Allegro HD Destacados de Programación Abril · PDF fileICONOS – Andrea Bocelli: Live in Central Park ... en Europa después de ganar el primer premio en el Concurso de Enrico Caruso

Allegro HD – Destacados de Programación – Abril 2016

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Destacados de Programación – Abril 2016



Destacados de Programación Abril 2016

ÓPERA – Gala de ópera en Baden–Baden – 2 de abril – Página 3

ÓPERA – Rigoletto: ópera en tres actos de Giuseppe Verdi – 3 de abril – Página 5

CONCIERTO – La Orquesta West–Eastern Divan en el Teatro Colón: Daniel Barenboim y Martha Argerich – 8 de abril – Página 7

CONCIERTO – Los 12 Violonchelistas de la Filarmónica de Berlin – 9 de abril – Página 9

CONCIERTO – Yannick Nézet–Séguin & Gil Shaham – Estreno 9 de abril – Página 11

ÓPERA – Mosè in Egitto: melodrama sacro de Gioachino Rossini – 10 de abril – Página 13

CONCIERTO – Orquesta de Cámara Nouvelle Europe: Beethoven a solo – Estreno 10 de

abril – Página 15

ICONOS – Peter Gabriel: New Blood Live – Estreno 15 de abril – Página 17

CONCIERTO – Sinfonía n.º 4 de Anton Bruckner: Daniel Barenboim y Orquesta Estatal de Berlin – Estreno 16 de abril – Página 19

ICONOS – Andrea Bocelli: Live in Central Park – 17 de abril – Página 21

CONCIERTO – Orquesta de Cámara Nouvelle Europe: Beethoven sinfónico – Estreno 17

de abril – Página 23

ÓPERA – La forza del destino: ópera en cuatro actos de Giuseppe Verdi – Estreno 17 de abril – Página 25

CONCIERTO – Pierre Boulez: concierto de apertura del Festival de Salzburg – 23 de

abril – Página 27

CONCIERTO – La noche rusa: Concierto en Odeonsplatz con Mariss Jansons – Estreno 23 de abril – Página 29

BALLET – Béjart: La vuelta al mundo en 80 minutos – 24 de abril – Página 31

ICONOS – Plácido Domingo: Live at Loreley – 24 de abril – Página 33

CONCIERTO – Festival de Lucerne 2013: Simon Rattle dirige las tres últimas sinfonías

de Mozart – 25 de abril – Página 35

ÓPERA – Roberto Devereux: ópera en tres actos de Gaetano Donizetti – 30 de abril – Página 37

CONCIERTO – Sinfonía n.º 5 de Anton Bruckner: Daniel Barenboim y Orquesta Estatal

de Berlin – Estreno 30 de abril – Página 39



Cuatro de los mejores cantantes líricos de la actualidad en una gala operística de gran

altura.

Género: ópera, música clásica, música romántica, belcanto, voz.

Intérpretes: Anna Netrebko, Elīna Garanča, Ramón Vargas, Ludovic Tézier.

Director: Marco Armiliato.

Orquesta: Orquesta Sinfónica de la Radiodifusión del Suroeste Baden–Baden y Freiburg.

Año: 2007.

Lugar: Festpielahus, Baden–Baden.

Duración: 140 minutos.

Con el auge de la ópera desde el siglo XIX, las galas de óperas se han ido poniendo de moda, ya incluso en aquel siglo, aunque ha sido durante el siglo XX cuando el desarrollo de este tipo de eventos musicales ha terminado por convertirse en todo un clásico de las salas de conciertos y festivales a lo largo del mundo.

La que presentamos aquí se grabó en agosto de 2007 en Baden–Baden, y cuenta con la presencia de un cuarteto vocal de primer orden en el panorama internacional del canto lírico. Al frente del cuarteto está la soprano rusa Anna Netrebko, de inimitable mezcla de glamour y sencillez, aspecto atractivo y una línea de canto seductora que presenta una potencia musical extraordinaria, que son algunas de sus mejores cualidades. Número uno en ventas de discos y entradas en teatros de ópera de los roles que protagoniza, ha sabido acercar la ópera a un público más amplio. No menos deslumbrante que su colega es la mezzosoprano letona Elīna Garanča, cuya cristalina voz y presencia escénica carismática nunca dejan de cautivar al público. Invitada frecuente en la Ópera de Viena y

Ópera: Gala de ópera en Baden–Baden 2 de abril 20:30 Argentina/Uruguay | 18:30 Ecuador



el Festival de Salzburgo –donde hizo su debut sensacional como Annio en La clemenza di

Tito de Mozart, en 2003–, además de en la mayor parte de los grandes centros operísticos del mundo, su carrera internacional ha sido absolutamente fulgurante, estando desde hace años en la cúspide entre las cantantes de su tesitura. En sustitución del indispuesto Rolando Villazón se presenta el tenor mexicano Ramón Vargas, quien comenzó su carrera en Europa después de ganar el primer premio en el Concurso de Enrico Caruso en Milano. Su gran éxito internacional llegó en 1993 cuando reemplazó a Luciano Pavarotti como Edgardo en Lucia di Lammermoor. Hoy canta en los principales teatros del mundo. El barítono francés Ludovic Tézier es un invitado frecuente en La Scala, la Ópera de la Bastilla y el Met. Sus interpretaciones de Don Giovanni y el conde Almaviva, así como de Eugene Onegin le han reportado ovaciones en el Festival de Glyndebourne y el Festival de Bregenz.

El programa interpretado aquí es una selección de algunos de los títulos operísticos más celebrados e interpretados de la historia del género durante el siglo XIX. Así están presentes autores como Vincenzo Bellini (1801–1835), con sus Norma e I Puritani; Gaetano Donizetti (1797–1848) con L’elisir d’amore; Gioachino Rossini (1792–1868) a través de La Cenerentola y su tarantella napolitana La danza; Giuseppe Verdi (1813–1901), el autor más representado, con Don Carlo, Luisa Miller, Rigoletto y La Traviata; Camille Saint–Saëns (1835–1921) con Samson et Dalila; Leo Delibes (1836–1891) y su Lakmé; Georges Bizet (1838–1875) por medio de Les Pêcheurs de Perles y Carmen; Giacomo Puccini (1858–1924) y La Bohème; Franz Léhar (1870–1948) con Giuditta; y Ruperto Chapí (1851–1909), que representa al género de la zarzuela, con Las hijas del Zebedeo.

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Ópera: Gala de ópera en Baden–Baden 2 de abril 20:30 Argentina/Uruguay | 18:30 Ecuador

Sinopsis: Las galas líricas de primer nivel son siempre un evento de gran calado. Aquí pueden disfrutar de la protagonizada en 2007 por un cuarteto vocal de excepción, formado por Anna Netrebko, Elīna Garanča, Ramón Vargas y Ludovic Tézier. Están acompañados por la Orquesta Sinfónica de la Radiodifusión del Suroeste Baden–Baden y Freiburg, que dirige Marco Armiliato. En programa una variada selección de lo mejor en la historia del género en el siglo XIX.

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Otro de los grandes títulos en el catálogo operístico del autor italiano, en producción de la

Ópera de Zürich y dirección de Fabio Luisi.

Género: ópera, música clásica, música romántica, belcanto.

Intérpretes: Saimir Pirgu, George Petean, Aleksandra Kurzak, Andreas Mastroni, Judith Smichd, Julia Riley, Valeriy Murga, Chayne Davidson, Dmitry Ivanchey, Yuriy Tsiple, Deanna Breiwick, Dara Savinova, Roberto Lorenzi, Coro de la Ópera de Zürich; Tatjana Gürbaca (dirección de escena), Klaus Grünberg (escenografía e iluminación), Silke Willrett (vestuario).

Director: Fabio Luisi.

Orquesta: Philharmonia Zurich (Orquesta de la Ópera de Zürich).

Año: 2014.

Lugar: Grosse Festpielhaus, Salzburg.


Ópera en tres actos compuesta por Giuseppe Verdi (1813–1901), es la segunda en su catálogo, tras Ernani, que basa su libreto en un texto de Victor Hugo, concretamente en Le Roi s’amuse (El Rey se divierte). La adaptación corrió a cargo de Francesco Maria Piave, estrenándose el 11 de marzo de 1851 en el legendario Teatro La Fenice de Venezia. En 1850 Verdi firmó un contrato con el teatro para llevar a escena una nueva ópera en 1851 para el templo operístico, en un momento en que era ya un compositor asentado y con

una notable libertad a la hora de elegir las obras que quería acometer. Solicitó a Piave –al que le unía una trayectoria importante: Ernani, I due Foscari, Macbeth, Il corsaro y

Ópera: Rigoletto Ópera en tres actos de Giuseppe Verdi 3 de abril 20:30 Argentina/Uruguay | 18:30 Ecuador



Stiffelio– que se detuviese en Kean, una obra de Alexandre Dumas, aunque sentía que necesitaba un tema más enérgico sobre el que componer. Al poco tiempo dio con Le Roi s’amuse, un drama francés de Víctor Hugo, del que consideraba: «contiene posiciones extremadamente poderosas... El tema es grande, inmenso, y tiene un personaje que es una de las más importantes creaciones del teatro de todos los países y todas las épocas.» «El Rey se divierte es el mejor tema y quizá el mejor drama de este tiempo, Tribolet es un personaje digno de Shakespeare.» Se trataba de un tema muy controvertido, pues ya el propio Hugo había tenido problemas con la censura en Francia. Pero Verdi estaba convencido, como así hizo constar a su libretista en una misiva: «usa cuatro piernas, corre por toda la ciudad y encuéntrame una persona influyente que pueda obtener permiso para hacer Le Roi s'amuse.»

Fue en el verano de 1850 cuando empezaron a difundirse rumores de que la censura austriaca iba a prohibir la producción por el libreto. En agosto, Verdi y Piave se retiraron a Busseto, para continuar la composición y preparar un esquema defensivo, escribiendo al teatro para intentar convencer de que las dudas del censor sobre la moralidad de la obra eran injustificadas, pero poco podía hacerse. Tres meses antes del estreno llegó de nuevo la censura que vetó el libreto. Para no desperdiciar el trabajo, titulado entonces La maledizione, Piave revisó el libreto y fue incluso capaz de sacar de él otra ópera, Il Duca di Vendome, en la que el soberano era sustituido por un duque y tanto él como el jorobado y la maldición desaparecían. Verdi se mostró absolutamente contrario, prefiriendo negociar directamente con los censores para argumentar cada punto de la obra. Finalmente el asunto se resolvió gracias a la diplomacia de los administradores del teatro. Se trasladaron a Busseto y allí instaron a Verdi y Piave a que cambiasen al menos estos puntos: trasladar la acción de la Corte de Francia a un ducado de Francia o Italia; y cambiar los nombres de los protagonistas inventados por Víctor Hugo. Verdi aceptó y firmó el contrato.

Verdi supo crear un personaje casi de leyenda. Rigoletto es un deforme realmente atormentado, que a pesar de todo destila amor. En esta ópera se pueden encontrar los tres temas recurrentes en el mundo dramático verdiano: el poder, el destino y el amor. Verdi plantea una acción que fluye poderosamente gracias a unas arias y unos números de conjunto (dúos) que perfilan a la perfección la psicología de los personajes y su interrelación, repleta de contrastes. La escritura orquestal no es solo un sustento para la voz, sino que alcanza la importancia del canto en el aspecto dramático, enriqueciendo el discurso y el devenir de la escena. Ópera muy italiana, supone a la vez un gran avance en el desarrollo del drama musical verdiano, que culminará años después en Aida y Otello.

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Ópera: Rigoletto Ópera en tres actos de Giuseppe Verdi 3 de abril 20:30 Argentina/Uruguay | 18:30 Ecuador

Sinopsis: Disfruten de esta ópera inmortal en producción de la Ópera de Zürich, que cuenta con un elenco vocal de juventud, pero notable calidad, encabezado por Saimir Pirgu, George Petean, Aleksandra Kurzak, Andreas Mastroni, Judith Smichd y Julia Riley, bajo la dirección musical de Fabio Luisi y la escénica de Tatjana Gürbaca, a los que acompaña la Philharmonia Zürich.

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El proyecto musical y humano de Barenboim y Said desde el célebre Teatro Colón de

Buenos Aires, acompañados por la gran Martha Argerich.

Género: concierto, música clásica, música romántica, impresionismo, piano.

Intérpretes: Martha Argerich, Daniel Barenboim.

Director: Daniel Barenboim.

Orquesta: Orquesta West–Eastern Divan.

Año: 2014.

Lugar: Teatro Colón, Buenos Aires.

Duración: 116 minutos. El proyecto West-Eastern Divan fue concebido en 1999 por las mentes de dos artistas e intelectuales de primer orden a nivel mundial: el pianista y director de orquesta argentino-israelí Daniel Barenboim y el intelectual palestino Edward Said. Ambos creyeron en un proyecto que supusiera la creación de un taller para jóvenes músicos de Israel y otros países de Oriente Medio que facilitara el estudio y el desarrollo musical, además de la posibilidad de compartir el conocimiento y la comprensión entre culturas que han sido tradicionalmente rivales. Aquí, los músicos asistentes mejoran su nivel musical mientras conviven con jóvenes de países que pueden estar en situaciones de conflicto con el suyo propio. La base de la orquesta la componen músicos árabes e israelíes acompañados de músicos españoles. Sus primeros pasos los dieron entre Weimar y Chicago hasta que en 2002 se establecieron definitivamente en Sevilla gracias al apoyo de la Junta de Andalucía. Pero este no es únicamente un proyecto musical, sino quizá por encima de ello, un foro para el diálogo y

Concierto: La Orquesta West–Eastern Divan en el Teatro Colón Daniel Barenboim y Martha Argerich 8 de abril 19:00 Argentina/Uruguay | 17:00 Ecuador



la reflexión sobre el problema palestino-israelí. Gracias a todos los contactos interculturales que allí se realizan, el proyecto aspira a representar un importante papel en la superación de diferencias políticas y culturales entre los países representados en el taller. El uso de las palabras «West-Eastern Divan» hace referencia a una colección de poemas de Johann Wolfgang von Goethe. Sus propios fundadores comentan al respecto: «la razón por la que hemos llamado así a esta orquesta proviene del hecho de que Goethe fue uno de los primeros alemanes verdaderamente interesado en otros países, ya que empezó a aprender árabe con más de 60 años.» El Taller del West-Eastern Divan tiene lugar cada año en Andalucía. Se estructura en torno a un plan de trabajo intensivo en el que los jóvenes artistas desarrollan sus habilidades musicales, pero en el que también discuten temas diversos y distintos puntos de vista sobre el conflicto árabe-israelí. Cuando este proceso finaliza se inicia la gira de la Orquesta West-Eastern Divan. Desde su creación la Orquesta West-Eastern Divan ha ofrecido conciertos en numerosos países de Europa, América y Asia. En agosto de 2003 la orquesta tocó por primera vez en un país árabe con un concierto en Rabat y en 2005 dio un gran paso al dar su primer concierto en un país de Oriente Próximo, ofreciendo una actuación en Ramala, que fue retransmitida en directo. Asimismo, el West-Eastern Divan ha tocado en dos ocasiones en el Emirato de Catar en los años 2010 y 2011. El presente programa supone todo un ejercicio de conciliación musical, reflejo absoluta de la filosofía que el proyecto persigue desde sus inicios. Un recorrido por dos siglos de música, que comienza de la mano de Ludwig van Beethoven (1770–1827) y su Concierto para piano n.º 1, y que se traslada aún más atrás en el tiempo para interpretar la obertura de La nozze di Figaro de Wolfgang Amadeus Mozart (1756–1791). A partir de ahí se produce en interesante recorrido por la música del siglo XIX, con la presencia Robert Schumann (1810–1856) y sus Fantasiestücke Op. 12, Hector Berlioz (1803–1869) y su Suite de Carmen, para pasar a centrarse en el siglo XX, de la mano de Maurice Ravel (1875–1937), del que se interpretan algunas de sus obras más célebres: Pavane por une infante défunte y el Bolero, junto a otras menos conocidas: Rapsodie espagnole y Alborada del gracioso. Como nota de color local se interpreta El Firulete, una milonga porteña compuesta a mediados de siglo por Mariano Mores, el polifacético músico argentino.

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Concierto: La Orquesta West-Eastern Divan en el Teatro Colón Daniel Barenboim y Martha Argerich 8 de abril 19:00 Argentina/Uruguay | 17:00 Ecuador

Sinopsis: Un evento musical, pero por encima de todo conciliador. Acompáñennos a presenciar un concierto de primer nivel mundial, que presenta al proyecto musical y humanístico Orquesta West–Eastern Divan, dirigida por su cofundador, el argentino–israelí Daniel Barenboim. Junto a Martha Argerich interpretan un rico y variado repertorio de más de dos siglos, ofrecido desde una de las cunas de la música clásica en Latinoamérica, el Teatro Colón de Buenos Aires.

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Doce maestros, doce talentos, millones de seguidores que durante 40 años han disfrutado su particular virtuosismo y amplio repertorio.

Desde 1972 los Doce violonchelistas de la Filarmónica de Berlín han tenido un inmenso reconocimiento en la escena internacional. No importa si interpretan música clásica, jazz, tango o nuevas tendencias, los oyentes de todo el mundo se fascinan con el sorprendente rango y el extraordinario color que estos doce instrumentistas pueden producir. Esa fascinante mezcla de seriedad y humor, de profundidad o ligereza, atrae a audiencias de todas las edades. Son en verdad un testimonio viviente de talento, de continuidad, de capacidad de comunicación con públicos de diversos gustos y preferencias. En esta grabación en vivo de la Filarmónica de Berlín, los doce violonchelistas dan la bienvenida a Anette Dasch y Till Brönner. Interpretan obras de Piazzolla, Fauré, Legrand, Debussy, Ravel, Morricone, Ellington, entre otros variados compositores.

Concierto : Los 12 violonchelistas de la Filarmónica de Berlin – 40 años 9 de abril 17:30 Argentina/Uruguay | 15:30 Ecuador



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Concierto : Los 12 violonchelistas de la Filarmónica de Berlin – 40 años 9 de abril 17:30 Argentina/Uruguay | 15:30 Ecuador

Sinopsis: Una inagotable fuente de talento y encanto en estos doce chelistas, que durante cuarenta años

han conquistado multitudes con su variedad interpretativa y su carisma musical.

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Un recital ofrecido por una de las mejores orquestas alemanas, junto a un solista y

director de lujo, que presentan un programa doble Bartók/Mahler.

Género: concierto, música clásica, música postromántica, música contemporánea, violín, música sinfónica.

Intérpretes: Gil Shaham.

Director: Yannick Nézet-Séguin.

Orquesta: Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera.

Año: 2014.

Lugar: Herkuleessal der Residenz, München.


La Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera (Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks) fue fundada por Eugen Jochum en 1949. Tiene a Mariss Jansons como director titular hasta 2018. Está considerada como una de las mejores orquestas del mundo y la mejor orquesta de una institución radiofónica del mundo.

Se abre el concierto con el Concierto para violín n.º 2, de Béla Bartók (1881-1945), compuesto entre 1937 y 1938 por el autor húngaro. Creado en un momento en el que la Alemania nazi estaba asolando gran parte de Europa, Bartók temía que Hungría pudiera someterse ante el régimen, con todo el daño cultural que eso conllevaría. Sin embargo,

Concierto: Yannick Nézet-Séguin & Gil Shaham

Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera Estreno el 9 de abril 21:00 Argentina/Uruguay | 19:00 Ecuador



todavía había dos puntos de esperanza en su vida profesional en sus últimos años en su país natal: el apoyo del mecenas suizo y director de orquesta Paul Sacher, que le encargó tres obras de gran formato, así como la solicitud para un concierto por parte del violinista Zoltán Székely. La primera interpretación del que ha llegado a ser considerado como uno de los grandes conciertos para violín del siglo XX tuvo lugar el 24 de abril de 1939, en manos del propio Székely y la Orquesta del Concertgebouw de Amsterdam, dirigida por Willem Mengelberg. Es una partitura de escritura compleja, en la que Bartók utiliza elementos populares pero sin el empleo de melodías populares reales. Varios son los recursos compositivos que describen su lenguaje más característico, además de un uso de la atonalidad, el cromatismo, la variación… que nos trasladan a una visión puramente contemporánea.

La segunda gran obra que completa el programa es la Sinfonía n.º 1, intitulada Titan, que fue comenzada por Gustav Mahler (1860-1911) en el año 1884, sin embargo no como una sinfonía, sino como un poema sinfónico de grandes dimensiones y que adquiere el título de Titan por la novela homónima de Jean Paul, a pesar de que no se inspiró en ella para la composición. Utiliza material procedente de su malograda ópera Rübezahl sobre la que trabajó de forma recurrente y casi obsesiva. Terminada en 1888, la primera versión se estrenó en Budapest en 1889, llevando como nombre Symphonische Dichtung in zwei Teilen. En 1983 se reestrena en Hamburg bajo el nombre de Titan, aunque todavía volvería a trabajar sobre ella y finalmente se estrenará en Berlin (1896), ya sin el sobrenombre y en la forma que nos ha llegado finalmente. La sinfonía quedó finalmente estructurada en cuatro movimientos que requieren una plantilla orquestal de dimensiones enormes. Desafía la escritura de su propio lenguaje grandilocuente, ya que apenas utiliza todos los instrumentos de los que dispone salvo en el último movimiento, quedando los restantes con la cuerda y viento madera como principales protagonistas. Obra de transgresora factura, sufrió un estreno complicado y bastante frío por parte del público y la crítica. Al igual que para muchos de sus colegas directores, la obra era vista como una pieza demasiado moderna y transgresora, especialmente por la concepción burlesca de la marcha fúnebre en el tercer movimiento, además de un último movimiento que se alejaba demasiado de los cánones clásicos a los que se estaba acostumbrados. Actualmente se revela como una obra genial que no es comprendida en su momento, quizá porque se adelantada varios años a lo que está por llegar, denotando así la capacidad creadora de Mahler, que sin duda apoya la visión de que es uno de los compositores más trascendentes de finales del XIX.

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Concierto: Yannick Nézet-Séguin & Gil Shaham Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera Estreno el 9 de abril

21:00 Argentina/Uruguay | 19:00 Ecuador

Sinopsis: De entre las numerosas orquestas que componen el sistema de radiodifusión alemán, sin duda la Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera es una de las más destacadas e históricamente respetadas por su inmensa calidad interpretativa. Sirven aquí a la batuta del joven maestro canadiense Yannick Nézet-Séguin, además de al exquisito violín del intérprete estadounidense Gil Shaham, para interpretar dos obras de las más brillantes en el repertorio de los siglos XIX y XX: la Sinfonía n.º 1, «Titan», de Gustav Mahler, y el Concierto para violín n.º 2, de Béla Bartók.

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Un espectáculo único que presenta una de sus obras menos conocidas, interpretada en un

entorno indescriptible: la Catedral de Milano.

Género: ópera, música clásica, música romántica, música vocal, música sacra.

Intérpretes: Ruggero Raimondi, Bogdan Mihai, Filippo Polinelli, Luciano Ganci, Giovanni Sebastiano Sala, Christian Starineri, Maria Cioppi, Lydia Tamburrino, Isabelle Kebatu, Coro della Veneranda Fabbrica del Duomo; Cecilia Ligorio y Tiziano Mancini (dirección de escena), Franca Squarciapino (vestuario), Valerio Tiberi (iluminación y videomapping).

Director: Francesco Quattrocchi.

Orquesta: Orchestra della Veneranda Fabbrica del Duomo.

Año: 2015.

Lugar: Duomo, Milano.

Duración: 121 minutos. Moisés en Egipto (Mosè in Egitto) es un melodrama sacro en tres actos con música de Gioacchino Rossini (1792–1868) y libreto en italiano de Andrea Leone Tottola, que se basa en L’Osiride (1760), de Francesco Ringhieri. Fue estrenada el 5 de marzo de 1818 en el

célebre Teatro San Carlo de Napoli –uno de los legendarios teatros de ópera italianos–. Considerada por el propio autor como una azione tragico-sacra, se trata en realidad de una ópera de temática sacra, un drama sacro con algunos rasgos del oratorio, que permitía eludir proscripciones de interpretaciones dramáticas seculares durante la Cuaresma. Rossini la revisó tras su estreno, introduciendo el aria de oración de Moisés Dal tuo stellato soglio, una de las arias de ópera más populares del momento, que inspiró una serie de variaciones para violín y piano de Niccolò Paganini, y que sobrevive aún hoy de

Ópera: Mosè in Egitto Melodrama sacro de Gioacchino Rossini 10 de abril 15:00 Argentina/Uruguay | 21:00 Ecuador



manera profusa como aria de concierto. Rossini volvió a revisarla años después, de tal forma que en 1827 la amplia de manera notable y adapta su libreto al francés. Moïse et Pharaon, ou Le passage de la Mer Rouge (Moisés y el Faraón, o El cruce del Mar Rojo) es el resultado, una ópera en cuatro actos con un ballet, que se estrenó en París el 26 de marzo. La creación de las obras de argumento bíblico en el período de Cuaresma se reafirmó en Napoli en los últimos veinte años del siglo XVIII, pues se trataba, como dice Franco Piperno, de «un compromiso entre el período devocional tradicional de Cuaresma y la disposición favorable del soberano por conceder a los empresarios, artistas y el público una temporada más.» A diferencia de la tragedia de Ringhieri, el libretista Tottola añadió la historia de amor entre el hijo del Faraón, Osiris, y el joven hebra Elica, con el doble propósito, según dice él mismo, de hacer interesante el desarrollo de la historia y dar a Osiris una razón clara por la que él podría mostrarse más fervientemente comprometido con su padre por tener esclavos en Egipto, el pueblo de Israel. Muy apreciada por el público en los dos primeros actos, la obra fracasó miserablemente en el acto final, dando lugar no sólo a amargas disputas, sino también a largos episodios de risa, pues al parecer se produjeron importantes problemas técnicos en el complejo escenario del paso del Mar Rojo. Fue por ello que al año siguiente Rossini decide reescribir por completo el tercer acto, convirtiendo, ahora sí, a la obra en un verdadero éxito de principio a fin. Desde los años treinta del siglo XIX, después de la nueva versión francesa de 1827, la obra desapareció prácticamente de la escena, para volver allí en una fecha tan tardía como 1981, con gran éxito. Se trata de una de sus óperas menos conocidas y de las menos interpretadas, con muy pocas representaciones en los últimos años, aunque alguna de ellas haya sido realmente destacada. Estamos, pues, ante una oportunidad magnífica de ampliar repertorio y de comprobar la grandeza del talento rossiniano, que aún en las obras que no forman parte de sus magnas creaciones deja espacio para una música de gran belleza y hondura. La interpretación en la catedral milanesa hace de esta esta producción algo nunca visto hasta entonces, a lo que hay que sumar las proyecciones de videomapping que recrean un mundo casi onírico.

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Ópera: Mosè in Egitto Melodrama sacro de Gioacchino Rossini 10 de abril 15:00 Argentina/Uruguay | 21:00 Ecuador

Sinopsis: Si se unen a la ecuación una obra de gran interés, pero de las menos conocidas en el catálogo de un compositor, y la interpretación de la misma en un entorno de auténtico ensueño, el resultado no puede sino espectacular. Eso es lo que les ofrecemos en el presente programa, con la presencia de este melodrama sacro de Rossini en versión de la Orchestra e Coro della Veneranda Fabbrica del Duomo, que bajo la dirección de Francesco Quattrocchini está protagonizado por un elenco vocal de lujo, encabezado por Ruggero Raimondi, Bogdan Mihai, Filippoe Polinelli, Maria Cioppi y Lydia Tamburrino, entro otros. La grabación en Duomo milanés y la proyección de videomapping hacen de esta una producción única.

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El conjunto francés ofrece dos piezas concertantes de entre las más gloriosas en el

catálogo del genio de Bonn.

Género: concierto, música clásica, música romántica, violín, piano.

Intérpretes: Plamena Mangova (piano), Aylen Pritchin (violin).

Director: Nicolas Krauze.

Orquesta: Orquesta de Cámara Nouvelle Europe.

Año: 2014.

Lugar: Flagey Arts Center, Bruxelles (piano); Francia (violín).


La Orquesta de Cámara Nouvelle Europe une a músicos jóvenes de toda Europa que están viviendo en la actualidad en Paris y que comparten altas habilidades musicales, pues la mayoría está empezando su carrera internacional como solistas y/o intérpretes de cámara. La orquesta cuenta entre sus filas con no menos de seis ganadores de premios internacionales en el ámbito de la interpretación. Uno de los objetivos de la orquesta es reunir el mundo de solista con el orquestal, dando así la oportunidad a sus miembros tanto para la interpretación solística como para el acompañamiento de solistas de fama mundial. Creada en 2004 por Nicolas Krauze, ha realizado más de 400 conciertos por toda Europa en las mejores salas y festivales. Recientemente está viviendo grandes oportunidades de desarrollo, con temporadas regulares en Francia, así como la posibilidad de viajar por Europa y América del Sur durante las próximas temporadas. Está compuesta por entre 15 y 35 músicos, ha logrado crear un sonido único por su compacidad y virtuosismo, con una preferencia por los repertorios de los siglos XIX a XXI. Algunos proyectos específicos plantean a la OCNE la posibilidad de centrase en la creación contemporánea, como las

Concierto: Orquesta de Cámara Nouvelle Europe Beethoven a solo Estreno el 10 de abril 16:30 Argentina/Uruguay | 14:30 Ecuador



recientes interpretaciones de obras de autores como Nicolas Bacri, Karol Beffa, Mikolaj Majkusiak, Alexandre Bénéteau y Evgueni Galperine. Está ampliamente considerada como una de las mejores y más activas orquestas de cámara en Francia en la actualidad, apareciendo regularmente acompañada por solistas de fama mundial.

El Concierto para piano n°1 en do mayor op. 15, que data de 1796, fue comenzado ese mismo, pero terminado probablemente al año siguiente. Su estreno tuvo lugar en Praga en 1798, con el propio Beethoven como solista. Beethoven consideraba que «no pertenecía a sus mejores obras del género» y reclamaba la indulgencia de sus colegas y del público. Sin embargo, llama la atención su madurez, su frescura inventiva y su vigor: la obra es seductora de principio a fin. Se trata, en realidad, del tercer intento del compositor en este género, que siguió a un concierto en Mi bemol mayor que nunca llegó a publicarse, además del publicado como n.º 2, en Si bemol, que en realidad fue compuesto unos diez años antes, pero no fue publicado hasta 1801. Al igual que sucede con su segundo concierto, se observa aquí la asimilación por parte de Beethoven de los estilos de Wolfgang Amadeus Mozart y Franz Joseph Haydn, aunque añadiendo algunas de sus principales características estructurales, de textura, lenguaje armónico y expresividad tan personales y únicas de Beethoven. El Concierto para violín en Re mayor Op. 61 de Ludwig van Beethoven fue compuesto en 1806, y es el único concierto del compositor para este instrumento admitido como propio. Es una importante obra del repertorio, muy interpretada desde entonces, que demuestra su inmensa capacidad creadora para el universo violinístico. Se estrenó el 23 de diciembre de 1806 en el Theater an der Wien, en interpretación de Franz Clement, destacado violinista del momento para el que Beethoven lo había compuesto. La leyenda dicta que el autor alemán concluyó la parte solística tan tarde que Clement tuvo que leer a primera vista algunos de los pasajes en su estreno. Clement interrumpió el concierto entre el primer y el segundo movimiento para interpretar una composición propia, no sabemos si para mostrar su descontento o para hacer ver que era un mejor intérprete de lo que las condiciones les obligaron a hacer. La obra no tuvo buena recepción por parte de los espectadores, y el concierto fue ejecutado pocas veces durante las décadas siguientes. La obra fue resucitada hacia 1844, 17 años después de la muerte de Beethoven, interpretada por Joseph Joachim y con la dirección orquestal de Felix Mendelssohn.

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Concierto: Orquesta de Cámara Nouvelle Europe Beethoven a solo Estreno el 10 de abril 16:30 Argentina/Uruguay | 14:30 Ecuador

Sinopsis: Disfruten de esta joven pero sólida agrupación francesa, la Orquesta de Cámara Nouvelle Europe, que dirige Nicolas Krauze, en la interpretación de un doble programa dedicado a Ludwig van Beethoven, con el primero de sus conciertos para piano y el único concierto para violín que se ha conservado en su catálogo. La historia de cómo se erigió el Beethoven concertante en un recital que les entusiasmará.

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El regreso del artista a los escenarios con un impresionante y poderoso espectáculo

audiovisual en el que interpreta temas nuevos además de algunos de sus hits.

Género: concierto, pop, rock.

Intérpretes: Peter Gabriel, Ane Brun, Melanie Gabriel, Sevara Nazarkhan, Tom Cawley.

Director: Ben Foster.

Orquesta: New Blood Orchestra.

Año: 2011.

Lugar: Hammersmith Apollo, London.


New Blood Live es el tercer álbum en vivo del británico Peter Gabriel. Grabado en el HMV Hammersmith Apollo de Londres el 23 y 24 de marzo de 2011, el concierto contó con Peter Gabriel cantando con la New Blood Orchestra y las actuaciones vocales de Ane Brun, Melanie Gabriel, Sevara Nazarkhan y Tom Cawley. La lista de temas interpretados incluye canciones que van desde los covers con orquesta que se encuentran en su anterior álbum, Scratch My Back, a los nuevos arreglos orquestales que han realizado de principales canciones en solitario, la mayoría de los cuales ya aparecieron en el álbum de estudio de que se tituló como New Blood. La grabación del directo presenta una impresionante visión en 3D y HD, que dan una nueva cara a este espectáculo. Los arreglos orquestales fueron realizados por John Metcalfe junto al propio Peter Gabriel, a excepción de Signal to Noise, que fue realizada por Peter Gabriel y Will Gregory, además de The Book of Love, la cual ha sido firmada por Nick Ingman. La dirección

Iconos: Peter Gabriel New Blood Live 15 de abril 18:15 Argentina/Uruguay | 16:15 Ecuador



orquestal corre a cargo de Ben Foster, bien conocido por su trabajo en la serie de ciencia ficción producida por la BBC Doctor Who. La recepción del espectáculo ha sido en general buena. En The Independent, Andy Gill calificó al álbum con tres estrellas sobre cinco y dijo del mismo que «el efecto global puede ser agotador» y que «los nuevos arreglos de las canciones abren callejones oscuros de significado».

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Íconos: Peter Gabriel New Blood Live 15 de abril 18:15 Argentina/Uruguay | 16:15 Ecuador

Sinopsis: New Blood Live es un novedoso e innovador espectáculo con el que el cantante y multiinstrumentista británico regresa a los escenarios. No se pierdan la oportunidad de presenciar este concierto, grabado en 3D y HD, del legendario cantante en el que podrán presenciar una imponente puesta en escena con proyecciones audiovisuales y el espectacular acompañamiento de una orquesta y banda formada por 46 instrumentistas.

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Daniel Barenboim se acerca a la inmensa figura de Bruckner, uno de los maestros más respetados en la creación sinfónica de la historia.

Género: concierto, música clásica, música romántica, música sinfónica.


Orquesta: Orquesta Estatal de Berlin.

Año: 2010.

Lugar: Philharmonie, Berlin.


Hay algunos nombres en la historia de la música que han pasado directamente a encumbrase en relación a un género concreto. Si la música para tecla es inmediatamente asociada a Johann Sebastian Bach, los madrigales a Claudio Monteverdi, los conciertos para piano a Wolfgang Amadeus Mozart, o los conciertos para violín a Antonio Vivaldi, el género sinfónico, tiene, sin embargo, muchos nombres a los que se recurre de manera automática. Quizá Ludwig van Beethoven, el propio Mozart o Franz Joseph Haydn son los más recurrentes, sin embargo existen otros, que sin ser tan célebres deben estar, por méritos más que sobrados, entre la lista de los mejores sinfonistas de la historia. Johannes Brahms, Jean Sibelius o Anton Bruckner (1824-1896) son algunos de ellos. Este último, compositor y organista alemán de enorme talento, tiene ganado, gracias a sus nueve sinfonías, el título de uno de los mejores sinfonistas de la historia.

Concierto: Sinfonía n.º 4 de Anton Bruckner Daniel Barenboim y Orquesta Estatal de Berlin Estreno el 16 de abril 21:30 Argentina/Uruguay | 19:30 Ecuador



Compuso su Sinfonía n.º 4 en Mi bemol mayor entre el 2 de enero y el 22 de noviembre de 1874. Bruckner, que sin embargo era muy dado a revisar sus composiciones, volvió a ella el 18 de enero de 1878 y el 5 de junio de 1880. Es esta última, la versión denominada «de 1880» o «de 1878/1880», la que se llevó a estreno cuando Hans Richter la interpretó con la Filarmónica de Viena el 20 de febrero de 1881. El director Anton Seidl preguntó en cierta ocasión a Bruckner si tenía previsto realizar más cambios, y este volvió a revisarla en 1886, versión esta que Seidl dio a conocer con la Filarmónica de New York el 16 de marzo de 1888, en la capital neoyorquina. En ese momento la versión de 1874 de la obra ya había sido escuchada allí, en la versión de la Sociedad Sinfónica de New York con Walter Damrosch al frente, el 5 de diciembre, 1885, que por lo que se sabe fue la primera interpretación en Estados Unidos de una obra de Bruckner.

La Cuarta Sinfonía de Bruckner es la única de sus nueve a la que dio un subtítulo. A

pesar de que no era esencialmente un compositor romántico –al menos en el sentido en que figuras como Weber, Schumann, Mendelssohn y Wagner encarnan los ideales del

movimiento estético llamado Romanticismo–, esta sinfonía del autor alemán evoca el Romanticismo teutón en sus alusiones a la caza y, por extensión, en su brillante escritura en los instrumentos que más se asocian con la persecución, los trompas. En el fondo Bruckner se preocupa más de cerca por la improvisación y la fantasía formal que por el estructuralismo clásico, el cual transige en varias ocasiones. Parece bastante razonable pensar que Bruckner tenía en mente un programa para esta obra, al menos así parecen evidenciarlo algunas declaraciones, como las que aparecen en una misiva al director de orquesta Hermann Levi del 8 de diciembre de 1884: «en el primer movimiento, tras una larga noche de sueño, la trompa anuncia el nuevo día; en el segundo movimiento, canción; en el tercero, entretenimiento musical de los cazadores en el bosque.» En otra carta, ahora al compositor Paul Heyse, el 22 de diciembre de 1890, comenta: «en el primer movimiento de la Cuarta Sinfonía «Romántica» la intención es reflejar la trompa que proclama la llegada del día desde el Ayuntamiento. Arranca entonces la vida cotidiana. En el Gesangsperiode [el segundo sujeto temático] el tema es el canto del carbonero Zizipe. Para el segundo movimiento: canción, plegaria, serenata. En el tercero: cacería, y, en el Trio, como un organillo que toca durante el almuerzo en el bosque.» El autógrafo del Scherzo y el Finale de la versión de 1878 contiene anotaciones como Jagdthema (tema de caza), Tanzweise während der Mahlzeit auf der Jagd (aire de danza durante el almuerzo en la cacería) y Volksfest (festival popular). No parece haber ninguna clase de programa para la tercera versión (1880) del movimiento final de la sinfonía.

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Sinopsis: Si disfrutan especialmente con el género sinfónico, no pueden perderse este programa, en el que el gran director argentino-israelí Daniel Barenboim se pone al frente de la Orquesta Estatal de Berlin para interpretar una obra única: la Sinfonía n.º 4 , «Romántica», de Anton Bruckner. Una comunión fascinante entre compositor, orquesta y director que les mantendrá pegados a sus asientos durante más de una hora.

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Uno de los tenores más afamados del mundo en una de las localizaciones más célebres del mundo, el Central Park neoyorquino.

Género: concierto, música clásica, ópera, música popular.

Intérpretes: Andrea Bocelli, Celine Dion, Tony Benett, Bryn Terfel, Westminster College Choir.

Director: Alan Gilbert.

Orquesta: Filarmónica de New York.

Año: 2011.

Lugar: Cental Park, New York.


Andrea Bocelli (1958) es un caso excepcional en el mundo de la ópera de finales del siglo XX y principios del XXI. Se trata de un tenor italiano que ha forjado su carrera a medio camino entre la ópera, de la que ha protagonizado algunos de los roles más importantes de tenor en óperas como Il Trovatore, Andrea Chénier, Cavalleria Rusticana, La Bohème, Tosca, Roméo et Juliette, Pagliacci, Werther o Manon Lescaut, pero especialmente como cantante lírico del mainstream, al que accedió a través de sus álbumes que conjugan arias de óperas con canciones pop en arreglos cercanos al mundo de la música clásica. Ha sido capaz de vender más de 75 millones de discos en todo el mundo.

Iconos: Andrea Bocelli Live in Central Park 17 de abril 15:00 Argentina/Uruguay | 21:00 Ecuador



Otra de las características que sorprenden en Bocelli es su ceguera, con la que nació parcialmente y que se volvió total a la edad de 12 años. Sin embargo, el cantante italiano no permitió que esta discapacidad hiciera mella en su carrera y a la par que cursaba estudios de derecho en la universidad se formó vocalmente de la mano de Franco Corelli, uno de los tenores más grandes del siglo XX. Tras actuar en diversos locales mientras seguía su formación, la gran oportunidad de Bocelli vino de la mano del cantante rock Zucchero, quien en 1992 realizó audiciones de tenores para realizar un demo de su canción Miserere con la que esperaba convencer al tenor Luciano Pavarotti para que cantara a dúo con él. Finalmente la grabó con Bocelli y cuando el gran Pavarotti escuchó la demo le dijo: «¡Usted no necesita de mí. No podría hacerlo mejor!». Posteriormente Zucchero emprendió una gira por Europa en la que el dúo lo realizaba con Bocelli, que fue acogido de manera espectacular por el público, al punto de permitírsele cantar como solista en una parte de él. En 1994 es invitado a participar en la sección oficial del Festival de San Remo con la canción Il mare calmo della sera, obteniendo una puntuación récord. Publica entonces su primer álbum, con el que consigue un éxito fulgurante, obteniendo rápido su primer disco de platino. Al año siguiente, vuelve al Festival con la canción Con te partirò, con la que consigue un doble platino. Desde entonces su éxito ha venido en ascenso permanente, llegando a vender millones de discos con algunos de sus discos, como Romanza, que logró la impresionante cifra de 17 millones de copias vendidas. Entre sus méritos se encuentran varias nominaciones a los Grammy o su presencia en Libro Guinness de los Records con su disco Sacred Arias, que se convierte en el álbum de clásico más vendido en la historia por un solo artista. El presente recital, grabado en 2011 en el Central Park neoyorquino, ofrece una serie de piezas que suponen la ejemplificación perfecta de la carrera del tenor italiano. Se presenta algunas arias de óperas de primer nivel en la historia: La donna è mobile (Rigoletto de Giuseppe Verdi), Les Pêcheurs de perles de Georges Bizet, E lucevan le stelle y Te deum (Tosca de Giacomo Puccini), O soave fanciulla’ (La Bohème de Puccini), Nessun dorma (Turandot de Puccini)… A esta se le añaden piezas de carácter popular o composiciones cercanas al mundo de la música popular urbana: Funiculì funiculà (Luigi Denza), O’ Sole Mio (Eduardo di Capua), Volare (Franco Magliacci), New York, New York (John Kander y Fred Ebb), Amazing Grace… Se acompaña para la ocasión de artistas y amigos de gran importancia en el mundo de la música pop y también de la ópera, como Celine Dion y Tony Bennett, o el barítono galés Bryn Terfel. El apartado puramente instrumental también tiene cabida con la presencia de algunas piezas orquestales, como las oberturas de La forza del destino (Giuseppe Verdi) y Candide (Leonard Bernstein).

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Iconos : Andrea Bocelli Live in Central Park 17 de abril 15:00 Argentina/Uruguay | 21:00 Ecuador

Sinopsis: Allegro HD les invita a disfrutar del recital que el tenor italiano Andrea Bocelli ofrece desde el legendario Central Park, en un recital en el que repasa algunos de los grandes éxitos operísticos junto a temas de diversa procedencia y género, y se acompaña de algunos amigos.

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El conjunto francés ofrece a un Beethoven sinfónico que traspasa las fronteras de su

propia creación por etapas.


Director: Nicolas Krauze.

Orquesta: Orquesta de Cámara Nouvelle Europe.

Año: 2014–2015.

Lugar: Francia (Coriolano); Flagey Arts Center, Bruxelles (Sinfonía n.º 2); Neuilly–sur–Seine (Sinfonía n.º 7).


Este triple programa sinfónico dedicado a Beethoven se abre con una de sus mejores obras dentro del género de la obertura: la Obertura Coriolano, Op. 62 [Coriolan-Ouvertüre], que fue compuesta en 1807 por el genio de Bonn, y que a pesar de utilizar su nombre no se inspiró en la obra homónima de William Shakespeare, sino que fue creada como introducción musical a una tragedia del jurista y poeta alemán Heinrich Joseph von Collin, a quien está dedicada. El tema está inspirado en la figura del romano Cayo Marcio Coriolano. La obra literaria se había estrenado en 1802, representándose en múltiples ocasiones durante los tres años siguientes. Para la representación pública en abril de 1807 únicamente se concibió un pase, con el fin de reunir la música de Beethoven y la pieza teatral de Collin. En dicho estreno, que se realizó en el palacio del príncipe Lobkowicz en Viena, la música fue dirigida por el propio compositor. La obra pasó durante años al olvido, aunque hoy se interpreta con mayor asiduidad. El tema central, la libertad

Concierto: Orquesta de Cámara Nouvelle Europe Beethoven sinfónico Estreno el 17 de abril 16:30 Argentina/Uruguay | 14:30 Ecuador



del héroe alienado por su entorno, logra en manos de Beethoven un brillante tratamiento y dramatismo.

La Sinfonía n.º2 en Re mayor, Op. 36 data de 1802, poco más de año desde la composición de la primera, lo que es poco tiempo si tenemos en cuenta el que tardó en componer la anterior. Ese año es importante en la vida de Beethoven por circunstancias trágicas: su sordera comienza a mostrarse de manera cruda, lo que afecta poderosamente a su estado anímico, llevándole a escribir su célebre Testamento de Heiligenstadt el 6 de Octubre. Sin embargo, en sus sinfonías todavía queda espacio para la alegría, la energía y la aparente luz vital, sentimientos absolutamente antagónicos a los que aparecen en ese texto. En esta sinfonía todavía mantiene algunas decisiones que la llevan a resultar en cierta medida innovadora. La instrumentación sigue el modelo de las orquestas de Haydn y Mozart y la plantilla utilizada es la misma de la primera sinfonía, destacándose como en ella el uso de dos clarinetes. Es una obra considerablemente más larga que la anterior, compuesta en los habituales cuatro movimientos, al igual que la primera, que se estrenó en el Theater an der Wien en Viena el 5 de abril de 1803 bajo la dirección del propio compositor.

La Sinfonía n.º 7 en La mayor, op. 92 fue compuesta en 1811 y está dedicada al conde Moritz von Fries. Se estrenó en Viena el 8 de diciembre de 1813 durante un concierto de caridad para los soldados heridos en la Batalla de Hanau que fue dirigido por el propio autor. La orquesta estaba repleta de grandes músicos de la talla de Louis Spohr, Giacomo Meyerbeer, Mauro Giuliani, Johann Nepomuk Hummel, Ignaz Moscheles, Domenico Dragonetti, Andreas Romberg y Antonio Salieri. El propio Spohr cuenta en su autobiografía que para el estreno de la obra el maestro de Bonn estaba tan sordo que no era capaz de percibir los pasajes piano de su propia obra. Durante el Allegro en uno de estos pasajes el maestro no percibía lo que sonaba y durante un rato la orquesta iba por un lado y él por otro, de tal forma que cuando en un pasaje llegaba la presencia de un forte, Beethoven, que iba contando para su interior al no escuchar la orquesta, marcó de manera contundente el matiz, pero no ocurrió nada. Cuando pasaron unos compases y la orquesta atacó el forte en el punto conveniente, Beethoven pudo por fin escuchar algo y salir de su error. A pesar de todo el estreno obtuvo un gran éxito. Hacía cinco años que Beethoven no presentaba al público una nueva sinfonía y por esto fue recibida con gran entusiasmo, de tal forma que seu Allegretto tuvo que ser repetido ante la insistencia del público.

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Concierto: Orquesta de Cámara Nouvelle Europe Beethoven Sinfónico Estreno el 17 de abril 16:30 Argentina/Uruguay | 14:30 Ecuador

Sinopsis: La Orquesta de Cámara Nouvelle Europe, que dirige Nicolas Krauze, les invita a deleitarse con un programa sinfónico creado por el que ha sido, sin duda, uno de los grandes genios en el tratamiento de la orquesta. De Ludwig van Beethoven se interpretan su Obertura Coriolano y su Segunda y Séptima sinfonías. Todo un lujo brindado por una de las mejores agrupaciones en su campo en la actualidad.








Gran producción vienesa de uno de los grandes títulos operísticos verdianos, con un

elenco vocal de excelencia y la batuta de Zubin Metha.

Género: ópera, música clásica, música romántica, belcanto.

Intérpretes: Nina Stemme, Carlos Álvarez, Alastair Miles, Salvatore Litrica, Tiziano Bracci, Nadia Krasteva, Elisabeta Marin, Dan Paul Dumitrescu, Michael Roider, Clemens Unterreiner; Coro de la Ópera estatal de Viena; Ballet Estatal de Viena; David Pountney (dirección de escena), Richard Hudson (escenografía y vuestuario), Beate Vollack (coreografía), Fabrice Kebour (iluminuación).

Director: Zubin Metha.

Orquesta: Orquesta de la Ópera Estatal de Viena.

Año: 2008.

Lugar: Ópera Estatal, Wien.


Ópera en cuatro actos sobre libreto de Francesco Maria Piave, basado en la dramaturgia de Ángel de Saavedra, Duque de Rivas, titulada Don Álvaro o la fuerza del sino. Giuseppe Verdi (1813-1901) compuso La fuerza del destino (La forza del destino) a comienzos de la década de 1830. Fue estrenada el 10 de noviembre de 1832 en el Teatro

Mariinsky de San Petersburgo –por aquel entonces Teatro Bolshói Kámenny–, quien realizó el encargo al propio autor italiano. El estreno no dejó muy satisfecho al público, que esperaba una obra de corte menos dramático. Aun con todo, el zar Alejandro II de Rusia,

Ópera: La forza del destino Ópera en cuatro actos de Giuseppe Verdi Estreno el 17 de abril 18:00 Argentina/Uruguay | 16:00 Ecuador



que acudió a la cuarta representación, felicitó efusivamente a Verdi; incluso la crítica terminó mostrándose favorable ante la creación del genio italiano.

La obra sufrió algunas revisiones posteriores, que se presentaron en algunas representaciones, como Roma en 1863, o el Teatro Real de Madrid, con la asistencia del mismo Verdi y la presencia del duque de Rivas. Verdi encomendó después a Piave una revisión del libreto para el estreno italiano, en el que pretendía «buscar la forma de evitar todos esos muertos». Una indisposición de salud de este hizo que fuera Antonio Ghislanzoni el encargado de la revisión, quien alteró radicalmente el final, además del

tercer acto y algunas otras partes. Verdi además compuso una nueva obertura –reemplazando al breve preludio–, concebida ahora como una larga introducción con motivos de la ópera; y añadió una escena final en el Acto III, después del duelo entre Carlos y Álvaro. El estreno de esta segunda versión fue el más conocido y es la versión que más se interpreta y graba actualmente. Este tuvo lugar el 27 de febrero de 1869 en el Teatro alla Scala de Milano. Actualmente la obra permanece en repertorio, estando entre las cien óperas más representadas de los últimos años, aunque ocupa el undécimo puesto entre las óperas de su autor.

La acción transcurre en la España del siglo XVIII. El argumento de la ópera verdiana es complejo, pero se ajusta a aquella famosa frase: el tenor intentaba seducir a la soprano pero que el barítono lo impedía. En este caso el tenor es Don Álvaro, el indiano, que está enamorado de Leonora de Vargas (soprano). Como el padre de ella, el Marqués de Calatrava (bajo), no admite esta relación, ambos planean su huida. Sin embargo esta se hace imposible al descubrir el padre de la joven las intenciones de la pareja. En ese momento, por voluntad del destino, el arma de Don Álvaro se dispara al caer al suelo, provocando al marqués una herida mortal. Entonces ambos huyen por caminos distintos, ante la persecución del hijo del marqués y hermano de Leonora, Don Carlos de Vargas (barítono). Éste coincide con el indiano en un campamento militar en Italia, aunque ninguno de los dos reconoce su verdadera identidad y ambos juran una amistad eterna. Pero, casualmente, Don Carlos descubre la identidad del joven amante, y ambos se enfrentan en un duelo a muerte, que no llega a realizarse. Don Álvaro ingresa entonces en un convento, donde es de nuevo hallado por su rival, originando un nuevo combate en el que Carlos es herido de muerte. El destino quiere que al pedir ayuda Don Álvaro se encuentre con Leonora, que, con la ayuda del Padre Guardián (bajo), aguardaba en una ermita hasta el final de sus días. Moribundo, Don Carlos apuñala a su hermana, que fallece poco después ante las impotentes miradas de Álvaro y del Padre Guardián.

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Ópera: La forza del destino Ópera en cuatro actos de Giuseppe Verdi Estreno el 17 de abril 18:00 Argentina/Uruguay | 16:00 Ecuador

Sinopsis: Les invitamos a descubrir esta fantástica creación operística de Giuseppe Verdi, uno de los mejores operistas de la historia. Una producción desde la Ópera Estatal de Viena que reúne a un elenco vocal de primero orden, protagonizado por Nina Stemme, Carlos Álvarez, Alastair Miles, Salvatore Litrica, Tiziano Bracci y Nadia Krasteva. La dirección corre a cargo del gran Zubin Metha, en lo musical (Orquesta de la Ópera Estatal de Viena), y David Pountney, en lo escénico.

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El tradicional concierto de apertura de este fantástico festival de la mano de la

Filarmónica de Viena, bajo la dirección del gran maestro francés.

Género: concierto, música clásica, música postromántica, música contemporánea, ópera.

Intérpretes: Anna Prohaska, Dorothea Röschmann, Anna Larsson, Johan Botha, Coro de la Sociedad de Conciertos de la Ópera Estatal de Viena.

Director: Pierre Boulez.

Orquesta: Orquesta Filarmónica de Viena.

Año: 2011.

Lugar: Grosses Festpilhaus, Salzburg.

Duración: 95 minutos. Pierre Boulez es, a todas luces, una de las figuras fundamentales en el desarrollo de la música clásica durante el siglo XX. Compositor y director, músico completo como pocos, sirva este concierto como homenaje a su reciente pérdida el 5 de enero de 2016. Su imaginación resoluta, enorme fuerza de voluntad y una despiadada combatividad artística le aseguraron, en su juventud, una posición primordial en la escena musical parisina de vanguardia. Sus predecesores, en su opinión, no habían sido lo suficientemente radicales con el arte, y en su obra encontramos una sutil combinación del serialismo de la Escuela de Viena con la irregularidad rítmica abierta con anterioridad por Igor Stravinsky y Olivier Messiaen. Su llamada hacia una modernidad renovada fue ampliamente escuchada y profusamente seguida durante la década de 1950, pero su capacidad se fue debilitó gradualmente a partir de entonces, y en la misma medida su creatividad se desvaneció. Comenzó a ser más activo como director de

Concierto: Pierre Boulez Concierto de apertura del Festival de Salzburg 23 de abril 18:00 Argentina/Uruguay | 16:00 Ecuador



orquesta, en un primer momento como gran especialista del amplio repertorio del siglo XX, para pasar después, en la década de 1970, a abarcar un repertorio realmente amplio y sin etiquetas. Hacia el final de esa década centró buena parte de su atención al estudio de la música electroacústica en un estudio construido ex profeso para él en Paris, donde esperaba reanudar el esfuerzo e interés por crear un nuevo lenguaje musical sustentado en una base racional. Tras un breve período, sin embargo, dirigir se convirtió de nuevo en su principal medio para expresar su independencia y claridad de visión artística. En este programa, ya cercano al final de su carrera, Boulez hace casi un resumen de su carrera como director, centrándose primeramente en la creación contemporánea, de la mano de Alban Berg (1885–1935), autor austríaco del que fue gran defensor e intérprete. De él se interpreta la Suite Lulu (1934), extraída de su genial ópera, un magnífico ejemplo de la composición operística puramente dodecafónica. Se completa esta parte con el aria de concierto Der Wein (1929), obra cuyo texto es una traducción al alemán de Stefan George de tres poemas de Las flores del mal [Les fleurs du mal], de Charles Baudelaire. Música realmente transgresora en la que encontramos multitud de referencias y elementos sorpresivos, como referencias al tango, la introducción del saxo alto, sonoridades armónicas cercanas al jazz, uso del recurso del palíndromo musical en su estructura… La segunda parte, central del concierto, se detiene en la figura de Gustav Mahler (1860–1911), concretamente en su Canción del lamento [Das klagende Lied], cantata compuesta para tres solistas, gran coro mixto y orquesta de enormes dimensiones, que en su momento fue definida como una «gran ópera espectral para los ojos de la mente.» Obra sometida a profundas y numerosas revisiones, se ofrece aquí en su forma final, revisada entre 1889 y 1899, aunque no fue estrenada hasta dos años después, y es la que ha quedado como parte del repertorio de manera permanente, siendo considerada como una obra de sumo interés.

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Concierto: Pierre Boulez Concierto de apertura del Festival de Salzburg 23 de abril 18:00 Argentina/Uruguay | 16:00 Ecuador

Sinopsis: Como es habitual, la Orquesta Filarmónica de Viena inaugura la celebración del Festival de Salzburg, uno de los más destacados del panorama internacional. Disfruten de este magnífico concierto en el que, la que es considerada como una de las mejores orquestas del mundo, se pone a las órdenes del gran Pierre Boulez, para acompañar a las voces de Anna Prohaska, Dorothea Röschamann, Anna Larsson y Johan Botha en un suculento recital de música postromántica y contemporánea.

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El director letón se pone el frente de su actual orquesta para ofrecer un fantástico

programa de compositores rusos desde la mítica Odeonsplatz muniquesa.

Género: concierto, música clásica, música romántica, balalaika, música sinfónica.

Intérpretes: The Terem Quartet.

Director: Mariss Jansons.

Orquesta: Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera.

Año: 2014.

Lugar: Odeonsplatz, München.


Hay algunos lugares que parecen hechos expresamente, a pesar de no serlo, para la realización de conciertos. La Odeonsplatz es una de las plazas más singulares del Altstadt muniqués. Es un lugar emblemático de la ciudad alemana, que ha sido testigo de algunos eventos singulares en su historia. En 1923 tuvieron lugar aquí sangrientos enfrentamientos tras el «Golpe de Múnich». Acceso septentrional al centro histórico muniqués, sobresale en su centro el monumental «Pórtico de los Mariscales» [Feldherrnhalle]. Esta logia fue concebida por el arquitecto Friedrich von Gärtner a instancias del rey Luis I y construida entre 1841 y 1844. La plaza está rodeada por otros importantes monumentos. A un lado los confines de la Residencia real y el Hofgarten; al otro la iglesia barroca Theatinerkirche. Lugar de encuentro y buena puerta de acceso y salida del centro histórico, el 9 de noviembre de 1923 tuvieron lugar unos sangrientos enfrentamientos frente a la Feldherrnhalle, entre miembros del Partido Nazi y las fuerzas del orden de Baviera. Un

Concierto: La noche rusa Concierto en Odeonsplatz con Mariss Jansons y la Sinfónica de la Radio de Baviera Estreno el 23 de abril 21:00 Argentina/Uruguay | 19:00 Ecuador



día antes, Adolf Hitler y sus seguidores habían intentado perpetrar sin éxito un golpe de estado, el conocido como «Golpe de Múnich» o «de la Cervecería». Durante el Tercer Reich fue el lugar predilecto para los homenajes y desfiles militares.

Este el fantástico lugar elegido para la celebración de este concierto, que bajo el título La noche rusa, presenta un programa íntegramente dedicado a compositores del país transcontinental de los siglos XIX y XX. Se abre con el Capriccio italiano Op. 45 de Piotr Illych Tchaikovsky (1840-1893), quizá el maestro ruso con el que comenzó todo. Del menos conocido Alexander Tchaikovsky (1946), compositor que forjó su nombre en la década de 1970, se interpreta su Sinfonía «jardín», una obra muy poco interpretada fuera de las fronteras de su país. Aleksandr Borodin (1833-1887), coetáneo de Tchaikovsky, está representado por sus célebres Danzas polovtsianas, repletas del exotismo de la ópera rusa del XIX, extraídas de El Príncipie Igor. Nikolay Rimsky-Korsakov (1844-1908), quizá el último gran autor ruso del XIX, está presente por partida doble: por un lado con La batalla de Kerzhenets, extraída de La leyenda de la invisible ciudad de Kitezh y la doncella Fevróniya, ópera en cuatro actos basados en leyendas rusas; por otro lado con su afamado Capricho español Op. 34, enmarcada dentro de la visión exótica y poco cercana a la realidad que los compositores extranjeros tenían de España.

Otro autor contemporáneo es Evgeny Petrov (1972), que destacada también como clarinetista, de quien se interpreta La serenata, una poderosa obra orquestal en arreglo aquí para conjunto de balalaikas y contrabajo solista. De Dmitry Shostakovich (1906-1975), el último gran compositor de la tradición rusa, se interpreta su Obertura festiva Op. 96, una de sus obras quizá menos interpretadas, compuesta para conmemorar el XXXVII aniversario de la Revolución de Octubre. Aram Khachaturian (1903-1978), compositor de origen armenio, gran director y profesor, aparece representada por sendas obras, ejemplo de sus composiciones para ballet: el Adagio de Spartacus, y la famosísima Danza del sable de Gayaneh. Sin duda un concierto de ricas sonoridades, de obra muy descriptivas y evocadoras de la multiculturalidad y la personalidad prismática de un país de la dimensiones y riqueza artístico–cultural de Rusia. Una manera brillante y hermosa de hermanar dos países que durante largo tiempo tuvieron profundas diferencias y que, en pleno siglo XXI, se une de la mejor manera posible, la que solo la música es capaz de provocar.

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Concierto: La noche rusa Concierto en Odeonsplatz con Mariss Jansons y la Sinfónica de la Radio de Baviera Estreno el 23 de abril 21:00 Argentina/Uruguay | 19:00 Ecuador

Sinopsis: Deléitense con este concierto a cargo de la Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera, bajo la batuta de su director titular, Mariss Jansons, quienes ofrecen un extraordinario programa dedicado a maestros rusos, con la colaboración del conjunto de balalaikas The Terem Quartet. Todo ello ofrecido desde un lugar realmente espectacular: la legendaria Odeonsplatz de München.

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En esta nueva producción del gran coreógrafo francés se invita a disfrutar de una mirada retrospectiva de sus 53 años de carrera.

Género: ballet, contemporáneo, música clásica, jazz, música popular.

Intérpretes: Béjart Ballet Lausanne.

Director: Maurice Béjart/Gil Roman.

Año: 2008.

Lugar: Palais des Sports, Paris.


Maurice Berger, conocido con el seudónimo de Maurice Béjart (1927-2007) fue un bailarín y coreógrafo francés, aunque nacionalizado belga. Será recordado como uno de los grandes coreógrafos europeos del siglo XX, especialmente con su trabajo con el Béjart Ballet Lausanne, que fundó en 1987 y que ha sido el instrumento para engrandecer aún más su obra. Fascinado por un recital de Serge Lifar, decidió dedicarse por entero a la danza. Se formó en el sur de Francia con Mathilde Kschessinska. En 1945 pasó a formar parte del cuerpo de ballet de la Ópera de Marsella. A partir de 1946 sigue su formación con varios maestros: Madame Rousanne (Sarkissian), Léo Staats, Lyubov Yegorova y Olga Preobrajenska. En 1948 continúa su formación con Janine Charrat, Yvette Chauviré y luego con Roland Petit, además de con Vera Volkova en Londres. En 1954, fundó el Ballet de l'Étoile (disuelto en 1957) y en 1960 el Ballet du XXe Siècle en Bruselas (disuelto en 1987). Este mismo año se trasladó a Lausanne donde fundó el Béjart Ballet Lausanne, una

Ballet: Béjart La vuelta al mundo en 80 minutos 24 de abril 16:30 Argentina/Uruguay | 14:30 Ecuador



de las compañías de danza más famosas y exitosas del mundo. Contaba con un gran número de seguidores en Europa, sobre todo entre los más jóvenes.

Su primera obra de importancia fue Symphonie pour un homme seul (1955), a la que siguió una invitación del Teatro Real de la Moneda de Bruselas para crear un ballet para una compañía permanente, que dio como resultado la coreografía de La consagración de la primavera (1956), quizá su obra maestra. Fue el autor de la coreografía de cerca de 200 ballets, la mayoría de ellos para su propia compañía. Apasionado de las culturas orientales, tiende a realizar un «teatro total» en sus obras, en las que se combinan los gestos majestuosos, el diseño sensacionalista y, a veces, hasta partes habladas. Tuvo numerosos detractores, quienes solían atacar su gusto por los argumentos filosóficos exagerados y su utilización «caballeresca» de la música. Colaboró con grandes estrellas de la danza, como Rudolf Nuréyev, Maia Plisiétskaia, Paolo Bortoluzzi, Michaël Denard, Patrice Bart, Jorge Donn y Suzanne Farrell entre otros. Entre sus obras principales hay una versión completamente revisada de El Cascanueces, probablemente inspirado en su propia historia de vida, que puso en escena en 2000. Sigue utilizando partitura original de Tchaikovsky, pero desecha por completo la trama y los personajes originales. En 2003, ganó el Premio «Benois de la Danse» por su trayectoria. Como pedagogo destaca una carrera de importancia, en la que ha fundado escuelas de danza importantes en todo el mundo: Mudra School (Bruselas, 1970–1988); Mudra Afrique School (Dakar, 1977–1985); y Rudra School (Lausanne, 1992–actualidad). En La vuelta al mundo en 80 minutos, el coreógrafo quería llevar la idea del viaje de Jules Verne, pero sobreponiendo a esta su propia experiencia de trotamundos, sus recuerdos de un hombre de mundo, fascinado por la cultura de muchos países visitados. Se trata de su última creación, de 2007, cuando estaba ya gravemente enfermo, por lo que no poder completar la coreografía de cuatro de los dieciséis canciones que componen este viaje, encargó a Gil Roman, su ayudante, la tarea de completar la misma. Utiliza de manera excepcional a sus 35 bailarines para conseguir una obra que es sin duda una mirada retrospectiva a 53 años de carrera en los escenarios de todo el mundo, intentando descifrar las costumbres y la historia de los pueblos. La introducción es una música tradicional de Senegal, con gran presencia de la percusión, para pasar posteriormente a evocar otros países y regiones como la India, China y los Andes. Pocos coreógrafos han viajado tanto como Béjart, lo que facilita sobremanera la construcción de este ballet. Sus continuos viajes le han mantenido siempre en el punto justo donde parece sentirse mejor: la encrucijada de civilizaciones.

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Ballet : Béjart La vuelta al mundo en 80 minutos 24 de abril 16:30 Argentina/Uruguay | 14:30 Ecuador

Sinopsis: Una velada de ballet de primer orden, de la mano de Maurice Béjart, uno de los grandes coreógrafos franceses del pasado siglo, quien de la mano de su Béjart Ballet Lausanne presenta una mirada hacia más de medio siglo de carrera, un viaje por todo el mundo en un acercamiento hacia Jules Verne, pero con una presencia muy personal de su visión del mundo a través de 35 bailarines y una amalgama de músicas que no les dejarán indiferentes.

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Recital del gran tenor en unos de los escenarios al aire libre más emblemáticos.

Género: concierto, música clásica, música romántica, ópera, sinfónico.

Intérpretes: Plácido Domingo, Angel Blue, Micaëla Oeste.

Director: Eugen Kohn.

Orquesta: Filarmónica de Baden–Baden.

Año: 2013.

Lugar: Loreley Open–Air–Theatre, St. Goarshausen.


Poco puede decirse de la vida de Plácido Domingo que no se haya contado ya. Hijo de dos cantantes de zarzuela de la España de mediados del siglo XX, al tenor madrileño le llega el canto lírico por vena y tradición familiar. Con ocho años se fue a vivir a México, país con el que le une una especial relación, y fue allí donde se formó en la Escuela Nacional de Artes y en el Conservatorio Nacional de Música en las disciplinas de canto, piano y composición. Su debut operístico se produjo bien pronto, con tan solo 18 años, primero como barítono y posteriormente como tenor, tesitura a la que ha estado unido desde entonces hasta hace unos años, cuando su edad le ha requerido volver a la tesitura de barítono. Domingo ha interpretado prácticamente la totalidad de los grandes papeles operísticos para tenor.

Íconos: Placido Domingo Live at Loreley

24 de abril 23:00 Argentina/Uruguay | 21:00 Ecuador



Tenor lírico, su voz flexible y noble le ha permitido interpretar papeles de tenor dramático, entre los que han destacado su Otello, entre otros. Miembro del legendario tridente formado por Pavarotti, Carreras y él mismo, Los Tres Tenores supusieron todo una explosión de la ópera acercándola a todos los públicos. A finales de 2013 contabilizaba sus interpretaciones en escenario la impresionante cantidad de 3,867 apariciones, en las que ha interpretado más de 150 roles de ópera, zarzuela y otros géneros escénicos. Su discografía supera la cifra de cien registros entre los que se encuentran algunas de las versiones de óperas de absoluta referencia para el público y la crítica. Del mismo modo, las distinciones que le han sido concedidas jalonan una carrera repleta de éxitos, entre los que destacan el Premio Príncipe de Asturias de las Artes en 1991 o un total de catorce Doctorados Honoris Causa en universidades de todo el mundo. A lo largo de su carrera ha desarrollado otras facetas en el terreno de la música, como la dirección orquestal, la composición e incluso la producción. El presente recital se encuentra acompañado por dos sopranos de imponente carrera futura, como son Angel Blue, de la que él mismo dice que será la nueva Leontyne Price, y Micaëla Oeste, que formó parte del «Domingo–Cafritz Young Artist», un programa conjunto con la Opera Nacional de Washington para jóvenes cantantes donde ha sido gran triunfadora gracias a roles como Ophelia en Hamlet. La primera parte del recital sirve como homenaje a la doble efeméride Verdi–Wagner que se celebró en 2013 para conmemorar los 200 años del nacimiento de dos de las grandes figuras en la historia de la música. De Richard Wagner se interpretaron fragmentos de sus óperas Die Meistersinger, Die Walküre y Tannhäuser; mientras que del autor italiano Verdi salieron a escena pasajes de Luisa Miller, La Traviata, Un giorno di regno e Il trovatore. Para la segunda parte ha escogido una serie de arias y fragmentos orquestales procedentes de óperas, operetas y zarzuelas de compositores europeos de los siglos XIX y XX: Alfredo Catalani (1854–1893) y su Loreley, Das Land des Lächelns (El país de las sonrisas) y Die Lustige Witwe (La viuda alegre) de Franz Lehár (1870–1948), Gräfin Maritza (La condesa Maritza) de Imre Kálmán (1882–1953), Leichte Kavallerie (Caballería ligera) de Franz von Suppé (1819–1895), Die Fledermaus (El murciélago) de Johann Strauss II (1825–1899), El niño judío de Pablo Luna (1879–1942), Luisa Fernanda y Maravilla de Federico Moreno Torroba (1891–1982), y Las hijas del Zebedeo de Ruperto Chapí (1851–1909). Un monumento lírico, todo un homenaje a los géneros escénicos considerados «menores», puesto en valor por la voz de uno de los grandes tenores del siglo XX.

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Íconos: Placido Domingo Live at Loreley 24 de abril 23:00 Argentina/Uruguay | 21:00 Ecuador

Sinopsis: Compartan junto a Allegro HD el magnífico recital del tenor Plácido Domingo, una de las grandes estrellas del canto lírico del siglo XX, en un escenario de leyenda al aire libre en el que despliega todas sus capacidades canoras en un programa que celebra el doble aniversario Verdi–Wagner, con obras que celebran la ópera, opereta y zarzuela.

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El mejor epílogo posible a una vida de genio, las tres últimas sinfonías de Wolfgang Amadeus Mozart son el testimonio más fascinante de su creación sinfónica.

Género: Concierto, música clásica, música sinfónica.

Director: Simon Rattle.

Orquesta: Orquesta Filarmónica de Berlín.

Año: 2013.

Lugar: KKL Lucerna.


La que para muchos es la mejor orquesta sinfónica del mundo visita el Lucerne Festival,

de la mano de su director titular Simon Rattle –actualmente se ha procedido al proceso de

su sustitución– y de las tres últimas grandes piezas puramente sinfónicas de Wolfgang Amadeus Mozart [1756-1791]: las sinfonías n.º 39, 40 y 41. Compuestas todas en el verano vienés de 1788, se trata de algunas de las obras más geniales del catálogo mozartiano, que emergen, sin embargo, en un período vital protagonizado por las estrecheces económicas y una situación personal complicada. Se trata realmente de obras que se complementan, a pesar de que las poseen características realmente personales y definitorias per se. Si bien no se conocen los impulsos que llevaron a Mozart a la

Concierto: Festival de Lucerna 2013 Simon Rattle dirige les tres últimas sinfonías de Mozart 25 de abril 21:00 Argentina/Uruguay | 19:00 Ecuador



composición de tres piezas de este calibre en un lapso temporal tan corto –lo que llevó a algunos a recurrir al pensamiento romántico de la búsqueda de una conclusión grandiosa

de su legado sinfónico–, no es descabellado pensar que pudieran tratarse de obras compuestas para ser interpretadas en concierto, a pesar de que parece que esto nunca llegó a producirse. La Sinfonía n.º 39, en Mi bemol mayor KV 543, compuesta en junio, se concibe para una plantilla de violines I/II, viola, violonchelo, contrabajo, flauta travesera, 2 clarinetes, 2 fagotes, 2 trompas, 2 trompetas y timbales, estructurándose en torno a cuatro movimientos. Es la única de sus tres últimas sinfonías en la que su primer movimiento presenta una introducción lenta, característica que sin embargo sí que coincide con lo utilizado en sus dos sinfonías anteriores «Linz» y «Prague». Es una obra realmente interesante, mixtura exquisita entre la solemnidad barroca y el drama prebeethoveniano, con uso trascendente del cromatismo y una gran presencia de los instrumentos de viento metal y los timbales. La Sinfonía n.º 40, en Sol menor KV 500, contiene la siguiente plantilla: violines I/II, viola, violonchelo, contrabajo, flauta travesera, 2 oboes, 2 clarinetes, 2 fagotes y 2 trompas, y se estructura en cuatro movimientos. Mozart trabaja aquí de manera obsesiva sobre un elemento en particular: la tonalidad de Sol menor. De tal forma, esta obra puede observarse casi como si de un estudio sobre la tonalidad se tratase. En la música de Mozart algunas tonalidades concretas son asociaciones claras con expresiones y sentimientos.

Así, si Re mayor es la tonalidad de la fatalidad –se demuestra claramente en el uso recurrente en obras como su Requiem, su Concierto para piano KV 466, su Kyrie KV 341 o

en Don Giovanni–, Sol menor –que se encuentra en obras como su Sinfonía KV 183, su

Cuarteto con piano KV 478 o su Quinteto de cuerda KV 516– apela a un sentido mayor del drama y especialmente a la soledad existencial del individuo, lo que explica la carencia en la instrumentación de esta sinfonía de las trompetas y los timbales. La última de sus sinfonías, la n.º 40, en Do mayor KV 551, que lleva por título «Jupiter», también se estructura en cuatro movimientos y en ella la tonalidad también juega un papel importante, si bien aquí no únicamente expresivo, sino también simbólico. Compuesta para violines I/II, viola, violonchelo, contrabajo, flauta travesera, 2 oboes, 2 fagotes, 2 trompas, 2 trompetas y timbales, el Do mayor aporta luminosidad y una visión dominada por el uso de los motivos desarrollados a lo largo de toda la obra. Su Molto allegro, uno de los más impactantes de toda su producción, y nos muestra al mejor Mozart, alejado, no obstante, de la tempestuosa creación por impulsos de Beethoven. Estamos ante una visión distinta, pero igualmente genial.

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Concierto: Festival de Lucerna 2013 Simon Rattle dirige las tres últimas sinfonías de Mozart 25 de abril 21:00 Argentina/Uruguay | 19:00 Ecuador

Sinopsis: La relación entre la Orquesta Filarmónica de Berlín y el Festival de Lucerna es una de las más estrechas y fructíferas de cuantas se recuerdan. En este concierto nos presentan las tres últimas sinfonías de Wolfgang Amadeus Mozart, uno de los legados sinfónicos más impresionantes del sinfonismo mozartiano. Dejen que Simon Rattle y su excelente conjunto de instrumentistas les demuestren cómo han conseguido firmar una simbiosis director/orquesta que pasará a la historia.

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Una de las óperas menos conocidas del autor italiano, pero todo un ejemplo de la psicología belcantista y de la composición orquestal.

Género: ópera, música clásica, romanticismo, belcanto.

Intérpretes: Dimitra Theodossiou, Andrew Schroeder, Federica Bragaglia, Massimiliano

Pisapia, Luigi Albani, Giorgio Valerio, Coro del Bergamo Musica Festival; Francesco

Bellotto (dirección de escena), David Walker (escenografía y vestuario).

Director: Marcello Rota.

Orquesta: Orquesta del Bergamo Musica Festival.

Año: 2006.

Lugar: Teatro Donizetti, Bergamo.


Tragedia lírica en tres actos, basa el libreto, escrito para la ocasión por Salvatore Cammarano, En Elisabeth d’Anglaterre, de François Ancelot. Tiene por tanto a la Inglaterra de finales del siglo XVI y a la figura de la reina Isabel I como protagonistas. Se estrenó el 29 de octubre de 1827 en el Teatro de San Carlo de Napoli, al que siguieron estrenos en otras ciudades italianas y europeas (Venezia, Lisboa, Paris…). Es uno de los títulos de eso que se ha venido en llamar «Trilogía Tudor», y es de los tres que la componen el título menos célebre. Donizetti pasaba por una etapa vital realmente convulsa cuando la compuso, por lo que la obra recoge algunos de los pasajes más elaborados dentro de su producción operística. A pesar de ello, el libreto presenta un

Ópera: Roberto Devereux Una ópera en tres actos de Gaetano Donizetti 30 de abril 19:00 Argentina/Uruguay | 17:00 Ecuador



extraordinario análisis psicológico de su protagonista, la reina Isabel I de Inglaterra, lo que la hace una obra realmente interesante per se.

Donizetti firmó el contrato con el San Carlo en 1837 y eligió como libretista a Salvatore Cammarano, quien se inspiró para su creación en esa obra de Ancelot, pero también en La historia secreta de los amores de Isabel y el conde de Essex, de Jacques Lescene des Maisons. El drama se desarrolla en Londres en el año 1598. Roberto Devereux, Conde de Essex, quien fuera un antiguo amante de la reina Elisabetta, ha sido apartado de su cargo de gobernador de Irlanda por haber cometido algunas irregularidades durante el desarrollo de sus funciones. Es por ello que se le acusa de traición y se le somete a un proceso del cual espera una condena a muerte. La trama sigue el retorcido e intrincado modelo de otros títulos de la época, aunque aquí se elabore en torno a un tratamiento psicológico de los personajes mucho más complejo y perfeccionista de lo que habíamos podido observar en el resto de su producción hasta el momento. Donizetti persigue evocar el contexto histórico que se vivía en la Inglaterra del siglo XVI, por lo que se afana en situar la acción en dos lugares de naturaleza muy diferenciada: la vida pública –representada en la gran galería del Palacio de Westminster– y la vida privada –los apartamentos de la duquesa de Nottingham y la celda de la Torre de Londres–.

De la producción orquestal en sus óperas y de su interés intrínseco se ha venido discutiendo desde hace años. Parece algo evidente que para él los momentos de protagonismo orquestal son imprescindibles para desarrollo dramático y su unión con lo puramente musical y los personajes. En esta obra tenemos un notable ejemplo en su obertura, que compuso para su estreno parisino de 1838. En ella se muestra brillante al anticipar la exposición de lo que está por venir, pues prefigura el lugar, el carácter y el conflicto de la obra. Presenta dos temas principales: una variante del célebre God Save the Queen –curioso guiño– y la enérgica e imponente melodía de la cabaletta que Roberto entonará desde la Torre de Londres posteriormente, las cuales son en el fondo el profundo contraste de la propia obra: la gloria de la reina, por un lado, y el presagio del triste destino que aguarda a los protagonistas. Hay en esta obra ecos beethovenianos, haydnianos y verdianos, todo un derroche creativo para una ópera que, sin ser quizá lo más excelso de su producción, se revela como algo más de lo que aparentemente la historiografía se ha empeñado en demostrar.

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Ópera: Roberto Devereux Ópera en tres actos de Gaetano Donizetti 30 de abril 19:00 Argentina/Uruguay | 17:00 Ecuador

Sinopsis: Les invitamos a disfrutar de una de las grandes óperas del autor italiano en imponente producción desde la ciudad de Bergamo y el teatro que lleva el nombre del autor, protagonizada por voces de gran nivel: Dimitra Theodossiou, Andrew Schroeder, Federica Bragaglia, Massimiliano Pisapia, Luigi Albani, Giorgio Valerio. Les acompañan la Orquesta y Coro del Bergamo Musica Festival, bajo la dirección orquestal de Marcello Rota y la escénica de Francesco Belloto.

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Daniel Barenboim continúa desvelando los secretos de Bruckner de la mano de una de las

mejores orquestas sinfónicas de la actualidad.



Orquesta: Orquesta Estatal de Berlin.

Año: 2010.

Lugar: Philharmonie, Berlin.


Continúa el viaje que Daniel Barenboim y la Orquesta Estatal de Berlin ofrecen de las sinfonías de Anton Bruckner (1824-1896). La Orquesta Estatal de Berlín [Staatskapelle Berlin] es la orquesta de la Ópera Estatal de Berlín [Berliner Staatsoper Unter den Linden]. Se ha ganado, con el paso de los años, un lugar de importancia entre las mejores orquestas sinfónicas del mundo. El cargo ocupado por el músico argentino-israelí es el de Staatskapellmeister [maestro de la orquesta estatal], que a su vez se encarga de dirigir la Ópera estatal de Berlin. El origen de esta agrupación es uno de las más antiguos de Europa, pues hay que remontarse hasta 1570 para encontrar su surgimiento, cuando el Elector de Brandeburgo, Joachim II, la creó para proporcionar música en su corte. Posteriormente pasó a depender del Reino de Prusia, recibiendo entonces el nombre de




Königlich Preußische Hofkapelle [Orquesta de la Corte Real Prusiana]. Años después, en 1742, se la vincula de manera permanente con la Ópera Real de Prusia que fundara

Federico II «el Grande». Es a mediados del siglo XIX –teniendo como Kapellmeister de la

Ópera Real a Giacomo Meyerbeer– cuando la orquesta comienza a dar conciertos sinfónicos para abonados, además de ofrecer su servicio como orquesta de ópera. La orquesta ha tenido en su podio a algunos de los más grandes directores de la historia: Otto Nicolai, Richard Strauss, Erich Kleiber, Clemens Krauss o Herbert von Karajan. Desde 1992 le une una estrecha relación con su director titular actual, Daniel Barenboim, que ha fabricado una orquesta para los nuevos tiempos, que es valorada como excelente por crítica y público.

La Sinfonía n.º 5 en Si bemol mayor, de Anton Bruckner, se compuso entre 1875 y 1876, aunque posteriormente sufrió algunas revisiones y retoques, en general superficiales, tanto en 1878 como en 1896. Su primera interpretación pública fue en una transcripción para dos pianos, interpretada por Joseph Schalk y Franz Zottmann en abril de 1887, en la Bösendorfersaal vienesa. Posteriormente llegaría la versión orquestal dirigida por Franz Schalk en Graz, el 9 de abril de 1894, a la que Bruckner no pudo asistir. Lamentablemente nunca pudo escuchar esta sinfonía interpretada por una orquesta. La obra está dedicada a Karl von Stremayr y fue impresa por primera vez en una revisión parcial de Franz Schalk en 1896, la misma que se escuchó en el estreno de la obra. No queda muy claro cuántas de las diferencias entre esta versión y la de 1878 se deben a Bruckner y cuántas a Schalk, pero está generalmente aceptado que la mayor parte de los cambios no fueron aprobados por el autor. Schalk transformó la instrumentación para hacerla más wagneriana, realizando cambios muy significativos en la extensa coda final, donde añadió platillos y triángulo, así como dobló los instrumentos de metal, con lo que pretendía dar mayor brillo y potencia. El auténtico manuscrito final fue publicado en una edición de 1936 por Robert Haas. Es la versión de 1878 la que se suele interpretarse, de la que existen las ediciones de Robert Haas (1935) y Leopold Nowak (1951), que no presentan diferencias significativas entre ellas.

La Quinta es el primer éxito incondicional de la madurez de Bruckner, y su colosal último movimiento fue descrito por el director Wilhelm Furtwängler como «el final más majestuoso en toda la literatura orquestal». Se trata, sin duda, de una de las mayores obras maestras de Bruckner, junto con la poderoso Octava y la Novena sin terminar. Esas tres obras son las principales razones por las que muchos lo consideran como el mejor sinfonista austroalemán después de Beethoven.

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Sinopsis: Disfruten de la lectura que el gran Daniel Barenboim hace de la Sinfonía n.º 5 de Anton Bruckner, uno de los mejores sinfonistas, no solo del XIX, sino de toda la historia de la música. Se pone al frente de la orquesta de la que es titular desde 1992, con la que ha creado un binomio que se encuentra entre los mejores de las últimas décadas en el panorama internacional de la música clásica.









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