CHAN 10025 BOOK - naxosmusiclibrary.com · CHAN 10025 BOOK.qxd 4/5/07 12:20 pm Page 2. 5 were prominent among the crimes anathematised by Zhdanov in his address to the Composers’

CHANDOSCHAN 10025

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Nikolay Yakovlevich Myaskovsky (1881–1950)

Symphony No. 27, Op. 85 35:35in C minor • in c-Moll • en ut mineur

I Adagio – Allegro animato 14:11II Adagio 13:51III Presto ma non troppo 7:33

Concerto for Cello and Orchestra, Op. 66* 31:37in C minor • in c-Moll • en ut mineur

I Lento ma non troppo 12:10II Allegro vivace 19:27

TT 67:23

Alexander Ivashkin cello*Russian State Symphony Orchestraunder

Valeri Polyansky

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Nikolay Yakovlevich Myaskovsky

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Nikolay Yakovlevich Myaskovsky

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were prominent among the crimesanathematised by Zhdanov in his address tothe Composers’ Union. Few eminent Sovietcomposers escaped censure and Myaskovsky,Shostakovich, Prokofiev and Khachaturyanwere all singled out. It was a heavy blow toMyaskovsky whose last years were dogged byill health. In February 1949 he underwent aserious operation for the stomach cancer thatfinally took him to the grave. He spent thesummer recuperating at Nikolina Gora, awooded retreat overlooking the high left bankof the Moscow River where Prokofiev livedpermanently until 1950. There, at the dachabelonging to his old friend Pavel Lamm,Myaskovsky completed his eighth and ninthpiano sonatas, the String Quartet No. 13and his Symphony No. 27 in C minor. By6 August the sketches of the symphony wereready and the orchestration was completed inearly November. On New Year’s day 1950,Myaskovsky heard the new symphony playedin a piano reduction at the home of PavelLamm, but he never lived to hear theorchestral premiere which took place on9 December, four month’s after the his death.The symphony was posthumously awarded theStalin Prize.

Like all his symphonies from No. 22onward, Myaskovsky’s final essay in the genrewas planned as a three-movement work. Itlooks back quite unapologetically to the great

nineteenth-century tradition of Tchaikovsky,the Mighty Handful, and especially Glazunovand Rachmaninov (although as émigrés, thelast two simply did not exist officially and noone in 1949 Soviet Russia would have daredto link Myaskovsky’s name with theirs). Thelanguage of the symphony may be stylisticallyanachronistic, but this is also its strength.Every listener finds it immediately familiar, andfor that reason it served Myaskovsky well as ameans of putting over his own ideas in a waythat could be most directly understood. Thefirst movement, a sonata structure, consists oftwo sharply contrasting ideas. The first isheard gloomily on the bassoons at the outset,but as the pace quickens the strings transformit into a highly dynamic and impulsive themethat becomes the dramatic focus of themovement. The second idea is a lyrical subjectgroup shared by the woodwind and stringsthat takes on unmistakably Rachmaninovianovertones as it unfolds. Although quitedifferent in character, these two thematicepisodes grow organically from one anotherand also provide the building blocks for theremaining two movements of the symphony,thereby producing a cyclic effect. Themagnificent Adagio is one of Myaskovsky’smost inspired creations. Its nobility andunsentimental pathos are more than a matchfor the dark clouds that threaten to engulf thecentral part of the movement, and the menace

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Nikolay Myaskovsky, often hailed as the fatherof the Soviet symphony, composed no fewerthan twenty-seven symphonies in a long anddistinguished career. Born in Novogeorgiyevskin 1881, Myaskovsky was already thirty-sixwhen the Bolshevik revolution overwhelmed awar-torn Russia. He had been destined for acareer in the army, but had found himselfincreasingly drawn towards music. As a pupil ofGlière and then of Rimsky-Korsakov andLyadov at the St Petersburg Conservatory,Myaskovsky remained essentially conservativedespite elements of innovation in his firstpublished compositions. His early symphonies(nos 1–4), written before the revolution, arecomplex, subjective and pessimistic works,heavily marked by chromaticism. These featurespersist to one degree or another in some ofhis later symphonies, but under the exigenciesof socialist realism Myaskovsky was forcedconstantly to adapt his musical thinking.During the 1930s this meant treading aslippery tightrope, since any adverse criticismfrom the communist hierarchy could well provefatal. Shostakovich also knew this, but he wasfrom a younger generation and his weaponagainst a despotic regime was humour. Beingby nature highly reserved, Myaskovsky was less

confrontational, and in this unimaginablyfraught and jittery atmosphere he devoted allhis energies to teaching and composing. In theperiod of the Stalinist purges his musicallanguage became more optimistic andaccessible, and Soviet life was extolled in suchpieces as the notorious Symphony No. 12glorifying the Russian village and the collectivefarms, and in the patriotic cantata of 1942Kirov Is with Us. During the war yearsMyaskovsky was evacuated to the Caucasuswhere he made a study of the regional folkmusic, and used the themes from Kabardin-Balkar folksongs in his Symphony No. 23 inA minor. Both the Symphony No. 24 in F minorand the Cello Concerto belong to the periodfollowing Myaskovsky’s return to Moscow atthe end of 1942.

Myaskovsky’s last three symphonies are theproduct of the post-war years – a perioddeeply scarred by Zhdanov’s cultural purges inthe wake of the furore over Muradeli’s operaThe Great Friendship. This ill-starred opera wasintended as a tribute to Stalin and hishomeland Georgia, but it was castigated asformalist. Formalism (concern over form to thedetriment of socialist content) and anyperceived imitation of reviled Western models

Myaskovsky: Symphony No. 27 and Cello Concerto


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were prominent among the crimesanathematised by Zhdanov in his address tothe Composers’ Union. Few eminent Sovietcomposers escaped censure and Myaskovsky,Shostakovich, Prokofiev and Khachaturyanwere all singled out. It was a heavy blow toMyaskovsky whose last years were dogged byill health. In February 1949 he underwent aserious operation for the stomach cancer thatfinally took him to the grave. He spent thesummer recuperating at Nikolina Gora, awooded retreat overlooking the high left bankof the Moscow River where Prokofiev livedpermanently until 1950. There, at the dachabelonging to his old friend Pavel Lamm,Myaskovsky completed his eighth and ninthpiano sonatas, the String Quartet No. 13and his Symphony No. 27 in C minor. By6 August the sketches of the symphony wereready and the orchestration was completed inearly November. On New Year’s day 1950,Myaskovsky heard the new symphony playedin a piano reduction at the home of PavelLamm, but he never lived to hear theorchestral premiere which took place on9 December, four month’s after the his death.The symphony was posthumously awarded theStalin Prize.

Like all his symphonies from No. 22onward, Myaskovsky’s final essay in the genrewas planned as a three-movement work. Itlooks back quite unapologetically to the great

nineteenth-century tradition of Tchaikovsky,the Mighty Handful, and especially Glazunovand Rachmaninov (although as émigrés, thelast two simply did not exist officially and noone in 1949 Soviet Russia would have daredto link Myaskovsky’s name with theirs). Thelanguage of the symphony may be stylisticallyanachronistic, but this is also its strength.Every listener finds it immediately familiar, andfor that reason it served Myaskovsky well as ameans of putting over his own ideas in a waythat could be most directly understood. Thefirst movement, a sonata structure, consists oftwo sharply contrasting ideas. The first isheard gloomily on the bassoons at the outset,but as the pace quickens the strings transformit into a highly dynamic and impulsive themethat becomes the dramatic focus of themovement. The second idea is a lyrical subjectgroup shared by the woodwind and stringsthat takes on unmistakably Rachmaninovianovertones as it unfolds. Although quitedifferent in character, these two thematicepisodes grow organically from one anotherand also provide the building blocks for theremaining two movements of the symphony,thereby producing a cyclic effect. Themagnificent Adagio is one of Myaskovsky’smost inspired creations. Its nobility andunsentimental pathos are more than a matchfor the dark clouds that threaten to engulf thecentral part of the movement, and the menace

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Nikolay Myaskovsky, often hailed as the fatherof the Soviet symphony, composed no fewerthan twenty-seven symphonies in a long anddistinguished career. Born in Novogeorgiyevskin 1881, Myaskovsky was already thirty-sixwhen the Bolshevik revolution overwhelmed awar-torn Russia. He had been destined for acareer in the army, but had found himselfincreasingly drawn towards music. As a pupil ofGlière and then of Rimsky-Korsakov andLyadov at the St Petersburg Conservatory,Myaskovsky remained essentially conservativedespite elements of innovation in his firstpublished compositions. His early symphonies(nos 1–4), written before the revolution, arecomplex, subjective and pessimistic works,heavily marked by chromaticism. These featurespersist to one degree or another in some ofhis later symphonies, but under the exigenciesof socialist realism Myaskovsky was forcedconstantly to adapt his musical thinking.During the 1930s this meant treading aslippery tightrope, since any adverse criticismfrom the communist hierarchy could well provefatal. Shostakovich also knew this, but he wasfrom a younger generation and his weaponagainst a despotic regime was humour. Beingby nature highly reserved, Myaskovsky was less

confrontational, and in this unimaginablyfraught and jittery atmosphere he devoted allhis energies to teaching and composing. In theperiod of the Stalinist purges his musicallanguage became more optimistic andaccessible, and Soviet life was extolled in suchpieces as the notorious Symphony No. 12glorifying the Russian village and the collectivefarms, and in the patriotic cantata of 1942Kirov Is with Us. During the war yearsMyaskovsky was evacuated to the Caucasuswhere he made a study of the regional folkmusic, and used the themes from Kabardin-Balkar folksongs in his Symphony No. 23 inA minor. Both the Symphony No. 24 in F minorand the Cello Concerto belong to the periodfollowing Myaskovsky’s return to Moscow atthe end of 1942.

Myaskovsky’s last three symphonies are theproduct of the post-war years – a perioddeeply scarred by Zhdanov’s cultural purges inthe wake of the furore over Muradeli’s operaThe Great Friendship. This ill-starred opera wasintended as a tribute to Stalin and hishomeland Georgia, but it was castigated asformalist. Formalism (concern over form to thedetriment of socialist content) and anyperceived imitation of reviled Western models

Myaskovsky: Symphony No. 27 and Cello Concerto


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Amsterdam, Konzerthaus, Hamburg, DvorákHall, Prague, Great Hall of the MoscowConservatory, Philharmonia Hall, St Petersburgand Vredenburg, Utrecht. He is one of thethree cellists, the others being MstislavRostropovich and Natalia Gutman, for whomAlfred Schnittke composed works for cello, andhe has recorded the complete works for celloby Prokofiev, Shostakovich, Rachmaninov,Schnittke, Roslavets and Tcherepnin. AProfessor of Music at the University ofLondon, Alexander Ivashkin is also ArtisticDirector of the Adam International CelloFestival and Competition.

The Russian State Symphony Orchestra wasfounded in 1962. Gennady Rozhdestvenskybecame Principal Conductor in 1981 and hisenergy and commitment paved the way forwardfor a vital new burst of creativity andachievement for the Orchestra. It has touredthroughout the world, performing and recordinga varied repertoire that includes all thesymphonies of Bruckner and Shostakovich, andthe music of Honegger, Schnittke and VaughanWilliams. Valeri Polyansky took over as PrincipalConductor in 1992 and contributed to thecontinuing expansion of the Orchestra by

successfully merging it with the StateSymphonic Cappella. Under his leadership theyhave become one of the very best Russianensembles, alternating symphonic performanceswith those performed with the choir.

After graduating from the Moscow StateConservatory, Valeri Polyansky studied operaand symphonic conducting under OdisseyDimitriada and later under GennadyRozhdestvensky. He began his professionalcareer conducting at the Bolshoi Theatre, andwas appointed Principal Conductor of theRussian State Symphony Orchestra in 1992.He has been Artistic Director of the StateSymphonic Cappella for over twenty-five yearsand has led both ensembles in majorproductions throughout the world includingIceland, Finland, Turkey and the Far East.Under his direction their repertoire has beenextended to embrace music from the baroqueera through to that of contemporarycomposers of many nationalities. Among hismany artistic achievements have been criticallyacclaimed performances of Eugene Onegin atthe Gothenburg Musical Theatre and hisappointment as Principal Conductor of theOpera Nights Festival in Gothenburg.

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is powerless in the face of the ecstatic flow ofmelody that wells up before the movementdraws to its close. In the finale (Presto ma nontroppo) the earlier themes return and aretossed about in a maelstrom of swirlingstrings and woodwind. Eventually a brashmarch theme emerges and we are momentarilyreminded of the finale of Tchaikovsky’sSymphony No. 5, not so much for anythematic resemblance but in the dramatic clashof opposing and irreconcilable forces.

The Cello Concerto in C minor wascomposed between late October and earlyDecember 1944 for the celebrated cellistSviatoslav Knushevitsky, and it was he whogave the premiere of the work in a radiobroadcast of the Radiokomitet Orchestraunder the baton of Aleksandr Orlov, on17 March 1945. The work won immediatepopularity with Russian audiences, and hassubsequently become one of the composer’sbest-loved works. Premiered only a fewmonths before the end of the Second WorldWar, the concerto is almost certainly thereflection of a profound emotional response tothe horrors of the conflict. But, as in theSymphony No. 22 of a few years earlier,Myaskovsky takes a very personal approachthat is far from the patriotic jingoism that wefind in other orchestral works of the period.The concerto is in two expansive movements.The Lento ma non troppo opens with a deeply

introspective and melancholy introduction thatforms the basis for a lyrical dialogue betweenthe soloist and the orchestra. Instead of thebrilliant virtuoso style of the traditionalconcerto, Myaskovsky demands from his soloistprofound sensitivity, warmth of expression andperfect cantabile playing. A contrast isprovided by the Allegro vivace secondmovement, but its lively dancing rhythms areinterrupted by another long reflective episodethat is often reminiscent of the earliermovement. The exuberant mood tries vainly toreassert itself but is beaten back by the sheerweight of the emotional strain. The responseto a second attempt is a heroic cadenza, buteven this cannot dispel the deep sense ofanguish, and the concerto ends with a quietand very personal restatement of the openingtheme of the work.

© 2002 Philip Taylor

As a soloist and chamber musician AlexanderIvashkin has performed in more than thirtycountries. He is a regular guest at manyimportant music festivals in Europe, the UnitedStates, Japan, Australia and New Zealand, andhas performed as soloist with leadingorchestras all over the world. He hasperformed at major venues such as the RoyalFestival Hall and Wigmore Hall, London,Queen’s Hall, Edinburgh, Concertgebouw,


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Amsterdam, Konzerthaus, Hamburg, DvorákHall, Prague, Great Hall of the MoscowConservatory, Philharmonia Hall, St Petersburgand Vredenburg, Utrecht. He is one of thethree cellists, the others being MstislavRostropovich and Natalia Gutman, for whomAlfred Schnittke composed works for cello, andhe has recorded the complete works for celloby Prokofiev, Shostakovich, Rachmaninov,Schnittke, Roslavets and Tcherepnin. AProfessor of Music at the University ofLondon, Alexander Ivashkin is also ArtisticDirector of the Adam International CelloFestival and Competition.

The Russian State Symphony Orchestra wasfounded in 1962. Gennady Rozhdestvenskybecame Principal Conductor in 1981 and hisenergy and commitment paved the way forwardfor a vital new burst of creativity andachievement for the Orchestra. It has touredthroughout the world, performing and recordinga varied repertoire that includes all thesymphonies of Bruckner and Shostakovich, andthe music of Honegger, Schnittke and VaughanWilliams. Valeri Polyansky took over as PrincipalConductor in 1992 and contributed to thecontinuing expansion of the Orchestra by

successfully merging it with the StateSymphonic Cappella. Under his leadership theyhave become one of the very best Russianensembles, alternating symphonic performanceswith those performed with the choir.

After graduating from the Moscow StateConservatory, Valeri Polyansky studied operaand symphonic conducting under OdisseyDimitriada and later under GennadyRozhdestvensky. He began his professionalcareer conducting at the Bolshoi Theatre, andwas appointed Principal Conductor of theRussian State Symphony Orchestra in 1992.He has been Artistic Director of the StateSymphonic Cappella for over twenty-five yearsand has led both ensembles in majorproductions throughout the world includingIceland, Finland, Turkey and the Far East.Under his direction their repertoire has beenextended to embrace music from the baroqueera through to that of contemporarycomposers of many nationalities. Among hismany artistic achievements have been criticallyacclaimed performances of Eugene Onegin atthe Gothenburg Musical Theatre and hisappointment as Principal Conductor of theOpera Nights Festival in Gothenburg.

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is powerless in the face of the ecstatic flow ofmelody that wells up before the movementdraws to its close. In the finale (Presto ma nontroppo) the earlier themes return and aretossed about in a maelstrom of swirlingstrings and woodwind. Eventually a brashmarch theme emerges and we are momentarilyreminded of the finale of Tchaikovsky’sSymphony No. 5, not so much for anythematic resemblance but in the dramatic clashof opposing and irreconcilable forces.

The Cello Concerto in C minor wascomposed between late October and earlyDecember 1944 for the celebrated cellistSviatoslav Knushevitsky, and it was he whogave the premiere of the work in a radiobroadcast of the Radiokomitet Orchestraunder the baton of Aleksandr Orlov, on17 March 1945. The work won immediatepopularity with Russian audiences, and hassubsequently become one of the composer’sbest-loved works. Premiered only a fewmonths before the end of the Second WorldWar, the concerto is almost certainly thereflection of a profound emotional response tothe horrors of the conflict. But, as in theSymphony No. 22 of a few years earlier,Myaskovsky takes a very personal approachthat is far from the patriotic jingoism that wefind in other orchestral works of the period.The concerto is in two expansive movements.The Lento ma non troppo opens with a deeply

introspective and melancholy introduction thatforms the basis for a lyrical dialogue betweenthe soloist and the orchestra. Instead of thebrilliant virtuoso style of the traditionalconcerto, Myaskovsky demands from his soloistprofound sensitivity, warmth of expression andperfect cantabile playing. A contrast isprovided by the Allegro vivace secondmovement, but its lively dancing rhythms areinterrupted by another long reflective episodethat is often reminiscent of the earliermovement. The exuberant mood tries vainly toreassert itself but is beaten back by the sheerweight of the emotional strain. The responseto a second attempt is a heroic cadenza, buteven this cannot dispel the deep sense ofanguish, and the concerto ends with a quietand very personal restatement of the openingtheme of the work.

© 2002 Philip Taylor

As a soloist and chamber musician AlexanderIvashkin has performed in more than thirtycountries. He is a regular guest at manyimportant music festivals in Europe, the UnitedStates, Japan, Australia and New Zealand, andhas performed as soloist with leadingorchestras all over the world. He hasperformed at major venues such as the RoyalFestival Hall and Wigmore Hall, London,Queen’s Hall, Edinburgh, Concertgebouw,


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Mjaskowskis Rückkehr nach Moskau Ende1942.

Mjaskowskis letzte drei Sinfonien entstandenin den Nachkriegsjahren, einer Zeit, die zutiefstvon Schdanows kulturellen Säuberungen inFolge des Skandals um Muradelis Oper Diegroße Freundschaft geprägt war. Diese untereinem schlechten Stern stehende Oper war alsTribut an Stalin und seine Heimat Georgiengedacht, doch sie wurde als formalistischverworfen. Formalismus, also Augenmerk aufdie Form zum Schaden des sozialistischenInhalts, sowie jegliche augenscheinlicheImitation verachteter westlicher Muster,gehörten in die erste Reihe jener “Verbrechen”,die Schdanow in seiner Rede vor demsowjetischen Komponistenverbandanprangerte. Kaum ein bedeutendersowjetischer Komponist entkam dieser Art vonZensur, und Mjaskowski, Schostakowitsch,Prokofjew und Chatschaturjan standen allesamtbesonders in der Kritik. Für Mjaskowski, dessenletzte Lebensjahre von schlechter Gesundheitgezeichnet waren, kam dies als schwererSchlag. Im Februar 1949 unterzog er sichaufgrund des Magenkrebses, an dem erschließlich auch starb, einer schwerenOperation. Den Sommer verbrachte er zurGenesung in Nikolina Gora, einem bewaldetenZufluchtsort hoch über dem linken Ufer desFlusses Moskwa, wo Prokofjew bis 1950ständig lebte. In der Datscha seines alten

Freundes Pawel Lamm vollendete Mjaskowskidort seine Klaviersonaten Nr. 8 und 9, dasStreichquartett Nr. 13 und seine SinfonieNr. 27 in c-Moll. Bis zum 6. August waren dieEntwürfe für die Sinfonie fertig, und Mjaskowskischloß die Orchestrierung im frühen Novemberab. Am Neujahrstag des Jahres 1950 hörteMjaskowski im Haus Pawel Lamms eineKlavierfassung der neuen Sinfonie, lebte abernicht mehr lange genug, um die am9. Dezember, also vier Monate nach seinemTod, stattfindende Orchesterpremiere zuerleben. Die Sinfonie erhielt postum denStalinpreis.

Wie alle seine Sinfonien seit der Nr. 22 warMjaskowskis letzter Vorstoß in diesem Genreals dreisätziges Werk konzipiert. Ohne jedenRechtfertigungsversuch blickt sie auf diegroße Tradition des neunzehnten Jahrhundertszurück, auf Tschaikowski, das “MächtigeHäuflein”, und insbesondere auf Glasunow undRachmaninow (auch wenn diese letztenbeiden, weil im Exil, im sowjetischen Rußlanddes Jahres 1949 offiziell nicht existierten undkeiner es gewagt hätte, ihre Namen mitMjaskowski in Verbindung zu bringen). Diemusikalische Sprache der Sinfonie maganachronistisch sein, doch darin liegt auch ihreStärke. Die Musik wirkt sofort vertraut, und sodient das Werk Mjaskowski als geeignetesMittel, seine Ideen auf direkt verständliche Artund Weise zu transportieren. Der Kopfsatz in

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Nikolai Mjaskowski, der oft als Vater dersowjetischen Sinfonie bezeichnet wird,komponierte während einer langen undbemerkenswerten Laufbahn nicht weniger alssiebenundzwanzig Sinfonien. Mjaskowskiwurde 1881 in Nowogeorgijewsk geboren undwar bereits sechsunddreißig Jahre alt, als diebolschewistische Revolution das vom Kriegzerrissene Rußland überflutete. Für ihn wareine Militärlaufbahn vorgesehen gewesen, erfühlte sich jedoch mehr und mehr zur Musikhingezogen. Als Schüler Glières und dannRimski-Korsakows und Ljadows amPetersburger Konservatorium blieb Mjaskowskitrotz innovativer Elemente in seinen erstenveröffentlichten Kompositionen im Grundekonservativ. Bei seinen noch vor derRevolution entstandenen frühen Sinfonien(1–4) handelt es sich um vielschichtige,subjektive und pessimistische Werke mit starkchromatischen Zügen. Diese Kennzeichen sindin gewissem Maße auch noch einigen seinerspäteren Sinfonien eigen, wobei dieAnforderungen des sozialistischen RealismusMjaskowski ständig dazu zwangen, seinemusikalische Denkweise anzupassen. Währendder dreißiger Jahre des zwanzigstenJahrhunderts kam dies einem gefährlichen

Balanceakt gleich, da jedwede negative Kritikvon Seiten der kommunistischen Hierarchiefatale Folgen haben konnte. AuchSchostakowitsch war sich dieser Tatsachebewußt, doch er entstammte einer jüngerenGeneration und nutzte den Humor als Waffegegen das despotische Regime. Mjaskowskidagegen war von Natur aus äußerstzurückhaltend und von daher weniger aufKonfrontation aus, so daß er in dieserunvorstellbar angespannten und nervösenAtmosphäre seine gesamte Energie demUnterrichten und Komponieren widmete.Während der Zeit der stalinistischenSäuberungen wurde seine musikalischeSprache optimistischer und zugänglicher; dassowjetische Leben wurde in Stücken wie etwader berühmt-berüchtigten Sinfonie Nr. 12, diedas russische Dorf und die Bauernkollektiveverherrlichte, oder der patriotischen KantateKirow ist mit uns aus dem Jahr 1942gepriesen. Während des Zweiten Weltkriegswurde Mjaskowski in den Kaukasus evakuiert,wo er die heimische Volksmusik studierte, under verwendete Volksliedthemen aus Kabardin-Balkar in seiner Sinfonie Nr. 23 in a-Moll.Sowohl die Sinfonie Nr. 24 in f-Moll als auchdas Cellokonzert gehören in die Zeit nach

Mjaskowski: Sinfonie Nr. 27 und Cellokonzert


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Mjaskowskis Rückkehr nach Moskau Ende1942.

Mjaskowskis letzte drei Sinfonien entstandenin den Nachkriegsjahren, einer Zeit, die zutiefstvon Schdanows kulturellen Säuberungen inFolge des Skandals um Muradelis Oper Diegroße Freundschaft geprägt war. Diese untereinem schlechten Stern stehende Oper war alsTribut an Stalin und seine Heimat Georgiengedacht, doch sie wurde als formalistischverworfen. Formalismus, also Augenmerk aufdie Form zum Schaden des sozialistischenInhalts, sowie jegliche augenscheinlicheImitation verachteter westlicher Muster,gehörten in die erste Reihe jener “Verbrechen”,die Schdanow in seiner Rede vor demsowjetischen Komponistenverbandanprangerte. Kaum ein bedeutendersowjetischer Komponist entkam dieser Art vonZensur, und Mjaskowski, Schostakowitsch,Prokofjew und Chatschaturjan standen allesamtbesonders in der Kritik. Für Mjaskowski, dessenletzte Lebensjahre von schlechter Gesundheitgezeichnet waren, kam dies als schwererSchlag. Im Februar 1949 unterzog er sichaufgrund des Magenkrebses, an dem erschließlich auch starb, einer schwerenOperation. Den Sommer verbrachte er zurGenesung in Nikolina Gora, einem bewaldetenZufluchtsort hoch über dem linken Ufer desFlusses Moskwa, wo Prokofjew bis 1950ständig lebte. In der Datscha seines alten

Freundes Pawel Lamm vollendete Mjaskowskidort seine Klaviersonaten Nr. 8 und 9, dasStreichquartett Nr. 13 und seine SinfonieNr. 27 in c-Moll. Bis zum 6. August waren dieEntwürfe für die Sinfonie fertig, und Mjaskowskischloß die Orchestrierung im frühen Novemberab. Am Neujahrstag des Jahres 1950 hörteMjaskowski im Haus Pawel Lamms eineKlavierfassung der neuen Sinfonie, lebte abernicht mehr lange genug, um die am9. Dezember, also vier Monate nach seinemTod, stattfindende Orchesterpremiere zuerleben. Die Sinfonie erhielt postum denStalinpreis.

Wie alle seine Sinfonien seit der Nr. 22 warMjaskowskis letzter Vorstoß in diesem Genreals dreisätziges Werk konzipiert. Ohne jedenRechtfertigungsversuch blickt sie auf diegroße Tradition des neunzehnten Jahrhundertszurück, auf Tschaikowski, das “MächtigeHäuflein”, und insbesondere auf Glasunow undRachmaninow (auch wenn diese letztenbeiden, weil im Exil, im sowjetischen Rußlanddes Jahres 1949 offiziell nicht existierten undkeiner es gewagt hätte, ihre Namen mitMjaskowski in Verbindung zu bringen). Diemusikalische Sprache der Sinfonie maganachronistisch sein, doch darin liegt auch ihreStärke. Die Musik wirkt sofort vertraut, und sodient das Werk Mjaskowski als geeignetesMittel, seine Ideen auf direkt verständliche Artund Weise zu transportieren. Der Kopfsatz in

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Nikolai Mjaskowski, der oft als Vater dersowjetischen Sinfonie bezeichnet wird,komponierte während einer langen undbemerkenswerten Laufbahn nicht weniger alssiebenundzwanzig Sinfonien. Mjaskowskiwurde 1881 in Nowogeorgijewsk geboren undwar bereits sechsunddreißig Jahre alt, als diebolschewistische Revolution das vom Kriegzerrissene Rußland überflutete. Für ihn wareine Militärlaufbahn vorgesehen gewesen, erfühlte sich jedoch mehr und mehr zur Musikhingezogen. Als Schüler Glières und dannRimski-Korsakows und Ljadows amPetersburger Konservatorium blieb Mjaskowskitrotz innovativer Elemente in seinen erstenveröffentlichten Kompositionen im Grundekonservativ. Bei seinen noch vor derRevolution entstandenen frühen Sinfonien(1–4) handelt es sich um vielschichtige,subjektive und pessimistische Werke mit starkchromatischen Zügen. Diese Kennzeichen sindin gewissem Maße auch noch einigen seinerspäteren Sinfonien eigen, wobei dieAnforderungen des sozialistischen RealismusMjaskowski ständig dazu zwangen, seinemusikalische Denkweise anzupassen. Währendder dreißiger Jahre des zwanzigstenJahrhunderts kam dies einem gefährlichen

Balanceakt gleich, da jedwede negative Kritikvon Seiten der kommunistischen Hierarchiefatale Folgen haben konnte. AuchSchostakowitsch war sich dieser Tatsachebewußt, doch er entstammte einer jüngerenGeneration und nutzte den Humor als Waffegegen das despotische Regime. Mjaskowskidagegen war von Natur aus äußerstzurückhaltend und von daher weniger aufKonfrontation aus, so daß er in dieserunvorstellbar angespannten und nervösenAtmosphäre seine gesamte Energie demUnterrichten und Komponieren widmete.Während der Zeit der stalinistischenSäuberungen wurde seine musikalischeSprache optimistischer und zugänglicher; dassowjetische Leben wurde in Stücken wie etwader berühmt-berüchtigten Sinfonie Nr. 12, diedas russische Dorf und die Bauernkollektiveverherrlichte, oder der patriotischen KantateKirow ist mit uns aus dem Jahr 1942gepriesen. Während des Zweiten Weltkriegswurde Mjaskowski in den Kaukasus evakuiert,wo er die heimische Volksmusik studierte, under verwendete Volksliedthemen aus Kabardin-Balkar in seiner Sinfonie Nr. 23 in a-Moll.Sowohl die Sinfonie Nr. 24 in f-Moll als auchdas Cellokonzert gehören in die Zeit nach

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im traditionellen Konzert üblichen brillantvirtuosen Stils verlangt Mjaskowski seinemSolisten ungeheure Sensibilität, großeAusdruckswärme und tadelloses Cantabile-Spiel ab. Der zweite Satz (Allegro vivace)bildet dazu einen deutlichen Gegensatz, dochseine lebhaften Tanzrhythmen werden durcheine weitere lange, besinnliche Episodeunterbrochen, die oft an den vorhergehendenSatz erinnert. Die ausgelassene Stimmungversucht vergeblich sich wieder zu behaupten,wird aber allein vom Gewicht der emotionalenSpannung zurückgedrängt. Als Antwort aufeinen zweiten Versuch folgt eine heroischeKadenz, doch auch diese vermag es nicht, dastiefe Gefühl der Qual zu zerstreuen, und soendet das Konzert mit einer leisen undäußerst persönlichen Wiederholung desAnfangsthemas des Werkes.

© 2002 Philip TaylorÜbersetzung: Bettina Reinke-Welsh

Als Solist und Kammermusiker hat sichAlexander Iwaschkin mit Konzerten in überdreißig Ländern profiliert. Er gastiertregelmäßig bei wichtigen Musikfestspielen inEuropa, den Vereinigten Staaten, Japan,Australien und Neuseeland und ist als Solistmit führenden Orchestern in aller Weltaufgetreten. Er hat in der Royal Festival Hallund Wigmore Hall London, Queen’s Hall

Edinburgh, im Concertgebouw Amsterdam,Konzerthaus Hamburg, dem Dvorák-Saal Prag,dem Großen Saal des MoskauerKonservatoriums, dem PhilharmoniesaalSt. Petersburg und der Vredenburg Utrechtkonzertiert. Neben Mstislaw Rostropowitschund Natalia Gutman gehört er zu den dreiCellisten, für die Alfred Schnittke komponierthat, und er hat Gesamtaufnahmen derCellowerke von Prokofjew, Schostakowitsch,Rachmaninow, Schnittke, Roslawez undTscherepnin vorgelegt. Alexander Iwaschkinhat einen Lehrstuhl für Musik an derUniversität London und ist künstlerischerLeiter des Adam International Cello-Festivalsund -Wettbewerbs.

Das Staatliche russische Sinfonieorchesterwurde 1962 gegründet. 1981 übernahmGennadi Roschdestwenski das Amt desChefdirigenten, und seine Energie und seinEngagement leiteten eine wichtige neue Phaseder Kreativität und des Erfolgs für dasOrchester ein. Bei weltweiten Tourneen undbei Aufnahmen spielte es ein reichhaltigesRepertoire, darunter alle Sinfonien vonBruckner und Schostakowitsch sowie Musikvon Honegger, Schnittke und VaughanWilliams. 1992 übernahm Waleri Poljanski alsChefdirigent und trug durch einenerfolgreichen Zusammenschluss mit derStaatliche Sinfonie-Cappella zur weiteren

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Sonatenform besteht aus zwei scharfkontrastierenden Ideen. Zunächst erklingt dieerste düster in den Fagotten, aber imanziehenden Tempo wird sie von denStreichern in ein äußerst dynamisches undimpulsives Thema verwandelt, welches zumdramatischen Kern des Satzes wird. Bei derzweiten Idee handelt es sich um eine Gruppelyrischer Motive in den Holzbläsern undStreichern, die in ihrer Entwicklungunverkennbare Anklänge an Rachmaninowaufweist. Obwohl diese beiden thematischenEpisoden ganz unterschiedlich sind,entwachsen sie einander doch auf organischeArt und Weise und liefern außerdem dieBausteine für die übrigen beiden Sätze derSinfonie, so daß eine zyklische Wirkungentsteht. Das herrliche Adagio ist eine vonMjaskowskis genialsten Kreationen. SeineErhabenheit und sein unsentimentales Pathossind den dunklen Wolken, die den Mittelteildes Satzes zu verschlingen scheinen, durchausgewachsen, und diese Bedrohung istangesichts des ekstatischen Melodienflusses,der vor Schluß des Satzes hervorquillt, völligmachtlos. Im Finale (Presto ma non troppo)kehren die früheren Themen wieder undwerden gewissermaßen in einem Sogwirbelnder Streicher und Holzbläserumhergeworfen. Zum Schluß kristallisiert sichein forsches Marschthema heraus, das füreinen Moment an das Finale von

Tschaikowskis Sinfonie Nr. 5 erinnert, undzwar nicht so sehr aufgrund irgendeinerthematischen Ähnlichkeit sondern wegen desdramatischen Zusammenstoßens vonopponierenden und unversöhnlichen Kräften.

Das Cellokonzert in c-Moll entstandzwischen Ende Oktober und Anfang Dezemberdes Jahres 1944 für den renommiertenCellisten Swjatoslaw Knuschewitski, der auchin einer Rundfunksendung am 17. März 1945die Uraufführung des Werkes mit demRadiokomitet-Orchester unter der Leitung vonAleksandr Orlow spielte. Das Werk war inRußland sofort ausgesprochen populär undwurde bald zu einem der beliebtesten Werkedes Komponisten. Da die Uraufführung nurein paar Monate vor Ende des ZweitenWeltkriegs stattfand, kann das Konzert fast mitSicherheit als Ausdruck einer tiefgehendenemotionalen Reaktion auf die Greuel desKonflikts gesehen werden. Wie bei der SinfonieNr. 22 ein paar Jahre zuvor geht Mjaskowskijedoch auch hier auf ganz persönliche Art undWeise vor, worin er sich von demnationalistischen Patriotismus, den man invielen anderen Orchesterstücken aus dieserZeit kennt, deutlich abhebt. Das Konzert ist inzwei umfangreichen Sätzen angelegt. DasLento ma non troppo beginnt mit einer zutiefstintrospektiven und melancholischen Einleitung,die als Basis für einen lyrischen Dialogzwischen Solist und Orchester dient. Statt des


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im traditionellen Konzert üblichen brillantvirtuosen Stils verlangt Mjaskowski seinemSolisten ungeheure Sensibilität, großeAusdruckswärme und tadelloses Cantabile-Spiel ab. Der zweite Satz (Allegro vivace)bildet dazu einen deutlichen Gegensatz, dochseine lebhaften Tanzrhythmen werden durcheine weitere lange, besinnliche Episodeunterbrochen, die oft an den vorhergehendenSatz erinnert. Die ausgelassene Stimmungversucht vergeblich sich wieder zu behaupten,wird aber allein vom Gewicht der emotionalenSpannung zurückgedrängt. Als Antwort aufeinen zweiten Versuch folgt eine heroischeKadenz, doch auch diese vermag es nicht, dastiefe Gefühl der Qual zu zerstreuen, und soendet das Konzert mit einer leisen undäußerst persönlichen Wiederholung desAnfangsthemas des Werkes.

© 2002 Philip TaylorÜbersetzung: Bettina Reinke-Welsh

Als Solist und Kammermusiker hat sichAlexander Iwaschkin mit Konzerten in überdreißig Ländern profiliert. Er gastiertregelmäßig bei wichtigen Musikfestspielen inEuropa, den Vereinigten Staaten, Japan,Australien und Neuseeland und ist als Solistmit führenden Orchestern in aller Weltaufgetreten. Er hat in der Royal Festival Hallund Wigmore Hall London, Queen’s Hall

Edinburgh, im Concertgebouw Amsterdam,Konzerthaus Hamburg, dem Dvorák-Saal Prag,dem Großen Saal des MoskauerKonservatoriums, dem PhilharmoniesaalSt. Petersburg und der Vredenburg Utrechtkonzertiert. Neben Mstislaw Rostropowitschund Natalia Gutman gehört er zu den dreiCellisten, für die Alfred Schnittke komponierthat, und er hat Gesamtaufnahmen derCellowerke von Prokofjew, Schostakowitsch,Rachmaninow, Schnittke, Roslawez undTscherepnin vorgelegt. Alexander Iwaschkinhat einen Lehrstuhl für Musik an derUniversität London und ist künstlerischerLeiter des Adam International Cello-Festivalsund -Wettbewerbs.

Das Staatliche russische Sinfonieorchesterwurde 1962 gegründet. 1981 übernahmGennadi Roschdestwenski das Amt desChefdirigenten, und seine Energie und seinEngagement leiteten eine wichtige neue Phaseder Kreativität und des Erfolgs für dasOrchester ein. Bei weltweiten Tourneen undbei Aufnahmen spielte es ein reichhaltigesRepertoire, darunter alle Sinfonien vonBruckner und Schostakowitsch sowie Musikvon Honegger, Schnittke und VaughanWilliams. 1992 übernahm Waleri Poljanski alsChefdirigent und trug durch einenerfolgreichen Zusammenschluss mit derStaatliche Sinfonie-Cappella zur weiteren

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Sonatenform besteht aus zwei scharfkontrastierenden Ideen. Zunächst erklingt dieerste düster in den Fagotten, aber imanziehenden Tempo wird sie von denStreichern in ein äußerst dynamisches undimpulsives Thema verwandelt, welches zumdramatischen Kern des Satzes wird. Bei derzweiten Idee handelt es sich um eine Gruppelyrischer Motive in den Holzbläsern undStreichern, die in ihrer Entwicklungunverkennbare Anklänge an Rachmaninowaufweist. Obwohl diese beiden thematischenEpisoden ganz unterschiedlich sind,entwachsen sie einander doch auf organischeArt und Weise und liefern außerdem dieBausteine für die übrigen beiden Sätze derSinfonie, so daß eine zyklische Wirkungentsteht. Das herrliche Adagio ist eine vonMjaskowskis genialsten Kreationen. SeineErhabenheit und sein unsentimentales Pathossind den dunklen Wolken, die den Mittelteildes Satzes zu verschlingen scheinen, durchausgewachsen, und diese Bedrohung istangesichts des ekstatischen Melodienflusses,der vor Schluß des Satzes hervorquillt, völligmachtlos. Im Finale (Presto ma non troppo)kehren die früheren Themen wieder undwerden gewissermaßen in einem Sogwirbelnder Streicher und Holzbläserumhergeworfen. Zum Schluß kristallisiert sichein forsches Marschthema heraus, das füreinen Moment an das Finale von

Tschaikowskis Sinfonie Nr. 5 erinnert, undzwar nicht so sehr aufgrund irgendeinerthematischen Ähnlichkeit sondern wegen desdramatischen Zusammenstoßens vonopponierenden und unversöhnlichen Kräften.

Das Cellokonzert in c-Moll entstandzwischen Ende Oktober und Anfang Dezemberdes Jahres 1944 für den renommiertenCellisten Swjatoslaw Knuschewitski, der auchin einer Rundfunksendung am 17. März 1945die Uraufführung des Werkes mit demRadiokomitet-Orchester unter der Leitung vonAleksandr Orlow spielte. Das Werk war inRußland sofort ausgesprochen populär undwurde bald zu einem der beliebtesten Werkedes Komponisten. Da die Uraufführung nurein paar Monate vor Ende des ZweitenWeltkriegs stattfand, kann das Konzert fast mitSicherheit als Ausdruck einer tiefgehendenemotionalen Reaktion auf die Greuel desKonflikts gesehen werden. Wie bei der SinfonieNr. 22 ein paar Jahre zuvor geht Mjaskowskijedoch auch hier auf ganz persönliche Art undWeise vor, worin er sich von demnationalistischen Patriotismus, den man invielen anderen Orchesterstücken aus dieserZeit kennt, deutlich abhebt. Das Konzert ist inzwei umfangreichen Sätzen angelegt. DasLento ma non troppo beginnt mit einer zutiefstintrospektiven und melancholischen Einleitung,die als Basis für einen lyrischen Dialogzwischen Solist und Orchester dient. Statt des


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Nikolaï Miaskovski, souvent salué comme lepère de la symphonie soviétique, a composépas moins de vingt-sept symphonies au coursde sa longue et remarquable carrière. Né àNovoguéorguievsk en 1881, il a déjà trente-six ans lorsque la révolution bolcheviquedéferle sur une Russie déchirée par la guerre.Primitivement destiné à la carrière militaire,Miaskovski se sent de plus en plus attiré parla musique. Élève de Glière puis de Rimski-Korsakov et de Liadov au Conservatoire deSaint-Pétersbourg, il demeure essentiellementconservateur en dépit d’éléments novateursdans ses premières compositions publiées. Sessymphonies de jeunesse (nos 1 à 4), datantd’avant la révolution, sont des œuvrescomplexes, subjectives, pessimistes, largementmarquées par le chromatisme. Cescaractéristiques se retrouvent plus ou moinsdans certaines de ses symphonies plustardives, mais, soumis aux exigences duréalisme socialiste, Miaskovski doitconstamment adapter sa pensée musicale. Cequi équivaut à un exercice de corde raide etglissante dans les années 1930, dans lamesure où toute critique négative de lahiérarchie communiste peut avoir desconséquences fatales. C’est aussi le cas de

Chostakovitch, mais celui-ci appartient à unegénération postérieure, et son arme contre ledespotisme étatique est l’humour. Par natureéminemment réservé, Miaskovski est moinsporté à la confrontation, et, dans cetteatmosphère inimaginablement tendue etéprouvante, il consacre toute son énergie àl’enseignement et à la composition. À l’époquedes purges staliniennes, son langage musicaldevient plus optimiste et accessible, et despièces comme la tristement célèbre Symphonieno 12, glorifiant le village russe et lekolkhoze, ou la cantate patriotique de 1942Kirov est avec nous, célèbrent le moded’existence soviétique. Évacué dans le Caucasependant la guerre, Miaskovski étudie lamusique populaire de la région, et saSymphonie no 23 en la mineur est basée surdes thèmes issus de chansons populaires deKabardino-Balkarie. La Symphonie no 24 enfa mineur et le Concerto pour violoncelle onttous deux été composés après le retour ducompositeur à Moscou, à la fin de 1942.

Les trois dernières symphonies sont leproduit des années d’après-guerre, périodeprofondément marquée par les purgesculturelles de Jdanov au lendemain du tolléprovoqué par La Grande Amitié. Conçu comme

Miaskovski: Symphonie no 27 et Concerto pour violoncelle

12

Entfaltung des Orchesters bei. Unter seinerFührung hat es sich zu einem der bestenrussischen Ensembles überhaupt entwickelt,wobei die Aufführung sinfonischer Werke sichmit Choraufführungen abwechselt.

Nach seinem Abschluss am StaatlichenKonservatorium in Moskau studierte WaleriPoljanski bei Odissey Dimitriada und späterbei Gennadi Roschdestwenski Oper undsinfonische Orchesterleitung. Zu Beginn seinerprofessionellen Laufbahn arbeitete er alsDirigent am Bolschoi-Theater. 1992 wurde erzum Chefdirigenten des Staatlichen russischenSinfonieorchesters ernannt. Seit mehr als 25

Jahren ist er bereits für die künstlerischeLeitung der Staatlichen Sinfonie-Cappellaverantwortlich, und er hat beide Ensemblesbei bedeutenden Produktionen in aller Weltgeleitet, u.a. in Island, Finnland, der Türkei undim Fernen Osten. Unter seiner Leitung wurdedas Repertoire erweitert, so dass es heuteMusik der Barockzeit ebenso umfasst wieWerke zeitgenössischer Komponisten derverschiedensten Nationalitäten. Zu seinenzahlreichen künstlerischen Errungenschaftenzählen vielbeachtete Aufführungen von EugenOnegin am Musiktheater Göteborg und seineErnennung zum Chefdirigenten des OperaNights Festivals in Göteborg.


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Nikolaï Miaskovski, souvent salué comme lepère de la symphonie soviétique, a composépas moins de vingt-sept symphonies au coursde sa longue et remarquable carrière. Né àNovoguéorguievsk en 1881, il a déjà trente-six ans lorsque la révolution bolcheviquedéferle sur une Russie déchirée par la guerre.Primitivement destiné à la carrière militaire,Miaskovski se sent de plus en plus attiré parla musique. Élève de Glière puis de Rimski-Korsakov et de Liadov au Conservatoire deSaint-Pétersbourg, il demeure essentiellementconservateur en dépit d’éléments novateursdans ses premières compositions publiées. Sessymphonies de jeunesse (nos 1 à 4), datantd’avant la révolution, sont des œuvrescomplexes, subjectives, pessimistes, largementmarquées par le chromatisme. Cescaractéristiques se retrouvent plus ou moinsdans certaines de ses symphonies plustardives, mais, soumis aux exigences duréalisme socialiste, Miaskovski doitconstamment adapter sa pensée musicale. Cequi équivaut à un exercice de corde raide etglissante dans les années 1930, dans lamesure où toute critique négative de lahiérarchie communiste peut avoir desconséquences fatales. C’est aussi le cas de

Chostakovitch, mais celui-ci appartient à unegénération postérieure, et son arme contre ledespotisme étatique est l’humour. Par natureéminemment réservé, Miaskovski est moinsporté à la confrontation, et, dans cetteatmosphère inimaginablement tendue etéprouvante, il consacre toute son énergie àl’enseignement et à la composition. À l’époquedes purges staliniennes, son langage musicaldevient plus optimiste et accessible, et despièces comme la tristement célèbre Symphonieno 12, glorifiant le village russe et lekolkhoze, ou la cantate patriotique de 1942Kirov est avec nous, célèbrent le moded’existence soviétique. Évacué dans le Caucasependant la guerre, Miaskovski étudie lamusique populaire de la région, et saSymphonie no 23 en la mineur est basée surdes thèmes issus de chansons populaires deKabardino-Balkarie. La Symphonie no 24 enfa mineur et le Concerto pour violoncelle onttous deux été composés après le retour ducompositeur à Moscou, à la fin de 1942.

Les trois dernières symphonies sont leproduit des années d’après-guerre, périodeprofondément marquée par les purgesculturelles de Jdanov au lendemain du tolléprovoqué par La Grande Amitié. Conçu comme

Miaskovski: Symphonie no 27 et Concerto pour violoncelle

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Entfaltung des Orchesters bei. Unter seinerFührung hat es sich zu einem der bestenrussischen Ensembles überhaupt entwickelt,wobei die Aufführung sinfonischer Werke sichmit Choraufführungen abwechselt.

Nach seinem Abschluss am StaatlichenKonservatorium in Moskau studierte WaleriPoljanski bei Odissey Dimitriada und späterbei Gennadi Roschdestwenski Oper undsinfonische Orchesterleitung. Zu Beginn seinerprofessionellen Laufbahn arbeitete er alsDirigent am Bolschoi-Theater. 1992 wurde erzum Chefdirigenten des Staatlichen russischenSinfonieorchesters ernannt. Seit mehr als 25

Jahren ist er bereits für die künstlerischeLeitung der Staatlichen Sinfonie-Cappellaverantwortlich, und er hat beide Ensemblesbei bedeutenden Produktionen in aller Weltgeleitet, u.a. in Island, Finnland, der Türkei undim Fernen Osten. Unter seiner Leitung wurdedas Repertoire erweitert, so dass es heuteMusik der Barockzeit ebenso umfasst wieWerke zeitgenössischer Komponisten derverschiedensten Nationalitäten. Zu seinenzahlreichen künstlerischen Errungenschaftenzählen vielbeachtete Aufführungen von EugenOnegin am Musiktheater Göteborg und seineErnennung zum Chefdirigenten des OperaNights Festivals in Göteborg.


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au fur et à mesure de son développement.Bien que de caractères très différents, cesdeux épisodes thématiques sontorganiquement issus l’un de l’autre etfournissent en outre le matériau des deuxautres mouvements de la symphonie, générantainsi un effet cyclique. Le magnifique Adagioest l’une des créations les plus inspirées deMiaskovski. Sa noblesse et son pathétismedénué de sentimentalité contrebalancentpleinement les sombres nuages qui semblentdevoir engloutir la partie centrale dumouvement, et cette menace est impuissanteface au flot mélodique extatique qui déferleavant la conclusion du mouvement. Le finale(Presto ma non troppo) voit le retour desthèmes du premier mouvement, ballottés parun maelström de cordes et de boistourbillonnants. Un thème impétueux demarche finit par émerger, évoquantmomentanément le finale de la Symphonieno 5 de Tchaïkovski, non pas tant par unequelconque ressemblance thématique que parle choc spectaculaire entre des forcesopposées et irréconciliables.

Le Concerto pour violoncelle enut mineur a été composé entre la fin octobreet le début décembre 1944 pour le célèbrevioloncelliste Sviatoslav Knouchevitski,créateur de l’œuvre, lors d’un enregistrementde l’Orchestre de la Radio-Télévisionsoviétique sous la direction d’Alexandre Orlov,

le 17 mars 1945. L’œuvre a connu unepopularité immédiate auprès du public russeavant de devenir l’une des compositions lesplus appréciées de Miaskovski. Créé quelquesmois seulement avant la fin de la DeuxièmeGuerre mondiale, ce concerto reflète trèsprobablement une profonde réactionémotionnelle aux horreurs du conflit. Mais,comme dans la Symphonie no 22 de quelquesannées antérieure, Miaskovski adopte uneapproche éminemment personnelle, trèséloignée du chauvinisme caractéristiqued’autres œuvres orchestrales de la mêmeépoque. Ce concerto est en deux grandsmouvements. Le Lento ma non troppo débutepar une introduction mélancolique etprofondément introspective qui forme la based’un dialogue lyrique entre le soliste etl’orchestre. Renonçant au style brillant etvirtuose du concerto traditionnel, Miaskovskiexige du soliste une sensibilité infinie,beaucoup de chaleur dans l’expression, et unjeu parfaitement cantabile. Le secondmouvement, Allegro vivace, introduit uncontraste, mais un nouvel épisode réflectif,souvent évocateur du premier mouvement,vient interrompre sa rythmique dansante etenlevée. Le climat d’exubérance essaievainement de se réimposer, vaincu par lesimple poids de la tension affective. La réactionà une seconde tentative est une cadencehéroïque, qui ne suffit cependant pas à dissiper

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un hommage à Staline et à sa région d’origine,la Géorgie, cet opéra de Muradeli, né sous unemauvaise étoile, se voit taxer de formalisme.Or le formalisme (préoccupation pour la formepréjudiciable au contenu socialiste de l’œuvre)et tout ce qui est perçu comme imitation demodèles occidentaux honnis sont deux desprincipaux crimes condamnés par Jdanov dansson discours devant l’Union des compositeurs.Peu de compositeurs soviétiques éminentséchappent à la critique, et Miaskovski,Chostakovitch, Prokofiev et Khatchaturian sontnommément désignés. Le coup est rude pourMiaskovski, qui multiplie les problèmes desanté au cours de ses dernières années. Enfévrier 1949, le cancer à l’estomac qui finirapar l’emporter lui impose une grave opération.Il passe l’été suivant en convalescence àNikolina Gora, retraite boisée surplombant larive gauche de la haute Moskova, où Prokofievréside en permanence jusqu’en 1950. Là,dans la datcha de son vieil ami Pavel Lamm,Miaskovski achève ses huitième et neuvièmesonates pour piano, son Quatuor à cordesno 13 et la Symphonie no 27 en ut mineur.Le 6 août, les esquisses de sa symphonie sontprêtes, et l’orchestration est achevée débutnovembre. Le Jour de l’an 1950, Miaskovskientend sa nouvelle symphonie jouée sousforme de réduction au piano chez PavelLamm, mais c’est seulement quatre mois aprèssa mort qu’aura lieu la création symphonique,

le 9 décembre. L’œuvre recevra le prix Stalineà titre posthume.

Comme toutes ses symphonies à partir dela vingt-deuxième, l’ultime contribution deMiaskovski à ce genre est conçue en troismouvements. Elle assume pleinement saréférence à la grande tradition dudix-neuvième siècle de Tchaïkovski, au groupedes Cinq, et surtout à Glazounov et àRachmaninov (même si ces deux derniers, entant qu’émigrés, n’ont tout simplement pasd’existence officielle, et si nul n’oseraitassocier le nom de Miaskovski au leur dans laRussie soviétique de 1949). Anachronique surle plan stylistique, le langage de cettesymphonie en est en même temps la force.Tout auditeur éprouve aussitôt un sentimentde familiarité qui explique qu’elle ait constituéun excellent vecteur pour Miaskovski, pourl’expression de ses idées d’une manière propreà être immédiatement comprise. Le premiermouvement, obéissant à une forme sonate,repose sur deux idées fortement contrastées.La première résonne lugubrement aux bassonsdès les premières mesures, mais, avecl’accélération du mouvement, elle esttransformée par les cordes en un thèmeéminemment dynamique et plein d’élan, quidevient le centre dramatique du mouvement.La deuxième idée est un sujet lyrique, partagéentre les bois et les cordes, qui prend unecoloration indubitablement rachmaninovienne


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au fur et à mesure de son développement.Bien que de caractères très différents, cesdeux épisodes thématiques sontorganiquement issus l’un de l’autre etfournissent en outre le matériau des deuxautres mouvements de la symphonie, générantainsi un effet cyclique. Le magnifique Adagioest l’une des créations les plus inspirées deMiaskovski. Sa noblesse et son pathétismedénué de sentimentalité contrebalancentpleinement les sombres nuages qui semblentdevoir engloutir la partie centrale dumouvement, et cette menace est impuissanteface au flot mélodique extatique qui déferleavant la conclusion du mouvement. Le finale(Presto ma non troppo) voit le retour desthèmes du premier mouvement, ballottés parun maelström de cordes et de boistourbillonnants. Un thème impétueux demarche finit par émerger, évoquantmomentanément le finale de la Symphonieno 5 de Tchaïkovski, non pas tant par unequelconque ressemblance thématique que parle choc spectaculaire entre des forcesopposées et irréconciliables.

Le Concerto pour violoncelle enut mineur a été composé entre la fin octobreet le début décembre 1944 pour le célèbrevioloncelliste Sviatoslav Knouchevitski,créateur de l’œuvre, lors d’un enregistrementde l’Orchestre de la Radio-Télévisionsoviétique sous la direction d’Alexandre Orlov,

le 17 mars 1945. L’œuvre a connu unepopularité immédiate auprès du public russeavant de devenir l’une des compositions lesplus appréciées de Miaskovski. Créé quelquesmois seulement avant la fin de la DeuxièmeGuerre mondiale, ce concerto reflète trèsprobablement une profonde réactionémotionnelle aux horreurs du conflit. Mais,comme dans la Symphonie no 22 de quelquesannées antérieure, Miaskovski adopte uneapproche éminemment personnelle, trèséloignée du chauvinisme caractéristiqued’autres œuvres orchestrales de la mêmeépoque. Ce concerto est en deux grandsmouvements. Le Lento ma non troppo débutepar une introduction mélancolique etprofondément introspective qui forme la based’un dialogue lyrique entre le soliste etl’orchestre. Renonçant au style brillant etvirtuose du concerto traditionnel, Miaskovskiexige du soliste une sensibilité infinie,beaucoup de chaleur dans l’expression, et unjeu parfaitement cantabile. Le secondmouvement, Allegro vivace, introduit uncontraste, mais un nouvel épisode réflectif,souvent évocateur du premier mouvement,vient interrompre sa rythmique dansante etenlevée. Le climat d’exubérance essaievainement de se réimposer, vaincu par lesimple poids de la tension affective. La réactionà une seconde tentative est une cadencehéroïque, qui ne suffit cependant pas à dissiper

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un hommage à Staline et à sa région d’origine,la Géorgie, cet opéra de Muradeli, né sous unemauvaise étoile, se voit taxer de formalisme.Or le formalisme (préoccupation pour la formepréjudiciable au contenu socialiste de l’œuvre)et tout ce qui est perçu comme imitation demodèles occidentaux honnis sont deux desprincipaux crimes condamnés par Jdanov dansson discours devant l’Union des compositeurs.Peu de compositeurs soviétiques éminentséchappent à la critique, et Miaskovski,Chostakovitch, Prokofiev et Khatchaturian sontnommément désignés. Le coup est rude pourMiaskovski, qui multiplie les problèmes desanté au cours de ses dernières années. Enfévrier 1949, le cancer à l’estomac qui finirapar l’emporter lui impose une grave opération.Il passe l’été suivant en convalescence àNikolina Gora, retraite boisée surplombant larive gauche de la haute Moskova, où Prokofievréside en permanence jusqu’en 1950. Là,dans la datcha de son vieil ami Pavel Lamm,Miaskovski achève ses huitième et neuvièmesonates pour piano, son Quatuor à cordesno 13 et la Symphonie no 27 en ut mineur.Le 6 août, les esquisses de sa symphonie sontprêtes, et l’orchestration est achevée débutnovembre. Le Jour de l’an 1950, Miaskovskientend sa nouvelle symphonie jouée sousforme de réduction au piano chez PavelLamm, mais c’est seulement quatre mois aprèssa mort qu’aura lieu la création symphonique,

le 9 décembre. L’œuvre recevra le prix Stalineà titre posthume.

Comme toutes ses symphonies à partir dela vingt-deuxième, l’ultime contribution deMiaskovski à ce genre est conçue en troismouvements. Elle assume pleinement saréférence à la grande tradition dudix-neuvième siècle de Tchaïkovski, au groupedes Cinq, et surtout à Glazounov et àRachmaninov (même si ces deux derniers, entant qu’émigrés, n’ont tout simplement pasd’existence officielle, et si nul n’oseraitassocier le nom de Miaskovski au leur dans laRussie soviétique de 1949). Anachronique surle plan stylistique, le langage de cettesymphonie en est en même temps la force.Tout auditeur éprouve aussitôt un sentimentde familiarité qui explique qu’elle ait constituéun excellent vecteur pour Miaskovski, pourl’expression de ses idées d’une manière propreà être immédiatement comprise. Le premiermouvement, obéissant à une forme sonate,repose sur deux idées fortement contrastées.La première résonne lugubrement aux bassonsdès les premières mesures, mais, avecl’accélération du mouvement, elle esttransformée par les cordes en un thèmeéminemment dynamique et plein d’élan, quidevient le centre dramatique du mouvement.La deuxième idée est un sujet lyrique, partagéentre les bois et les cordes, qui prend unecoloration indubitablement rachmaninovienne


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dans le monde entier, entre autres en Islande,en Finlande, en Turquie et en Extrême-Orient.Sous sa houlette, leur répertoire n’a cessé decroître et comprend aussi bien la musique del’ère baroque que celle de compositeurscontemporains de différentes nationalités.

Parmi les grands moments de la carrière dePolianski, notons sa production d’EugèneOnéguine au Théâtre musical de Gothenburgqui a fait l’unanimité des critiques ainsi que sanomination au poste de chef principal duFestival des Nuits de l’Opéra à Gothenburg.

16

un profond sentiment d’angoisse, et leconcerto s’achève par un nouvel énoncé, calmeet très personnel, du thème initial de l’œuvre.

© 2002 Philip TaylorTraduction: Josée Bégaud

Le soliste et chambriste Alexandre Ivashkinea joué dans plus de trente pays. Il estrégulièrement invité à participer aux grandsfestivals de musique d’Europe, des États-Unis,du Japon, d’Australie et de Nouvelle-Zélandeet a joué en soliste avec des orchestres derenom dans le monde entier. Il s’est produitdans des salles aussi prestigieuses que leRoyal Festival Hall et le Wigmore Hall àLondres, le Queen’s Hall à Edimbourg, leConcertgebouw à Amsterdam, le Konzerthausà Hambourg, la Salle Dvorák à Prague, laGrande Salle du Conservatoire de Moscou, laSalle Philharmonia à Saint-Pétersbourg et leVredenburg à Utrecht. Il est l’un des troisvioloncellistes (avec Mstislav Rostropovitch etNatalia Gutman) pour qui Alfred Schnittkecomposa des œuvres pour violoncelle, et il aenregistré l’intégrale des œuvres pourvioloncelle de Prokofiev, Chostakovitch,Rachmaninov, Schnittke, Roslavetz etTchérepnine. Professeur de musique àl’Université de Londres, Alexandre Ivashkineest également directeur artistique du Festivalet Concours international de violoncelle Adam.

L’Orchestre symphonique de la cappellad’état russe fut fondé en 1962. GuennadiRojdestvenski devint chef principal en 1981;par son dynamisme et son dévouement, ilassura le renouveau de l’Orchestre, unrenouveau nécessaire à sa créativité et à sonsuccès. L’Orchestre fit des tournées dans lemonde entier, interprétant et enregistrant unrépertoire varié qui comprenait toutes lesymphonies de Bruckner et Chostakovitch ainsique des œuvres de Honegger, Schnittke etVaughan Williams. Valeri Polianski devint chefprincipal en 1992 et contribua à l’essorininterrompu de l’Orchestre en l’amalgamantavec succès au Chœur à cappella symphoniqued’état russe. Sous sa direction, cet ensembleest devenu l’un des meilleurs de Russie,alternant les concerts symphonqiues et ceuxincluant le Chœur.

Après avoir obtenu son diplôme auConservatoire d’état de Moscou, ValeriPolianski étudia la direction symphonique etlyrique avec Odissey Dimitriada puis avecGuennadi Rojdestvenski. Il débuta sa carrièreprofessionnelle à la tête du Théâtre du Bolchoïet devint chef principal de l’Orchestresymphonique de la cappella d’état russe en1992. Il est directeur artistique du Chœur àcappella symphonique d’état russe depuis plusde vingt-cinq ans et a dirigé ces deuxensembles dans des productions majeures Valeri Polyansky


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dans le monde entier, entre autres en Islande,en Finlande, en Turquie et en Extrême-Orient.Sous sa houlette, leur répertoire n’a cessé decroître et comprend aussi bien la musique del’ère baroque que celle de compositeurscontemporains de différentes nationalités.

Parmi les grands moments de la carrière dePolianski, notons sa production d’EugèneOnéguine au Théâtre musical de Gothenburgqui a fait l’unanimité des critiques ainsi que sanomination au poste de chef principal duFestival des Nuits de l’Opéra à Gothenburg.

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un profond sentiment d’angoisse, et leconcerto s’achève par un nouvel énoncé, calmeet très personnel, du thème initial de l’œuvre.

© 2002 Philip TaylorTraduction: Josée Bégaud

Le soliste et chambriste Alexandre Ivashkinea joué dans plus de trente pays. Il estrégulièrement invité à participer aux grandsfestivals de musique d’Europe, des États-Unis,du Japon, d’Australie et de Nouvelle-Zélandeet a joué en soliste avec des orchestres derenom dans le monde entier. Il s’est produitdans des salles aussi prestigieuses que leRoyal Festival Hall et le Wigmore Hall àLondres, le Queen’s Hall à Edimbourg, leConcertgebouw à Amsterdam, le Konzerthausà Hambourg, la Salle Dvorák à Prague, laGrande Salle du Conservatoire de Moscou, laSalle Philharmonia à Saint-Pétersbourg et leVredenburg à Utrecht. Il est l’un des troisvioloncellistes (avec Mstislav Rostropovitch etNatalia Gutman) pour qui Alfred Schnittkecomposa des œuvres pour violoncelle, et il aenregistré l’intégrale des œuvres pourvioloncelle de Prokofiev, Chostakovitch,Rachmaninov, Schnittke, Roslavetz etTchérepnine. Professeur de musique àl’Université de Londres, Alexandre Ivashkineest également directeur artistique du Festivalet Concours international de violoncelle Adam.

L’Orchestre symphonique de la cappellad’état russe fut fondé en 1962. GuennadiRojdestvenski devint chef principal en 1981;par son dynamisme et son dévouement, ilassura le renouveau de l’Orchestre, unrenouveau nécessaire à sa créativité et à sonsuccès. L’Orchestre fit des tournées dans lemonde entier, interprétant et enregistrant unrépertoire varié qui comprenait toutes lesymphonies de Bruckner et Chostakovitch ainsique des œuvres de Honegger, Schnittke etVaughan Williams. Valeri Polianski devint chefprincipal en 1992 et contribua à l’essorininterrompu de l’Orchestre en l’amalgamantavec succès au Chœur à cappella symphoniqued’état russe. Sous sa direction, cet ensembleest devenu l’un des meilleurs de Russie,alternant les concerts symphonqiues et ceuxincluant le Chœur.

Après avoir obtenu son diplôme auConservatoire d’état de Moscou, ValeriPolianski étudia la direction symphonique etlyrique avec Odissey Dimitriada puis avecGuennadi Rojdestvenski. Il débuta sa carrièreprofessionnelle à la tête du Théâtre du Bolchoïet devint chef principal de l’Orchestresymphonique de la cappella d’état russe en1992. Il est directeur artistique du Chœur àcappella symphonique d’état russe depuis plusde vingt-cinq ans et a dirigé ces deuxensembles dans des productions majeures Valeri Polyansky


1918

MyaskovskySinfonietta, Op. 32 No. 2

SchnittkeSonata for violin and chamber orchestra

DenisovFive Paganini Caprices

CHAN 9891

Also available

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Any requests to license tracks from this or any other Chandos disc should be made directly to theCopyright Administrator, Chandos Records Ltd, at the above address.

Recording producer Valeri PolyanskySound engineer Igor VerprintsevEditors Elena Buneeva and Vladimir KisselevRecording venue Grand Hall of the Moscow Conservatory; December 2001 Front cover Photograph c PhotonicaBack cover Photograph of Alexander Ivashkin by Philip Firsov Design Tim FeeleyBooklet typeset by Michael White-Robinson Booklet editor Elizabeth LongCopyright VAAP (Cello Concerto), Copyright Control (Symphony No. 27)p 2002 Chandos Records Ltdc 2002 Chandos Records LtdChandos Records Ltd, Colchester, Essex CO2 8HQ, EnglandPrinted in the EU


1918

MyaskovskySinfonietta, Op. 32 No. 2

SchnittkeSonata for violin and chamber orchestra

DenisovFive Paganini Caprices

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CHANDOSCHAN 10025

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CHAN 10025 BOOK - naxosmusiclibrary.com · CHAN 10025 BOOK.qxd 4/5/07 12:20 pm Page 2. 5 were prominent among the crimes anathematised by Zhdanov in his address to the Composers’