August 10, 2016 

 

 

Table of Contents 

Speedball Owners Talk Teamwork, Company's Place in Art World ........................................................................................ 2 

The VA's Luxury Art Obsession................................................................................................................................................ 4 

The State of the Arts in Canada .............................................................................................................................................. 5 

A 28‐Year‐Old Entrepreneur Figured Out a Brilliant Way to  Get the Homeless Off the Streets ........................................... 8 

For Rikers’s Most Troubled Inmates, Art Offers Hope .......................................................................................................... 10 

The Home In‐Between: Restoring Art Culture in Somalia .................................................................................................... 14 

In 1912, Someone Actually Won An Olympic Gold Medal In Painting ................................................................................. 15 

Future Teachers Add Art to Make STEAM ............................................................................................................................ 16 

   

2 __________________________________________________________________________________________  

August 10, 2016  

Speedball Owners Talk Teamwork, Company's Place in Art World 

STATESVILLE, NC: Speedball Art Products got its start as a 

division of Hunt’s Corporation, which came to Statesville in 

1958. 

The manufacturing company began a new chapter in 1997 

when CEO Walt Glazer bought the division, and decided to 

refocus efforts on quality products and strong customer 

service. 

Speedball Art Products, which ships products worldwide, is 

recognized for the production of dip pens, a complete line of screen printing, block printing and calligraphy 

products. 

The company, which currently employs 65 people, prides itself on a tradition of what it calls “employee value.” 

The Record and Landmark recently spoke to Glazer and his wife, Ginny, about what the company does, how it 

values its employees and the recent recognition of five associates who recently received U.S. citizenship. 

Q: Your company prides itself on “employee value.” What does that mean?   

Walt: It’s a team. We all work together and if any one person lets down their guard or is willing to accept a 

lower standard, it affects all of us. Everybody here takes pride in what they do and wants to produce a great 

product and serve our customers. We want to help our artists to create the beautiful things that they create. 

Ginny: I think Walt has done a really good job in valuing the people that work there and helping them to grow 

in lots of ways. That means a lot to the people that work there and I think it reflects in the business. 

Q: You seem like a couple that supports each other. Tell us about your relationship. 

Ginny: I’m probably the biggest Speedball fan. Walt runs the show but I fully support him 100 percent in 

everything he does. 

Walt: Ginny is the artist. She helps with the tradeshows, demos, and has developed a lot of very strong 

relationships with our customers. She’s my sounding board. We’re a great team. 

R&L: What are some of the popular products you make?  

 

 

 

3 __________________________________________________________________________________________  

August 10, 2016  

Walt: Calligraphy is enjoying a resurgence of sales. We are actually the leader in calligraphy and lettering 

products. For the first 15 years that we owned the business, calligraphy sales were flat, but in the last three 

years we have seen a sharp increase in calligraphy sales. As we visit art stores, we see young people buying 

calligraphy supplies, such as steel pens that you dip in a bottle of ink, and they want to learn about lettering. 

We are also strong in printmaking, linoleum block printing and wood block printing. We’re also the leader in 

screen‐printing products and supplies.  

R&L:  Speedball Art Products is both a manufacturing and distribution center. What all is manufactured at the 

company? Are there any unique areas to which the company distributes? 

Walt: Yes, we are a manufacturing and distribution center. Our strategy is to focus on the art materials and 

our customers. We formulate and mix all the special inks that are used for printmaking and we manufacture 

the tools. We export all over the world, including to China. We actually have a few fast‐growing customers in 

China. 

R&L: What led to the decision to take over the business? 

Walt: In 1997, Hunt Corporation was going through restructuring and that’s when the art materials business 

became for sale. At that point, we bought the business. One of the pitches from the seller was that we didn’t 

need to manufacture anything. He said we could outsource all the manufacturing and just operate as a 

marketing company with fewer employees. We thought that was a bad idea. We thought manufacturing, 

knowing the product, being able to control the quality, and control the product improvements and 

enhancements was very important. 

R&L: How would you describe the value Speedball places on its employees and customers? 

Ginny: We have had people specifically try to work at Speedball. They say they’ve wanted to work at Speedball 

for years. I’ve heard so many good things about working at Speedball from the people that work there. Also, 

artists (frequently) send us their artwork saying “look what I made with your products.”  There’s some really 

nice artwork hanging in the office that people send in. 

Q: Recently five employees were recognized for receiving their U.S. citizenship. Tell us about that. 

Walt: We’re a small company so we’re like family. Everybody helps each other. Our company has a lot of 

people who were born in the U.S. and a lot of people who were born in other countries. What is important to 

us is that they are good employees. When we realized that these five individuals were receiving their 

citizenship, it came as no surprise. They’re go‐getters and top performers. Five different people from five 

different countries had performed all the necessary steps to receive their citizenship on their own initiative. 

Ginny: Walt really cares about the people who work there. And he maintains a very carrying relationship with 

his employees. He goes out on the floor and talks to people. He’s not the CEO that sits in his office. He’s 

actively involved with everyone. 

4 __________________________________________________________________________________________  

August 10, 2016  

Q: Did the company assist the associates at all in the acquisition of their citizenship? 

Walt: Like a lot of folks, we take for granted our own citizenship. It’s a difficult process to obtain. There is a 

background check, an exam, and a fee of $680. We decided that they should be honored for their 

accomplishment. We wanted to give them a gift that would cover their citizenship processing fee and a nice 

celebration for their family and friends. When we told them, they were really appreciative, happy, and 

surprised. Statesville Record & Landmark 

The VA's Luxury Art Obsession 

In the now‐infamous VA scandal of 2012‐2015, the nation 

was appalled to learn that 1,000 veterans died while waiting 

to see a doctor. Tragically, many calls to the suicide 

assistance hotline were answered by voicemail. The health 

claim appeals process was known as “the hamster wheel” 

and the appointment books were cooked in seven of every 

ten clinics. 

Yet, in the midst of these horrific failings the VA managed to 

spend $20 million on high‐end art over the last ten years – 

with $16 million spent during the Obama years. 

A joint investigation by COX Media Washington, D.C. and our 

organization, American Transparency (website: 

OpenTheBooks.com) found that the VA bought Christmas 

trees priced like cars and sculptures that cost more than five‐bedroom homes. Then, there’s the two sculptures – with a 

price tag of $670,000 – for a VA center serving veterans who are blind. 

Recently at Forbes, we released our oversight report entitled, “The VA Scandal Two Years Later.” The VA added 39,454 

new positions to their payroll between 2012‐2015, but fewer than one in 11 of these new positions (3,591) were 

‘Medical Officers,’ i.e. doctors. Today, nearly 500,000 sick veterans are still wait‐listed for an appointment because there 

just aren’t enough doctors. 

Instead of hiring doctors to help triage backlogged veterans, the VA’s bonus‐happy bureaucracy spent millions of dollars 

on art. During and immediately following its notorious scandal, the VA procured: 

A twenty‐seven foot artificial Christmas tree costing $21,000 (2011) 

62 “local image” pictures for the San Francisco VA facility costing $32,000 (2014) 

A “Ribbons of Honor” glass sculpture with five glass panels symbolic of the Army, Navy, Air Force, Marines and Coast 

Guard by Weet Design for a VA outpatient center in Anchorage, AK costing $100,000 (2010). Artwork for the “interior 

commons wall” by Red Door Studio costing $65,000 (2009) and artwork for the “canteen” by artist David Deroux costing 

$30,000 (2009). 

5 __________________________________________________________________________________________  

August 10, 2016  

Fabrication and installation of the “Gradient Arc” for the VA Palo Alto Health Care System costing $330,775 (2014). 

“Harbor” glass and light art by Studio GH costing $220,000 (2014) – showcased in this video.  A $482,960 “rock 

sculpture” procured during courtyard renovation and $115,600 spent on “art consultants” for the Palo Alto facility. 

In an ironic vignette, at a healthcare facility dedicated to serving blind veterans – the new Palo Alto Polytrauma and 

Blind Rehabilitation Center – the agency wasted $670,000 on two sculptures no blind veteran can even see. The 

“Helmick Sculpture” cost $385,000 (2014) and a parking garage exterior wall façade by King Ray Studio for the “design, 

fabrication, and installation of the public artwork” cost $285,000 (2014). 

Between 2009 and 2014, the VA spent over $610,000 on artwork for the new healthcare facility in San Juan, Puerto Rico 

– including transactions with the upscale Omart Gallery ($56,100). The VA spent another $560,000 on art for three 

healthcare facilities: Minneapolis VA Medical Center ($242,933); Biloxi, MS ($168,467); and Salem, VA ($148,482). The 

Biloxi VA centers were part of the seven “most troubled” VA facilities during the 2014 wait‐time scandal. But at least 

they were well‐decorated. 

Our data shows millions of dollars spent on seemingly small transactions quickly added up. For example, $55,000 was 

spent on the “Metal Art Tree of Life with Leaves and Doves” and just two upholstered cornice window treatments cost 

nearly $16,000. 

The affinity for art at the VA has been going on for a long time, but since 2008 the sheer amount of artwork disclosed by 

the VA increased dramatically. According to federal records captured by OpenTheBooks.com, the VA purchased $1.515 

million in artwork (2004‐2007). Then, during 2008 through 2014, the VA spent 16.2 million on artwork, art consulting 

and restoration services plus another $2 million on special projects. 

All of this artwork comes with a long‐term price tag in the form of diminished care for our veterans. During the peak of 

media attention on the wait‐time scandal in 2014, the VA contracted with Northern California Art Conservators to 

“restore, collaborate, and coordinate installation of historical pieces” at a cost of more than $410,000.  

Now the VA says they are going to change the rules on high‐end art procurement. But, there’s a catch – a draft of these 

rules won’t be public for at least 90 days, and the VA has a terrible history of slow‐walking or ignoring reforms. 

So, let’s make it easy on the VA administrators with a simple, low‐cost solution: start using the artwork of veterans. Let 

veterans benefit from the artwork they create within the PTSD and therapy programs. 

Blind veterans can’t see fancy sculptures, and all veterans would be happier if they could just see a doctor. Forbes 

The State of the Arts in Canada 

MONTREAL, QC: Were it not for the two‐story‐tall picture of a male dancer 

that hangs on the front of the building, you would never know that the tan‐

colored structure with a flat roof and sunken basement entrance was the 

Montreal home of the Grands Ballets Canadiens. It looks more like space 

zoned for light industry, or perhaps an office for a telemarketing firm. It is 

that grim. 

“We live in a garage,” says Alain Dancyger, the company’s executive director. 

“And that’s not conducive to attracting and retaining top talent from around 

6 __________________________________________________________________________________________  

August 10, 2016  

the world.” 

But like most people involved in the arts in Canada today, Dancyger isn’t in a bad mood. His company is about to move 

to a new, purpose‐built dance facility near the center of Montreal. And he is celebrating a change in government that 

might have a profound impact on the arts throughout the country. In October, when Canadians voted decisively for the 

Liberal Party of Canada, led by Justin Trudeau, they empowered a government that promised a major reinvestment in 

the arts and culture. After winning the national elections, Trudeau made good on the pledge: In U.S. dollars, the new 

government has promised almost $1.5 billion over the next five years to Canada’s complex and robust cultural 

infrastructure. It remains to be seen what slice of that money Dancyger’s company will get, but like most arts leaders, he 

is giddy that the rhetoric from Ottawa has changed and that the arts seem to be in high favor once again. 

The new cultural budget includes some $520 million to the Canadian Broadcasting Company and Radio Canada, $216 

million to three premiere cultural institutions (the National Arts Centre, the Canada Science and Technology Museum 

and the National Gallery of Canada), and more than $420 million to the Canada Council for the Arts, which disburses 

funding to arts and cultural groups independently of government control. The money will only strengthen an already 

dynamic arts community, which routinely punches above its weight, producing some of the best artists, architects, 

directors, musicians and writers in the world. 

“It’s a game‐changer,” Simon Brault, the head of the Canada Council, said after the government announcement. 

Melanie Joly, the minister for Canadian Heritage, which oversees a diverse portfolio of cultural agencies, commissions 

and “crown corporations,” including the Canada Council for the Arts, says the money is part of a larger government 

effort to include the arts in all aspects of life. 

“For a long time, everything that was happening at the Canada Council and in the arts and culture in general [was] seen 

as spending,” she says. By “spendings” she means red marks on the cost side of the budget. She prefers the term 

“investments,” a marked contrast with the word “subsidies,” used by the previous prime minister, Stephen Harper, who 

once claimed that “ordinary working people” don’t care about the arts. 

The “investments” language is part of a larger rhetoric of innovation, multiculturalism and economic growth that makes 

the current Canadian leadership sound more like Silicone valley technocrats than ordinary politicians. 

A radical approach 

For Americans, the announcement of a $1.5 billion investment in culture is unthinkable. When the Obama 

administration came to power in 2009, speaking some of the same language of diversity and social responsibility, the 

arts were not part of the focus. The budget for the National Endowment for the Arts, which has to be approved by 

Congress, remains basically where it was eight years ago. But the more striking thing is the absence of the arts as part of 

the larger conversation about American identity. The left side of the political spectrum, in the United States, rarely views 

the arts as part of the basic tool kit with which it might make its impress on society, and the Obama administration has 

been mostly true to that tradition of indifference. 

In Canada, by contrast, the arts are elemental to what the prime minister has called the emergence of Canada as the 

“first post‐national state.” After the October election, Trudeau said of his country: “There is no core identity, no 

mainstream in Canada.” Instead, he stressed a core sense of equity and tolerance: “There are shared values — 

openness, respect, compassion, willingness to work hard, to be there for each other, to search for equality and justice.” 

7 __________________________________________________________________________________________  

August 10, 2016  

The radical nature of this idea, and the heightened importance of the arts as part of a post‐national state, was further 

underscored by Great Britain’s recent decision to withdraw from the European Union. The E.U. referendum campaign 

was marked by social division, heightened animosity to immigrants, and a bold and unsettling nativist rhetoric. It pitted 

cosmopolitan arts centers against mainly rural or dilapidated industrial regions. It heightened the cultural argument 

between proponents of a globalized culture that stresses the free flow of people and ideas, and a more traditionalist 

view that stresses the importance of national sovereignty to control the rate of social change. 

Joly says the arts have traditionally been one of the fundamental differentiators for Canadians when they look to the 

United States. “It is at the core of who we are as Canadians, and what unites us and defines us in the world, including in 

our relations with Americans,” she says. And now, increasingly, the arts are part of Canada’s effort to differentiate itself 

from a larger Western world move toward nationalism and insularity. While much of America was transfixed by Donald 

Trump’s December statement calling for a ban on Muslim immigrants, Trudeau responded a few days later by 

welcoming a Syrian family to Canada on a now viral video; and arts organizations in Canada followed his lead by offering 

free tickets or admission to newly arrived immigrants. 

As much of the Western world flirts with retrenchment into a nativist crouch, Canada is doubling down on what Joly 

describes as the basic “social contract,” which has always included the arts as a fundamental part of the national budget. 

But she and Brault also stress the need to reform the existing system of cultural funding. At the government level, 

Canada has to grapple with laws that were meant to encourage the production of Canadian “content” but were drafted 

in an age before the Internet, Netflix and the almost universal availability of diverse entertainment options. And at the 

Canada Council for the Arts, Brault is streamlining the process for funding arts and culture to reflect the increasingly 

amorphous lines between artistic disciplines, and the emergence of new kinds of collaboration and interaction. 

Both Joly and Brault stress another issue central to the Brexit debate: the perceived sense that government serves only 

elites. “In order to save the idea of public funding for the arts, we need to reaffirm its democratic foundations,” says 

Brault, who emphasizes a larger role for social impact and “outcomes.” 

For Joly, that means connecting the arts to a larger prosperity agenda: “Our vision is clearly that you link arts, culture 

and innovation and by linking them you create opportunities.” 

Socially useful art 

In theory, that sounds good. But what does it actually mean? Linking the arts to dynamic industries such as the tech 

sector is a common theme in the United States, as well as in Canada, but does it yield much beyond new generations of 

aesthetically appealing consumer devices? The rhetoric of innovation often seems to leave the traditional arts — ballet 

companies, art museums, orchestras — out in the cold. And the stress on social usefulness of art — its meliorative 

impact on poverty or inequality or its educational value — can divert artists and arts organizations from their core 

mission into areas they are not particularly well equipped to handle. 

But Brault says the more democratic focus won’t negatively affect the traditional arts. The increase in the budget, and 

the simplification of the process of applying for funding, means that groups such as the Grands Ballets Canadiens are 

likely to do well under the new system. 

Dancyger has yet to see how it will affect his company, but he is hopeful. Well before the new reinvestment and the 

changes at the Canada Council for the Arts, the Grands Ballets created a center that uses dance as therapy for eating 

disorders, dementia, Alzheimer’s disease and other conditions. And he hopes that the new funding will make more 

8 __________________________________________________________________________________________  

August 10, 2016  

money available for touring his group abroad. Both of those fit squarely with the government’s language about 

innovation and promoting Canadian culture outside of Canada. 

The excitement among arts leaders in Canada is about more than money. It is about tone. Arts leaders often felt 

embattled under the Harper government. Now the government seems to speak their language. But there is a larger 

challenge for the arts and Canada as a whole in the Trudeau government’s post‐national vision: If it fails, there are not 

many other models left in the world to emulate, other than the path that Great Britain recently took and that other 

European Union countries may follow. 

So Canada is going all in on a model of cultural diversity — supported by arts that allow for a non‐threatening 

celebration of identity and cultural difference — that other countries seem to think is outdated, unworkable and 

susceptible to exploitation by hostile forces. The arts, Joly says, are linked to all of Canada’s ambitions in the world 

today, and Canada sees itself as an international role model. 

“We are very much aware of the responsibility, the moral responsibility we have, and the moral leadership that we are 

playing, and that is why we have been re‐involved in international relations, peacekeeping, multilateral institutions,” she 

says. “That is the role of Canada and it is very unique in the world.” The Washington Post 

A 28‐Year‐Old Entrepreneur Figured Out a Brilliant Way to  

Get the Homeless Off the Streets 

Liz Powers started volunteering at at homeless shelters when 

she was an 18‐year‐old Harvard freshman, serving breakfast 

early in the morning before her classes started. Ten years 

later, she's running a business that helps people move out of 

homeless shelters for good.   

Powers was working with art groups in Boston‐area shelters 

when she noticed a problem:   Many homeless individuals 

were creating beautiful, saleable pieces of art — only to 

watch them gather dust in a closet or basement. 

"Tons of clients were incredibly talented and I saw amazing 

artwork," Powers, 28, told INSIDER. "And I thought, what a 

no brainer to scale this and create a marketplace." 

So, in 2013, Powers and her brother scraped together $4,000 in savings and launched ArtLifting.  

The concept is simple: Shelter or hospital art groups around the country submit an homeless or disabled artist's work to 

ArtLifting's curation committee. If that work has potential to sell, the artist is brought on board, and ArtLifting adds his 

or her work to the online store. 

There, customers can purchase original works, prints, and a variety of merchandise (phone cases, tote bags, greeting 

cards) printed with certain artworks. The artist gets 55% of the profits and ArtLifting gets 44% (in rest of the fine art 

world, a 50/50 split is considered standard). The remaining 1% is used to donate art supplies to the groups that nurture 

these artists in the first place. 

9 __________________________________________________________________________________________  

August 10, 2016  

ArtLifting isn't a nonprofit that provides handouts — it's a business that provides opportunity.  

"The fact that we're not a nonprofit is pretty important," Powers stresses. "We're actually really proud to be a for‐profit, 

for‐purpose company." 

They've already come a long way from that $4,000 start. In ArtLifting's early days, there was no marketing budget, so 

Powers spread the word simply by asking reporters to write about the fledgling company. The strategy worked: Soon, 

art therapy groups around the country were asking to get involved. In three years, ArtLifting has grown its rosters from 4 

artists to 72. And they've sold artwork to some major customers: Microsoft and Staples have purchased ArtLifting work 

to hang in their corporate headquarters.  

So far, Art Lifting has also helped 5 artists out of homelessness. Ruben Lopez is one of them.  

In his early thirties, Lopez became addicted to alcohol and drugs and wound up homeless. He spent two years living in a 

New York City shelter, where high tensions frequently boiled over into violent — even deadly — fights.   Finally, in 2008, 

he checked himself into rehab at Bellevue Hospital. It was there that he first encountered a blank canvas.  

"[At Bellevue] I had an art therapist — she's the one that started all this for me," Lopez, now 61, told INSIDER. "Because I 

never did art before, never in my life." 

But he found he had a talent for painting. Soon, he was discovered by Fresh Art, a New York City nonprofit that 

organizes public exhibitions for artwork by disadvantaged and underserved adults. Then, in 2013, he was recruited by 

ArtLifting — and instead of just being seen, his work began to sell.  

"ArtLifting really helped me," he said. "They just came out of nowhere." 

Now, Lopez, paints in a studio on 14th street in Manhattan. 

The space is long and narrow and dominated by two folding tables covered in paint‐spattered plastic tablecloths. The 

walls are cluttered with paintings — Lopez is one of four artists sharing the studio. It's cramped, but it's peaceful — 

insulated from the noise on the street, and sunny, with a bright white coat of paint on the tin ceiling. 

This is where Lopez comes to create a few days each week, listening to music (the Doors, Three Dog Night) while he 

jumps from painting to painting.  

He's inspired by New York City — its people, its buildings, its bridges. It's no surprise that his paintings are chaotic, 

colorful, and messy, just like the city is. In fact, Lopez has come to learn that messiness is actually part of his appeal. 

"Some people, I was told, they don’t like perfection," he said. "When everything looks too perfect, they don’t like it."  

Art can't fix everything — but it did help Lopez find a home. 

Transitioning out of homelessness isn't an on–off switch, and Lopez admitted that it's still a struggle to get by.  

"I feel like every time climb I keep falling down," he said.  "But I keep climbing." 

And because of the opportunities provided by ArtLifting, he's made significant gains. He's still sober. He's living in a one 

bedroom apartment in the Bronx. He co‐founded a collective of self‐taught artists. And he's set his sights on one major 

goal. 

10 __________________________________________________________________________________________  

August 10, 2016  

"I want to sell as much art as I can so I can get my driver's license back and get back on my feet," he said. Lopez used to 

be a truck and cab driver before he checked himself into Bellevue, and someday, he'd like return to driving full‐time. 

But no matter what, Lopez will keep on painting.  

"To me," he said, gesturing at his collage of vibrant canvasses hung on the studio wall, "art is like medication." Business 

Insider 

For Rikers’s Most Troubled Inmates, Art Offers Hope 

NEW YORK, NY: Every weekday morning, Katie Hinson drives 

across the long bridge from the tip of Astoria, Queens, to the 

penitentiary on Rikers Island. She passes through three 

security checkpoints and heads to the women’s jail. Hinson is 

neither a correctional officer nor an administrator; she is 

among a handful of therapists who have dedicated 

themselves to helping Rikers inmates through making art. 

For Hinson, each day consists of three to four one‐hour group 

art therapy sessions with the inmates—or patients, as they’re 

referred to by the therapists. “When they know that I’m 

coming, they’re all seated in the dayroom,” Hinson told me 

when we met, along with the island’s art therapy supervisor Lesley Achitoff, in Astoria in June. “They’re all really 

invested, it’s kind of awesome,” Hinson continues. “I’ve started to take requests for music, which has been a great 

component. It’s something they’ve been able to choose, because they don’t otherwise have any choice for anything. I 

put on music and they come up and grab materials.” 

Art therapy is optional for inmates in the mental observation units at Rikers. The materials on offer are generally limited 

to what the therapists call dry mediums: oil and chalk pastels, coloring pens and pencils, and materials for collage. “We 

don’t use loose materials,” says Achitoff. “We wouldn’t just put paint on the table with patients struggling with mental 

illness because it’s dis‐regulating for them. It can trigger them in certain ways if they have a traumatic background.” Wet 

materials are more emotionally charged, explains Hinson, and their very nature as liquids makes them more prone to 

accidents. Patients will sometimes become overwhelmed if they do something wrong. “As a therapist,” she says, “you 

want to support their egos.” 

Paint is also one of the materials more likely to end up as contraband. And when materials go missing, patients must 

undergo invasive strip searches. In an environment where choices, never mind opportunities for personal expression 

and creativity, are at a minimum, inmates could be tempted to smuggle paint out of the class in order to color their hair 

or nails, Hinson explains. She tells me about one patient who carved her Department Of Corrections (DOC)‐issued soap 

bars into pocket sculptures of images and names, and drew life‐size murals on the walls of her cell while in solitary 

confinement. 

Scissors, tape, and stickers are banned. Instead, the therapists will often offer their patients pre‐cutout magazine 

clippings to piece together as collages, invite them to craft cards and letters for friends and family, or print the outlines 

of round mandalas for the patients to color in. “There are studies that show that if you work within a circle, your heart 

rate goes down,” says Achitoff. “But they’re very preoccupied with going outside the line.” If the inmates do, “they think 

11 __________________________________________________________________________________________  

August 10, 2016  

they have to tear it up, because they’re very hard on themselves. These are people who have made lifetimes of 

mistakes, in their eyes. And they don’t want to make any more. They’re their own harshest critics.” 

Achitoff leads a team of 11 art therapists, Hinson included, who work under the auspices of the Mental Health program 

at Rikers. The program receives its funding not from the DOC but from New York City Health + Hospitals Corporation, a 

public benefit corporation. They are part of a growing contingent of therapists from various disciplines—art, dance and 

movement, and, soon, music and drama—who work at Rikers to provide support for the jail’s population of incarcerated 

adolescents and adults. 

Most of the inmates on Rikers Island have been charged but not sentenced; others are serving sentences under one 

year. A majority of the inmates, say the two art therapists, are suffering some form of PTSD, and anxiety or depression. 

The jail itself has been plagued by bad press, most recently around a delayed effort to abolish solitary confinement for 

those 21 years old and under, and the suicide of 22‐year‐old Kalief Browder. (Browder killed himself after he was 

released following a three‐year stay at Rikers, which began when he was 16; he spent about two of those years in 

solitary.) But common to all prisons and jails are structures that, according to Renee Obstfeld, an instructor in the Art 

Therapy programs at NYU and SVA, mirror the abusive conditions inmates likely experienced growing up. To meet 

growing demand, Achitoff’s team will expand to 18 by the end of the year. 

 “What we’re talking about with people in the prison system is a lot of attachment‐based trauma, which means, 

generally, that they’ve grown up in households with a lot of abuse. A lot of violence,” says Obstfeld. “And sadly the 

prison system itself can replicate a lot of those abuses. These are conditions where there are rigid hierarchies of power 

and the relational axes are along the lines of dominance and submission, intimidation and coercion, and secrecy.” 

The effect of those abuses is the fragmentation of certain neuro‐sequences our brains develop over the course of our 

lives—unconscious strategies that allow us to adapt to different social situations. In traumatic scenarios, in which the 

nervous system is at a “heightened state of arousal and vigilance,” she says, the development of neuro‐structures 

allowing a person to be flexibly adaptive get neglected. One may also disavow the vulnerable parts of oneself in an act of 

self‐preservation. All of this can lead to the experience of emotion as “so overwhelming it threatens to blow you apart.” 

Art can help to mitigate the effects of abuse and incarceration by restoring those neuro‐structures that enable patients 

to regulate their emotions. “One thing is the choice of materials a person might use,” Obstfeld says. “They can use 

materials that calm them, that stimulate them. Use of color. All of these artistic choices.” 

The testimonies of patients in Rikers’s art therapy program 

bear out this relationship to artistic choice. Though I wasn’t 

able to speak with patients due to HIPAA regulations, Hinson 

shared a few handwritten letters from the inmates she’s 

worked with, all expressing their deep‐felt appreciation of the 

therapy. “Art therapy has given me peace of mind,” one 

writes. “I love our Tuesday, Thursday, and Friday sessions. 

Sometimes I could be in a really pissed off mood then I’ll 

realize I have art therapy and my whole mood changes. When 

I do color, I put my all into those paintings.” Another she 

showed me, from a patient who was initially resistant to the therapy, reads: “Art means a lot to me. It reminds me of my 

childhood and being with my son. We colored all the time. I just want [you] to know that it is very relaxing, it puts me in 

a good mood and it brightens up my day when Hinson comes. The pictures the markers, everything.” 

12 __________________________________________________________________________________________  

August 10, 2016  

Though engaging in the therapy often surfaces memories for patients, the art therapists stress the importance of not 

revisiting past traumas. “We don’t want these groups to be unleashing trauma, that’s really not productive,” says 

Achitoff. “That’s a one‐on‐one thing. You don’t want to re‐traumatize someone in a group, or re‐traumatize someone 

else. Plus, it’s a population that is together 24 hours a day. There’s varying levels of trust within the group.” The 

therapists hope, instead, to enable patients to make small steps toward establishing better relationships with 

themselves and others. 

What does success for one of their patients look like? They describe mini‐breakthroughs—“the little successes,” says 

Hinson—in which patients share their materials with others in the class, or complete a work over the course of several 

sessions. In one particularly compelling case, a formerly resistant patient came around to the therapy and then 

volunteered to instruct new patients about the group’s rules. 

“The group rules are life rules,” says Achitoff. “It’s about not criticizing and not throwing the materials, being respectful. 

We also talk about: What is respect? How do you show it? How do you let someone who is showing disrespect know 

that you don’t like it without shooting them? The younger people love having these conversations.” When patients 

adhere to the rules, and classes are going smoothly, a kind of “containment” is achieved. 

It’s a word that crops up with some regularity in discussions about art therapy. Containment might seem a surprising 

therapeutic goal in the context of a jail. But rather than alluding to the jail’s mechanisms of control, it refers to a self‐

imposed form of control and safety in what the therapists concede is an extremely unsafe environment. Patients are 

enabled to locate within themselves a position of centeredness and calm. “There are some really ill people and 

sometimes our therapeutic goal for them is really just containment,” Hinson tells me at one point, “helping them find a 

place where they can breathe in peace and quiet for an hour.” 

Containment finds a powerful metaphor in the manila folders therapists use to store each patient’s artwork. If art holds 

up a validating mirror to one’s reality, the folder becomes an expression of the freedom to define one’s own boundaries. 

Hinson encourages her patients to leave work with her in the folders rather than pasting it on their cell walls with 

toothpaste, which many of them want to do. This frequently leads to officers confiscating the artwork during searches. 

In therapy sessions, patients can return to their bodies of work that have been safely contained. 

Art therapists subscribe to various schools of thought. But the staff at Rikers privilege these relationships—the patient’s 

projections on and self‐discoveries within the materials and artwork they produce—and eschew Freudian diagnostics. 

One of Hinson’s patients, for instance, had perceived herself as a dark person, but was surprised to find herself filling in 

the black lines of a swirling pattern emanating from a woman’s face with intense shades of purple, orange, yellow, and 

blue. She saw the work as a representation of something more joyful than she had previously discovered in herself. 

Another woman, incarcerated at 17 on a murder charge, used collage to work through her gender and sexual identity. 

The cover of the booklet she created features a close‐up magazine cutout of an androgynous man wearing glitter 

makeup around his eyes and mouth. It’s framed by the inmate’s handwritten questions: “Beautiful?” “Hideous?” “What 

Are You?” “Who Are You?” 

Art therapy is ultimately less concerned, however, with the finished product than with the process. “It’s a conversation,” 

says Hinson. “One of my patients drew the view of New York from Rikers, and we just used it to talk about what it would 

be like to be out there beyond the barbed fence. What would you be doing out there?” Even that, Achitoff says, can be 

triggering. “We still have people who won’t go out in the yard because the feeling of almost‐freedom is overwhelming 

for them.” 

13 __________________________________________________________________________________________  

August 10, 2016  

The therapists train to navigate these sensitive dynamics and emotional responses, and images provide an entrypoint 

into discussions between the inmates—and between the patients and therapists—that are difficult but productive. “We 

think that art materials connect to your unconscious,” Achitoff explains. “If you can free yourself up of intellectualizing 

exactly what you’re gonna do and how you’re gonna do it, and you just pick up the materials and use them, information 

will emerge because it comes from within you.” 

Underlying the presence of art therapy programs in prisons is a commitment to the profound relationship humans have 

with material culture. It’s also a strong argument—if one was needed—for approaching a majority of criminals, even 

violent criminals, not as aberrations but as humans that society has in some way failed. Inmates in prisons that have 

access to these programs are humanized through their contact with art and their relationships with the therapists. 

(Though some therapists research patients’ criminal cases in depth, Hinson now avoids looking up articles about their 

often highly publicized stories so that she can approach them without judgement or trepidation.) Art therapy subscribes 

to what is a central pillar of most schools of psychotherapy: that the relationship between patient and therapist should 

provide a model for relationships in the real world. Consequently, Achitoff and Hinson both hope that circumstances 

allow for them to end, or “terminate,” their relationship with each patient, as they say, in the appropriate way. 

“There’s intimacy within the therapeutic environment but we’ve all learned to have very strict boundaries,” Hinson says. 

“I think from the beginning, they know that it’s not going to carry on when they leave. We try to terminate the 

relationship in a positive way, because oftentimes they’ve had a lot of relationships that have ended negatively.” In 

many cases, however, the end of the relationship is out of their control. “Since people come and go often without 

warning, we try to provide them with validation all along, just in case,” adds Achitoff. “We set boundaries, and challenge 

them, but always validate their efforts and let them know how we feel privileged to work with them, because we never 

know if we’ll see them again. The courts make decisions without warning, people are moved to other facilities, so that 

typical termination is often not possible.” 

After release, some inmates have gone on to continue their progress with vital organizations like Artistic Noise, in 

Harlem, which helps released young prisoners transition back into society through art therapy. Obstfeld has also worked 

with outgoing inmates who are making the difficult journey back into the real world. But resources are limited, and art 

therapy programs in correctional facilities have historically been contested. Programs such as these tend to be the first 

thing on the chopping block when states go looking to make budget cuts. California’s Arts‐in‐Corrections program, for 

instance, was reinstated two years ago after a four‐year hiatus brought on by statewide budget cuts. 

The results Achitoff and Hinson have seen in the program at Rikers suggest that many more programs like it are needed. 

One of the letters Hinson showed me is a request that the patient asked her to pass on to the administration. She writes: 

“It’s the thought of she coming and be mindful that is something to look forward too. I would appreciate it if we can get 

more time or days because it is very useful and helpful for us.” 

Over 2.3 million individuals are currently incarcerated in our country, according to a recent report from the Prison Policy 

Initiative. For a significant portion of those inmates, this is not their first time behind bars. If prisoners had more 

opportunity to learn how to regulate their emotions, develop skills to build stronger relationships, and find peace of 

mind, that might not be the case. Art therapy is but one method helping inmates take small but meaningful steps toward 

those goals. But its results are palpable and empathic in a way that might help level biases against the inmates. 

A woman who, through unlocking her creativity, realizes she’s not an inherently dark person is a woman better 

equipped to step back into society—so is a patient who learns the value of the group’s primary rule: to respect one 

another. Artsy 

14 __________________________________________________________________________________________  

August 10, 2016  

The Home In‐Between: Restoring Art Culture in Somalia Art supplies and class for youth at Hargeisa Children’s Orphanage 

HARGEISA, SOMALIA: A couple of weeks back, Mohamed Cadde, 

Hanad and I visited Hargeisa Children’s Orphanage in Hargeisa, 

Somaliland/Somalia. Back in March 2010, I founded Afrikanation 

Artists Organization, a nonprofit, nongovernmental organization 

on a mission to restore and support past, present and future 

Somali art culture. 

During the civil war, museums were looted and destroyed in his 

region, leaving ruins in their place. In this land, so historically 

rich, it is sad that the last 28 years of war have dismantled 

infrastructure that took thousands of years to build. Also, artistic 

practices that once thrived, such as mask making, are nearly a lost art form. 

My father gave my mother a wooden mask before my birth that I brought to Hargeisa a few years back. Everyone I 

showed it to was shocked that it came from this region! And now, no museum exists in the country to hold these items 

nor gallery to share the work of current artists. 

Afrikanation Art Supply Donation Drive 

Disrupted trade, also a war bi‐product, makes it very difficult for local artists to obtain basic art supplies. This includes 

acrylic paints and canvas that are readily available in neighboring Ethiopia and Kenya. 

After interviewing artists in 2008 and learning about this challenge amongst others, our first project became the 

Afrikanation Art Supply Donation Drive. With the help of Oakland based musicians, poets and painters along with 

business owners in 10 cities in the United States and South Africa, more than 700 pounds of art supplies were collected 

and delivered to Hargeisa in our first two years. Through a series of fundraisers, these artists shared their talents in 

exchange for art supplies and monetary donations to cover shipping costs. 

Our last major drive was centered in Oklahoma City in 2015. That year, supplies were delivered to Voices for Street 

Children in Addis Ababa, Ethiopia. Last month, we delivered supplies to Hargeisa Children’s Orphanage and 13 

professional artists locally. 

Youth Art Classes 

When Madar, a passionate and dedicated artist began teaching children in his studio using the donated supplies, our 

youth art program was born. Sadly, this young vibrant man’s life was cut short, shocking everyone, especially his wife 

and newborn son. His brother, Inshaar, kept the classes going and allowed the youth around the neighborhood to 

continue coming for their sessions. 

Hanad, a phenomenal painter, highlights everything from Somali culture to current issues such as irregular forms of 

migration through his work. Hanad was also an instructor for the Afrikanation After School Art Class, and when we 

delivered art supplies to Hargeisa Children’s Orphanage, he taught a class and shared how to use the various supplies 

donated. The children loved it! 

15 __________________________________________________________________________________________  

August 10, 2016  

We also took a tour of new facilities for 150 of the 400 youth who reside there. The youngest child we met was only 2 

months old. Some of the children were abandoned in various parts of the city and some delivered directly to the 

orphanage. One major reason is financial constraints fueled by limited job opportunities that exist, and many of the 

children maintain relationships with their families. The Somaliland government provides food, shelter and basic needs 

for the youth, however much assistance is still needed including uniforms for many of the 270 school‐age children. 

For more information about Hargeisa Children’s Orphanage and to learn ways you can support them, please visit 

www.hargeisaorphanagecentre.org. SomalilandPress 

In 1912, Someone Actually Won An Olympic Gold Medal In Painting From 1912 to 1948, the Olympics awarded medals to sculptors, architects, writers and musicians, too. 

This week, Olympic medal hopefuls are making their way to 

Rio de Janeiro with the necessary equipment: soccer cleats, 

swim caps, leotards, oars. Charging into the Games dressed 

in Nike swooshes and elastane, they’ll look like the sports 

stars of Wheaties boxes past. 

Over a century ago, the Olympic scene was a bit different. 

In 1912, some aspiring gold medalists trekked to Stockholm, 

Sweden, with pens, paintbrushes, clay and sheet music. 

Because, yes, the Summer Olympics that year allowed 

artists, architects, writers and musicians to compete in 

events just like the traditional athletes. So while Hawaiian 

swimmer Duke Kahanamoku was dominating the 100‐meter 

freestyle race, an Italian man named Giovanni Pellegrini was also bes ng his rivals ― in pain ng. 

The Huffington Post was reminded of this pleasant bit of Olympic trivia this week thanks to a Facebook commenter. 

“William Butler Yeats’ brother Jack won a silver medal in the 1924 Olympics... in painting,” the commenter wrote. And 

sure enough, a look at Olympics results history shows that Jack B. Yeats placed second in the 1924 painting event for his 

work “The Liffey Swim.”  

The first Olympic Games held under the auspices of the IOC took place in 1896. The first Games to include art events 

occurred in 1912 and continued until 1948. They included architecture, painting, sculpture, literature and music events, 

all judged by an international jury. According to The Atlantic, rules dictated that the Olympic artwork should “bear a 

definite relationship to the Olympic concept,” so all epic poetry, musical compositions and oil paintings were required to 

reflect some aspect of sports. Songs about sports, sculptures about sports. You get it. 

The entire concept was the brainchild of Baron Pierre de Coubertin, founder of the IOC, who saw art and sports going 

hand in hand. “He was raised and educated classically, and he was particularly impressed with the idea of what it meant 

to be a true Olympian ― someone who was not only athle c, but skilled in music and literature,” Richard Stanton, 

author of The Forgotten Olympic Art Competitions, told Smithsonian magazine. “He felt that in order to recreate the 

events in modern times, it would be incomplete to not include some aspect of the arts.” 

16 __________________________________________________________________________________________  

August 10, 2016  

So why don’t we talk more about the illustrious art history of the Olympics? Probably because not many artists of note 

took part. Famous faces like Igor Stravinsky served as judges for the events, but in terms of the compe tors, most ― like 

Luxembourgian painter Jean Jacoby, Polish composer Zbigniew Turski, Swiss artist Alex Diggelmann and Danish writer 

Josef Petersen ― are less recognized. De Couber n himself took home a medal when he submi ed work under the 

pseudonyms George Hohrod and Martin Eschbach, and his art is not exactly hanging in the Met. 

The reason for the absence of Picassos and Kahlos might have something to do with the fact that while some sports lend 

themselves to quan ta ve ― and qualita ve ― judgement, many ar sts have long resisted the parameters of 

competitive creativity. “The dubiousness of judging aesthetic achievement by committee has been a common subject 

for complaint ever since awards began proliferating like wildflowers in the last half‐century,” Charles Isherwood wrote 

for The New York Times.  

Most likely, the dearth of talent was tied to the fact that “professional” artists were discouraged from competing in the 

Olympics due to the Games’ amateur status requirement, prohibiting paid artists and athletes from participating.  

Olympic art‐making ended in 1948. Interest in the events had been dwindling, so organizers opted to replace them with 

a noncompetitive exhibition that would show concurrently with the Games. Sadly, art medals awarded over the years 

were deleted from the official Olympic record.  

Today, we have only the incredulous comments on Facebook to conjure memories of Olympic artists. Which, for a brief 

moment, might be enough to distract us from the crisis and doubt plaguing the Rio Olympics right now. The Huffington 

Post 

Future Teachers Add Art to Make STEAM 

Greenville, NC: East Carolina University education students are 

getting a taste of their future careers this week as they learn how to 

incorporate STEM concepts into art lessons. 

The students, along with three practicing teachers, are giving hands‐

on lessons to 110 campers in the School of Art and Design’s third 

annual STEM to STEAM camp. Campers have the option of attending 

a half or full day Monday through Friday. The full‐day option was 

just added this year in response to parent demand. 

STEM, or Science, Technology, Engineering and Math, is a model for 

learning being used in many classrooms in Pitt County and across the country. STEAM takes that a step further by 

incorporating art. 

Camp Director Robert Quinn, an associate professor of art education, said STEM concepts can easily be taught in art 

classes. 

“When we’re doing a project that has to do with force and gravity, for example, about how force and gravity make paint 

flow using a certain apparatus, we’re starting to learn about some physics, some science stuff there,” he said. “And the 

teachers are introducing all these concepts in age‐appropriate ways and they’re getting to experience those things.” 

17 __________________________________________________________________________________________  

August 10, 2016  

Some of the activities on Tuesday included building clay turtles, designing birdhouses and producing them on a 3D 

printer and making tessellation puzzles.  

Elementary education major Sarah Ayer said the tessellation puzzles are a good way to teach the campers geometry. 

Camper William Doumaux, a rising fifth‐grader at The Oakwood School, explained that he had to figure out how his 

paper lizards fit together. 

“We had to color in lizards, cut them out and we have to put them together like a puzzle,” he said.  

In another room, middle schoolers were drawing life‐size human bodies on paper and using art materials to animate the 

bones and internal organs.  

“We want them to get the science, the biological aspect of it, and learn about the human body in an artistic way,” said 

camp counselor Simone Johnson, an art education and textiles student. “They add texture to it using different fabric to 

create muscles, they’re using paint to put in the veins, they’re using different materials to put it all together.”  

Johnson said it’s been eye‐opening for her to learn how to teach STEM subjects, which many students find challenging, 

as part of her art classes and make it enjoyable. 

“It’s giving us a great opportunity to work with them outside the box, and be creative and do something interesting with 

them,” she said. “We might not necessarily enjoy science, but we are putting science with an artistic view so it makes it 

fun and interesting for us to teach and for them to do.” 

Learning how to build STEAM lesson plans and implementing them with real, live students is an important part of the 

future teachers’ education, Quinn said. 

“This provides us with some kind of structure about how you set up a curriculum, how you establish lessons that build 

on each other and make sense,” he said. “It’s a way for us to use this as a preparation for them to draw some 

parameters around how you plan activities for kids. It makes it a little more manageable and attainable.” Reflector.com