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ENG

I have experienced Chopin’s music throughout my extensive piano studies and I immediately – and always – felt very emotionally involved with his music, to the extent that I can say that he has defined me as a musician and, later on, as a cellist. 

Chopin said that he loved only one instrument other than the piano: the cello. I feel so blessed that he left us, as the exception to his otherwise exclusively pianistic output, three chamber works of great quality and maturity for cello and piano (which, together with the juvenile Trio and one cycle of songs, form his entire chamber music production). I feel very strongly that I can channel my playing and my personality best through them.

These works were written partly thanks to Auguste Franchomme, a well-known French concert cellist and professor at the Conservatoire Nationale de Paris. He was the most intimate of Chopin’s friends during his years in Paris. They composed together the Gran Duo Concertante; Chopin dedicated to him his Sonata in G minor, Op. 65, which they performed together, including at Chopin’s memorable last Paris concert on 18 February 1848 at Pleyel’s; and Franchomme rewrote the cello part of the Polonaise brillante, as well as transposing a huge amount of Chopin’s piano pieces for cello and piano. When we discovered Pleyel’s “double piano” of 1898, we fell in love with its full, rich sound and felt convinced it would bring us closer to Chopin’s sound-world. Although this is not a “period performance”, Chopin favoured Pleyel’s pianos, and the warmth of this unique instrument’s sound seemed an ideal choice for this repertoire.

As for Franchomme, while researching his compositions – other than transcriptions of Chopin’s works – we immediately perceived that their close relationship was musically rooted in the influence of bel canto, and the operatic treatment of their melodies. We found a variety of unedited and unperformed fantaisies, souvenirs, variations, and piéces de concert on themes of Italian, French and German operas. If on the one hand the transcriptions and elaborations of Chopin’s music testify to Franchomme’s admiration for his overly gifted friend – while perhaps losing some of their artistic value compared to the originals of the master – on the other hand, Franchomme’s own output seemed to us like a pearl in an unopened oyster (in this case, the Bibliothèque nationale de France, where we could find the first editions of these otherwise out-of-print works), and we consider them to be absolutely worth publishing and recording.

Beatriz Blanco

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Chopin’s relationship with the cello began early in his career,

with the Austrian cellist Joseph Merk inspiring the composer’s

admiration. Chopin dedicated his Introduction and Polonaise

Brillante, Op.3, to Merk when it was published in 1831. The

sparkling Polonaise had been composed in October 1829, with

its witty Introduction following in the Spring of 1830. Chopin

described Merk’s playing as, “so full of soul. He is the only

violoncellist I really respect”.

This stance would soon change when, in 1832, Chopin met

the cellist and composer Auguste Franchomme. They were

introduced at a dinner party by none other than Franz Liszt, who

had taken to Chopin for possessing precisely the qualities that

he himself lacked: reserve and refinement as opposed to his own

passion and extroversion. Chopin in turn was immediately drawn

to the cellist Franchomme, with whom he had much in common.

The slight 21-year-old was a professional instrumentalist, but

not a virtuoso, and had a horror of extravagant show both in

people and in music. After the dinner with Liszt, the two retired

to Chopin’s home for the evening; there, Franchomme listened

to Chopin playing the piano and “immediately understood” him.

Their friendship remained firm, with Franchomme calling on

Chopin almost daily, often with Liszt, who would play Chopin’s

Études for them. When Liszt’s mistress, the Comtesse d’Agoult,

invited Chopin to spend the summer of 1833 on her estate, he

opted instead to stay with Franchomme’s family near Tours.

Franchomme was also present on the night on 8 May 1838 when,

at a Paris soirée, the author George Sand became transfixed by

Chopin’s attractions. Then, when Franchomme played in Charles

Hallé’s first concert, in 1839, Chopin went along to support.

Franchomme was amongst Chopin’s most loyal friends until his

death in 1849, even playing Mozart to him on his deathbed.

Chopin wrote his Sonata for Piano and Cello (note the order

of the instruments) for Franchomme between 1845 and

1846. By this time he was tired and frail from tuberculosis,

spending many evenings in Paris with Franchomme,

working through the sonata. In April he again stayed with

Franchomme’s family near Tours, but by the summer of the same

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year, staying in George Sand’s home in Nohant, Chopin was

getting weaker and struggling to compose. Chopin wrote to

Franchomme, probably about the Op.65 Sonata, which was still

unfinished:

“I do everything I can in order to work but it’s no good. If this

goes on, my new compositions will not resemble the chir-

ruping of warblers or even the sound of smashing china”.

Back in Paris, he continued to struggle with the work, writing,

“I’m sometimes happy with it, sometimes not. I throw it into a

corner and then take it up again.”

The Sonata’s discursive opening movement is relatively free in

form, and was omitted by Chopin from a performance of the

work at his final Paris concert in 1848; perhaps he considered it

too complex for audiences to comprehend. The piano unfolds an

elegant, contemplative opening theme, before being allowed a

burst of more virtuosic display. By the end of the movement, the

material has all but expired, its exhaustion made final by two

pronounced final chords. The Scherzo is a sprightly dance in the

minor, and the Largo a beautiful, if remarkably concise, haven of

tranquillity. The finale, in common with the opening movement,

twists and turns its way through a range of material, with the

quality of a particularly tricky tarantella. It is interesting to note

that Chopin’s Polonaise-Fantaisie, another work of extraordinary

range, was written at around this time.

The concert at which the Sonata was premiered drew a raptur-

ous response from audience and critics alike. The Marquis de

Custine wrote to Chopin: “You have gained in suffering and

poetry; the melancholy of your compositions penetrates still

deeper into the heart; one feels alone with you in the midst of a

crowd; it is no longer a piano, but a soul, and what a soul!”

In happier times, three months after he had arrived in Paris, on

12 December 1831, Chopin was commissioned by the publisher

Schlesinger to “write something on themes from Robert le Dia-

ble”, a grand opera by Meyerbeer. The work had been premiered

three weeks before at the Paris Opéra, and had become a run-

away sensation. Chopin was amongst the work’s admirers, de-

claring:

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“It is a masterpiece of the modern school. In it enormous

choruses of devils sing through megaphones and spirits

arise from their graves… as many as fifty or sixty at a time…

What is most impressive, though, is the sound of the organ

on stage which thrills and amazes you as it all but drowns

out the orchestra in the pit below. Meyerbeer has raised

himself to the ranks of the immortals”.

The Grand duo concertante, based on Meyerbeer’s operatic

themes, was published in 1833. This is not, of course, a typical

work for a composer whose name is almost always associated

with intimate piano music, although he seems to have had no

difficulty in conveying the drama of Meyerbeer’s opera in the

impressive piano introduction. When it came to writing for the

cello, however, Chopin relied on the input of Franchomme, who,

as cellist in the Opéra orchestra, had a unique insight into Robert

le Diable, and was able to collaborate with Chopin on the cello

part for this work. The initial offerings from the cello are relative-

ly inauspicious, but soon blossom into a bouquet of Meyebeer’s

melodies, with some striking moments of virtuosity.

Franchomme was, as the Grand duo concertante demonstrates,

a composer in his own right, and his musical career took him

to the Paris Conservatoire, where he was a professor from 1846

until his death in 1884. On 21 February 1841, Franchomme per-

formed one of his own cello works at a Paris concert hosted by

Chopin. The costly tickets were fought over, and the evening

was described in La France Musicale as, “a charming soirée, a

feast peopled with delicious smiles, delicate and pretty fac-

es, small, shapely white hands; a magnificent occasion where

simplicity was married to grace and elegance, and where good

taste served as a pedestal to riches”.

Franchomme’s Three Themes with Variations, Op.22, are based

on themes by three different composers: Donizetti, Beethoven

and Bellini. According to Franchomme, Chopin had reservations

about the music of Beethoven, because of a preference for re-

straint over drama: “Whenever [Beethoven] is obscure and seems

to lack coherence, this is not the result of the slightly savage quality

with which he is credited; it is because he turns his back on eternal

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principles”. Chopin was far more enamoured of Bellini, who

became part of their circle of friends in Paris from 1833.

In the first of the Three Themes, Franchomme takes Donizetti’s

lively tune through a series of refined variations, emphasising

the melody’s inherent Classicism, whilst showcasing his own

great understanding of the cello’s capabilities. With ‘Beethoven’,

the theme is articulated in a staccato, almost brusque, manner,

followed by variations which shift between lyricism, drama

and playfulness. The ‘Bellini’ movement is the most virtuosic,

Franchomme relishing the theme’s capacity both for intricate

display and more intense lyricism.

The charming Duo concertant sur un motif d’Anna

Bolena represents another collaboration, this time between

Franchomme and Irish composer-pianist George Alexander

Osborne (1806-1893). Published in 1841, the work is based on

another of Donizetti’s melodies, from his opera, Anna Bolena

(1830).

Again, the common link between these composers is Chopin;

Osborne supported Chopin during his English tour in 1848.

In the same year, after that celebrated final concert in Paris,

Custine summed up why his fellow artists felt such an affinity

with Chopin:

“Preserve yourself for the sake of your friends; it is a

consolation to be able to hear you sometimes; in the hard

times that threaten, only art as you feel it will be able to

unite men divided by the realities of life; people love each

other, people understand each other in Chopin”.

Joanna Wyld

The instrument used in this recording is a “double piano” manufactured

by Pleyel in 1898. Pleyel, favoured by Chopin, among others,

experimented with this design in the 1890s, producing a 2.5 meter-

long instrument with two keyboards placed at opposite ends. The

two pianos are housed in one body, but have their own sets of strings,

pedals and mechanism.

Text by Joanna Wyld / Odradek Records, LLC is licensed under a Creative Commons Attribution-NoDerivatives 4.0 International License. Permissions beyond the scope of this license may be available at www.odradek-records.com.

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Beatriz Blanco has been praised by critics and audiences alike for her passion, musicality, sensitivity, and technical mastery. The quality and depth of her sound and stage presence have been evident since her debut with the Castilla y León Symphonic Orchestra in 2004.

She was awarded the first prizes in competitions including the Kiefel Hablitzel Foundation 2015 in Bern, and the Austrian Würdigungspreis 2013, the “Primer Palau” Palau in Barcelona, and the Jeunesses Musicales. Beatriz also earned the second prize at the Rahn Musikpreis Foundation in Switzerland, third prize in the Liezen International Cello Competition, Austria, and the “Young Artist Award” from the Foundation Bernhard Greenhause, California (USA).

Her solo career includes performances with the Symphonieorchester Basel, Musikkollegium Winterthur, Argovia Philarmonic, Radio and Television Spanish Orchestra (ORTVE), Málaga Philarmonic Orchestra, Castilla y León Symphonic Orchestra (OSCyL), Orchestra Sinfónica del Vallés (OSV). She has performed in major European concert halls including the Theatre des Champs Elysees (Paris), Victoria Hall (Geneva), Stadt Casino (Basel), Solitär (Salzburg), Tonhalle (Zürich), Lingotto (Torino), Auditorio Nacional in Madrid, Palau de la Música and L’Auditori in Barcelona, and Palau de las Arts in Valencia.

Since 2008, she has been delving into the cello and piano duo repertoire together with Italian pianist Federico Bosco. They won the first prize at the Salieri-Zinetti International Chamber Music Competition, 2015, in Verona, Italy, with engagements across Europe for the upcoming seasons.

Beatriz plays a C. Pierray cello, (Paris, 1720), thanks to the August Pickhardt Foundation.

Federico Bosco studied piano with Claudio Voghera, Filippo Gamba and Adrian Oetiker, and conducting with Rodolfo Fischer. He has performed with various orchestras including the Basler Sinfonieorchester and Schweizer Jugend Sinfonieorchester, and performs as a soloist and chamber musician across Europe, most notably at the Granada Festival and the Salzburg Chamber Music Festival. In 2013 he made his debut at the Lucerne Festival. He worked as a teacher and musical assistant in Germany and is currently working as a répétiteur at the Hochschule in Basel.

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FRA

J’ai joué la musique de Chopin tout au long de mes études avancées de piano et ai toujours été profondément touchée par sa musique, au point où je peux dire qu’il m’a définie en tant que musicienne et, plus tard, violoncelliste.

Chopin prétendait n’aimer qu’un seul autre instrument que le piano : le violoncelle. C’est une véritable privilège qu’il nous ait laissé, comme l’exception à son œuvre exclusivement pianistique, trois œuvres de chambre de grande qualité et maturité pour violoncelle et piano (qui, avec le Trio précoce et un cycle de chants, forment l’intégralité de son répertoire de musique de chambre). Ces pièces m’ont permis de mieux canaliser mon jeu et ma personnalité.

Ces œuvres ont été écrites en partie grâce à Auguste Franchomme, un violoncelliste français réputé et professeur au Conservatoire National de Paris, et l’ami le plus intime de Chopin au cours de ses années parisiennes. Ils ont composé ensemble le Grand Duo Concertant ; Chopin lui dédia sa Sonate en sol mineur, Op.65, qu’ils jouèrent ensemble, notamment durant le dernier concert mémorable de Chopin à Paris, le 18 Février 1848 dans les salons Pleyel. Franchomme a réécrit la partie de violoncelle de la Polonaise brillante, ainsi que la transposition de nombreuses pièces pour piano de Chopin pour violoncelle et piano. Lorsque nous avons découvert le « piano double » de Pleyel de 1898, nous sommes tombés amoureux de sa sonorité pleine et riche et sommes devenus convaincus qu’il nous rapprocherait de l’univers sonore de Chopin. Bien que cette performance ne se veuille pas une reconstitution historique, Chopin privilégiait les pianos de Pleyel, et la chaleur sonore de cet instrument unique semblait un choix idéal pour ce répertoire.

Quant à Franchomme, tout en recherchant ses compositions – autre que des transcriptions d’œuvres de Chopin – nous avons immédiatement perçu que leur relation étroite était musicalement enracinée dans l’influence du bel canto, et le traitement lyrique de leurs mélodies. Nous avons trouvé une variété de Fantaisies, Souvenirs, Variations, et Pièces de concert inédites et non exécutées, sur des thèmes d’opéras italiens, français et allemands. Si les transcriptions et les élaborations sur la musique de Chopin témoignent de l’admiration de Franchomme pour son ami surdoué – et perdent peut-être une partie de leur valeur artistique par rapport aux originaux du maître – l’œuvre de Franchomme nous a en outre semblé telle une perle dans une huître non ouverte (en l’occurrence, la Bibliothèque nationale de France, où nous avons trouvé les premières éditions de ces partitions désormais épuisées), et nous sommes persuadés qu’elles méritent publication et enregistrement.

Beatriz Blanco

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La relation de Chopin avec le violoncelle commence dès le début

de sa carrière, à travers son admiration pour le violoncelliste

autrichien Joseph Merk. Chopin dédie son Introduction et

Polonaise Brillante, Op.3 à Merk lors de sa publication en

1831. Il compose la Polonaise flamboyante en Octobre 1829,

et son ingénieuse introduction le printemps suivant en 1830.

Chopin décrit le jeu de Merk comme « si intense. Il est le seul

violoncelliste que je respecte vraiment. »

Cette position va cependant changer lorsqu’en 1832

Chopin rencontre le violoncelliste et compositeur Auguste

Franchomme. Ils sont introduits à l’occasion d’un dîner par nul

autre que Franz Liszt, lequel a pris Chopin sous sa coupe pour

ses qualités si différentes des siennes : réserve et raffinement du

prodige polonais, passion et extraversion du maître hongrois.

Chopin est à son tour immédiatement attiré par le violoncelliste

Franchomme, avec qui il a beaucoup en commun. Le frêle

jeune homme de 21 ans est un instrumentiste professionnel,

mais pas un virtuose, et tient en horreur les démonstrations

d’extravagance, tant en musique qu’en caractère. Après le dîner

avec Liszt, les deux jeunes hommes rentrent chez Chopin pour

la soirée ; là, Franchomme écoute Chopin jouer du piano et le

« comprend immédiatement ».

Leur amitié reste ferme, et Franchomme est en contact avec

Chopin presque tous les jours, souvent aux côtés de Liszt, qui

joue les Études de Chopin pour eux. Lorsque la maîtresse de

Liszt, la comtesse d’Agoult, invite Chopin à passer l’été 1833 dans

son domaine, il décide au contraire de séjourner avec la famille

de Franchomme près de Tours. Franchomme est également

présent dans la nuit du 8 mai 1838, lors d’une soirée à Paris,

lorsque George Sand tombe sous l’emprise de Chopin. Puis,

lorsque Franchomme joue pour le premier concert de Charles

Hallé en 1839, Chopin vient le soutenir. Franchomme compte

parmi les amis les plus fidèles de Chopin jusqu’à sa mort en

1849, allant jusqu’à jouer du Mozart auprès de son lit de mort.

Chopin écrit sa Sonate pour Piano et Violoncelle (notez

l’ordre des instruments) pour Franchomme entre 1845

et 1846. A cette époque, il est fatigué et fragilisé par la

tuberculose, et passe de nombreuses soirées à Paris avec

Franchomme à travailler sur la sonate. En Avril, il séjourne de

nouveau avec la famille de Franchomme près de Tours, mais

durant l’été de la même année, dans la maison de George

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Sand à Nohant, sa santé s’affaiblit et composer devient de plus

en plus pénible. Chopin écrit à Franchomme, probablement à

propos de la Sonate Op.65, encore inachevée :

«  Je fais tout mon possible pour travailler mais rien ne

vaut. Si cela continue, mes nouvelles compositions ne

ressembleront pas au gazouillis des fauvettes ni même au

son de la porcelaine brisée ».

De retour à Paris, son affliction persiste, et il écrit  : «  J’en suis

parfois satisfait, parfois non. Je la jette dans un coin puis la

reprends. »

Le mouvement d’ouverture discursif de la Sonate est relativement

libre dans la forme, et ne figure pas dans l’interprétation de

cette œuvre lors de son dernier concert à Paris en 1848 ; peut-

être le juge-t-il trop complexe pour le public ? Le piano amorce

un thème d’ouverture élégant, contemplatif, avant une salve à

la virtuosité plus démonstrative. À la fin du mouvement, toute

matière expire, son épuisement rendu définitif par deux accords

finaux prononcés. Le Scherzo est une danse enjouée en mineur,

et le Largo un havre de tranquillité somptueux, malgré sa

brièveté. Le finale, en commun avec le mouvement d’ouverture,

poursuit son chemin à travers toute une gamme de couleurs,

avec la qualité d’une tarentelle particulièrement périlleuse. Il est

intéressant de noter que la Polonaise-Fantaisie de Chopin, une

autre pièce à l’ampleur extraordinaire, est écrite à cette époque.

Le concert au cours duquel la Sonate est dévoilée suscite une

réponse enthousiaste du public et de la critique. Le marquis de

Custine écrit à Chopin: « Vous gagnez dans la souffrance et la

poésie ; la mélancolie de vos compositions pénètre encore plus

profondément le cœur ; on se sent seul avec vous au milieu de

la foule ; ce n’est plus un piano mais une âme, et quelle âme ! »

En des temps plus heureux, trois mois après son arrivée à Paris,

le 12 Décembre 1831, Chopin est commissionné par l’éditeur

Schlesinger pour «  écrire quelque chose sur des thèmes de

Robert le Diable  », un opéra à grand succès de Meyerbeer,

représenté trois semaines auparavant à l’Opéra de Paris. Chopin

figure parmi les admirateurs de l’œuvre, en déclarant :

«  C’est un chef-d’œuvre de l’école moderne.

D’immenses chœurs de démons chantent à travers des

mégaphones et les esprits surgissent de leurs tombes

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... cinquante ou soixante parfois ... Le plus impressionnant,

cependant, est le son de l’orgue sur scène qui vibre et

vous étourdit tant il noie l’orchestre dans la fosse en-deçà.

Meyerbeer s’est lui-même hissé au rang des immortels ».

Le Grand Duo Concertant, basé sur des thèmes d’opéra de

Meyerbeer, est publié en 1833. Il s’agit d’une œuvre atypique

pour un compositeur dont le nom est presque toujours associé

à la musique intimiste pour piano, bien qu’il semble n’avoir eu

aucune difficulté à transporter le ton dramatique de cet opéra

dans l’impressionnante introduction pour piano. Cependant, en

ce qui concerne l’écriture pour violoncelle, Chopin s’en remet à

l’expérience de Franchomme qui, en tant que violoncelliste dans

l’orchestre de l’Opéra, bénéficie d’un point de vue unique sur

Robert le Diable, et est en mesure de collaborer avec Chopin sur

la partie de violoncelle. Les premières instances du violoncelle

semblent relativement austères, avant d’éclore dans un bouquet

de mélodies de Meyerbeer, avec des moments étourdissants de

virtuosité.

Franchomme, comme le démontre le Grand duo concertant, est

un compositeur à part entière et sa carrière musicale le mène

au Conservatoire de Paris, où il est professeur de 1846 jusqu’à

sa mort en 1884. Le 21 Février 1841, Franchomme exécute

l’une de ses propres pièces pour violoncelle lors d’un concert à

Paris organisé par Chopin. Les billets s’arrachent malgré un prix

dissuasif, et la soirée est décrite dans la France Musicale comme

« une soirée charmante, une fête peuplée de délicieux sourires,

de visages délicats et jolis, de petites mains blanches galbées ;

une magnifique occasion où la simplicité se marie à la grâce et à

l’élégance, et où le bon goût fait socle à la richesse ».

Les Trois thèmes variés pour le violoncelle, Op.22, de

Franchomme se basent sur des thèmes par trois compositeurs

différents : Donizetti, Bellini et Beethoven. Selon Franchomme,

Chopin avait certaines réserves quant à la musique de

Beethoven, préférant la retenue au drame : « Chaque fois que

[Beethoven] est obscur et semble manquer de cohérence, ce

n’est pas en conséquence de la qualité quelque peu sauvage

dont il est crédité ; c’est parce qu’il tourne le dos à des principes

éternels ». Chopin est bien davantage épris de Bellini, devenu

partie intégrante de leur cercle d’amis à Paris en 1833.

Dans le premier des Trois Thèmes, Franchomme

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conduit l’air animé de Donizetti à travers une série de variations

raffinées, soulignant le classicisme inhérent de la mélodie,

tout en mettant en valeur son appréciation des capacités du

violoncelle. Avec « Beethoven », le thème est articulé dans un

staccato presque brusque, suivi par des variations oscillant

entre lyrisme, drame et enjouement. Le mouvement « Bellini »

est le plus virtuose, Franchomme savourant l’aptitude du thème

à la fois aux démonstrations complexes et à l’intensité lyrique.

Le charmant Duo concertant sur un motif d’Anna Bolena

représente une autre collaboration, cette fois entre Franchomme

et le pianiste-compositeur irlandais George Alexander Osborne

(1806-1893). Publiée en 1841, la pièce est basée sur une autre

mélodie de Donizetti, issue de son opéra Anna Bolena (1830).

Encore une fois, le lien commun entre ces compositeurs est

Chopin ; Osborne soutient Chopin lors de sa tournée anglaise

en 1848. Cette même année, après le succès du concert final à

Paris, Custine résume ainsi la raison pour laquelle ses collègues

artistes ressentent une telle affinité avec Chopin :

« Préservez-vous au nom de vos amis ; c’est une consolation

d’être en mesure de vous entendre parfois  ; dans les

moments difficiles qui s’annoncent, seul l’art comme vous

le ressentez sera capable d’unir les hommes divisés par les

réalités de la vie ; les gens s’aiment, les gens se comprennent

à travers Chopin ».

Joanna Wyld

Trad. : Yannick Muet

L’instrument utilisé dans cet enregistrement est un «  double piano  »

fabriqué par Pleyel en 1898. Pleyel, privilégié par Chopin, entre autres,

a expérimenté avec ce format dans les années 1890, produisant

un instrument de 2,5 mètres de long à deux claviers aux extrémités

opposées. Les deux pianos sont logés dans un seul corps, mais ont leurs

propres cordes, pédalier et mécanisme.Texte de Joanna Wyld (Trad. : Yannick Muet)/Odradek Records, LLC est mis à disposition selon les termes de la Licence Creative Commons Attribution - Pas d’Utilisation Commerciale - Pas de Modification 4.0 France. www.odradek-records.com

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Beatriz Blanco a reçu les hommages de la critique et du public pour sa ferveur, sa musicalité, sa sensibilité et sa maîtrise technique. La qualité et l’ampleur de son jeu ainsi que sa présence scénique se sont révélées dès ses débuts avec l’Orchestre Symphonique de Castille-et-León en 2004.Elle a obtenu les premiers prix dans les concours de la Fondation Kiefel Hablitzel 2015 à Berne, Würdigungspreis 2013 en Autriche, « Primer Palau » à Barcelone et les Jeunesses Musicales. Beatriz a également obtenu le deuxième prix de la Fondation Rahn Musikpreis en Suisse, le troisième prix au Concours international de violoncelle de Liezen en Autriche, et le « Young Artist Award » de la Fondation Bernhard Greenhause en Californie (USA).Sa carrière de soliste comprend notamment des performances avec le Symphonieorchester de Bâle, le Musikkollegium de Winterthur, l’Argovia Philharmonic, l’Orchestre de la Radio et Télévision Espagnole (ORTVE), l’Orchestre Philarmonique de Málaga, l’Orchestre Symphonique de Castille-et-León (OSCyL) et l’Orchestra Sinfónica del Vallés (OSV). Elle s’est produite dans des salles de concerts majeures à travers l’Europe, dont le Théâtre des Champs Elysées (Paris), le Hall Victoria (Genève), Casino de Stadt (Bâle), Solitär (Salzbourg), Tonhalle (Zürich), Lingotto (Turin), Auditorio Nacional de Madrid, Palau de la Música et Auditori de Barcelone, et Palau de las Arts à Valence.Depuis 2008, elle s’est plongée dans le répertoire pour violoncelle et piano en duo avec le pianiste italien Federico Bosco. Ils ont remporté le premier prix au Concours international de musique de chambre Salieri-Zinetti 2015, à Vérone en Italie, et des engagements à travers l’Europe sont prévus pour les saisons à venir.Beatriz joue sur un violoncelle C. Pierray (Paris, 1720), grâce à la Fondation Août Pickhardt.

Federico Bosco a étudié le piano avec Claudio Voghera, Filippo Gamba et Adrian Oetiker et la direction d’orchestre avec Rodolfo Fischer. Il a joué avec de nombreux orchestres (Basler Sinfonieorchester, Schweizer Jugend Sinfonieorchester) et se produit dans des récitals et ensembles de musique de chambre à travers l’Europe (dont le Festival de Grenade et le Festival de Musique de Chambre de Salzbourg). Il a fait ses débuts au Festival de Lucerne en 2013. Il a travaillé comme coach et assistant musical en Allemagne et travaille maintenant comme accompagnateur à la Hochschule de Bâle.

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DEU

Durch meine umfangreichen Klavierstudien bin ich mit Chopins Musik in Kontakt gekommen und war unmittelbar – und beständig – von seiner Musik immens ergriffen, und zwar soweit, dass ich sagen kann, dass es mich zu der Musikerin, und später auch, Cellistin gemacht hat, die ich heute bin.

Chopin sagte einst, dass er nur ein Instrument neben dem Klavier liebt: das Violoncello. Es ist ein Segen, dass er als Ausnahme zu seinem sonst exklusiv pianistischen Werk, uns drei Kammermusikwerke von großartiger Qualität und Reife für Violoncello und Klavier (welche, zusammen mit dem jugendlichem Trio und einem Liederzyklus, seine gesamte Kammermusikproduktion formen) hinterlassen hat. Ich bin der festen Überzeugung, dass ich in diesen Werken meiner Interpretation und meiner Persönlichkeit Ausdruck verleihen kann.

Zum Teil wurden diese Werke im Dank an Auguste Franchomme, einem wohlbekannten französischen Konzertcellisten und Professor des Conservatoire Nationale de Paris, verfasst. Er zählte zu Chopins innigsten Freunden während seiner Zeit in Paris. Sie arbeiteten gemeinsam am Gran Duo Concertante; und Chopin widmete ihm seine Sonate in g-Moll, Op. 65, welche sie ebenfalls gemeinsam aufführten, einschließlich Chopins denkwürdigem letzten Pariser Konzert am 18. Februar 1848 im Salon Pleyel. Franchomme schrieb den Part des Violoncellos in der Polonaise brilliante um, und bearbeitete ebenso eine große Anzahl von Chopins Klavierstücken für Violoncello und Klavier. Als wir Pleyels „Doppelklavier“ aus dem Jahre 1898 entdeckten, verliebten wir uns in seinen vollen, wie auch reichen Ton und waren überzeugt, dass es uns Chopins Klangwelt näher bringt. Auch wenn es sich hierbei nicht um eine „Aufführung gemäß der Epoche“ handelt, war Chopins bevorzugtes Klavier von Pleyel und die Wärme dieses einzigartigen Instrumentenklangs eine ideale Wahl für dieses Repertoire.

Was Franchomme betrifft, haben wir während der Recherche seiner Kompositionen – im Gegensatz zu seinen Transkriptionen von Chopins Werken – sofort erkannt, dass deren enge Beziehung musikalisch im Einfluss des bel canto und in der opernhaften Bearbeitung der Melodien begründet liegt. Wir fanden eine Reihe von unbearbeiteten und noch nicht aufgeführten Fantaisies, Souvenirs, Variations, und Piéces de concert über Themen der italienischen, französischen und deutschen Oper. Wenn einerseits die Transkriptionen und Ausarbeitungen von Chopins Musik Franchommes Bewunderung für seinen so überaus talentierten Freund bezeugen – während diese möglicherweise im Vergleich zu den Originalen des Meisters an künstlerischem Wert verloren – so schien andererseits Franchommes eigene Produktion sprichwörtlich die Perle in der ungeöffneten Auster zu sein (in diesem Falle fanden wir in der französischen Nationalbibliothek die Erstausgabe der ansonsten vergriffenen Werke) und erachten sie daher als unbedingt wert veröffentlicht und aufgeführt zu werden.

Beatriz Blanco

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Schon früh in seiner Laufbahn entwickelte sich Chopins Bindung

zum Violoncello. Angefeuert wurde seine Bewunderung durch

den österreichischen Cellisten Joseph Merk. Chopin widmete

Merk seine Introduktion und Polonaise Brillante, Op. 3,

anlässlich der Veröffentlichung im Jahre 1831. Im Oktober

1829 wurde die spritzige Polonaise komponiert, während die

launige Introduktion im Frühling des Jahres 1830 folgte. Chopin

beschrieb Merks Spiel als „so voller Seele. Er ist der einzige

Cellist, den ich wirklich respektiere“.

Diese Haltung änderte sich nur allzu schnell im Jahre 1832 als

Chopin den Cellisten und Komponisten Auguste Franchomme

kennenlernte. Vorgestellt wurden die beiden einander bei einer

Abendgesellschaft durch keinen Geringeren als Franz Liszt, der

sich Chopin annahm, da er gerade die Qualitäten mitbrachte,

die ihm selbst fehlten: Zurückhaltung und Finesse, im Gegensatz

zu seiner eigenen Leidenschaft und Extrovertiertheit. Chopin

wiederum wurde unmittelbar von dem Cellisten Franchomme,

mit dem er viel gemein hatte, angezogen. Der gerademal

21-Jährige war ein professioneller Musiker, jedoch kein Virtuose

und er verabschäute die Extravaganz, sowohl in Menschen,

als auch in der Musik. Nach der Abendgesellschaft mit Liszt,

verbrachten die beiden den weiteren Abend Zuhause bei

Chopin; dort lauschte Franchomme Chopins Klavierspiel und

„verstand ihn sofort“.

Die Freundschaft stellte sich als beständig heraus mit beinahe

täglichen Besuchen von Franchomme, oftmals in Begleitung

von Liszt, der Chopins Études spielte. Als Liszts Geliebte und

Gönnerin, die Comtesse d’Agoult, im Jahre 1833 Chopin einlud

den Sommer auf ihrem Anwesen zu verbringen, entschied

er sich stattdessen bei Franchommes Familie in der Nähe von

Tours zu bleiben. Franchomme war ebenso in der Nacht zum 8.

Mai 1838 anwesend, als bei einer Pariser Gesellschaft der Autor

Georg Sand von in den Bann Chopins geriet. Als Franchomme

in der Charles Halle sein erstes Konzert im Jahre 1839 gab, ging

Chopin zur Unterstützung mit. Franchomme war bis zu Chopins

Tod im Jahre 1849 einer seiner loyalsten Freunde und spielte

ihm noch am Totenbett Mozart vor.

Chopin schrieb seine Sonate für Klavier und Violoncello (man

beachte die Reihenfolge der Instrumente) für Franchomme

zwischen 1845 und 1846. In dieser Zeit war er bereits

müde und geschwächt von seiner Tuberkuloseerkrankung

und arbeitete viele Abende mit Franchomme in Paris

an der Sonate. Im April verbrachte er erneut Zeit mit

Franchommes Familie in Tours, aber noch im selben Sommer

diesen Jahres wurde Chopin in George Sands Zuhause

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bei Nohant merklich schwächer und rang mit dem Komponieren.

Chopin schrieb Franchomme über die damals voraussichtlich

noch unvollendete Sonate Op. 65:

„Mein Guter, ich versuche mein Möglichstes, um zu arbeiten

– aber es will nicht gelingen – und gesetzt den Fall, dass dies

so weitergeht, werden meine neuen Werke nicht einmal

mehr an Grasmücken-Gezwitscher oder gar zerschlagenes

Porzellan erinnern.“

Zurück in Paris, haderte er noch immer mit dem Arbeiten und

schrieb „Manchmal bin ich glücklich damit, manchmal auch

nicht. Ich werfe es in die Ecke um es dann wieder aufzugreifen.“

Der ausschweifende Eröffnungssatz ist relativ frei in der Form

und wurde von Chopin bei der Aufführung seines Werks bei

seinem letzten Pariser Konzert im Jahre 1848 ausgelassen;

vielleicht erwog er es als zu komplex um von den Zuhörern

verstanden zu werden. Das Piano legt ein elegantes,

nachdenkliches Eröffnungsthema vor, bevor es sich erlaubt

in eine virtuosere Darstellung auszubrechen. Mit Ende des

Satzes wird das Material beinahe zur Gänze erloschen und in

den zwei ausgeprägten Schlußakkorden wird die Erschöpfung

spürbar. Das Scherzo ist ein lebhafter Tanz in Moll, und das Largo

eine herrliche, wenn auch bemerkenswert bündige, Oase der

Ruhe. Wie im Eröffnungssatz gibt es im Finale Wendungen und

Krümmungen durch eine Bandbreite von Material, die dabei

an eine besonders knifflige Tarantella erinnern. Besonders

interessant ist, dass Chopins Polonaise-Fantaisie, ein weiteres

Werk von außergewöhnlicher Vielfalt, um die selbe Zeit

herum geschrieben wurde. Das Konzert, in dem die Sonate

uraufgeführt wurde, stieß auf Begeisterungstürme der Kritik, als

auch des Publikums. Der Marquis de Custine schrieb an Chopin

Folgendes:

„Du hast an Leiden und Poesie zugelegt; die Melancholie

deiner Kompositionen durchdringt noch immer tief das

Herz; man fühlt sich inmitten der Menge allein; es ist nicht

länger ein Klavier, sondern eine Seele und was für Eine!“

In glücklicheren Zeiten, drei Monate nachdem er in Paris

angekommen war, am 12. Dezember 1831, wurde Chopin

vom Herausgeber Schlesinger beauftragt „etwas anhand der

Themen von Robert de Diable zu verfassen“, einer Grand Opera

von Meyerbeer.

Das Werk feierte drei Wochen zuvor an der Pariser Oper

Premiere und wurde zu einem riesigen Erfolg. Als einer der

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Bewunderer des Werks verkündete Chopin:

„Es ist ein Meisterwerk der modernen Schule. Mit gewaltigen

Chören von Teufeln, welche durch Megaphone singen,

und Geistern, die aus ihren Gräbern auferstehen…jeweils

nicht weniger als fünfzig, oder sechzig…trotzalledem

beeindruckt am meisten der Klang der Orgel auf der Bühne,

der einen begeistert und überrascht, während die Musiker

im Orchestergraben beinahe übertönt werden. Meyerbeer

hat sich selbst in die Reihe der Unsterblichen erhoben“.

Das Grand duo concertante, das auf Meyerbeers opernhaften

Themen basiert, wurde im Jahre 1833 publiziert. Es handelt

sich hierbei keineswegs um ein typisches Werk für einen

Komponisten, dessen Name fast ausschließlich mit intimer

Klaviermusik assoziiert wird, auch wenn er keine Probleme

beim Vermitteln der Dramatik von Meyerbeers Oper in der

eindrucksvollen Klaviereinleitung gehabt zu haben scheint.

Wenn es hingegen um Werke für Violoncello ging, erwiderte

Chopin Franchommes Anregungen, da er als Cellist im Orchester

der Oper einen einmaligen Einblick in Robert de Diable bekam

und in der Lage war mit Chopin hinsichtlich der Cellostimme in

diesem Werk zusammenzuarbeiten. Die anfänglichen Beiträge

des Violoncellos waren relativ ungünstig, erblühen aber schon

bald in einem „Strauß“ an Melodien von Meyerbeer mit einigen

auffallenden Momenten voller Virtuosität. Franchomme

war, wie es uns das Grand duo concertante demonstriert, ein

eigenständiger Komponist und seine musikalische Karriere

führte ihn ans Pariser Konservatorium, wo er von 1846 bis zu

seinem Tod im Jahre 1884 Professor war. Am 21. Februar 1841

führte Franchomme eines seiner eigenen Werke für Violoncello

auf einem von Chopin veranstaltetem Konzert in Paris auf. Die

teuren Eintrittskarten waren umkämpft und der Abend wurde

in La France Musicale als „charmante Abendveranstaltung, ein

Fest bevölkert von herrlichem Gelächter, feinen und hübschen

Gesichtern, kleinen, wohlgeformten weißen Händen; ein

großartiger Anlass, wo Einfachheit mit Anmut und Eleganz

verbunden wurde und wo guter Geschmack als Sockel der

Reichen dient“ beschrieben.

Franchommes Drei Themen mit Variationen, Op. 22,

basiert auf den Themen drei verschiedener Komponisten:

Donizetti, Beethoven und Bellini. Laut Franchomme hegte

Chopin Bedenken gegenüber der Musik von Beethoven,

da er Zurückhaltung der Dramatik vorziehe: „Wann immer

[Beethoven] obskur ist und es an Geschlossenheit zu mangeln

scheint, ist das nicht das Resultat der leicht wilden Art,

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welche ihm zugeschrieben wird; es ist, weil er den ewigen

Prinzipien den Rücken kehrt“.

Chopin war bei weitem mehr Bellini zugetan, welcher 1833 Teil

ihres Freundeskreises in Paris wurde.

Im ersten, der drei Themen übernimmt Franchomme Donizettis

lebendige Stimmung durch eine Reihe von verfeinerten

Variationen, betont hierbei den der Melodie innewohnenden

Klassizismus, während er gleichzeitig sein eigenes großartiges

Verständnis der Fähigkeiten eines Violoncellos darlegt. Mit

‚Beethoven‘ wird das Thema in einem Staccato, beinahe auf

schroffe Art und Weise gegliedert, gefolgt von Variationen,

welche zwischen Lyrik, Dramatik und Verspieltheit pendeln.

Der ‚Bellini‘-Satz ist der Virtuoseste. Franchomme findet großes

Gefallen an den Möglichkeiten des Themas, sowohl für die

komplexe Darstellung, als auch für die intensivere Lyrik.

Das charmante Duo concertant sur un motif d’Anna Bolena

stellt eine weitere Zusammenarbeit dar, diesmal zwischen

Franchomme und dem irischen Komponisten und Pianisten

George Alexander Osborne (1806-1893). Veröffentlicht im Jahre

1841, beruht das Werk auf einer Melodie aus Donizettis Oper

Anna Bolena (1830).

Erneut ist Chopin das verbindende Element dieser Komponisten;

Osborne unterstützte Chopin während seiner Englandreise

im Jahre 1848. Im selben Jahr, nach dem gefeierten, letzten

Konzert in Paris, resümierte Custine die Gründe, weshalb seine

Künstlerkollegen eine solche Affinität für Chopin hegten:

„Bewahrt euch selbst, eurer Freunde zuliebe; es ist ein Trost

imstande zu sein sich euch von Zeit zu Zeit zu hören; in den

harten Zeiten, die uns bedrohen, kann einzig die Kunst, die

man fühlt, Menschen, gespalten durch die Gegebenheiten

des Lebens, zusammenführen; Menschen lieben einander,

Menschen verstehen einander - in Chopin“.

Joanna Wyld

Übersetzung: Bianca Boos

Das Instrument, das in dieser Aufnahme zum Einsatz kam, ist ein „Doppelklavier“ von Pleyel aus 1898. Der von Chopin und vielen anderen geschätzte Pleyel experimentierte mit dieser Konstruktion in den 1890er Jahren und schuf dabei ein 2,5 Meter langes Instrument mit zwei Klaviaturen, welche jeweils am gegenüberliegendem Ende positioniert wurden. Die zwei Klaviere sind in einem Korpus beherbergt, sodass jedes von ihnen eine eigene Garnitur an Saiten, Pedalen und Mechanik hat.

Dieses Werk von Joanna Wyld (Übers. Bianca Boos)/Odradek Records, LLC ist lizensiert unter einer Creative Commons-Namensnennung-Keine Bearbeitungen-4.0 Internationalen Lizenz. Über diese Lizenz hinausgehende Erlaubnisse können Sie unter www.odradek-records.com erfragen.

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Beatriz Blanco wurde für ihre Leidenschaft, Musikalität, Sensibilität und ihr technisches Können von der Kritik, als auch vom Publikum gepriesen. Die Qualität und Tiefe ihres Klanges und ihrer Bühnenpräsenz sind seit ihrem Debüt mit dem Castilla y León Sinfonieorchester im Jahre 2004 unübersehbar.Ausgezeichnet mit dem ersten Preis bei zahlreichen Wettbewerben, gewann sie unter anderem den Kiefel Hablitzel Preis 2015 in Bern, den Würdigungspreis 2013 vom österreichischen Bundesministerium für Wissenschaft und Forschung, den “Primer Palau” in Barcelona und den Preis der Jeunesse Musicales in Spani-en. Desweiteren erhielt Beatriz den zweiten Platz beim Rahn Musikpreis in der Schweiz, den dritten Preis beim internationalen Wettbewerb für Violoncello in Liezen (Österreich) und den “Young Artist Award” von der Bernhard Greenhau-se-Stiftung in Kalifornien (USA). Ihre Karriere als Solistin umfasst mittlerweile Auftritte mit dem Symphonieor-chester aus Basel, dem Musikkollegium Winterthur, dem Aargauer Symphonie Orchester, dem RTVE Orchester, dem Philharmonischen Orchester aus Malaga, dem Castilla y León Sinfonieorchester, und dem Orquestra Simfònica del Vallès. Sie hielt bereits Konzerte in einigen der größten Konzerthallen Europas, unter anderem im Theatre des Champs Elysees (Paris), in der Victoria Hall (Genf), im Stadt Casino (Basel), im Solitär (Salzburg), in der Tonhalle (Zürich), im Auditori-um Lingotto (Turin), im Auditorio Nacional in Madrid, im Palau de la Música und L`Auditori in Barcelona, sowie im Palau de las Arts in Valencia.Seit 2008 vertieft sie sich gemeinsam mit dem italienischen Pianisten Federico Bosco in die Literatur für Violoncello und Klavier. Sie gewannen gemeinsam den ersten Preis beim internationalen Salieri-Zinetti Kammermusikwettbewerb 2015 in Verona (Italien) der zu weiteren Engagements in der kommenden Saison in ganz Europa führt.Beatriz spielt auf einem Claude Pierray Violoncello aus Paris (1720), das ihr von der August Pickhardt-Stiftung zur Verfügung gestellt wird.Federico Bosco hat Klavier bei Claudio Voghera, Filippo Gamba und Adrian Oetiker studiert, und Orchesterdirigieren bei Rodolfo Fischer. Er trat mit ver-schiedenen Orchestern (u. a. dem Basler Sinfonieorchester und dem Schweizer Jugend-Sinfonieorchester) auf und spielt als Solist und Kammermusiker in ganz Europa (u. a. beim Festival de Granada und dem Salzburger Kammermusikfesti-val). Im Jahre 2013 hatte er sein Debüt beim Luzerner Festival. Er arbeitete am Theater für Niedersachsen und ist zur Zeit als Korrepetitor an der Hochschule für Musik in Basel engagiert.

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Photo pg 8 - 20: Michal Novak