Andy Warhol 1928 –1987, Magazine and History, 1983 · In his wall drawings and collages, installations and performances, he engages with his own life as well as conflicts of the

Andy Warhol 1928 – 1987, Magazine and History, 1983

January Januar 2017 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 11 12 13 14 15 16 17 18 19 20 21 22 23 24 25 26 27 28 29 30 31

February Februar 2017 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 11 12 13 14 15 16 17 18 19 20 21 22 23 24 25 26 27 28

Giovanni Chiaramonte * 1948, Pace della visione, 2014

March März 2017 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 11 12 13 14 15 16 17 18 19 20 21 22 23 24 25 26 27 28 29 30 31

Kemang Wa Lehulere * 1984, The grave step, 2014

April April 2017 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 11 12 13 14 15 16 17 18 19 20 21 22 23 24 25 26 27 28 29 30

Shao Yinong * 1961 & Muchen * 1970, Shanghang, 2002 / 04

May Mai 2017 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 11 12 13 14 15 16 17 18 19 20 21 22 23 24 25 26 27 28 29 30 31

Allan deSouza * 1958, Car, 2004

June Juni 2017 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 11 12 13 14 15 16 17 18 19 20 21 22 23 24 25 26 27 28 29 30

Koki Tanaka * 1975, History Is Written from Someone Else’s Perspective, Someone You Don’t Know. Making Our Own History Requires Each of Us to Rewrite It from Our Own Point of View (Revisited), 2015

July Juli 2017 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 11 12 13 14 15 16 17 18 19 20 21 22 23 24 25 26 27 28 29 30 31

Yto Barrada * 1971, Villa Harris, 2010

August August 2017 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 11 12 13 14 15 16 17 18 19 20 21 22 23 24 25 26 27 28 29 30 31

Adrian Paci * 1969, The Encounter, 2011

September September 2017 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 11 12 13 14 15 16 17 18 19 20 21 22 23 24 25 26 27 28 29 30

Thomas Bayrle * 1937, Kennedy in Berlin, 1962

October Oktober 2017 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 11 12 13 14 15 16 17 18 19 20 21 22 23 24 25 26 27 28 29 30 31

Imran Qureshi * 1972, Opening Word of This New Scripture, 2013

November November 2017 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 11 12 13 14 15 16 17 18 19 20 21 22 23 24 25 26 27 28 29 30

Amalia Ulman * 1989, Excellences & Perfections (Instagram Update, 24th August 2014), 2015

December Dezember 2017 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 11 12 13 14 15 16 17 18 19 20 21 22 23 24 25 26 27 28 29 30 31

Cansu Çakar * 1988, İzmir Map, 2014

1984 Geboren in Kapstadt, Südafrika2004 Zwei-Jahres-Diplom, Community Arts Project (CAP) und Arts, Media

Access Centre (AMAC), Kapstadt2011 BFA, University of the Witwatersrand (Wits University), Johannesburg Lebt und arbeitet in Kapstadt und Johannesburg, Südafrika

„Ohne Erinnerung gibt es keine Kultur. Ohne Erinnerung gäbe es keine Zivilisation, keine Gesellschaft, keine Zukunft.“

Diese Feststellung des Friedensnobelpreisträgers und Holocaust-Überlebenden Elie Wiesel hat an Aktualität nichts verloren. In unserem globalisierten und digital vernetzten Zeitalter leben wir immer mehr in einer permanenten Gegenwart, in der nur der Augen- blick zählt. Die Flut von Nachrichten, Bildern und Informationen führt zu einer veränder-ten Form der Wahrnehmung. Durch die Fokussierung auf den Moment scheint der lebendige Bezug zur Vergangenheit zu fehlen. Dabei prägen gerade Erinnerungen unser Leben und unsere Persönlichkeit.

Sich zu erinnern, ist nicht nur die Aufgabe von Historikern, auch viele zeitgenössische Künstler verstehen sich als Chronisten und Archivare. Dazu zählt Kemang Wa Lehulere, der „Künstler des Jahres“ 2017 der Deutschen Bank. In seinen Wandzeichnungen und Collagen, Installationen und Performances setzt er sich mit seiner eigenen Biografie und den Konflikten der südafrikanischen Gesellschaft, in der er lebt, auseinander. Der Künstler reflektiert dabei auch, wie die Spuren von Rassismus und Ungerechtigkeit bis heute ignoriert werden. Inspiriert von Wa Lehulere ist unser Kalender Künstlerinnen und Künstlern gewidmet, die sich mit der Fragestellung beschäftigen, wie Erinne- rung unsere Identität formt. Dabei nähern sie sich auf ganz unterschiedliche Weise der Geschichte und der Gegenwart an.

Die Auszeichnung „Künstler des Jahres“ der Deutschen Bank ist zukunftsweisenden internationalen Tendenzen verpflichtet. Im Fokus stehen vielversprechende Künstle- rinnen und Künstler, die bereits ein künstlerisch wie gesellschaftlich relevantes Werk geschaffen haben, das die beiden Schwerpunkte der Sammlung Deutsche Bank einbezieht: Arbeiten auf Papier und Fotografie.

“Without memory, there is no culture. Without memory, there would be no civilization, no future.”

This remark made by Nobel Peace Prize winner and Holocaust survivor Elie Wiesel has lost none of its importance. In our our globalized and digitally networked age, we are living increasingly in the here and now where only the moment counts. The endless flood of news, images, and information is changing our perception of the world. Due to the focus on the moment, direct references to the past seem to be lacking. Yet it is precisely memories that foster identity and shape our personalities.

Remembering is not just the task of historians. More and more contemporary artists regard themselves as chroniclers and archivists. One of them is Kemang Wa Lehulere, Deutsche Bank’s “Artist of the Year” 2017. In his wall drawings and collages, installations and performances, he engages with his own life as well as conflicts of the South African society he lives in. The artist also reflects how traces of racism and injustice are ignored up to the present day. Inspired by Wa Lehulere, our calendar this year is devoted to artists who investigate the issue of how memories mold our identity. These artists approach both history and the present in very different ways.

Deutsche Bank’s “Artist of the Year” award is geared to future-oriented international tendencies. It is given to a contemporary artist who has created an artistically as well as socially relevant oeuvre integrating the two main focuses of the Deutsche Bank Collection: works on paper and photography.

ArtCalendar Kunstkalender 2017

Art builds.Art questions.Art transcends borders.Art works.

Es könnten Sternensysteme, Blüten, Tanzschritte oder einfach nur Suchbewegungen sein. Kemang Wa Lehuleres „Galaxy in Gugulethu“ gleicht dem Diagramm eines ganzen Kosmos. Gugulethu, das ist ein südlicher Vorort von Kapstadt, eine ehemalige Town- ship, in dem Wa Lehulere aufwuchs. „Es sind die Straßen von Gugulethu, die mich zu dem gemacht haben, was ich bin“, sagt er. Wie so viele seiner Werke berührt auch diese Arbeit ganz bestimmte Erinnerungen, historische und politische Zusammenhänge, die jedoch nur als assoziative Spuren oder Relikte auftauchen. Wa Lehulere macht sich auf die Suche – nach verwischten Spuren der Apartheid oder einer schwarzen Avantgarde, die aus dem offiziellen Kanon herausgeschrieben wurde.

„In seinen Wandzeichnungen, Collagen und Performances setzt er sich mit seiner eigenen Biografie auseinander, aber auch mit den Wunden der Gesellschaft, in der er lebt“, erläutert Victoria Noorthoorn, die Direktorin des Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, die Wahl zum Künstler des Jahres. „Seine eindringlichen Bilder sind niemals nur beschreibend oder erklärend. Sie gleichen eher einem Territorium, das durchquert, verstanden, enträtselt werden soll.“

Deutsche Bank has been opening up the world of contemporary art for more than 35 years—with its substantial collection, at the Deutsche Bank KunstHalle in Berlin, in exhibitions, and through cooperation with partners around the world. The bank’s involvement in art is a pillar of its “Art, Culture & Sports” division. The new global unit concentrates and develops Deutsche Bank’s activities and strengthens the company’s cultural diversity.

More information at db-artmag.com and db.com/art.

Seit mehr als 35 Jahren eröffnet die Deutsche Bank weltweit den Zugang zu zeitgenössischer Kunst – mit ihrer bedeutenden Sammlung, in der Deutsche Bank KunstHalle in Berlin, in Ausstellungen und durch Kooperationen mit Partnern in der ganzen Welt. Das Engagement für die Kunst ist eine Säule von „Kunst, Kultur & Sport“: Die neue globale Einheit bündelt die Aktivitäten der Deutschen Bank in diesen drei Sparten, entwickelt sie weiter und stärkt die kulturelle Vielfalt des Unternehmens.

Mehr Informationen unter db-artmag.de und deutsche-bank.de/kunst.

Imprint ImpressumPublished by Herausgegeben von: Deutsche Bank AG © Deutsche Bank AG, Frankfurt am Main 2016, www.db.com/art Production Produktion: Kuthal printing solutions, Mainaschaff. Paper Papier: Galaxi Keramik, certified in accordance with the rules of the FSC (Forest Stewardship Council) Zertifiziert nach den Regeln des FSC (Forest Stewardship Council)

Id-No. 1658318

This calendar is climate-neutral. The greenhouse gas emissions of 28 t CO2 equivalents caused by the production and distribution of this publication have been offset by investing in a water treatment plant in Kenya. Der Kalender wurde klimaneutral produziert. Die durch Herstellung und Distribution dieser Publikation verursachten Treibhausgas- emissionen in Höhe von 28 t CO2-Äquivalenten wurden durch Investitionen in eine Wasseraufbereitungsanlage in Kenia kompensiert.

© Kemang Wa Lehulere. Photo: Adam McConnachie

Kemang Wa Lehulere “Artist of the Year” 20171984 Born in Cape Town, South Africa2004 Two Year Diploma Visual Arts, Community Arts Project (CAP) and Arts,

Media Access Centre (AMAC), Cape Town2011 BFA, University of the Witwatersrand (Wits University) Johannesburg Lives and works in Capetown and Johannesburg, South Africa

It could be solar systems, blossoms, dance steps, or simply search movements. Kemang Wa Lehulere’s “Galaxy in Gugulethu” is like a diagram of an entire cosmos. Gugulethu is a southern suburb of Cape Town, the former township where Wa Lehulere grew up. “It’s the streets of Gugulethu that made me who I am,” he says. Like so many of his works, this one also touches on very specific memories and historical and political contexts, which, however, only appear as associative traces or relics. Wa Lehulere searches for blurred traces of apartheid or a black avant-garde that is not included in the official canon.

“In his wall drawings, collages, and complex performances, he revisits his own history and the pain of his society by creating poignant images that are never literal or explana- tory, but are instead a territory to be traversed, understood, and revealed,” said Victoria Noorthoorn, the director of the Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, explaining why Wa Lehulere was chosen as the “Artist of the Year.”

Kemang Wa Lehulere, Galaxy in Gugulethu 1, 2015 / 16Ink on paper Tusche auf PapierDiptych Diptychon, 42 × 29.5 cm each© Kemang Wa Lehulere, courtesy Stevenson Cape Town and Johannesburg

Kunst des Erinnerns Art of Memory







Kunst des Erinnerns Art of Memory „Ohne Erinnerung gibt es keine Kultur. Ohne Erinnerung gäbe es keine Zivilisation, keine Gesellschaft, keine Zukunft.“








Photo: © Gottfried Helnwein

The Beatles, Prinzessin Diana, J. R. Ewing und Helmut Schmidt – mit „Magazine and History“ schickt uns Andy Warhol auf eine Zeitreise in die 1960er- bis 1980er-Jahre. Seine Auswahl von Titelseiten der Zeitschrift „BUNTE“ dokumentiert, dass die Geschichte des 20. Jahrhunderts nicht nur von Politikern und Adeligen, sondern ebenso von Sport- lern oder Pop- und Filmstars geschrieben wurde. Die Medien machten sie zu Ikonen, die die kollektiven Erinnerungen an diese Dekaden prägen.

Nicht nur Warhols Motive, sondern auch seine künstlerische Technik haben inzwischen etwas Nostalgisches. Die Idee der Automatisierung, die er in seinem „Factory“ genannten Studio mit Siebdruck und einer Schar von Mitarbeitern in die Sphäre der Kunst überführte, wirkt im digitalen Zeitalter handwerklich und erstaunlich menschlich. Nicht ohne Grund, denn seien es Magazincover, Cola-Flaschen oder Suppendosen, die Warhol aufreiht, immer geht es ihm dabei auch um den demokratischen Charakter der Massenkultur: „Alle Cokes sind gleich“, postulierte er 1975, „und alle Cokes sind gut.“

1928 – 1987 Pittsburgh, PA – New York, NY, USA1945 Studium Pictural Design, Carnegie Institute of Technology, Pittsburgh

The Beatles, Princess Diana, J. R. Ewing, and Helmut Schmidt—with “Magazine and History” Andy Warhol takes us on a journey through the period from the 1960s to the 1980s. His selection of cover pages from the German tabloid magazine “BUNTE” documents that 20th century history was not only written by politicians and aristocrats, but also by sports, pop, and film stars. The media turned them into icons that charac- terize collective memories of these decades.

Today, people are not only nostalgic about Warhol’s motifs, but also about his artistic technique. In the digital age, the idea of automation, which he transferred to the realm of art in his studio “The Factory” with silkscreen prints and numerous employees, seems to be a craft in its own right and astonishingly human. And not without reason. For whether Warhol lined up magazine covers, Coke bottles, or soup cans, he was always interested in the democratic character of mass culture. “All the Cokes are the same,” he postulated in 1975, “and all the Cokes are good.”

Magazine and History, 1983Silkscreen and lithograph Siebdruck und Lithografie85.1 × 69.8 cm© 2016 The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc. / Artists Rights Society (ARS), New York

Andy Warhol

1928 – 1987 Pittsburgh, PA – New York, NY, USA1945 Studied Pictural Design at Carnegie Institute of Technology, Pittsburgh















Photo: © Marco Ferraris

Was von der Geschichte übrig blieb: Ob Giovanni Chiaramonte innerstädtische Brachen im Berlin kurz nach dem Mauerfall oder historische Stätten in Italien fotografiert, ihn interessieren Motive, in denen sich unterschiedliche Zeitebenen überlagern. „Pace della visione“ zeigt die im Zentrum von Rom gelegene Ara Pacis, ein Kaiser Augustus gewid-metes Monument. Im Jahr 9 v. Chr. vollendet, wurde der in Nähe des Tibers gelegene Marmoraltar vielfach vom Hochwasser heimgesucht, verfiel und wurde schließlich über- baut. Nach der Wiederentdeckung von Reliefs der Ara Pacis ließ Mussolini den Altar rekonstruieren, um sich in die Nachfolge von Kaiser Augustus zu stellen. 1938 erhielt das wiederauferstandene Monument seinen Platz in einem Pavillon, den 2006 ein Neubau des Stararchitekten Richard Meier ersetzte.

Chiaramontes Kamera blickt durch die moderne Glasfassade auf das antike Denkmal – und auf ein Paar, das an die Rückenfiguren auf den Gemälden der Romantik erinnert. Sie sind tief in die Betrachtung der imposanten, mehr als 2 000 Jahre alten Relikte versunken. Wie viele von Chiaramontes Fotografien erscheint auch „Pace della visione“ als Sinnbild für die Flüchtigkeit der menschlichen Existenz.

1948 Geboren in Varese, Italien1967 Studium der Philosophie, wendet sich der Fotografie zu Lebt und arbeitet in Mailand, Italien

Historical relics: when Giovanni Chiaramonte photographs unused land in inner-city Berlin after the fall of the Wall or historic sites in Italy, he is interested in motifs in which different layers of time overlap. “Pace della visione” shows the Ara Pacis in the center of Rome, a monument dedicated to Emperor Augustus. Consecrated in 9 BC, the marble altar situated close to the Tiber River was destroyed by floods several times and finally built over. Mussolini had the altar reconstructed to make himself appear to be a succes- sor of Emperor Augustus. In 1938, the resurrected monument found a place in a pavilion which was replaced in 2006 by a new building by star architect Richard Meier.

Chiaramonte’s camera captures the ancient monument through the modern glass façade, as well as a couple that recalls figures shown from the back in Romantic paint- ings. They are immersed in viewing the imposing, more than 2,000-year-old relics. Like many of Chiaramonte’s photographs, “Pace della visione” seems to symbolize the evanescence of human existence.

Pace della visione, 2014Photograph Fotografie, 50 × 100 cm© Giovanni Chiaramonte

Giovanni Chiaramonte

1948 Born in Varese, Italy1967 Studied philosophy, then turned to photography Lives and works in Milan, Italy















Kemang Wa Lehuleres Zeichnungen muten zunächst wie surreale Traumbilder an. Doch sie verbinden Anspielungen auf die Zeit der Apartheid in seiner Heimat Südafrika mit gefundenem Bildmaterial, persönlichen Erinnerungen und Texten zu einem visuellen Bewusstseinsstrom. Besonders die großformatigen Kreidearbeiten, die er auf mit schwarzer Tafelfarbe bestrichene Wände zeichnet, erscheinen wie Storyboards nie gedrehter Filme. Prozesse des Überschreibens und der Neuinterpretation ziehen sich durch sein gesamtes Werk.

Geschichte ist bei Wa Lehulere Gegenstand der ständigen Revision, aber auch der permanenten Wiederholung – und zugleich etwas Flüchtiges, sehr Subjektives, das wie der Schlag eines Schmetterlingsflügels kaum festzuhalten ist. Zugleich entdeckt Wa Lehulere immer wieder eine Schönheit im Zerbrechlichen und Prekären, die sich den herrschenden Verhältnissen widersetzt. Dabei entwickelt er eine symbolische Bild- sprache, die gleichermaßen historische und politische Ereignisse wie formale Fragen aufgreift und die Kluft zwischen individueller Biografie und offizieller Geschichtsschrei- bung verdeutlicht.

1984 Geboren in Kapstadt, Südafrika2004 Zwei-Jahres-Diplom, Community Arts Project (CAP) und Arts, Media

Access Centre (AMAC), Kapstadt2011 BFA, University of the Witwatersrand (Wits University), Johannesburg Lebt und arbeitet in Kapstadt und Johannesburg, Südafrika

At first glance, Kemang Wa Lehulere’s drawings look like surreal dream images. But they combine allusions to the apartheid era in his home country of South Africa with found pictorial material, personal memories, and texts to create a visual stream of conscious-ness. The large chalk works that he draws on walls coated with blackboard paint look like storyboards for films that were never shot. Processes of overwriting and reinterpretation run through his entire oeuvre.

For Wa Lehulere, history is subject to both continual revision and constant repetition— yet at the same time has something fleeting, subjective, as hard to capture as the beat of a butterfly’s wings. In addition, Wa Lehulere continually discovers a beauty in the fragile and precarious that runs counter to the prevailing conditions. In the process, he develops a symbolic visual language that addresses historical and political occur- rences as well as formal issues, illustrating the gap between individual biography and official historiography.

The grave step, 2014Blackboard paint, chalk, mixed media Tafelfarbe, Kreide, MischtechnikInstallation, dimensions variable Maße variabelPhoto: Anders Sune Berg© Kemang Wa Lehulere, courtesy Stevenson Cape Town and Johannesburg

Kemang Wa Lehulere “Artist of the Year” 20171984 Born in Cape Town, South Africa2004 Two Year Diploma Visual Arts, Community Arts Project (CAP) and Arts,

Media Access Centre (AMAC), Cape Town2011 BFA, University of the Witwatersrand (Wits University) Johannesburg Lives and works in Capetown and Johannesburg, South Africa

© Kemang Wa Lehulere. Photo: Adam McConnachie















Die Kulturrevolution ist ein dunkles Kapitel der chinesischen Geschichte: Zwischen 1966 und 1976 wurden Millionen Menschen verfolgt. Mit ihrer Fotoserie „Assembly Hall“ erinnert das Künstlerpaar Shao Yinong und Muchen an diese Zeit. Menschenleer und aus einer frontalen Perspektive heraus fotografiert, zeigen sie Räume, die der kultur- revolutionären Bewegung als Bühnen für Propagandaauftritte und Indoktrination dienten. „Abweichler“ wurden hier denunziert, gedemütigt und zur Selbstkritik gezwungen. Noch immer erinnern in einigen dieser Säle verblichene Parolen an die Vergangenheit. Doch wurden die meisten Räumlichkeiten längst umfunktioniert – zu Theatern, Cafés oder Klassenräumen.

In ihrem heutigen Zustand erscheinen die Versammlungsräume als Zeugnisse des gesellschaftlichen Wandels in China. Die Bilder von Shao Yinong und Muchen themati-sieren allerdings auch den Preis für diesen vermeintlichen Fortschritt. Sie sind Meta-phern für die verdrängte, bis heute nicht aufgearbeitete kollektive Geschichte, die unter einer dünnen Schicht aus Farbe oder Stoff aufscheint.

1961 Shao Yinong, geboren in Xining, Provinz Qinghai, China1982 BFA, Qinghai Normal University, Xining

1970 Muchen, geboren in Dandong, Provinz Liaoning, China1995 MA, Renmin University of China, Peking

Leben und arbeiten in Peking, China

The Cultural Revolution is a dark chapter of Chinese history. From 1966 to 1976, millions of Chinese people were persecuted. With their series of photographs entitled “Assembly Hall,” the artist couple Shao Yinong and Muchen recall this period. Photographed devoid of people and from a frontal perspective, they show spaces that the Cultural Revolution used as stages for propaganda performances and indoctrination. Here “dissenters” were denounced, humiliated, and forced to criticize themselves. In some of these rooms, faded slogans still invoke the past. But most of them have long since been converted into theaters, cafes, and classrooms.

In their current state, the assembly rooms bear testimony to social change in China. How- ever, the photographs of Shao Yinong and Muchen also show the price that has been paid for this purported progress. They are metaphors for repressed collective history that still has not been worked through, flaring up beneath a thin layer of paint or fabric.

Shanghang, 2002 / 04Photograph Fotografie, 122 × 168 cm© Shao Yinong and Muchen, courtesy Chancery Lane Gallery

Shao Yinong & Muchen

1961 Shao Yinong, born in Xining, Qinghai Province, China1982 BFA, Qinghai Normal University, Xining

1970 Muchen, born in Dandong, Liaoning Province, China1995 MA, Renmin University of China, Beijing

Live and work in Beijing, ChinaPhoto: © Shao Yinong and Muchen, courtesy Chancery Lane Gallery















Photo: © Allan DeSouza, courtesy Talwar Gallery New York / New Delhi

Es sind stereotype, merkwürdig ortlose Szenen, die Allan deSouza in seinen „Lost Pictures“ zeigt. Nicht nur sind einige der Fotografien so verblichen, dass die Menschen wie transparente Schatten mit den Büschen, Mauern und Sträuchern verschmelzen. Auch die Posen auf den Bildern, die der Vater des Künstlers zwischen 1962 und 1965 in Nairobi, dem damaligen Wohnort der Familie machte, sind so universell, dass sie genauso gut in Kenia oder Kalifornien aufgenommen worden sein könnten. Vorgärten, Sonntagskleidung, der Stolz auf das erste eigene Auto – ein homogener, internationaler Stil der westlichen Gesellschaft, der in den 1960er-Jahren auch in Afrika kopiert wurde. „Aufgenommen in der Zeit um die kenianische Unabhängigkeit 1963, halten die Bilder einen einschneidenden historischen Moment fest – einige von ihnen sind sogar bei den Unabhängigkeitsfeiern entstanden“, erinnert sich der Künstler.

DeSouza ließ die Dias seines Vater als Farbfotos abziehen und hängte sie für ein halbes Jahr in intensiv genutzten Bereichen seiner Wohnung auf. Auf diese Weise fraß sich die Gegenwart buchstäblich in die Vergangenheit ein, manchmal bis zu ihrer Auslöschung, was sich wiederum als Metapher für unsere Erinnerung deuten lässt.

In his “Lost Pictures,” Allan deSouza shows stereotypes, strange scenes whose locations cannot be pinpointed. Some of the photographs have faded to such an extent that the people in them fuse with bushes, walls, and shrubs like transparent shadows. And the poses in the pictures, which were taken by the artist’s father from 1962 to 1965 in Nairobi, where the family lived at the time, are so universal they could have also been shot in Kenya or California. Front yards, Sunday attire, being proud of one’s first car—a homogeneous, international style of Western affluent society was copied in Africa in the 1960s. “With Kenyan Independence in 1963, the images record a pivotal historical mo-ment, with some of the images being taken during the Independence Day celebrations,” recalls the artist.

DeSouza had his father’s slides printed as color photographs and hung them in his apart- ment for six months in areas he used every day. As a result, the present ate its way into the past, sometimes even extinguishing it—which can be interpreted as a metaphor for memory.

Car, 2004Photograph Fotografie, 101.5 × 152.3 cm© Allan DeSouza, courtesy Talwar Gallery New York / New Delhi

1958 Geboren in Nairobi, Kenia1983 BA, Fine Art, Bath Academy of Art, Bath1997 MFA, Photography, UCLA, Los Angeles Lebt und arbeitet in San Francisco, CA, USA

Allan deSouza

1958 Born in Nairobi, Kenya1983 BFA, Bath Academy of Art, Bath1997 MFA, Photography, UCLA, Los Angeles Lives and works in San Francisco, CA, USA















Photo: Motoyuki Daifu

„Meine eigene, persönliche Kunstgeschichte“ – so nennt Koki Tanaka seine Serie von Zeichnungen, die er den Meilensteinen der japanischen Nachkriegsavantgarde gewidmet hat. Sie würdigt Künstler, die interdisziplinär arbeiteten, mit radikalen Happe- nings die Öffentlichkeit irritierten oder mit partizipativen Projekten neue Formen der Gemeinschaft und der Zusammenarbeit erprobten. In seiner künstlerischen Praxis setzt Tanaka diese Tradition mit zeitgemäßen Mitteln fort. Die Serie lässt sich zugleich als Hommage und als Aneignung betrachten. Im Nachzeichnen spürt Tanaka den Verbin- dungen dieser historischen Positionen zu seiner eigenen künstlerischen Praxis nach.

Das Motiv eines Liebespaars, das durch die leeren Straßen von Tokio läuft, entnahm der „Künstler des Jahres“ 2015 einem experimentellen Spielfilm des Kultregisseurs Nagisa Ōshima: Das „Tagebuch eines Diebes aus Shinjuku“ spiegelt die ganze Verwir- rung und Frustration der jungen Generation im Japan der späten 1960er-Jahre wider.

1975 Geboren in Tochigi, Japan2000 BFA, Tokyo Zokei University, Tokio2005 MFA, Tokyo University of the Arts, Tokio2015 Deutsche Bank „Künstler des Jahres“ Lebt und arbeitet in Kyoto, Japan

“My personal art history,” is what Koki Tanaka calls his series of drawings devoted to milestones in Japanese postwar avant-garde art. The series pays tribute to artists who worked in an interdisciplinary manner, stunned the public with radical happenings, or experimented with new kinds of society and cooperation in participatory projects. In his artistic practice Tanaka continues this tradition using contemporary means. The series can be viewed both as an homage and an appropriation. In his drawings, Tanaka traces the links between these historical positions and his own artistic practice.

The “Artist of the Year” 2015 took the motif of a pair of lovers walking through the empty streets of Tokyo from an experimental feature film by cult director Nagisa Ōshima. The “Diary of a Shinjuku Thief” mirrors the confusions and frustration of young people in 1960s Japan.

History Is Written from Someone Else’s Perspective, Someone You Don’t Know. Making Our Own History Requires Each of Us to Rewrite It from Our Own Point of View (Revisited), 2015Pencil on paper Bleistift auf Papier, 22.9 × 30.5 cm© Koki Tanaka, courtesy Vitamin Creative Space

Koki Tanaka

1975 Born in Tochigi, Japan2000 BFA, Tokyo Zokei University, Tokyo2005 MFA, Tokyo University of the Arts, Tokyo2015 Deutsche Bank “Artist of the Year” Lives and works in Kyoto, Japan















Photo: © Benoît Peverelli

Es war einmal ein Traumhaus: Ende des 19. Jahrhunderts ließ sich der wohlhabende „Times“-Korrespondent Walter Burton Harris in Malabata, einem Stadtteil von Tanger nieder, um direkt am Meer eine Villa im maurischen Stil zu erbauen. Der Brite lebte den dandyhaften, exotischen Stil vor, den später auch Paul Bowles oder Yves Saint Laurent kultivieren sollten und damit Scharen westlicher Touristen und Hippies nach Marokko lockten. In den 1970er-Jahren wurde die Villa zu einer Hotelanlage umgebaut, war doch Malabata inzwischen ein Zentrum des Massentourismus. Als im Jahr 2000 das Hotel aufgegeben wurde, verfiel das Traumhaus.

Yto Barrada, „Künstlerin des Jahres“ 2011 der Deutschen Bank, zeigt die opulenten Kachelwände und maurischen Bögen des Gebäudes, die zum Teil mit Hinweistafeln des Club Med vernagelt wurden. Immer wieder hat Barrada in ihrer Heimatstadt Tanger fotografiert und dabei den eurozentrischen Blick auf Nordafrika thematisiert. Poetisch zeigt sie auf ihrem Bild beides: eine koloniale Fantasie und den Tourismus, der durch Spekulation die Geschichte und kulturelle Identität des Landes zerstört.

1971 Geboren in Paris, Frankreich Studium der Geschichte und Politik, Sorbonne, Paris, und Fotografie,

International Center of Photography, New York2011 Deutsche Bank „Künstlerin des Jahres“ Lebt und arbeitet in Tanger, Marokko, und New York, USA

It used to be a dream house. At the end of the nineteenth century, the wealthy “Times” correspondent Walter Burton Harris moved to Malabata, a district of Tangier, and built a Moorish-style villa right at the sea. The Englishman displayed the dandy-like, exotic style that Paul Bowles and Yves Saint Laurent would cultivate later, attracting droves of Western tourists and hippies to Morocco. In the 1970s, the villa was converted into a hotel complex, as Malabata had become a center of mass tourism. When the hotel closed in 2000, the dream house fell into decay.

Yto Barrada, Deutsche Bank’s “Artist of the Year” 2011, shows the building’s opulent tile walls and Moorish arches, to some of which Club Med notice boards have been nailed. Barrada’s photographs of Tangier, her home city, thematicize the Eurocentric view of North Africa. In her picture, she poetically shows both a colonial fantasy and how the tourist boom and speculation are destroying Morocco’s history and cultural identity.

Villa Harris, 2010Photograph Fotografie, 125 × 125 cm© Yto Barrada and Sfeir-Semler Gallery, Hamburg / Beirut

Yto Barrada

1971 Born in Paris, France Studied history and politics at the Sorbonne, Paris, and photography at

the International Center of Photography, New York2011 Deutsche Bank “Artist of the Year” Lives and works in Tangier, Morocco, and New York, USA















© Adrian Paci

Es ist eigentlich eine einfache Geste, die sich da mitten in der sizilianischen Barockstadt Scicli vollzieht: Bei seiner Performance am 21. August 2011 begrüßt Adrian Paci auf dem Platz vor der Kirche San Bartolomeo mehr als 700 Menschen per Handschlag. Das mag wirken wie der Abschluss eines Geschäfts oder wie ein Vertrag, den Künstler und Publikum miteinander schließen. Doch der Ring, den die Menschen bilden, um dem in einen schwarzen Anzug gekleideten Künstler die Hand zu geben, gleicht auch einem Lebenskreis: Man steht an und wartet, begegnet sich und lässt sich wieder los. Pacis Performance hat etwas von einem Vanitasbild: Vor der hehren Kulisse der Geschichte erinnert sie an die Flüchtigkeit der menschlichen Existenz.

Der in Mailand lebende Albaner, dessen Werk in den Frankfurter Deutsche Bank-Türmen eine ganze Etage gewidmet ist, spielt mit „The Encounter“ auch auf seine Identität als Migrant an: Paci flüchtete mit seiner Familie nach Italien, wo er eine neue Heimat fand. Das uralte kollektive Ritual des Händereichens geht einher mit dem Sichöffnen für den Anderen – mit einer Verbundenheit und Intimität, die genauso schnell kommt, wie sie wieder geht.

1969 Geboren in Shkodra, Albanien1987 – 1991 Studium an der University of Arts, Tirana Lebt und arbeitet in Mailand, Italien

It is actually a simple gesture that was carried out in the middle of the baroque Sicilian city Scicli: during his performance on August 21, 2011, Adrian Paci greeted more than 700 people with a handshake in front of the church of San Bartolomeo. It may seem like the artist and the public concluded a business deal or a contract, but the circle the people formed to give their hand to the black-clad artist is akin to a circle of life: the participants stand in line and wait, encounter each other, let go again. Paci’s performance resem-bles a vanitas picture. In front of a noble historical setting, it calls to mind the evanescence of human existence.

In “The Encounter,” the Milan-based Albanian artist, to whom a floor of the Deutsche Bank Towers is devoted, also alludes to his identity as a migrant. With his family, Paci fled to Italy, where he found a new home. The age-old collective ritual of shaking hands is linked with opening oneself to others—with connection and intimacy that go as quickly as they come.

The Encounter, 2011Photograph Fotografie, 56 × 70 cm© Courtesy the artist and kaufmann repetto, Milan

Adrian Paci

1969 Born in Shkodër, Albania1987 – 1991 Studied at the University of Arts, Tirana Lives and works in Milan, Italy















Photo: Wolfgang Günzel

Jung, gut aussehend, charismatisch: John F. Kennedy war der Popstar unter den US-Präsidenten. Fast 400 000 Menschen strömten am 26. Juni 1963 zum Rathaus Schöne-berg und erlebten mit, wie er mit seinem Ausspruch „Ich bin ein Berliner“ Geschichte schrieb. Ein Jahr später entsteht Thomas Bayrles Bild. Er zeigt den Präsidentenbesuch weniger als historisches, denn als mediales Ereignis. Totale, Nahaufnahmen und Schwenks auf begeisterte Zuschauer und die jubelnde Menge – sämtliche Perspektiven, die eine Kamera während der Berichterstattung festhält – werden von Bayrle collagiert.

Aus unzähligen Köpfen entstehen Rastermuster, die typisch für seine ganz eigene Version der Pop Art sind. Massen von Menschen oder Produkten formen die ornamentalen Muster seiner Grafiken, in denen sich ein Auto aus Hunderten von gleichförmigen Autos zusammensetzt oder ein Mao-Porträt aus unzähligen Miniatur-Maos. Kapitalistisches Konsumprodukt oder kommunistischer Held – Bayrles „Denk-Muster“ zeigen, wie ideo- logisch unsere Geschichte und unsere Erinnerung geprägt sind.

1937 Geboren in Berlin, Deutschland1958 – 1961 Studium, Werkkunstschule, Offenbach Lebt und arbeitet in Frankfurt am Main, Deutschland

Young, good looking, and charismatic: John F. Kennedy was the pop star among U.S. presidents. On June 26, 1963, nearly 400,000 people flocked to Schöneberg town hall to listen to Kennedy’s speech in which he famously said “Ich bin ein Berliner.” Thomas Bayrle executed his painting a year later. It presents the president’s visit as a media event rather than a historic one. Bayrle collaged long shots, close-ups, and pans of enthusi- astic spectators and the cheering crowd, all of the camera perspectives normally used for reportage.

He created grid structures of countless heads that are typical of his own distinct version of Pop Art. Masses of people or products form ornamental patterns in his graphic works, in which, say, a car is composed of hundreds of uniform cars or a Mao portrait consists of innumerable miniature Maos. Whether capitalist consumer product or communist hero, Bayrle’s “thought patterns” show how ideologically influenced history and memory are.

Kennedy in Berlin, 1962Lithograph Lithografie, 43 × 61 cm © Thomas Bayrle, VG Bild-Kunst, Bonn 2016

Thomas Bayrle

1937 Born in Berlin, Germany1958 – 1961 Studied at Werkkunstschule, Offenbach Lives and works in Frankfurt am Main, Germany















© Imran Qureshi

Imran Qureshi stammt aus Pakistan – einem von politischen und religiösen Konflikten zer-rissenen Land, das aus seiner reichen Kultur schöpft. Dazu gehört auch die historische Miniaturmalerei, die der „Künstler des Jahres“ 2013 radikal erneuert hat. In einzigartiger Weise kombiniert Qureshi das traditionelle Medium mit aktuellen gesellschaftlichen Themen. Viele seiner Bilder zeigen Landschaften und Innenhöfe, in denen jedes Blatt, jeder Mauerstein minutiös ausgestaltet ist. Doch diese Idyllen bestehen nur vorder- gründig: Der Künstler hat sie mit roten Farbspritzern „befleckt“, die an vergossenes Blut oder leuchtende Blütenblätter erinnern.

Qureshi scheut sich nicht, Trauer und Entsetzen auszudrücken. Zugleich thematisiert er den ständigen Wechsel zwischen Zerstörung und Schöpfung als existenziellen Kreis- lauf. „Ja, diese Formen entstammen der Gewalt“, erklärt er. „Sie sind mit der Farbe des Blutes verschmolzen und genau hier beginnt gleichzeitig ein Dialog mit dem Leben, mit neuen Anfängen.“ Hoffnungskeime nennt sie der Künstler – als Symbol des Auf- bruchs, der Entstehung neuen Lebens.

1972 Geboren in Hyderabad, Pakistan1993 BFA, National College of Arts, Lahore2013 Deutsche Bank „Künstler des Jahres“ Lebt und arbeitet in Lahore, Pakistan

Imran Qureshi comes from Pakistan, a country that is torn by political and religious conflicts yet draws upon a rich culture. Its cultural legacy includes historical miniature painting, which the “Artist of the Year” 2013 radically renewed. Qureshi combines this traditional medium with current social issues in a unique way. Many of his pictures show landscapes and courtyards in which every leaf, every brick is meticulously arranged. But they are idylls only on the surface: the artist “soiled” them with red splashes of paint that look like blood that has been shed or bright flower petals.

Qureshi is not afraid to express grief and dismay. Additionally, he explores the constant shift between destruction and creation as an existential cycle. “Yes, these forms stem from violence,” he says. They are mingled with the color of blood, and at the same time this is where a dialogue with life, with new beginnings starts.” The artist calls them seeds of hope—a symbol of departure, of the genesis of new life.

Opening Word of This New Scripture, 2013Gouache and gold leaf on paper Gouache und Blattgold auf Papier, 38 × 57 cm © Imran Qureshi

Imran Qureshi

1972 Born in Hyderabad, Pakistan1993 BFA, National College of Arts, Lahore2013 Deutsche Bank “Artist of the Year” Lives and works in Lahore, Pakistan















Photo: © The artist & Arcadia Missa

Sie ist die Selfie-Queen der aktuellen Kunst. Auf Instagram dokumentierte Amalia Ulman vier Monate lang ihr Leben zwischen Detox-Drinks, Luxushotels und Nagelstudios. Doch ihre 185 Posts zeigen eine Fiktion: Ihr Projekt „Excellences & Perfections“ ist eine geschickt in Pastelltönen inszenierte Performance. Das Internet bringt seine eigenen Stars hervor – Microcelebrities –, deren Aktivitäten in sozialen Netzwerken von Zehn- tausenden verfolgt und kommentiert werden. Ulman zeigt, wie sich die narzisstische Selfie-Kultur in das kollektive Gedächtnis einschreibt und welche Klischees und repressive Ideologien in diesen visuellen Tagebüchern mittransportiert werden.

Die Schwarz-Weiß-Fotografie eines afrikanischen Jungen, die in einem feudalen Ambi- ente hinter einem Arrangement aus Süßigkeiten und Blüten hervorragt, suggeriert das „Fremde“, das „Andere“, als Kontrast zum kultivierten Kaffeehausbesuch der weißen jungen Frau. Nicht nur Träume von Luxus und Konsum werden hier geschmack-voll verpackt, sondern auch rassistische Stereotype, die nach wie vor gültig sind.

1989 Geboren in Argentinien2011 BFA, Central Saint Martins, London Lebt und arbeitet in Los Angeles, CA, USA

She is the selfie queen of contemporary art. On Instagram, Amalia Ulman documented her life between detox drinks, luxury hotels, and nail parlors for a period of four months. But her 185 posts show a fiction: her project “Excellences & Perfections” is a perfor-mance staged cleverly in pastel shades. The Internet spawns its own stars—microceleb-rities—whose activities are followed and commented on by tens of thousands on social networks. Ulman shows how narcissistic selfie culture has inscribed itself in collective memory and how clichés and repressive ideologies are conveyed in these visual diaries.

The black-and-white photograph of an African boy who rises up in a feudal atmosphere behind an arrangement of sweets and blossoms suggests something “foreign,” some-thing “different” in contrast to the young white woman sitting in a sophisticated café. Not only dreams of luxury and consumption are tastefully packaged here, but also racist stereotypes that persist even today.

Excellences & Perfections (Instagram Update, 24th August 2014), 2015Photograph Fotografie, 125 × 125 cm© The artist & Arcadia Missa

Amalia Ulman

1989 Born in Argentina2011 BFA, Central Saint Martins, London Lives and works in Los Angeles, CA, USA















Photo: © Ali Cem Doğan, 2016

Blumige Arabesken und aktuelles Kunstdenken sind kein Widerspruch für Cansu Çakar. Gesellschaftlicher Fortschritt spiegelt sich für die türkische Künstlerin weniger in den Konzepten oder intellektuellen Ideen wider, sondern vielmehr in der Fähigkeit, die Tradi- tion und das Heute in Einklang zu bringen, die Vergangenheit in der Gegenwart zu erinnern und weiterzuführen. Deshalb verbindet Çakar auch Elemente von Volkskunst, Kunsthandwerk und Kitsch mit einer sozial engagierten, partizipativen Praxis. 2015 initiierte sie auf der Istanbul Biennale einen wöchentlichen Workshop für sozial benach-teiligte Frauen, die sie ermutigte, ihre eigene Geschichte mit traditionellen Kunsthand- werkstechniken zu erzählen. Fernab der Öffentlichkeit entstanden Werke, die dann in der Ausstellung gezeigt wurden.

Auch die Karte ihrer Heimatstadt Izmir, auf der die Künstlerin Routen zu unterschied- lichen Projekträumen und Initiativen nachzeichnet, gleicht einer folkloristischen Illustrati-on in einem nostalgischen Stadtführer oder einem Tuch, das an Marktständen an Touristen verkauft wird. Doch eben diese Grenze zwischen Hoch- und Alltagskultur, zwischen Kunst und Leben, wird von Çakar aufgelöst.

1988 Geboren in Istanbul, Türkei2006 Dokuz Eylül University, Traditional Turkish Arts Department, Izmir2012 Studium Grafikdesign, Moholy-Nagy Arts and Design University, Budapest2013 BFA, Dokuz Eylül University, Traditional Turkish Arts Department, İzmir Lebt und arbeitet in Izmir, Türkei

Flowery arabesques and contemporary art thinking are not a contradiction in the eyes of Cansu Çakar. For the Turkish artist, social progress is not reflected in concepts or intel- lectual ideas, but rather in the ability to reconcile tradition with the here and now, to remember the past in the present and continue it. Çakar combines elements from folk art, arts and crafts, and kitsch with a socially committed, participatory practice. At the 2015 Istanbul Biennial, she initiated a weekly workshop for socially disadvantaged women that encouraged them to tell their own stories with traditional arts and crafts techniques. Closed off from the public, they created works that were then shown in the exhibition.

The map of her home city İzmir on which the artist traced routes to different project spaces and initiatives resembles a folkloric illustration in a nostalgic city guide or a print on a scarf sold to tourists at a market stall. Yet Çakar deliberately dissolves the frontier between high and everyday culture, between art and life.

İzmir Map, 2014Ink, watercolor, and gold on paper Tusche, Aquarell und Gold auf Papier, 70 × 100 cm© Cansu Çakar

Cansu Çakar

1988 Born in Istanbul, Turkey2006 Dokuz Eylül University, Traditional Turkish Arts Department, İzmir2012 Studied graphic design, Moholy-Nagy Arts and Design University, Budapest2013 BFA, Dokuz Eylül University, Traditional Turkish Arts Department, İzmir Lives and works in İzmir, Turkey

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Andy Warhol 1928 –1987, Magazine and History, 1983 · In his wall drawings and collages, installations and performances, he engages with his own life as well as conflicts of the