearbeitungen. Bislang unbekanntes Material wird hier erstmals vorgelegt und ermöglicht Aufführungen in bislang nicht gekannter Vollständigkeit.

Oper : Robert le DiableOpéra en cinq actesUraufführung: 21.11.1831, Paris, OpéraKritische Ausgabe, herausgegeben von Wolfgang KühnholdTextEugène Scribe und Germain Delavigne

PersonenRobert, Herzog der Normandie (T) Bertram, sein Freund (B) Raimbaut, ein normannischer Bauer (T) ein Priester (B) ein Zeremonienmeister des Königs von Sizilien (T) ein Waffenherold (T) Alberti, Ritter (B) 4 Ritter (2 T, 2 B) 5 Spieler (3 T, 2 B) 8 Waffenherolde (4 T, 4 B) Isabelle, Prinzessin von Sizilien (S) Alice, eine normannische Bäuerin (S) eine Ehrendame Isabelles (S) Hélène, Äbtissin (Tanzrolle) Stumme Rollen: König von Sizilien, Prinz von Granada, Kaplan Roberts

Ort und Zeit der HandlungIn und um Palermo, um 1300

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7 BilderI. Akt: Hafen von Palermo

II. Akt: Halle im Palast des Königs von Sizilien

III. Akt: Felsen bei St. Irène Ein verfallenes Kloster

IV: Akt: Zimmer der Isabelle

V. Akt: Vor der Kathedrale von Palermo Das Innere der Kathedrale

Mit Les Huguenots überträgt Meyerbeer den von ihm in Robert le Diable entwickelten Typus des musikalischen Ideendramas erstmals auf ein historisches Sujet. Der revolutionäre Elan der Massenszenen und die bedeutungsvolle Verwendung des Luther-Chorals Ein feste Burg ist unser Gott verleihen dem Werk ein neuartiges politisch-religiöses Flair, das die Zeitgenossen als beispielhaft für eine moderne Musikdramatik empfanden. Eingebettet in das historische Geschehen der Bartholomäusnacht ist das tragische Schicksal eines Liebespaares. Zu den Glanzpunkten der Partitur zählen die Szenen um den hugenottischen Krieger Marcel, eine eherne Statue, umhüllt von Büffelleder, beseelt vom göttlichen Feuer (George Sand), sowie das Grand Duo Valentine/Raoul aus dem IV. Akt mit der auratischen Tu las dit-Phrase, die man als Meyerbeers unsterbliche Melodie und Melodie des Jahrhunderts bezeichnet hat. Die kritische Ausgabe basiert auf dem Text des Autographs in Kraków und des Erstdrucks von 1836. Sie berücksichtigt zusätzlich das Aufführungsmaterial der Pariser Opéra, des Royal Theatre Covent Garden sowie zahlreiche autographe Skizzen und Erweiterungen. Bislang unbekanntes Material wird hier erstmals vorgelegt und kann bei Aufführungen berücksichtigt werden

Oper „Les Huguenots »Opéra en cinq actesUraufführung: 29.2.1836, Paris, OpéraKritische Ausgabe, herausgegeben von Milan Pospísil und Marta OttlováTextEugène Scribe, Gaetano Rossi, Emile Deschamps

PersonenMarguerite von Valois, Verlobte von Henri IV (S) Graf von Saint-Bris, ein katholischer Edelmann (B) Valentine, seine Tochter (S) Graf von Nevers (B) Cossé (T) Thoré (B) Tavannes (T)

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de Retz (B) Méru (B) Raoul von Nangis, ein protestantischer Edelmann (T) Marcel, sein Diener (B) Urbain, Page von Königin Marguerite (S) Bois-Rosé, ein protestantischer Soldat (T) Maurevert (B) eine Ehrendame der Königin (A) ein Diener des Grafen von Nevers (T) 2 katholische Mädchen (S, A) 2 Zigeunerinnen (2 S) ein Bogenschütze (B) ein Student (T) 3 Mönche (T, 2 B) Stumme Rolle: Henri IV

Ort und Zeit der HandlungIn der Tourraine und in Paris, August 1572

7 Bilder

I. Akt: Saal im Schloß des Grafen von Nevers

II. Akt: Schloß und Gärten von Chenonceaux

III. Akt: Schreiberwiese am Seine-Ufer

IV. Akt: Raum im Stadtpalast des Grafen von Nevers

V. Akt: Ballsaal im Hôtel des Nesle Friedhof Quais von Paris

Libretti auf italienisch: http://www.karadar.com/Librettos/bellini_norma.html

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Eduard Grieg - WerkeGrieg collaborated with the dramatist Bjornson in the play Sigurd Jorsalfar, for which he provided incidental music, and still more notably with Ibsen in Peer Gynt.

- MIDI FILE - from "Peer Gynt": Anitra's Dance (1'55'')

The original music for the latter makes use of solo voices, chorus and orchestra, but is most often heard in orchestral form in the two suites arranged by the composer.

These include Morning, Aase's Death, Anitra's Dance and In the Hall of the Mountain King in the first suite, and Ceremonial March, Arabian Dance, Peer Gynt's Homecoming and Solveig's Song in the second, the order not corresponding to the sequence of events in Ibsen's remarkable play.

Suite „Peer Gynt“Peer Gynt ist ein 1867 von Henrik Ibsen geschriebenes dramatisches Gedicht.Es entstand auf der Vorlage norwegischer Märchen von Peter Christen Asbjørnsen. Hierin setzte Ibsen sich kritisch mit dem romantischen Nationalismus in Norwegen seiner Zeit auseinander.Peer Gynt war ursprünglich nicht für die Bühne geschrieben worden. Einige Jahre nach der Fertigstellung änderte Ibsen jedoch seine Meinung in diesem Punkt und begann das bis dahin in der Lesefassung sehr erfolgreiche Gedicht zu einer Bühnenfassung umzuarbeiten, was einige Kürzungen mit sich brachte. Für dieses Vorhaben schuf Edvard Grieg insgesamt 26 Musikstücke, aus denen er 1888 und 1891 seine beiden Peer-Gynt-Suiten zusammenstellte. Die Uraufführung erfolgte am 24. Februar 1876 im Christiania-Theater in Christiania (heute Oslo).Übersetzungen ins Deutsche existieren unter anderem von Ludwig Passarge, Christian Morgenstern und Hermann Stock.

InhaltDie Geschichte von Peer Gynt ist sehr phantasiereich und verworren:Die Hauptfigur ist der 20-jährige Peer Gynt, der mit Lügengeschichten versucht, der Realität zu entfliehen. Auf der Suche nach Liebe und Abenteuer findet er sich in einer Welt der Trolle und Dämonen wieder. Er entführt Ingrid, die Braut eines anderen. Gleichzeitig verliebt er sich in Solvejg, die ihn anfangs nicht erhört, sich dann ihm doch anschließt.Nach einem Zeitsprung von etwa 30 Jahren findet sich der inzwischen unter anderem durch Sklavenhandel reich gewordene Peer in Marokko wieder. Dort wird ihm von Geschäftspartnern sein Schiff mit allen Reichtümern gestohlen. Nach einem Gebet versinkt das Schiff; Peer findet sich mit seiner Armut ab und wendet sich Gott zu. Durch einen Angriff von Affen wird er in die Wüste getrieben, wo er sich in eine Oase rettet. Von den dort lebenden Jungfrauen erwählt er Anitra, die ihm allerdings die letzten Habseligkeiten stiehlt. Den Tiefpunkt seines Lebens erlebt Peer im Irrenhaus zu Kairo, dem der deutsche Arzt Doktor Begriffenfeldt vorsteht.Alt und verarmt kehrt Peer Gynt heim, wo er um seine Seele kämpfen muss. Schlussendlich stellt sich Solvejg, die ein Leben lang auf die Rückkehr ihres Geliebten gewartet hat, schützend vor ihn und rettet ihn.

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