André Kertész (1894 –1985), whose career spanned over seventy years across Budapest, Paris and New York, is today acknowledged as one of the most influential photographers of the 20th century. His images are sincere, faithful and profound, so much that each individual photograph seems to contain the tangible presence of the photographer.

Born in 1894 in Budapest, Kertész was fifteen years old when his father died and his uncle, Lipot Hoffman, took responsibility of André and his two brothers, Imre and Jenö. After graduating from the Academy of Commerce, Kertész began working at the stock exchange. In 1912, he purchased his first camera, and began photographing his daily life, often taking as subject his relatives, friends, and the Hungarian countryside.

Self-taught, Kertész remained faithful to his guiding principle: “what I feel, I do”. Upon moving to Paris in 1925, he flirted with different movements such as Dadaism, Surrealism and Constructivism, but Kertész placed his point of view above everything else. Truthful to his own vision, Kertész underwent difficulties upon moving to New York in 1936. As he portrayed what he saw and what he felt, without sacrificing for the sake of customers or fashion, he could hardly get the support of commercial magazines and newspapers to earn himself a stable income. Kertész’s bond with the visual world is so strong that each photograph contains a wealth of his feelings and emotions. Kertész is so undeniably present in each image, that these slices of life, of reality are at the same time a projection of the photographer.

This exhibition brings together 189 photographs taken throughout Kertész’s life, and is presented in three periods: Hungary period (1912 –1925), Paris period (1925 –1936) and New York period (1936 –1985). In 1984, a year before his death, Kertész, eager to preserve his life’s work, donated to the French Ministry of Culture 100,000 negatives, 15,000 color transparencies, from which the photographs in this exhibition are printed.

ANDRÉ KERTÉSZSUNGKOK ART MUSEUM

2017년 6월 9일 – 9월 3일

앙드레 케르테츠

성곡미술관

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20세기의 가장 영향력 있는 사진작가 중 한 명으로 손꼽히는 앙드레 케르테츠(1894 –1985)는 70여 년의 오랜 활동 기간 동안 부다페스트, 파리, 뉴욕을 옮겨 다니며 작품 세계를 펼쳤다. 그는 당시에 유행하는 사진 형식에 얽매이지 않고 자신만의 스타일과 주제를 지켜나가며, 마치 사진으로 일기를 쓰듯 솔직한 감성을 자유롭게 담아냈다.

1894년 부다페스트에서 태어난 케르테츠는

15살에 부친을 여의고, 형 임래 Imre, 동생 예뇌 Jenö와 함께 삼촌인 리팟 호프만 Lipot

Hoffman의 손에 양육되었으며, 상업학교를 졸업한 뒤에는 증권거래소에서 근무했다. 1912년 처음으로 카메라를 구입한 케르테츠는 자신을 둘러싼 소소한 일상을 소재로 사진 작업을 시작했다.

독학으로 사진을 익힌 케르테츠는 “내가 보고 느낀 것을 그대로 표현한다”는 자신의 작업원칙에 충실했으며, 나아가 사진매체의 잠재적 표현 가능성들에 대해 연구했다. 그는 새로운 과학 기술을 기반으로 한 신속, 정확한 카메라를 통해 일상의 풍경을 치밀한 화면 구성과 흑백의 농담으로 더 깊고, 세밀하게 담아내었다. 케르테츠는 당시의 미술 사조나 그룹운동에 참여하지 않았음에도 불구하고 다다, 초현실주의, 구성주의 같은 모더니즘의 아방가르드 예술가들과 활발히 교류하며 때로는 그들을 앞서나가는 혁신적인 작업을 했다.

이번 전시는 그가 일생에 걸쳐 작업한

189점의 작품들을 헝가리(1912 –1925), 파리(1925 –1936), 뉴욕 시기(1936 –1985)로 나누어 순차적으로 선보인다. 케르테츠는 세상을 떠나기 1년 전인 1984년 필생의 작품들을 보존하겠다는 열망으로 10만 점의 원판 필름과

1만5천 점의 컬러 슬라이드 소장본을 프랑스 문화부에 기증했다. 본 전시는 그 원판으로 프린트한 모던 프린트로 구성되었다.

ANDRÉ KERTÉSZ앙드레 케르테츠

Sungkok Art Museum June 9 – September 3, 2017

HoursTuesday – Sunday 10:00 – 18:00Last ticketing at 17:30Closed on Mondays

AdmissionAdults (age 19 – 64) 10,000 wonYouths (age 13 – 18) 8,000 wonChildren (age 4 – 12) 6,000 wonGroup of 20+ persons: 20% reductionVisitors with disabilities, age 65+ 6,000 won

성곡미술관

2017년 6월 9일 – 9월 3일

관람시간

화 – 일요일 10:00 – 18:00매표는 전시종료 30분전에 마감됩니다.월요일은 휴관입니다.

관람요금

일반 (만 19세 – 64세) 10,000원

청소년 (만 13 – 18세) 8,000원

어린이 (만 4 – 12세) 6,000원

20인 이상 단체 20% 할인

국가유공자, 장애인, 65세 이상 6,000원* 전시입장료는 전시에 따라 변경 될 수 있습니다.

도슨트

매일 2pm, 4pm(‘문화가 있는 날’ 2pm, 4pm, 7pm)

www.sungkokmuseum.org

앙드레 케르테츠 André Kertész

주최, 주관

성곡미술관

진행

성곡미술관

이수균 학예연구실장

김지수 학예연구사

유혜인 학예연구사

김상은 인턴

협력

프랑스 문화부

주드폼 국립미술관

디크로마 포토그래피

This exhibition is organized by Jeu de Paume, Paris, in collaboration with la Médiathèque de l’architecture et du patrimoine, Ministère de la Culture et de la Communication – France and diChroma photography, and with the participation of Sungkok Art Museum, for its presentation in Seoul.

헝가리 시기

1912 –1925

부다페스트에서 태어나 자란 케르테츠는 유년 시절부터 전원의 목가적 생활과 평범한 사람들에 대해 애정을 품었다. 작가의 감상주의적 성격은 초기의 작품에서부터 짙게 묻어나는데, 그의 첫 작품으로 알려진 1912년작 ‹잠자는 소년›은 케르테츠의 작업에서 중심적 기준이 될 ‘시각적 형식’과

‘감정의 탁월함’을 고스란히 드러낸다. 이 시기에 케르테츠가 추구했던 주제는 형제들과 친구들, 그리고 평생을 함께한 연인 엘리자벳 Elisabeth과의 일상이다. 특히 남동생 예뇌 Jenö는 여러 차례 작가의 모델로서 훌륭한 피사체가 되기도 하였다.케르테츠는 1914년

오스트리아–헝가리 군인으로

1차 세계대전에 참전한 기간에도

지속적으로 사진작업을 하였다. 이 시기의 작품은 전쟁 기간이었음에도 불구하고 전투 장면보다는 그의 감성적 표현이 드러나는 군인들의 일상에 초점을 맞춘 사진들로 이루어졌다. 전쟁이 끝난 후 케르테츠는 당시 유행이었던

‘회화주의 pictorialism’ 사진 사조와는 단호하게 선을 긋고, 독창적 표현과 선구자적 실험정신이 드러나는 독자적인 세계를 형성해 나갔다. 1914년에 이미 야경 사진이 등장했으며, 1917년에는 수영하는 사람을 놀라운 각도로 포착했다. 또한 1919년 예뇌를 촬영한 네거티브 필름을 뒤집어 인화한 사진은 당시로선 획기적인 방식으로, 빛과 물의 효과로 인한 이미지의 변형이 더욱 두드러진다.이와 같이 헝가리 시기는

케르테츠의 자유로운 사고와 휴머니스트적 감성을 기반으로 한 그의 독창적인 예술세계의 전조를 알린다.

파리 시기

1925 –1936

케르테츠는 1925년 당시 현대미술의 본거지로 많은 예술가들이 체류했던 파리로 떠났다. 문학, 미술, 연극인들의 아틀리에가 모여 있던 몽파르나스 구역에 자리를 잡은 케르테츠는 다다와 초현실주의의 아방가르드를 이끄는 선두 작가들과 활발하게 교류하였으며, 특히 만 레이 Man

Ray, 몬드리안 Mondrian, 브랑쿠시 Brancusi, 샤갈 Chagall, 그리고 콜레트 Colette와 짜라 Tzara와 같은 작가들과 친밀한 관계를 맺으며 예술적 역량을 키워나갔다. 케르테츠는 고향 친구들,

작가들, 거리와 카페, 정원 등 일상에서 그를 깊게 감동시키는 순간들을 잡아낸다. 이 시기의 대표작 ‹몬드리안의

집에서›(1926)는 수평, 수직의 안정감 있는 화면 구성과 회색조의 뉘앙스가 조화를 이루는 걸작으로 꼽힌다. 케르테츠는 정확한 윤곽과 구조적인 선, 생생하고 미묘한 음영의 대비를 통해 예상치 못한 이미지를 제시하며, 때로는 과감한 구도로 화면을 구성한다. 클로즈업의 전면적 시각과 하이, 로우 앵글 구도, 그리고 트리밍이 대표적이다. 그러나 이러한 새로운 형식과 조형성보다 더 관심을 끄는 것은 케르테츠의 전 작품에 흐르는 따뜻하고 시적인 인간적 감성과 유머 감각, 그리고 세상을 바라보는 섬세한 시각이다. 이와 같이 사진 속에 본인의 감정을 고스란히 담아 표현함으로써 케르테츠의 사진은 단순한 현실의 기록에서 벗어나 진정한 예술의 길로 나아가는 것이다.케르테츠는 파리에서 『뷔 VU』를

비롯해 여러 신문과 잡지에 사진 작품을 출판하고 여러 주요 전시에 출품하는 등 다방면으로

HUNGARY PERIOD 1912 –1925

Kertész began to take photographs in 1912, often of his relatives, friends and the countryside. His first known photograph, Sleeping Boy (1912), seems almost prophetic in that it prefigures what would become essential in his art: clarity of style and the pre-eminence of emotions.

Having enlisted in the Austro-Hungarian army during World War I, Kertész depicted the daily life of soldiers, and created a poetic art of the moment, by recording the details of military life, far

removed from wartime heroics or dramas. Kertész detached himself radically from pictorialism, and employed his own photographic language since the early days. In 1914, he already began photographing at night-time, in 1917 realized an astonishing perspective of a swimmer, and in 1919, captured his brother imitating the Scherzo.

Kertész’s forming years as a photographer in Hungary was an important stage in the development of his style, as even his early photographs convey the artist’s penchant for freedom and emotions that uniquely define him as a photographer.

PARIS PERIOD 1925 –1936

Kertész arrived in Paris in 1925 and settled in the Montparnasse quarter, where he mixed with artists and writers, including Man Ray, Mondrian, Chagall, Brancusi, Colette and Tzara.

Kertész photographed his Hungarian friends, artists’ studios, street scenes, and daily moments that moved him. As seen in the photograph At Mondrian’s (1926), Kertesz’s images evoke more than what is merely portrayed: they become visual metaphors of the photographer’s sentiments.

Through the tonal contrasts, angular perspectives, close-ups and trimming, Kertész gives life to still objects and mundane scenes, and creates a language of allusive notations that are as poetic poetic as they are visual.

During the Paris period, Kertész worked prolifically, collaborating with various magazines and newspapers, initiating photographic reportage, and participating in many important exhibitions, including Film und Foto in Stuttgart in 1929. With Man Ray, Kertész represented the international modernity in Paris. Although Kertész’s work, which involves mirrors, reflections, shadows and

nocturnal lightings, put him at the forefront of the avant-garde photography, he nevertheless remained independent of any artistic movements, and adhered to reflecting his emotions and personal associations.

NEW YORK PERIOD 1936 –1985

In 1936, Kertész, with his wife Elisabeth, moved to New York to honor his commitment with the Keystone photo agency. However, the contract was dismissed in less than a year. A few prominent magazines (Vogue, Harper’s Bazaar, among others) took an interest in his work, but “as his photographs spoke too much,” as worded by the editor of Life magazine, Kertész failed to gain the support of the commercial media to earn a stable income. Also, despite the exhibitions at PM Gallery

왜곡 DISTORSIONS시리즈

1930년 『뷔 VU』 잡지가 카를로 림 Carlo Rim 신임 편집장의 초상화를 앙드레 케르테츠에게 주문하자, 그는 편집장을 놀이동산의

‘뒤틀린 거울’ 앞에서 포즈를 취하게 한 후 촬영하여 괴물처럼 변형된 놀라운 이미지를 제작한다. 이어서 케르테츠는 1933년 도색 잡지 『미소 Le Sourire』의 주문을 받아 한층 더 왜곡된 여성 누드 사진을 제작함으로써 자신의 예술적 실험을 한발 더 전진시킨다. 이렇게 탄생한 ‹왜곡 Distorsions› 시리즈를‘파리 시기’에 본격적으로 작업하였다. 하지만 이 실험적 작업은 이미

‘헝가리 시기’부터 일종의 ‘광학적 변형’ 또는 ‘그림자의 투영’에 관심을 두며 시작되었다고 볼 수 있다. 특히 기하학적 구도가 돋보이며 빛을 효과적으로

다룬 ‹수영하는 사람›(1917)과 ‹포크›(1928)는 ‹왜곡› 시리즈의 전조를 알리는 작품이라 할 수 있다.기이함과 기괴함을 통해

역설적으로 여성신체의 신비로움을 깊게 탐닉한 ‹왜곡› 시리즈는 이미지에 대한 케르테츠의 반 사실적, 반 묘사적 개념을 상징적으로 나타낸다. 축 쳐진 목과 늘어난 발, 기괴하게 뒤틀린 이미지들은 곡선으로 이뤄진 루벤스 Rubens의 풍만한 여성의 몸이나 앵그르 Ingres의 지나치게 긴 척추를 가진 여인의 메아리로 보이기도 하고, 또는 벨머 Bellmer의 절단되고 불구가 된 인형의 이미지를 상기시킨다. 한편으로 이러한 시도는 초현실주의가 추적한 무의식의 세계에 대한 실험과도 맞닿아 있는데, 당시 케르테츠를 비롯해 만레이 Man

Ray, 브라사이 Brassaï, 카르티에 브레송 Cartier-Bresson과 같은 작가들 역시 인간의 무의식의 세계를

이상적으로 표현하기 위해 현실을 변형, 왜곡시키는 실험적 이미지들을 다수 제작했다. 이러한 ‹왜곡› 시리즈는 당시에는 크게 주목 받지 못하고 한참 뒤에 재조명되었는데, 뉴욕 시기의 후반부인 1976년에 이르러서야 12컷의 왜곡 이미지로 구성된 책이 출판되었다.

emotive reactions.Kertész died at his home in

New York on September 28th 1985.

DISTORSIONS SERIES

Always searching for extraordinary images that open up ways to rethink about the reality, Kertész began producing distorted images in 1930, when the magazine VU commissioned him to photograph a portrait of the new Editor-in-Chief Carlo Rim. Kertész brought the editor to a Luna Park, and photographed him in front of a distorting mirror. Subsequently, in 1933, at the request of the erotic magazine Le Sourire, Kertész produced an astonishing photographic series, titled Distortions, of nude females.

He photographed two models, posing in front of two distorting mirrors, and produced images filled with grotesque elongations, monstrous protrusions, or completely disintegrated body.

Upon moving to New York, Kertész had hoped for the Distortions series to be widely used in advertisements, but it failed to be comprehended recognized. It was only in 1976 that a book dedicated to the Distortions series was published.

대한 몰이해와 외국인으로서의 장벽 등이 결국 그에게 우울증을 안겨주었다. 1944년 미국 시민권을 얻은 케르테츠는 1949년 콘데 나스트 Condé Nast 잡지그룹사와 독점 계약을 체결했지만, 주로 인테리어 사진을 제공해주던 그는 상업적 작업을 지속하기 어려워 결국

1961년 은퇴를 하였다.케르테츠는 ‘스트리트

포토그래퍼’처럼 시대적, 사회적 장면을 잡아내지는 않았다. 오히려 뉴욕의 황폐한 벽돌 담, 그림자나 철근 구조물, 외부 계단의 얽힘 속에 자신의 멜랑콜리를 주입하였다. 그에게 뉴욕이란 마치 생각의 공명상자와도 같아서, 자신의 생각들을 사진으로 되돌려 주었다. 또한 케르테츠는 1952년 워싱턴 스퀘어가 내려다보이는 12층 아파트에 정착한 이후 아파트의 테라스에 머물며 망원렌즈의 줌을 이용하여 주변의 생활을 포착하며, 광장에 머무는 사람들의 특이한

행태와 풍경을 마치 ‘발견된 오브제’처럼 찾아내었다.케르테츠의 예술성은

인생의 후반에 들어서야 높이 평가받기 시작했다. 1959년 『인피니티 Infinity』 잡지가 게재한 케르테츠에 관한 기사는 뉴욕에서 그의 명성을 높이는 계기가 되었고, 마침내 1964년 뉴욕현대미술관 MoMA에서 대규모 개인전을 개최하였다. 그리고 이 전시를 계기로 세계 주요 도시에서 그의 작품을 소개하는 순회전이 이어졌다. 또한 이즈음 그는 뉴욕으로 건너오기 전 파리에 남겨 두었던 원판 필름 상자를 찾아왔다. 헝가리와 파리 시기의 자신의 작품들을 다시 접하게 된 케르테츠는 생기를 회복할 수 있었다. 이어서 발행한 두 권의 책 『나는 파리를 사랑한다 J’aime Paris』(1974)와 『뉴욕에 대하여 Of New

York』(1976)는 케르테츠가 파리와 뉴욕의 서로 다른 문화 환경 속에서

겪은 갈등을 보여준다. 1977년에는 파리 퐁피두센터 Centre

Pompidou에서 케르테츠의 개인전이 열렸는데, 안타깝게도 부인 엘리자벳이 전시 개막 직전에 사망한다. 이후 케르테츠는 세상을 떠난 엘리자벳에 대한 사랑을 담은 폴라로이드 사진을 다수 제작한다. 그에 따르면 폴라로이드는 “작품의 내재적 요소를 보다 더 수월하게 표현할 수 있는 새로운 기술”이었다.케르테츠는 1985년 9월 28일

뉴욕 자신의 집에서 세상을 떠났다.

(1937) and The Art Institute of Chicago (1946), he failed to be recognized as one of the main avant-garde photographers in the United States. The financial and professional hardships eventually led Kertész to depression. In 1944, Kertész was naturalised, and in 1949 signed an exclusive contract with Condé Nast, but as he mainly supplied the group’s publications with interior decoration photographs, he retired from his professional career in 1961, feeling that he was misunderstood and his talent misused.

Kertész did not photograph the social landscape of New York as

street photographers did, but rather the scenes and moments that resonated his melancholia. Also, in 1952, upon moving to a 12th-floor apartment that overlooked Washington Square, Kertész began to capture the passing life of the park from his terrace, using telephoto lenses and zooms. He was fascinated by the complex compositions of rooftops and the bird’s-eye view of Washington Square.

Kertész became widely recognized only towards the end of his life. The 1964 exhibition at the Museum of Modern Art in New York led Kertész to show his work internationally. Also around

that time, Kertész regained possession of the negatives from his Hungarian and French periods that he had left in Paris. Reviewing his entire body of work led him to reevaluate his past practice and revivify his attitude towards photography. He subsequently published several books, including I love Paris (1974) and Of New York (1976), that speak of the tearing life between Paris and New York.

The death of his wife Elisabeth in 1977, just before his solo exhibition at Centre Pompidou in Paris, led him to work with Polaroid, a medium which enabled Kertész to capture the immediacy of his

활발한 활동을 펼쳤다. 특히 만 레이와 더불어 슈투트가르트에서 열린 ‹필름과 포토 Film und

Foto›(1929)국제전에 파리 아방가르드를 대표해 출품하기도 하였다. 1933년에는 여성의 누드를 뒤틀리게 표현한 ‹왜곡› 시리즈로 한 걸음 더 나아간 실험적 작업을 전개 한다. 이러한 왕성한 활동에도 불구하고 케르테츠는 자신의 독립성을 지키기 위해 특정 예술운동에 참여하지는 않았다. 반면 새로운 모더니즘의 실험적 조형 언어인 ‘거울 유희’,

‘반사’, ‘그림자와 복제’, ‘전면 구성’, 혹은 ‘야경과 빛의 대비’ 등을 자신의 표현언어로 소화하여 작업에 반영함으로써 자유로운 정신과 새로운 비전을 추구하는 사진적 아방가르드의 주역이 되었다. 케르테츠에게 있어서 파리 시기는 프랑스는 물론 독일, 영국 등 유럽 전역에서 자신의 예술적 역량을 마음껏 펼쳤던 가장 번창한 시기이다.

뉴욕 시기

1936 –1985

1936년 케르테츠는 사진 대행사 키스톤 에이전시 Keystone

Agency와 계약을 맺고 아내 엘리자벳과 함께 뉴욕으로 떠났다. 하지만 계약은 1년 남짓 지속된 후 파기되었다. 『보그 Vogue』, 『하퍼스 바자 Harper’s Bazaar』 등 다수의 유명 잡지사들이 케르테츠의 작업에 관심을 보였지만, 『라이프 Life』 지의 편집장에 따르면

“너무 말이 많은” 케르테츠의 사진은 신문이나 잡지의 대중적 이미지로 쉽게 받아들여지지 않았다.

1937년 뉴욕의 PM 갤러리와

1946년 시카고 미술관 The Art

Institute of Chicago에서의 전시회에도 불구하고, 뉴욕에서의 그의 생활은 예술적으로, 경제적으로 어려움에 봉착했다. 적은 수익, 연이은 실패, ‹왜곡› 시리즈에

Underwater Swimmer, Esztergom, 1917

Arm and Fan, New York, 1937

The Fork, Paris, 1928

Satyric Dancer, Paris, 1926

Self-Portrait, Paris, 1927

The Shadow of the Eiffel Tower, Paris, 1929

Broken Plate, Paris, 1929

Champs-Elysées, 1929

Lost Cloud, New York, 1937

McDougal Cul-de-Sac, New York, 1965

All images © Ministère de la Culture et de la Communication — Médiathèque de l’architecture et du patrimoine, Dist. RMN-Grand Palais / Donation André Kertész