12 & 13 SEPTEMBER 2013LISBON - PORTUGAL

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INSTITUTIONAL SPONSOR: OTHER PARTNERS:

José Augusto BRAGANÇA DE MIRANDA .......................... (Universidade Nova de Lisboa)Aninha DUARTE .................................................................... (Universidade Federal de Uberlândia)José MIRANDA JUSTO ........................................................ (Universidade de Lisboa)Maddalena MAZZOCUT-MIS ............................................... (Università degli Studi di Milano)

KEYNOTE SPEAKERS:

Adriana VERÍSSIMO SERRÃO ............................................. (CFUL, FLUL)Ana Paula FERNANDES ....................................................... (NUPPE/ UFU)Aninha DUARTE ................................................................... (NUPPE/ UFU)José Augusto BRAGANÇA DE MIRANDA ......................... (CECL, FCSH/UNL)Fernando António BAPTISTA PEREIRA .............................. (CIEBA, FBAUL)João Pedro FRÓIS ............................................................... (CIEBA, FBAUL)José MIRANDA JUSTO ........................................................ (CFUL, FLUL)Maddalena MAZZOCUT-MIS ............................................... (UNIMI)Maria Filomena MOLDER ..................................................... (IFL, FCSH/UNL)Maria Margarida SILVA ROCHA ........................................... (IPS/ ESE)

SCIENTIFIC COMMITTEE:

CREATIVE PROCESSES IN ART

Faculty of Fine Arts of the University of Lisbon September 12-13/ 2013

NUPPE EXHIBITION COORDINATORS/

COORDENADORES DA EXPOSIÇÃO NUPPE:

Aninha Duarte, Ana Paula Fernandes, Dayane Justino and Maria José Carvalho Ferreira NUPPE EXHIBITION GRAPHIC PROJECT/ PROJECTO GRÁFICO

DA EXPOSIÇÃO DO NUPPE: Ana Paula FernandesNUPPE EXHIBITION SUPPORT/ APOIO À EXPOSIÇÃO DO NUPPE:

Secretaria Municipal de Cultura Cultura de UberlândiaDIFFUSION/ DIVULGAÇÃO: Jane Côbo, Afonso Leite,Talita Trizoli, Camila Moreira,Wilson Filho and Flaviane Malaquias

LOGISTICAL SUPPORT/ APOIO LOGÍSTICO: Isabel Nunes (FBAUL), Lurdes Santos (FBAUL), Andreia Tavares (CIEBA), Sergio Ro-drigues and Vítor MarcelinoAV SUPPORT/ APOIO AUDIOVISUAL: Diogo Leôncio (FBAUL)PHOTOGRAPHY/FOTOGRAFIA: Tomás Gouveia (FBAUL)SOFTWARE SUPPORT/ APOIO INFORMÁTICO:

Paulo Santos (FBAUL)CREATIVE DIRECTOR/ DIRECTOR CRIATIVO: Paulo Seabra

CIEBA/FBAUL + NUPPE-IARTE/UFU Centro de Investigação e Estudos em Belas-Artes/ Faculdade de Belas-Artes da Universidade de LisboaNúcleo de Pesquisa em Pintura e Ensino do Instituto de Artes da Universidade Federal de Uberlândia

ORGANIZATION:

Ana NOLASCOAna Rita FERREIRA

CONVENORS:

CIEBA/ FBAULCentro de Estudos em Belas-Artes/ Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa

HOSTS:

International Colloquium

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Aroni, Maria ............................................................................. 4Baudouin, Alexandra ............................................................... 4Bergande, Wolfram ................................................................ 5 Bragança de Miranda, José Augusto ....................................... 5CC/SC _ Carlos M. Couto S. C. / Carlos Couto de Sequeira Costa ............................................. 6Côbo, Jane .............................................................................. 6Cravo, Ana ............................................................................... 7Cunha, Rodrigo Sobral ............................................................ 7Duarte, Aninha ......................................................................... 8Elias, Tatiane de Oliveira.......................................................... 8Engel, Birgit ............................................................................. 9Farinas, Rebecca L. ................................................................. 9Ferreira, Maria José de Carvalho ............................................. 10Golob, Urska ............................................................................ 10González, Carmen ................................................................... 11Justino, Dayane de Souza ....................................................... 11Justo, José Miranda ................................................................ 12Kordeš, Urban .......................................................................... 10Lange, Magdalena ................................................................... 12Lehtinen, Sanna ....................................................................... 13Loemke, Tobias ........................................................................ 13Mathieu, Olivier ........................................................................ 14Mazzocut-Mis, Maddalena ....................................................... 14Mc Laughlin, Leah ................................................................... 15Moreira, Camila ....................................................................... 15Moya, Gloria Luque ................................................................. 16Nolasco, Ana .......................................................................... 16Obidzinska, Bogna J. ............................................................... 17Oliveira, Susana ....................................................................... 17Ortigão, Maria João Lello ........................................................ 18Paas, Marge ............................................................................. 18Park, So-Young ........................................................................ 21Peneda, João ........................................................................... 19Pereira Fernando António Baptista.......................................... 19Pereira, José ............................................................................ 20Pereira, Teresa Matos .............................................................. 20Queiroz, João Paulo ................................................................ 21Quintas, Alexandra Ai ............................................................. 22Rocha, Maria Margarida da Silva ............................................. 22Rodrigues, Ana Duarte............................................................. 23Sablich, Mirko .......................................................................... 23Santo, Pedro Cabral ................................................................ 24Santos, Alexandre ................................................................... 24Scarlett, Ashley ........................................................................ 25Schramm, Samantha ............................................................... 25Siegelbaum, Sami .................................................................... 26Silva, Filipe Rocha da .............................................................. 26Tavares, Cristina Azevedo ....................................................... 27Taveira, Rogério ....................................................................... 27Vasconcelos, António Ângelo .................................................. 28Vidal, Carlos ............................................................................ 29

ABSTRACTS & BIOS

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MARIA ARONI | Kingston University, Visual and Material Culture Research Centre, London, UKMaria Aroni studied History of Art in Athens University, Greece (BA) and Kingston University, London (MA). She is currently doing a PhD in Visual and Material Culture Research Centre, Kingston University, in Curatorial Aesthetics. She has published widely on art in Greek and has been a contributor to art journals such as ZingMagazine (NY) and Untitled (UK).

Programa: “A brincar com a luz criei uma história” Aplicação de processos criativosThis document introduces an art based education project inspired by the guidelines of Bruno Munari’s pedagogic experiments and theories of human development. The project’s approach developed into a program entitled “Whilst playing with light I created a story” consisting in workshops for a heterogeneous group of children and youth.Creative practice facilitates the ability to investigate, to identify problems, to gather relevant information, to test various solutions and to validate effective results. The program methodology seeks to develop aesthetic sensitivity, expressive capacity and problem resolution.The work developed through the use of slide and overhead projectors, based on observation of how light defines matter and on the multi sensory exploration of materials.The program experimented with the following principles:Deconstruction of conventional materials and techniques. Manipulation of materials of every day use and materials associated with visual arts.

Not utilizing drawing materials and introducing the scissors as the only tool to define outlines.Probing further knowledge about transparencies and opacities.Develop capabilities for group work and competency toward tolerance.The participants built their own slides with the available materials. The images revealed an almost surrealist and abstract visual language. The participants explored automatic drawing on large sheets of paper through the slide projectors. The transformation from produced object to projected image became magical, both due to the alterations in scale and the inversion of the axis. In some cases the effect of heat from the light source produced movement and these fantastic events captivated the participants and encouraged them to new experiments.The program enabled the construction of other forms of knowledge through cooperative learning and contributed to finding individual expressive visual languages.

Artistic Creativity as Entropic Process: Robert Smithson and the Aesthetics of Entropic De-differentiationRobert Smithson introduced the natural law of entropy, known as energy degradation and organization decrease within any closed system, in art. Influenced by Anton Ehrenzweig’s association of entropy with de-differentiation, the suspension of boundaries between conscious and unconscious, Smithson explores the interaction between scattering and containment in the unresolved dialectics of his Site-Nonsite works (1968). In his 1967 tour to Passaic, Smithson encounters worn-out industrial sites as artworks-‘monuments’. In the last ‘monument’, a children’s sandbox, called the ‘Desert’, Smithson discovers the possibility of entropic disintegration turned creative via art. The sandbox, simultaneously an ‘open grave’ and a ‘playground’, allows for the irreversibility of entropic degradation becoming a power of creation. Smithson radically departs from the hopelessness of scientific entropy and affirms the need for the artist to embrace and collaborate with entropy for a direct intervention of art into life.Entropic creativity is best demonstrated in the Earthworks, such

as the Spiral Jetty (1970). Smithson finds in Nature’s entropic forces a direct expressive materialism that composes chaos into art. Entropy becomes an ontological power, creating an art experience that dissolves the boundaries between mind and matter, subject and the world within the same plane of immanence, allowing for new sensations and life to emerge. The artwork emerges out of the simultaneously destructive and constructive forces of Nature itself, pointing to a new kind of Entropic Earth-Aesthetics and a new figure of the artist: one ‘living with chaos without getting hysterical’. This paper explores the recasting of creativity as entropic process: chaos is affirmed to become art and new life as a kind of creative destruction, inseparable from Nature’s Expressions. The aesthetic reclamation of Nature’s entropy in Smithson’s work points to a politics of entropic de-differentiation as a politics of viewing that amounts to the composition of new art and life out of catastrophe.

ALEXANDRA BAUDOUIN | Faculty of Fine Artes Universidade de LisboaBorn in Lisbon in 1972. Lives and works in Lisbon. Graduation in Fine Arts by ESAD Caldas da Rainha. Master Degree in Art Education by Faculty of Fine Arts Universidade de Lisboa.Presently develops work in art education investigating the creative processes and their implication in the development of children, youth and adults. Creation and implementation of workshops both formal and non-formal context.Lecture in “1st Conference on Arts-Based and Artistic Research – Critical reflections on the intersection between art and research”. Faculty of Fine Arts University of Barcelona. January, 2013.

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Wolfram Bergande | Bauhaus-Universität Weimar Wolfram Bergande (Dr. phil., M.A.) studied Philosophy, Romance Studies and Economics at Humboldt-University Berlin, Columbia University New York, Université de Paris 1 Pantéon Sorbonne and Johann-Wolfgang-Goethe University Frankfurt/M. Since 2011 he is Assistant Professor for Aesthetics at the Faculty of Art & Design of Bauhaus-University Weimar.From 2005 until 2011 he was a lecturer in Philosophy, Cultural Theory and Aesthetics at Humboldt-University Berlin and at the University of the Arts in Berlin. Research interests: Aesthetics, Cultural theory, Art theory, Anthropology, Political Philosophy and Philosophy of history. Recent publications include topics in psychoanalysis, art theory and classical greek philosophy. Monographies: Die Logik des Unbewussten in der Kunst (2007), Lacans Psychoanalyse und die Dekonstruktion (2002). More information & contact: www.bergande.de

Creative destruction. The power and powerlessness of destructivity in the artsDestruction and autodestructivity of art were major themes in the Dokumenta 13, yet aggression and destructivity are topics which are rather seldom researched in today’s aesthetics and art theory.On the basis of Sigmund Freud’s concept of the death drive and its later evolution in the psychoanalytic theories of Melanie Klein, Jacques Lacan and Julia Kristeva, I want to investigate in my contribution how productive or counterproductive destructivity is in the creative process in the arts.In this context, „creative destruction“ is a rather trivial concept if it is taken as it is used in economic theory following Joseph Schumpeter. There it basically means that if any creation must build on what already exists, then strictly speaking there is no creation but only transformation.In contrast to this, Freud, in „Civilization and its discontents“ and elsewhere, argued that there is a culturally accumulated form of internalized and introverted aggression that turns out to be destructive in a more thorough sense of the term.Whereas in natural life – according to Konrad Lorenz’

JOSÉ AUGUSTO BRAGANÇA DE MIRANDA | Faculdade de Ciências Sociais e Humanas da Universidade Nova de Lisboa (FCSH/UNL) Born in Lisbon, 1953 is licentiate in Sociology, with a Ph. D. in Communication, is Professor at the Communications Sciences Department of New University of Lisbon, lecturing in “Political Theory” and “Cultural Criticism.”Former director of the Department and President of the CECL (Centre for Research on Communication and Languages), and responsible for the “Specialisation in Culture and Communication” at the same department and is editor in chief of the “Review of Communication and Languages” (22 issues). He is author of several essays on cultural, political and aesthetical subjects. In 1994 he published a book on “Analytic of Actuality,” having in print another book on “Politics and Modernity.” His actual research field centers mainly on culture and technology.

Observações sobre a noção de criatividadeDesde o vanguardismo que as categorias estéticas foram submetidas a uma crítica radical, recusando os artistas submeterem-se a critérios exteriores à sua prática, e acima de tudo os estéticos. A chamada anti-arte ou «artes do feio» são sinal de esta recusa, que se volta contra o juízo estético por necessidade. À medida que a arte se define por uma relação ao conceito e ao pensar, num processo antecipado pela Estética de Hegel, perde força a necessidade de um discurso formal e crítico que anteceda ou suceda às obras. O conceito faz parte da obra, é trabalhado por esta. Não por acaso os artistas contemporâneos, desde Duchamp, são simultaneamente pensadores profundos, sendo essencial para a contemporaneidade este pensamento que pensa com imagens. Com a crise da estética, parece restar apenas a categoria de criatividade, que se dissemina um pouco por

todo o lado e por todas as actividades, das artes à economia, dos museus à pedagogia. Dada a sua natureza vaga e imprecisa a criatividade serve para tudo e para nada. Se a sua origem é clara, remetendo para a maneira como o surrealismo explorou as chamadas artes primitivas, dos loucos ou das crianças, por exemplo, postulando que todo o comportamento espontâneo e não controlado racionalmente, tende a ser criativo. Torna-se necessário aprofundar as estratégias que envolvem a noção de criatividade, o que passará pela análise das teses de Duchamp e Deleuze, e pela sua inserção numa problemática aparentemente afim, bem expressa na frase de Beuys de que “Todos os homens são artistas”. Esta frase que parece ser mais uma tese sobre a criatividade generalizada, de facto aponta para uma visão política da arte, isto é, uma soberania da arte. Espera-se assim apresentar uma crítica da “criatividade”, pensando-a com com maior precisão.

ethological account of aggression – the species survives at the expense of the death of the individual organism, whether animal or human, in human cultural life a new quality of destructivity is reached which aims not only at natural but also at symbolic annihilation, a privileged power which until the age of Enlightenment had been attributed by scholastic theologians to the almighty god only.With the Enlightenment literate Marquis de Sade, for the first time in modernity destructivity as radical annihilation (de Sade’s „second death“) became a viable option for humans.Adorno and Horkheimer as well as Lacan refer to Sade’s writings as reverse side of modernity. For both Critical Theory and Lacan’s and Kristeva’s Psychoanalysis, 20th century avant-garde art remains a placeholder for a subjectivity free of the autodestructive dialectics of enlightenment. Against this theoretical background, it is thus the creative processes and the artist’s attitude towards his or her own destructivity in modernist and contemporary art which I want to investigate; my prime examples will be the film work of David Lynch and the figurative and abstract paintings of Gerhard Richter.

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CC/SC _ CARLOS M. COUTO S. C. / CARLOS COUTO DE SEQUEIRA COSTA | Faculdade de Letras da Universidade de LisboaProfessor Licenciado, Mestre e Doutor em Filosofia (1980-1985-1993 UL e UP) com Agregação em Teoria Estética, Ética, Filosofia e Ciências da Arte (Lição de Desagregação/2009 UL), iniciou o seu percurso de leccionação em 1977 e de Conferencista em 1975 . Professor, Investigador e Conferencista em vários Institutos e Universidades, nomeadamente IADE, UCatólicaL, UNovaL , UClássicaL e FLUL, URomaTorVergata, UÉvora, FBelas-Artes, FCGulbenkian, Museu Nacional Arte Antiga, Centro Arte Moderna, Centro N Cultura, Centro Gulbenkian/Paris, CCBelém, Culturgest, et al. Bolseiro da Gulbenkian, Jnict e Flad (Paris, Roma, Washington). Entre 1975 e até ao presente publicou inúmeros textos, além de 32 Livros, destacando Theatrum-Mortis, Blue & Brown Notebooks, Tópica Estética_ _Filosofia Música Pintura, Caderno de Demónios _Os últimos anos de Nietzsche ou a Ilha dos mortos, Vedutismo, Aesth/Ethica, a deus , e Leibniz : Estéticas & Barroco (Tese 1985 p.p.). Formação, igualmente, em Psicanálise e Românicas. Desportista. Expôs “Fimlosofias”, Imagens, Objectos. Trabalha o piano. Casado, tem dois filhos.

Criação e Fimlosofia Persu Perseu Persona Pessoa Em rigor, apresentamos dois estudos criativivos que se entrelaçam, ou “2 em 1”. Abrimos com os questionamentos I e II : I_Que quer dizer “Fimlosofia”_Criação ?, e II_Que significa,

JANE CÔBO | NUPPE (Núcleo de Pesquisa em Pintura e Ensino) / Instituto de Artes da Universidade Federal de UberlândiaArtista Plástica graduada em Artes pela Universidade Federal de Uberlândia (UFU). Desenvolve pesquisa teórica e prática sobre poéticas visuais na linguagem da Pintura, Pintura e Objeto e Pintura-objeto. Tem participado de exposições de arte coletivas e individuais. Possui publicações em anais de eventos científicos e participação em seminários no Brasil e no exterior. Atualmente é membro do NUPPE (Núcleo de Pesquisa em Pintura e Ensino) / Instituto de Artes Visuais da Universidade Federal de Uberlândia, na linha de pesquisa Pintura Matérica.Currículo Lattes: http://lattes.cnpq.br/4848932007014912

A Flor como símbolo no meu processo de criação Neste trabalho apresento alguns entendimentos sobre o meu processo de criação em Artes Visuais. Minha pesquisa é desenvolvida principalmente na linguagem da pintura, pintura e objeto, pintura-objeto, e alguns formatos e experimentos com plotagens. Os trabalhos são apresentados em montagens variadas de acordo com o espaço arquitetônico. O procedimento construtivo das pinturas está articulado, pensado e fundamentado no fazer artesanal, no gosto pelo ornamental e no fascínio pela manipulação da matéria. A utilização de suportes ocorre de maneira intermitente, os materiais expressivos são a tinta acrílica, pigmentos para serigrafia, gesso crê, material de bordados, fazendas de algodão estampadas, aglutinantes variados e fotografias. Dentre as ferramentas para utilização desses materiais estão pincéis, formas plásticas, moldes vazados, estêncils e programas de computadores para manipulação de imagens fotográficas. A motivação temática envolve pontos do meu interesse a cerca de algumas peculiaridades sobre o universo feminino. Utilizo da imagem da flor elegendo-a como símbolo desse feminino.

The Flower as a symbol in my creative processIn this work I present some insights into my creative process in Visual Arts. My research is mainly developed in the language of painting, painting and object, painting-object, and some shapes, and experiments with plots. The works are presented in varied assemblages according to the architectural space. The constructive procedure is connected, thought and founded on craftsmanship, on the taste for ornamental works and fascination with the manipulation of matter. The use of props occurs intermittently. Expressive materials are acrylic paint, pigments for screen printing, plaster, embroidery material, patterned cotton fabric, various binders and photographs. Among the tools to use these materials are brushes, plastic forms, die casting mold, stencils and computer programs for manipulating photographic images. The thematic motivation involves points of my interest about some peculiarities on the feminine universe. I use the image of the flower electing it as a symbol of feminine.

neste contexto, a proposição : Persu Perseu Persona Pessoa ? Procuraremos então elucidar a “noção completa” (Leibniz) de ambos, bem como o pensamento medusante que lhes subjaz.

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ANA CRAVO | Escola Superior de Educação de PortalegreLives in Vila Viçosa and has a degree in Painting by E.S.B.A. L (Higher School of Fine Arts, Lisbon), a master’s degree in Aesthetics and Philosophy of Art by the Faculdade de Letras da Universidade de Lisboa (Humanities Faculty, Lisbon University), currently working on a doctorate thesis in Aesthetics and Philosophy of Art with the title –Painting as Drama: Mythical-Poetics Tension in the Contemplation of Contemporary Beauty and Tragic. She collaborates in the Project Philosophy and Architecture of the Landscape and is Researcher at the Philosophy Centre of F.L.U.L. (Humanities Faculty, Lisbon University), in the Ethics and Philosophy of Values group. She develops artistic work since 1982, having participated in several collective exhibitions, individual and co-authored, highlighting the latest: RIO/SEDE with the Painter Henrique Esteban Jimenéz, in 2008; De Corpo I Alma, in 2012, with the Poet and Visual Artist Antonio Sérgio Silva; (both at the Municipal Library of Portalegre), and O vôo dos pássaros, in April 2013, at Fórum Transfronteiriço of Alandroal. She is Assistant Professor in the Portalegre Higher School of Education where she teaches subjects in the fields of Visual Arts and Art Theory.

A Revolução da arte e A Co-Criação Artística. A arte, por excelência, não é um acto solitárioAo crermos que a arte é um acto solitário requeremos para o criador um ponto de vista singular e para a criação a sua anuidade a um constructo de acções que se potenciam desde a concentração individual e a credibilidade e confiança no em si mesmo dessa necessidade de escuta interior. Na medida em que a obra de arte se desenvolve como um entusiasmo em torno de uma intuição poética, esse isolamento reconhece-se como uma doação de estados, sucessões de emoções, de sentimentos e de ideias para a concretização de algo de valor intrínseco ao ser único. Assim, o ser seria suficiente e a sua solidão necessária para o melhor entendimento dessa relação entre si e o acrescer consigo numa criação artística. Contudo toda a criação artística requererá um sentido verdadeiramente necessário para se desenvolver – a recolocação de uma imagoria criativa pela metamorfose daquilo que se expande ou resplandece sobre o mundo, incluindo a de a arte e a sua sombra velarem um

princípio de transcendência espácio-temporal. Sobre a criatividade artística na sua prodigalidade de aprendizagem, tomamos consciência dum crescente valor duma “cosmicidade”, ou da nossa possibilidade de, ainda que pretensamente alienígenas, nos congregarmos ao todo e à “cosmicidade”, sem um prejuízo sobre aquele outro, porque não há um só revolucionário num poster duma revolução. Em contínuo, e sentindo no agora um atopos de unicidade criativa espaciotemporal, aprendemos a dizer co-criatividade - tomamos consciência da complementaridade da intuição criativa que sempre se gerou nessa combustão de unir o que aparentemente é excomungável e irredutível num tropo. O que exponencia a mestria dos artistas, num modo de seguir a geratriz duma revolução, vale como exemplo duma clareza poética acerca duma universalidade inaudita e ressoa para além duma reverberação plena de complexos negativos sobre princípios de valência de unicidade/criação/universalidade.

Rodrigo Sobral Cunha | IADE – U Instituto de Arte, design e Empresa – UniversitárioPós-Doutorado em Ritmanálise pela Universidade de Lisboa, Doutorado em Filosofia pela Universidade de Évora, Mestre e licenciado em Filosofia (via científica) pela Universidade Católica Portuguesa (Lisboa), Professor Associado das Escolas Superiores do IADE – Instituto de Artes Visuais, Design e Marketing e Editor do IADE, escritor, tradutor, vive em Sintra.Algumas publicações: O Essencial sobre Ritmanálise (Lisboa, Imprensa Nacional-Casa da Moeda, 2010), Filosofia do Ritmo Portuguesa (1ª ed. 2008, Serra d’Ossa Edições, Vila Viçosa; 2ª ed. 2010, Zéfiro Edições, Colecção Nova Águia, Sintra), “A Filosofia do Ritmo Portuguesa: da Monadologia Rítmica de Leonardo Coimbra a Lúcio Pinheiro dos Santos e a Ritmanálise”, in Philosophica, Revista do Departamento de Filosofia da Faculdade de Letras da Universidade de Lisboa/ Colibri, Lisboa, n.º 31, Abril de 2008; e in O Pensamento Luso-Galaico-Brasileiro (1850-2000). Actas do I Congresso Internacional, Vol. III, Lisboa, Imprensa Nacional-Casa da Moeda, 2009, pp. 575-592; “A ritmanálise“ - Documento [tradução de um texto em francês de Gaston Bachelard, “La rythmanalyse“, integrado na obra La dialectique de la durée, Paris, Boivin, 1936], in Philosophica, Revista do Departamento de Filosofia da Faculdade de Letras da Universidade de Lisboa/ Colibri, Lisboa, n.º 31, Abril de 2008.

A RitmanáliseA filosofia do ritmo portuguesa – onde se insere a ritmanálise – apresenta-se como um inovador modelo de conhecimento para o qual o ritmo é a própria energia de existência e bem assim o princípio unificador das ciências naturais e das ciências humanas e do espírito. Também o convívio, a arte e a acção são decerto rítmicos. O universo manifesta-se na sua plena actualidade como um concerto de ritmos sobrepostos, desde o florescimento da luz, passando pelo pulsar vital dos seres,

até ao espírito criador de Bach. Como reconciliar os homens da nossa época com os ritmos cósmicos e estruturantes da vida? Nascida em Portugal, pelo génio do filósofo, matemático e político Lúcio Pinheiro dos Santos, a ritmanálise penetrou no pensamento contemporâneo através da obra do filósofo francês Gaston Bachelard sob a forma de uma nova compreensão do movimento, da vida e do espírito. Ciência e poética conjugam-se nesta modalidade do pensamento atlântico, na qual um neopitagorismo criacionista procura reintroduzir o homem no coração do mundo.

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Memórias, Vestígios, Resíduos e Inventários: o processo de criação por trás das imagens Esta é uma comunicação que traz à cena alguns momentos de meu processo de criação em Artes Visuais, mais especificamente nos trabalhos desenvolvidos nas linguagens da Pintura e do Objeto. Aborda as etapas, as experiências, o repertório, as motivações, as apropriações, as materialidades, as mutações e os trajetos perseguidos e percorridos durante a elaboração da obra. Nesse percurso sensível, enfatizo os conflitos, o previsível, o imprevisível, o conhecido, o estranho, os enfrentamentos, os deslocamentos e os diálogos multidisciplinares traçados com áreas do conhecimento além das Artes Visuais. Tal pesquisa é consubstanciada por uma investigação sobre símbolos e signos presentes na iconografica da “fé católica popular” e sobre a circularidade cultural entre Artes: arte “popular” e arte “instituida”. O objetivo é reflexionar sobre alguns sentidos das memórias individual e coletiva, de representações/simulacros, apropriações/re-significações, da dor, da morte e da fragilidade da vida.

ANINHA DUARTE | NUPPE (Núcleo de Pesquisa em Pintura e Ensino) / Instituto de Artes da Universidade Federal de Uberlândia Visual artist and Professor at the Federal University of Uberlândia – IARTE/UFU/MG/ Brazil. PhD. in Social History by the Pontifical Catholic University of São Paulo ( PUC/SP), with an internship at the University of Évora (UE). Master degree in History by the Federal University of Uberlândia (UFU); B.Sc.in Plastic Arts by UFMG. Researcher at several academic institutions, such as NUPPE (UFU), GREC (UFBA), NEHSC (PUC/SP) – (NEHSC – Uberlândia). Her AOS is Art Education. She coordinates the research group NUPPE (Núcleo de Pesquisa em Pintura e Ensino) and the Laboratory of Painting at the Institute of Arts of the Federal University of Uberlândia (IARTE/UFU). She is also a Faculty member of the Postgraduate taught course in Arts at UFU. Detailed CV and record of publications: http://lattes.cnpq.br/2979644366089603

Memories, Traces, and Waste Inventories: the creative process behind the images This is a communication that brings forward some moments of my own creative process in Visual Arts, especially the work developed within the languages of painting and object-making. It discusses the steps, the experiences, the repertoire, the motivations, appropriations, the materiality, mutations and paths pursued and traversed during the elaboration of the work. Through that sensitive path, I emphasize the conflicts, the predictable, the unpredictable, the familiar, the strange, the challenging, the displacements and multidisciplinary dialogues with areas of knowledge beyond the Visual Arts. Such research is substantiated by an investigation into symbols and signs that are present in the iconography of the “popular Catholic faith” and into the circularity between cultural arts: “popular” art and “institutional” art. The goal is to reflect on the meaning of individual and collective memories, representations / simulations, appropriation / re-significations, pain, death and the fragility of life.

A dança como criação na obra de Hélio Oiticica A dança tem uma função importantíssima na vida e na obra de Hélio Oiticica. O artista brasileiro trabalhou com as mais diferentes áreas artísticas, da abstração, performance, happenings, instalação aos filmes, sempre buscando novas formas de experiências de criação. Inicialmente, Oiticica frequentou a escola de samba da Mangueira, no Rio de Janeiro, nos anos sessenta. A partir do contato com o samba e com a favela carioca, inspirado nas idéias de arte mais voltada para o social e participação coletiva, o artista cria os seus parangolés, capas para vestir e dançar com os sambistas da Mangueira. Os parangolés são feitos dos mais diferentes materiais, tecidos, plásticos, cartão - alguns com mensagens políticas - confeccionados para serem usados

TATIANE DE OLIVEIRA ELIAS | Staatliche Akademie der Bildenden Künste Stuttgart Tatiane de Oliveira Elias is an Art History PhD candidate at Stuttgart State Academy of Art and Design, in the Art Science Department. She is currently in her fifth year of study. Her research examines the work of the Brazilian Avant-garde artist Hélio Oiticica focusing on his films. In 2003 she received her M.A in Art History from UNICAMP University. Her specialist field is Art, theory and criticism of late modernism with a historical focus on the 1960s and 1970s, particularly Brazil.

pelos passistas de escola de samba. Segundo Oiticica, a dança veio junto com o parangolé, porque tanto um quanto o outro permitiu a descoberta do corpo. O mais importante no parangolé é a dança: enquanto alguns participantes ainda vestem suas capas, observam outros já vestidos, dançando, todos ao som do samba, movimentando os parangolés. A obra só existe assim com o participador que a incorpora e dança. Para Oiticica era muito importante que cada um tivesse sua experiência, não como expectador mas como participador na obra. O participador cria os seus próprios movimentos e os seus passos de samba, numa dança dionisíaca. É importante aqui ser ressaltado o processo artístico do artista ao romper com as fronteiras artísticas entre arte, dança, performances e participação coletiva.

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Common Creative Potentialities in Art and Pedagogy Developing an artistic disposition is a matter of evolving an openness of mind, soul and body, and being prepared to have new experiences in time and space, this means connecting in a self-developing relationship with things, materials and the others. This process needs planning and decisions, knowledge and particularly a sensible awareness of presence and movement. However, this process is not totally at one’s own disposal, the otherness included. Unexpected and unknown developments together with things, materials and the others will provoke inquiry into finding suitable new creative answers inside and outside. Grounded on a deep experience, they still remain in certain indeterminacy. This characterizes a kind of a reflexive-mimetic disposition, which can develop in an artistic study. But it seems to have a fundamental relevance not only for the development of the artistic processes, but also for the professionalism arranging pedagogical and classroom situations. If we focus on an educational formation, that supports a wide field of potentialities the subjects are able

BIRGIT ENGEL | Kunstakademie Münster – Germany - Chair of Didactics of Art Education Prof. Dr. Birgit Engel is teaching at the Chair of Didactics of Art Education, Academy of Fine Arts Muenster/Germany since 2011. She taught and researched many years as a teacher in a comprehensive school and in the field of (inter)cultural education at the University of Bielefeld. In her book ‘Spürbare Bildung’ (Sensible Awareness in Pedagogical Processes) she has developed a participatory approach, working with images of remembering based on Gadamers philosophical and zur Lippes aesthetic hermeneutics. Her current research is motivated by the goal to make the artistic experience useful for qualitative research and transferable to (art)teaching to establish an attitude of awareness and sensitivity as a professional disposition.

and willing to develop, this disposition can prepare the sensibility to arrange the pedagogical conditions for a lived experience. Mimesis and Enigma are central terms of the Aesthetic Theory of Theodor W. Adorno, Mimesis and Performativity are furthermore foundational orientations of the pedagogical anthropology, that Christoph Wulf has developed in a wide field. If we focus on their relevance in Art and Pedagogy, they enable us not only to understand the central importance of a certain kind of consciousness, sensibility and awareness in both of the fields, but we also understand the relevance of cultivating self-reflexive creative processes in the teacher education. This paper will present and reflect some central common creative potentialities of art and pedagogy, based on qualitative case studies of teacher education at the Academy of Fine Arts Münster (Germany).

Intersubjectivity: Art and Ideas in Film Practice John Dewey (1859-1952) wrote in Art as Experience, “the idea of art as a conscious idea is the greatest intellectual achievement in the history of humanity.” This quote can be read as a statement that leads to mere philosophical idealization. Dewey, however, was a practice-oriented philosopher of art and aesthetician, and his influence in exposing and solving the dualistic problems of modern thinking has resonated from his influence as one of the creators of the original curriculum of Black Mountain College to his contemporary influence on relational aesthetics. Dewey fuses what is conceptual with practice by understanding art as having aesthetically relational meanings that are unifying through a process or summation of sense, need, impulse and action. Resulting in a tentative, but meaningful and sometimes long-lasting idea of what it means to be involved in the world, this process of practice/idea is proof that people are “capable of restoring themselves consciously” to a sense of community.

Rebecca L Farinas | Southern Illinois University Carbondale Rebecca L Farinas is scholar and curator on a Kosciusko Fellowship at the University of Warsaw, Poland. She is MA in fine and decorative arts from the University of Manchester and Sotheby’s London Institute, MA in philosophy from the University of Plymouth, post-graduate in American Art at the Sotheby’s Institute in New York and PhD (ABD) in philosophy at the University of Southern Illinois. She is currently researching global and regional cultural applications of individual aesthetic agency. She has recently curated a major exhibition and catalogue on the woodblock prints of Arthur C. Danto.

By way of this process aesthetic, changes in community, and society in general, are best done through art. I find this a sociological aesthetic comparable to Pierre Bourdieu’s thoughts on photography and film. I look to contemporary conceptual film practice, in the work of Phillip Parreno, to disclose how these ideas can activate social change through dynamics of intersubjectivity involving personal and community experiences of art practice and reception. In our contemporary times of global diversity which often leads to unfulfilled personal and social struggles, realizing the dynamic aspects of art conceptualization not only inspires community building but renews an inspirational spirit among people to pursue political activity through art practice.

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Poética da transitoriedade: Reflexões sobre um processo criativoEste artigo aborda as reflexões sobre o processo de criação e as relações que se estabelecem na construção de uma poética visual que transita entre as linguagens da cerâmica e da fotografia. Objetiva compreender uma prática na qual está implícito o reconhecimento de um elo entre o passado e o presente, dentro de uma estrutura que se organiza em pares de oposições que articulam categorias espaciais e temporais, tais como: ontem/hoje, antes/agora, presença/ausência. A noção de transitoriedade permeia todo o processo, refletindo a elaboração de um confronto com a perda, em relação direta com as reflexões e inquietações acerca das transformações contínuas impostas pela impermanência do homem e das coisas, isto é, a inelutável finitude à qual tudo na vida se condiciona. Finitude que o jogo da memória, no movimento contra o esquecimento, tenta burlar através de artifícios imagéticos que possam sustentar a crença no poder de retomar o tempo. Dentro dessa perspectiva, a poética desenvolvida busca, no plano formal, organizar-se por meio de uma recorrente fragmentação, no sentido de tecer analogia com a característica igualmente fragmentária da memória, determinada pela impossibilidade de resgatar o passado em sua totalidade. Nesse processo, memória e transformação se entrecruzam, tecendo um componente indispensável para se pensar a efemeridade do sujeito e das coisas.

MARIA JOSÉ CARVALHO FERREIRA | NUPPE / IARTE / UFU – Núcleo de Pesquisa em Pintura e Ensino do Curso de Artes Visuais da Universidade Federal de Uberlândia – Minas Gerais / BrasilMaria José de Carvalho Ferreira é professora de cerâmica do Curso de Artes Visuais da Universidade Federal de Uberlândia, bacharel em arte com habilitação em desenho, pela EBA/UFMG; especialista em Ensino de Arte e mestre em Teoria Literária. Integra o Núcleo de Pesquisa em Pintura e Ensino / NUPPE, vinculada às linhas de pesquisa Pintura e interfaces com outras linguagens e Cidade, arte, memória e cultura: da antiguidade clássica à contemporaneidade. Como artista atua nas áreas de expressão bi e tridimensional.

Poetic of transience:Reflections about a creative process This article discusses the reflections about the creation process and the relationships established in the construction of a visual poetic that moves between the ceramics and photography lan-guages. It aims to understand a practice in which is implicit the recognition of a link between past and present, within a structure that is organized into pairs of opposites that articulate spatial and temporal categories such as: yesterday / today, before / now, presence / absence. The notion of transience pervades the entire process, reflecting the development of a confrontation with the loss in direct relation with the thoughts and concerns about the continuous transformations imposed by the impermanence of man and things, that is, the inescapable finitude to which everything in life conditions. Finitude that the memory game, in the movement against oblivion, attempts to circumvent through imagistic artifices that can sustain a belief in the power of re-suming the time. Within this perspective, the developed poetic seeks, formally, organize itself through a recurring fragmentation, to weave analogy with the equally fragmented characteristic of memory, determined by the impossibility of recovering the past in its entirety. In this process, memory and processing intertwine, weaving an indispensable component for thinking about the ephemerality of the subject and things.

Moody MediaIn the paper we are going to present research, which intervenes on the field of digital technology, fine arts and phenomenology. In this interdisciplinary research there will be presented the results of comparison between the digital and the analog media and their influence on creative process in fine arts. We were dealing with the problem that digital media and software was developed by engineers or programmers and their thinking is diverse from artists’ thinking. Their principles of use of digital media are based on fast, easy and effective use, which means greater automatization and simplification of functions, while

URBAN KORDEŠ | Faculty of Cognitive Science at the University of Ljubljana URSKA GOLOB | Faculty of Natural Sciences and Engineeringmat the University of LjubljanaURBAN KORDEŠ is professor of cognitive science at the University of Ljubljana. He holds a degree in mathematical physics, masters and doctorate in philosophy and cognitive science. He currently serves as head of Cognitive Science program at the University of Ljubljana and as visiting professor at the Sigmund Freud University, Vienna, University of Zagreb, the Nan Tien Institute, Wollongong, Australia, and as a regular guest lecturer at the University of Vienna. His main area of interest is research of lived human experience, which includes experience of thought processes, experience of communication, learning, and research of user experience in its broadest meaning. URSKA GOLOB is a PhD student of Faculty of Natural Sciences and Engineering at the University of Ljubljana. She is curently working on a thesis The Influence of Digital Media on Creative Process in Fine Arts, for which she got the Inovative sheme scholarship from the European funds. The main purpose of the thesis is to make comprative research between digital and analog media interaction in the creative process of an artist. The research has interdisciplinary nature; it combines fields of phenomenology, fine arts and digital technology. Based on findings of the research, it would appear what are the potentials of digital technology in the creative process, what our limits and potentials for development and opportunities for improvement.

artists stream to complexity and uniqueness. Digital system for professional use is devised in sense of problem solving, while the artistic in sense of creative process. In art, which is associated with creativity, expressiveness, emotional expression and subjectivity, the practice becomes diametrical opposite from technology itself. Besides technical aspects, digital media also differs from analog media in its complexity of use, going from our daily basis to creative process and back again. Digital media present evocative tools, which are not only important because of its functionality, but also from the point of view how they affect

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us emotionally. Understanding how digital media affects artists experience presents the key ingredient in understanding of contemporary fine arts, from which depends the formation and development of art piece.

In this paper we will discuss the experience aspects of fine artist in creative process. We are interested in investigation of artist interaction in comparison to analog media and what is experiential role of digital media in formation of fine arts.

Symbolic Models in the Creative Process This paper examines different approaches to a symbolic model in order to see how the archetypical images are acting within the work of art. Focused on the house archetype as a powerful symbolic model in contemporary art we will see how the arche-typical house is a recurring image in contemporary art. As an effective symbolic model that has a strong evocative capacity, it is able to display multiplicity of meanings, among them met-aphoric meanings regarding different individual and collective spaces, feelings and experiences of the lifetime, and places of the memory. Moreover, the image of the archetypical house

CARMEN GONZÁLEZ | Facultad de Bellas Artes, Universidad de Salamanca PhD Professor of Painting at the University of Salamanca, Spain. Her mayor research interests include meaning of materials used by contemporary artists, specially ephemeral materials, and the democratic and educational functions of art practices in society. On these topics she has publised articles in several academic and artistic journals and books since 2003, the most recent: “Con-temporary Art Practices and Scientific Environments” in GONZÁLEZ, Isabel, Fronteras de la ciencia. Hibridaciones, Ed. Biblioteca Nueva, 2012. She has been visiting artist at the Center for Interdisciplinary Research in the Arts, Northwestern University (USA, 2003-2004) and Changdong National Art Studio (South Korea, 2007).

offers an adaptable model susceptible of being reworked and developed from a wide range of creative disciplines. This paper will explore different approaches to this meaning loaded model taking into account works of renowned contemporary artists as Louise Bourgeois, Per Barclay, Doris Salcedo, but also archi-tects as Herzog and De Meuron and designers. We will find the possibility of using the transforming power of symbolic models associated to all kind of materials in such a way that the model is constantly maintained in process and it and becomes an active and creative component.

Acúmulos e Oxidações: Uma reflexão sobre a natureza matérica sob a ação do tempoEsta comunicação centra-se nos processos de pesquisa que envolvem uma poética visual da temporalidade no âmbito da pintura e do processo criativo artístico em geral, sobretudo no que toca ao diálogo entre a expressividade matérica e a criação de uma iconografia pessoal influenciada pelo contexto arquitectónico, que a minha obra tem vindo a traduzir. A minha produção plástica explora o potencial expressivo alcançado pelo recurso a suportes bidimensionais como a tela e o vidro, que servem de base a processos experimentais de transformação de materiais como limalhas de ferro, cimento, areia, entre outros. Trata-se de uma abordagem

DAYANE DE SOUZA JUSTINO | NUPPE / NUPEA/ IARTE / UFU – Universidade Federal de Uberlândia – Minas Gerais / BrasilGraduada em Artes Plásticas (Licenciatura e Bacharelado) pela Universidade Federal de Uberlândia (UFU). Mestre pelo Programa de Pós Graduação em Artes na linha Fundamentos e Reflexões (UFU) com a dissertação “Ruínas da cor: poéticas pictóricas do tempo”. Desenvolve pesquisa teórica e prática, sobretudo obras pictóricas e processo de formação e transformação da matéria. Membro-pesquisadora do NUPEA- Núcleo de Pesquisa Ensino de Arte e do NUPPE - Núcleo de Pesquisa em Pintura e Ensino, ambos os núcleos vinculados ao Instituto de Artes na Universidade Federal de Uberlândia.

formal e iconológica relativa à fragmentação de elementos arquitectónicos como o arco ou a voluta e à relação representacional e figurativa da transitoriedade com base em imagens de ruina arquitectónica, aqui considerada como uma expressão pictórica da passagem do tempo. Procurarei articular referências ao passado, para lá dos sistemas tradicionais de representação pictórica, num contexto alargado de apropriações, deteriorações, acúmulos, perdas e traços, no âmbito da análise à própria natureza pictórica que levo a cabo na minha obra, como também no âmbito da análise de obras de outros artistas, exemplificativas da poética do tempo na cultura visual contemporânea.

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Artistic Creativity: Knowledge, Affects, Imagination and Language The singularity of esthetical experience is present not only in the reception of the artwork by the receiver, but also in everything that takes place on the side of the subject who executes the artwork. Singularity is to be distinguished from generality and universality, but it is also fundamentally different from the particularity of many other types of experience. When Gilles Deleuze puts forward the distinction between «concepts», «affects» and «percepts», he places himself at a level in which the conceptual singularity, on one hand, and the esthetical singularity, on the other, play an active and constitutive role. This will be the topic that the first part of my paper tries to examine. Esthetical singularity however, is a process which involves various types of mediation, particularly concerning the functions of imagination, the role of pathos, and of poiesis, and consequently of language, even in artworks of strict visual or musical nature. The analysis of this conglomerate in its complexity will be the kernel of the second part of my paper, and will take me to revisit some specific moments in the tradition of reflection on esthetical matters, concerning particularly its connection – sometimes more explicit, some other times more potential – with a few topics of the Philosophy of Language.

JOSÉ MIRANDA JUSTO | Universidade de LisboaJosé Miranda Justo, b. 1951. PhD, University of Lisbon, 1990. Associate Professor at the Faculty of Humanities of the University of Lisbon. Member of the Research Centre for Philosophy at the University of Lisbon (CFUL), where he is main researcher in a project concerning the philosophy of Søren Kierkegaard. Research areas: Philosophy of Language, Esthetics and Philosophy of Art, Hermeneutics, Literary Theory, Translation Studies. Author of several studies in the abovementioned research areas. Among other authors he translated Wilhelm von Humboldt, Schleiermacher, Kierkegaard, Wagner, Nietzsche, Marx, Rancière and Deleuze.

Criatividade artística: conhecimento, afectos, imaginação e linguagemA singularidade da experiência estética diz respeito não só à recepção da obra por parte do espectador, mas também a tudo aquilo que acontece do lado do sujeito produtor da obra. A singularidade distingue-se da generalidade e da universalidade, mas é também fundamentalmente diferente da particularidade que caracteriza muitas outras experiências. Quando Gilles Deleuze introduz a distinção entre «conceitos», «afectos» e «perceptos», situa-se num plano em que a singularidade conceptual, por um lado, e a singularidade estética, por outro, desempenham um papel activo e configurador que a primeira parte desta comunicação procurará examinar. A singularidade estética, porém, é um processo que implica instâncias de mediação várias, designadamente no que toca às funções da imaginação e à participação do pathos, da poiesis e, consequentemente, também da linguagem, mesmo nas obras de carácter eminentemente visual ou na criação musical. A elucidação desta constelação complexa ocupar-me-á na segunda parte da comunicação e levar-me-á a revisitar alguns momentos mais relevantes da tradição da reflexão estética, designadamente na respectiva articulação – umas vezes mais explícita, outras mais potencial – com certos tópicos da filosofia da linguagem.

How does a semi - living sculpture grow? Biotech - artA wide array of life-science discoveries make a stimulation for creating visions and mysterious imaginative pictures. Biotech – art/tissue culture art starts from a concept of stem cells which can give a rise to some tissues. Culturing of cells being directed to some tissues formation is a very creative process triggering an emotional feedback from the viewer. Cells expand to colonies with color and shape. Australian artists: Oron Catts and Ionat Zurr brought up an idea to create some sculptures which are composed from both the artificial skeleton and living cells. The living part overgrows the scaffold. The artists created hybrids of dead materials and living cells which amazingly need to be fed and have to breath. Observers admire shape and colors from different viewing perspectives having a strong feeling of seeing alive form. The mystery of the presentation is the location of sculptures in incubators and bioreactors to sustain the life. Described

MAGDALENA LANGE | Department of Aesthetics, Institute of Philosophy, Jagiellonian University Krakow, PolandMagdalena Lange, PhD candidate conducting research on the bio – art in the Philosophy Department at the Jagiellonian University in Krakow. She is gratuated art historian and biotechnologist, studied medicine and literature. Participated in international conferences concerning bioethics and genetics. Publication: „Werner syndrome and mutations of the WRN and LMNA genes in France”. Uhrhammer NA, Lafarge L, Dos Santos L, Domaszewska A, Lange M, Yang Y, Aractingi S, Bessis D, Bignon YJ., Hum Mutat. 2006 Jul;27(7):718-9.

above approach opens a new avenue in art – biotech art. Living, growing cells are contributing to the final shape. In the past people were used to admire the pictures formed by growing molds or bacteria. Nowadays Australian colleagues employ living animal and human cells. The knowledge of the biotechnology is an indispensable part of artistic creation and perception. Knowledgeable bio-artist can provide conditions to direct the cells to differentiate into tissue-like structures. As an effect of that living cells having an opportunity to differentiate to different tissues can change the final image directed by a scaffold contributing to the final shape. The understanding by the viewers some technological aspects of semi-living sculptures creation facilitates the perception which becomes more full and rich. Some protocols employed by tissue-culture artists will be shown to better understanding of some contemporary biotechnological tools.

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“Falling Trees” – Contemporary Artistic Interpretations of Nature How nature is represented in contemporary art strongly reflects society’s ongoing pondering on the state of nature. The current ecological crises have permanently affected the relation with nature and also the multiple ways artists use nature as a source, material, and motivation for their work. Here I present works of art by two Finnish artists, Terike Haapoja and Antti Laitinen. Comparing the two very different approaches they have, I show how the conception of and relation to nature reflects the dark and justified concerns but also the ever- present artistic introspection which takes place inside the boundaries of artistic practices. The experience of nature the works of Haapoja and Laitinen transmit is strongly fragmented and mediated by their chosen work methods. From the point of view of environmental aesthetics, artistic vision

SANNA LEHTINEN | University of Helsinki Sanna Lehtinen is a doctoral student in Aesthetics at the University of Helsinki in Finland. She is currently based at the International Institute of Applied Aesthetics (IIAA) which is part of the University’s Palmenia Centre in the city of Lahti. Sanna is writing her PhD dissertation on the relation between spatial experience, personal space, and aesthetic experience. Her work at the Institute also includes organizing an annual seminar which brings together professionals on environmental aesthetics, ecology, and other environmental fields. Sanna has worked previously as a curator of contemporary art at the Amos Anderson Art Museum in Helsinki.

and its result through creative process can lead sometimes to even questionable stance towards nature when the individual’s experience overshadows the grander ecological scheme. By applying Arnold Berleant’s notion of aesthetic engagement to the way these works of art enrich the experience of nature, I show how they reaffirm the need of engagement on many levels. With their presented end results, the artists seem to show a deep concern for nature and yet also give their personal and artistic interpretation of it. Regardless of the response these works ultimately get, they exhibit a commitment to their deeply entrenched relation to nature. This is how they can be seen to challenge the traditional concepts of disinterestedness on different levels and to also confirm a new kind of dynamic conception of the role of the artist.

A qualitative, empirical study of the artistic development of students in Art Education My research focusses on the artistic development of students in art education. I am interested in the students’ orientation toward the art world, especially in the changes in their minds and attitudes evidenced through their artworks. I am interested in shifts in their creative processes, which could either be described as converging (by connecting, for example, with experiences [1] collected in contexts external to the arts) or diverging (as a break in Bernhard Waldenfel’s[2] sense, when unexpected events generate new directions). How do students come to terms with these experiences of limits or breaks? How do they succeed in developing these unexpected skills in other areas? When do they begin to identify existentially with their own art work? I have occasionally witnessed these shifts, which have been transformative for students. My art teaching is not based on fixed targets, but on works that individual student have already made, as well on their ideas and biographies. Together with my students, I search for traces revealing hidden resources that might enrich their creative processes. By interviewing my students before portfolios of work spanning from their application to the present, I try to get more information on changes in their orientational framework. My methodology is based on Ralf Bohnsack’s ideas [3], which were developed in the social sciences. My data will be comparatively triangulated on one hand with an analysis of the student’s most significant artworks, and on the other with my own observation [4] of the processes. Birgit

TOBIAS LOEMKE | Friedrich-Alexander-University Erlangen-NurembergTobias Loemke was born in Augsburg, Germany, in 1974. Since 2008 he is teaching as senior lecturer (Akademischer Rat) at the Chair of Art Education of the Friedrich-Alexander-University in Erlangen-Nuremberg. Before that he taught art at the Burghausen Kurfürst-Maximilian-Gymnasium. He studied painting and art education at the Nuremberg Academy of Fine Arts and the University of Arts and Design (HfG) in Karlsruhe.

Engel’s work [5] on sense awareness in the educational process is an important basis for my research, as is Susanne Liebmann-Wurmer, who explored the relation between design and social activity [6]. Methodologically, my project is a challenge to my professional identity, as artist, teacher and researcher. My own studies in the arts and my experience in different creative processes are keystones in my research.[1] Compare to the item “Syntopie” created by Ernst Pöppel: In Pöppel 2002, 21f.

[2] Waldenfels 20072, 175.

[3] Bohnsack 20112.

[4] Ellis et al. 2010, 345f.

[5] Engel 2004.

[6] Liebmann-Wurmer 2000.

Literature:

Bohnsack, Ralf. Qualitative Bild- und Videointerpretation. Die dokumentarische Methode. Opladen und Farmington Hills 20112.Ellis, Carolyn / Adams, Tony E. / Bochner, Arthur E. „Authoethnographie“ In: Mey, G. / Mruck, K. (Hrsg.). Handbuch Qualitative Forschung in der Psychologie. Wiesbaden 2010. (S. 345-353)Engel, Birgit. Spürbare Bildung. Über den Sinn des Ästhetischen im Unterricht. Münster, New York, München, Berlin 2004.Liebmann-Wurmer, Susanne. Der Mensch im Spiegel seiner Gestaltung. Beständigkeit und Wandel in Gestaltung, Handlung und Biographie bei Kindern und Jugendlichen. Nürnberg 2000.Pöppel, Ernst. „Wo ist Syntopia? - Where ist Syntopia?“ In: Sacharow-Ross, Igor / Pöppel, Ernst (Hrsg.). Sapiens sapiens. Köln 2002. (S. 21-22)Waldenfels, Bernhard. Bruchlinien der Erfahrung. Phänomenologie, Psychoanalyse, Phänomenotechnik. Frankfurt am Main 20072.

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What Does ‘Artistic Creativity’ Describe? My aim in this paper is to provide a model of the phenomenon described by ‘artistic creativity’. In the first part of the presentation, I distinguish between the evaluative and descriptive sense of ‘creativity’. Arguing that the evaluative usage of this property rests on historical considerations and judgments not specific to our practices and appreciation of artworks, I show that it is only as a descriptive property that we can talk of ‘artistic creativity’ as such. I then show, in the second part of the paper, that ‘artistic creativity’ thus understood describes a feature of the genetic processes specific to the accomplishment of an artwork. I here appeal to Edward Young and Martin Heidegger’s thoughts

OLIVIER MATHIEU | Université de MontréalI have recently successfully defended my doctoral dissertation, Créativité artistique; une approche phénoménologique, at the philosophy department of McGill University. For the last five years, I have been teaching philosophy of art and aesthetics of liter-ature for the department of philosophy at Université de Montréal. From 2008 to 2011, I have created and organised the Montreal Reflections on Art and Aesthetics Workshop (MRAAW), a series of conferences by regional and international figures from various academic fields. I am currently working on identifying the role and impacts of subjectivity in the determination of historical norma-tive frameworks such as the artworld.

bearing on the necessary conditions to the possibility of a novel artwork’s phenomenon. I show that, though their philosophical endeavours were radically different, they nonetheless describe in strikingly similar fashion the modalities of the artist’s intentional mobilization of relevant normative frameworks or horizons. On the basis of those similarities, I develop a model of artistic creativity that highlights the necessary intentional features of an artwork’s accomplishment. In the final portion of this paper, I provide reasons to think that institutional theories of art ought to integrate this model as a necessary, yet insufficient, condition to something being interpreted and appreciated as an artwork.

A ideia do fazer O operar do artista sempre se constituiu como uma questão de relevância incontornável para a própria definição do objecto de arte e para a sua demarcação face a outros produtos da acção humana, como por exemplo o artesanato. Escapando sempre a fórmulas, o fazer artístico deverá ser concebido numa acepção que se furte à polarização idealista/ materialista, em prol de um entendimento mais pleno e integrado da arte e dos seus processos. Nesta senda, o conceito de “técnica” revela-se bastante adequado para abordar a complexidade do processo criativo artístico, abrindo caminho para uma compreensão fenomenológica avessa à ideia de uma genialidade ou expressividade puras, desligadas daquilo que na vida não se limita ao intelecto.

MADDALENA MAZZOCUT-MIS | Università degli Studi di Milano Maddalena Mazzocut-Mis is an essayist and a leading scholar in her field. She is Professor of Esthetics and the Esthetics of the Performing Arts at Milan University (Universita degli Studi di Milano). She has published, amongst other things, For-ma come destino (Firenze, 1998), Deformazioni fantastiche (Milano, 1999), Voyeurismo Tattile. Un’estetica dei valori tattili e visivi (Genova, 2002), Animalita. Idee estetiche sull’anima degli animali (Firenze, 2003), Gli enigmi della forma (Milano, 1995 and reprint: Milano, 2005), Estetica. Temi e problemi (Firenze, 2006), Corpo e voce della passione. L’estetica attoriale di Jean-Baptiste Du Bos (Milano, 2010), Estetica, with Elio Franzini (2nd edition: Milano, 2010), Il gonzo sublime. Dal patetico al kitsch (Milano, 2005; French translation: Paris, 2010), Mostro. L’anomalia e il deforme nella natura e nell’arte (2nd edition: Milano, 2013), Il senso del limite (Firenze, 2009; French translation: Paris, 2012; English translation: Newcastle upon Tyne 2012).

Esta comunicação aborda justamente a temática do fazer artístico, centrando-se no conceito de técnica e salientando aquilo que nas suas especificidades a permite distinguir-se do virtuosismo ou do mester. A técnica será aqui tida na sua dimensão processual e na sua plenitude sensível, racional e funcional. Para tal, revisitam-se vários períodos históricos e autores como Diderot, Batteux, Croce, Antonio Banfi e Dino Formaggio, traçando o percurso da legitimação da técnica artística, no qual se cruzam temáticas como a expressividade, a imaginação, o gosto, o génio, a natureza ou a ausência de uma finalidade intrínseca na arte. Tal percurso culmina nas ideias da dimensão orgânica da obra de arte e do carácter processual e totalizante da técnica artística, cuja acção construtiva e comunicativa comporta tanto a razão, quanto o acaso, impedindo um controle total do seu operar e fazendo da obra de arte uma entidade com vida própria.

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In with Flynn: the ways moving-images can reveal the interaction between ceramic artists and their materials The human figures which Michael Flynn brings vibrantly to life through the medium of ceramics emerge out of the artist’s ways of interacting with his materials. The characters portrayed by Flynn are powerful, disturbing and dynamic and they reflect aspects of the artist’s own personality. It is argued that insufficient account is taken of these factors when describing and interpreting the conceptual development of the ceramicist’s ideas and the artworks which result from this process. It is further argued that it is through the development of effective documentary methods that the important mediating role of these factors on the outcomes (artworks), can be more fully analyzed, understood and articulated. Documentary filmmakers who claim to illuminate aspects of artistic engagements with materials (Clouzet; 1956, Steinberg; 2009) often reveal little evidence of examination or interpretation. Nevertheless selectively drawing upon documentary film theory and practice, the researcher developed a series of strategies and methods through carrying out case studies, where a range of

LEAH MC LAUGHLIN | Cardiff Metropolitan University, School of Art and Design I studied Fine Art (Ceramics) at Galway-Mayo Institute of technology, Ireland (2001-2005). There I became interested in the ways material and the processes involved in the forming of artworks, created tensions with my conceptual ideas. An MA Ceramics in Cardiff School of Art and Design (2007-2008) allowed me to locate my practice within debates that focused on ‘thinking through practice’, and specifically to develop visual methods which could reveal these relationships. This grounded my current PhD project, ‘ The ways moving-images can reveal the interaction between ceramicists and their materials’ at Cardiff School of Art and Design (2008-present). I am in the process of developing findings and applying them to related areas of research as a research assistant under CARIAD (Centre for Applied Research In Inclusive Art and Design)

artists were interviewed and recorded on video, working in their studios. The combination of sound and moving-image provides a far more effective means of illuminating and disseminating artists’ artistic engagements in new and interesting ways compared to simple still photography and written text. Moreover moving-images contain crucial information in a form that is more easily assimilated, leading to a greater understanding of the artist, what they have achieved and why. This paper will describe using fully edited moving-images, and importantly terms associated with aesthetics and empiricism, the ways some of the key stages of Michael Flynn’s artistic engagements are revealed which would have otherwise remained hidden and implicit. It will also situate the development of these strategies of recording creative engagements within a wider theoretical framework and include a detailed checklist available for use by researchers in related projects.

Creative Process. Decision, Migration And Edges When Cézanne says nature is on the inside, we revisit our creative process in its depth. We see what is on the inside and will be captured with the eyesight, thus migrating to the alterity the visibility enigma. Soon, creating finds its first edge: decision, which can be both imagetic and conscious, visualized or projected. The artist inhabits the work and the work inhabits the artist. According to Merleau-Ponty, the world is around me, not in front of me.1 Thus, creating dialogs swirlingly with the innerself and the sorrounding self, in an intimate experience of secret places and transitions. The resulting work is then the encounter of the innerself of its creator, of the one who receives

CAMILA MOREIRA | NUPPE/ Université Paris I- Panthéon Sorbonne Camila Moreira é artista plástica, nascida em 10 de agosto de 1981, em Formiga- Minas Gerais, Brasil. Sua formação acadêmica é Bacharelado e Licenciatura em Artes Plásticas pela Universidade Federal de Uberlândia, Brasil; seguido de mestrado em Artes Plásticas pela Université Paris I- Panthéon Sorbonne, França e atualmente realiza seu doutorado em Artes Plásticas pela mesma Université Paris I, França. Ela vive e trabalha em Paris, aonde desenvolve uma pesquisa teórica e plástica ligada à sua geneal-ogia, aos objetos de coleção e uma analise de sua alteridade intima. É membro do NUPPE-UFU. Agenda de exposições: 2013 Exposiçao Individual : « De anima », CROUS BEAUX ARTS- Paris/ Exposiçoes coletivas: Galeria Juan Pardo Heeren- ICPNA, Peru / Centre Cultural Casona de San Marcos, Peru/ Espace Saint Rémi, Bordeaux, France.

it: the spectator and the intimate of itself. The edges are connected and tiednin complexity, where the creating process represents what was captured by the eyes and at the same time concentrates what the innerself has elaborated. A constant migration of large frontiers that transverse through the narrow paths of eyesight, be it contemplative, narrative or judging. To consider the process, as practice is to wish to penetrate a mysterious and secret world, which the enigmatic enchantment of visibility will persuaded or distance the inner sight of an intimate nature.

1 M. Merleau- Ponty, L’œil et l’esprit, Paris, Gallimard, 2012, p. 59.

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The Pace of Aesthetic Process: a Comparative Approach Traditionally, western theory of art has been equipped with a set of dualisms such as subject-object, artistic process-artistic product, active artist-passive spectator, that has supposed a rejection of a plenary notion of the human integrated with nature and the cosmos. In this context, John Dewey, who presented his theory of art in 1934 in Art as Experience, showed how the “art has been set in a remote pedestal”, separated from the low activities which we realized in our ordinary lives. He refused the way aesthetics has separated the live creature from the world in which it lives, and proposes a new approach which begin from the raw, from everyday human activities. The aim of this paper is to focus interest in Dewey’s notion of rhythm, because this characteristic set the pace of the aesthetic process. This paper explores Dewey’s proposal from a comparative approach, because the rejection of art-centred discourse to

GLORIA LUQUE MOYA | Researcher at the University of Malaga/ PhD student at the University of GranadaGloria Luque Moya graduated from Malaga University with a B.A. in Philosophy. She was awarded a prize for Excellence in Academic Achievements and had a Predoctoral Research Grant in the field of Aesthetics and Art Theory. She also has a B.A. in Social and Cultural Anthropology and a M.A. in Practical Philosophy from UNED. She is currently doing her PhD thesis on John Dewey’s Aesthetics at the University of Granada and is also researching at the University of Málaga, where se has a National Research Scholarship. Her areas of research are Aesthetics, Cultural Studies, Pragmatism and John Dewey’s Philosophy. She has published various articles, such as “Everyday Aesthetics”, “Approach to everyday aesthetics as an intercultural meeting point”, in Spanish Scientific Journals.

the rich aesthetic dimensions of our lives is not common in all cultural traditions. I begin defining the deweyan notion of rhythm in contrast to the vital rhythm of Taoist aesthetics. Both Dewey and Taoists postulate that Human beings are affected and participate in nature’s rhythms and the reality is a continually changing balance. Secondly, I would like to consider a specific classic Chinese work of aesthetics, written by Shí Tao (石涛) in the seventeenth century, which was developed fundamental aspects of rhythm in capturing the spirit resonance of the world and revealed its immensity through the method of the one-stroke. Through this paper’s presentation, I wish to show the importance of the rhythm in the creative process, because rhythm marks not only our interaction with the environment and with other people, but also the impulse of the aesthetic world-making process.

Encontros imprevistos: a ironia no processo criativo de Eduardo Nery O termo “processo criativo” remete para uma operação que decorre no tempo: é uma atividade mental que, embora só se manifeste na sua fase final, passa por várias etapas e está dependente de vários fatores, internos e externos ao sujeito. Todas estas etapas pressupõem uma atividade intencional, i. é, dirigida para um fim que procura dar resposta a um problema inicial, a uma falha detetada que se procura ultrapassar. A peculiaridade do processo criativo nas artes reside no facto de, à partida, não existir um problema definido, sendo, assim, uma atividade intencional livre, no sentido kantiano, uma finalidade sem fim. A ironia, por seu turno, não é uma atividade, podendo, no entanto fazer parte do processo criativo. Ela surge, como disse Fernando Pessoa, do choque do “sentimento contraditório”, sendo necessário um largo conhecimento da linguagem utilizada, “um domínio absoluto da expressão, fruto de uma cultura intensa”. Neste sentido, a ironia induz a criatividade na medida em que nos faz ver novas relações entre as coisas.

ANA NOLASCO | CIEBA/ CFUL/ Escola Superior de Educação de SetúbalTeaches Art and Aesthetics at the College of Education of Setúbal. She is an integrated member of the Centre of Philosophy of the University of Lisbon and a researcher at CIEBA (Centre for Research and Studies in Fine Arts of the Faculty of Fine Arts of the Uni-versity of Lisbon). She holds a PhD in Aesthetics and Philosophy of Art by the Faculty of Letters of the University of Lisbon, having published several essays in her field and delivered many oral presentations at national and international academic events.

Na obra de Eduardo Nery, confluem, como o próprio reconhece, duas facetas opostas: uma, mais espontânea “ora expressionista, ora romântica”, e outra mais construtivista, de grande “rigor formal”. A ironia resulta do choque entre estas facetas contraditórias que estão na raiz da sua obra, constituindo uma característica indissociável do seu processo criativo. Se, na crise do início dos anos 70, a ironia foi um instrumento de uma “mise en question” (Fernando Pernes), dos próprios meios de representação da pintura, e, nas colagens de 1975, de crítica à sociedade de consumo, foi dando lugar a uma maior ambiguidade, a uma ironia mais poética, como na série de fotografias a preto e branco, Metamorfoses, 2005, assim como em Intromissões, 2007, ou em Vida Dupla, 2010.Como procuraremos demonstrar, a subtileza da ironia na obra de Nery reflete uma elaborada e meticulosa preparação e um refinamento da lucidez através da agudização do olhar. É através do olhar irónico que, na obra de Nery, se cristaliza a abstração intelectual naquilo que Arnheim denominou de “pensamento visual”.

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In Search of the Muse of the Visual Arts. Artistic Inspiration and its Ontological Contexts The ancient figures of the Muses metaphorically reflected the modes of operation of creative inspiration that concerned performative or „poetic” arts, especially different genres of poetry and music. It is remarkable that the status of the visual arts differed from that of the „poetic” arts through the ages as to their „creative” vs „mimetic” content. In spite of the attempts at attribution of the „poetic” inspiration to painting proposed by artists and thinkers of the Florentine quattrocento, the division remained, both in theory and practice, and was even deepened by the Romantic revival of theories of music and

BOGNA J. OBIDZINSKA | Jagiellonian University, KrakówPhD in Philosophy at Warsaw University, Warsaw, Poland 2007, dissertation dedicated to the concept of the renaissance as interpreted by the Aesthetic Movement in England. Currently NCN Postdoc Scholar at the Jagiellonian University, Kraków, Poland 2012-2015. Employed permanently as Assistant Professor in the Bogdan Jański Academy, Department of Social Science in War-saw, from 2007. Author of „Wenus w otoczeniu luster” and co-author of two other books, as well as several articles and papers in the field of aesthetics. Member of the Editorial Office and Secretary at „Sztuka i Filozofia” [Art and Philosophy] peer reviewed journal in aesthetics.

poetry in the 19th century. The aim of the paper is to study the cognitive mechanism standing behind the phenomenon of creative inspiration in the context of painting as opposed to that of performative or „poetic” arts, as reflexive of the ontological nature of the work of art that is the product of each mode of creativity. Analyses are conducted with reference to selected works in phenomenology, formalism and theories of mimesis. A possibility of transgression of the chasm in the context of the 20th century avantgarde art is considered.

Tales of Curiosity or the virtues of a wandering attention Inspiration, epiphany, Eureka moment, revelation and genius may captivate us as fables of the creative process but do not correspond to any sort of reality or common experience. Against these mysticisms of talent and invention, James M. Young, an American publicist, wrote in 1939 A Technique for Producing Ideas, in which he put forward two keys for creativity - an idea is always a new combination, and the ability to establish new combinations depends on the ability to see and find relationships between things and different aspects. This ‘skill’ largely depends on mental training, on focused attention and mindfulness but mostly on an intense individual curiosity. This proposal does not seem particularly sophisticated or enriching nowadays and was already addressed by many, from Nietzsche to Bruno Munari.But Young adds and emphasizes the importance of what he calls ‘no effort of a direct nature’, i.e. to allow a mental digestive process to operate fluidly and

SUSANA OLIVEIRA | Faculdade de Arquitectura da Universidade Técnica de LisboaTeaches Drawing at the Faculty of Architecture - UTLisboa, and works as a freelancer illustrator. She graduated in Fine Arts - Painting, has a MPHIL in Aesthetics and Philosophy of Art and a PhD in Communication Sciences. She participated in several conferences and has collaborated in curator and museum projects, namely at Museu da Cidade e Museu do Côa. She co-or-ganized, with Pedro Gadanho, the 1st International Conference in Architecture and Fiction - Once Upon a Place, at Fundação Calouste Gulbenkian, October 2010, currently being edited as a book. Her PhD thesis “Lições das Sombras” was published by Fundação Calouste Gulbenkian in October 2012. She is also editor of a collection of novels and short-stories on Architecture and Literature by Abysmo publishers, currently in progress.

unattended. Which is so very different than to wait for an external intervention of mysterious kind, but just to trust to the mind the task of establishing relationships and exclusions between materials it collected. By means of anecdotes and episodes about certain artists, scientists, designers and objects, it is our purpose to defend the possibility of a curious dispersion (or a unconcerned curiosity) as the ideal disposition for the germination of ideas.This disposition can be developed by habits of thought and mindful participation with the self and the world, searching for relationships between facts and events and things selflessly and naturally. Not so distant after all from what William James, the father of modern psychology, defined by the end of the 19th century as a ‘wandering attention’ - a culture that allow us to develop this faculty would be the excellence of an education for creativity.

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Criação, Destruição e Geração A partir de um apontamento sobre a história da chamada Beat-Generation, vamos contar uma outra história, interrogando as “personagens” que são a própria arte e a literatura, no seu

MARIA JOÃO ORTIGÃO/ MARIA JOÃO LELLO ORTIGÃO DE OLIVEIRA | Faculdade de Belas-Artes da Universidade de LisboaProfessora Licenciada em Filosofia (1979 UP-Universidade do Porto), Mestre em História de Arte (1989 UNL-Universidade Nova de Lisboa) com uma Tese sobre o Pensamento Estético de Ramalho Ortigão, e Doutora em Ciências da Arte pela Faculdade de Belas-Artes de Lisboa (onde lecciona e trabalha desde 1994) com uma Tese sobre Aurélia de Sousa em Contexto, defendida em 2002 e premiada pelo Grémio Literário de Lisboa com uma Menção Honrosa. Além desta obra, e de outras em preparação, publicou ainda O Essencial sobre Ramalho Ortigão, a par de 2 livros de Ficção – O Paraíso Invisível : Ramalho Ortigão e Sarah Bernard (traduzido e publicado igualmente em alemão), e O Pesadelo, conjuntamente com múltiplos textos da especialidade, articulando Arte e Literatura oitocentistas, e História de Arte do Renascimento ao Modernismo. Investigadora do Centro Francisco de Hollanda /Cieba, do qual foi sua coordenadora, é actualmente co-directora da Revista ArteTeoria da Faculdade de Belas-Artes de Lisboa. Casada, tem dois filhos.

Empathy and creative expression Within the last couple of years, the problems of empathy do not belong anymore into the field of psychology and phenomenology, but it has strong focus also in art theories, theology and neuroscience. The famous work of art - Pieta by Michelangelo Buonarroti - visited by million of guests every year, is a statue of a mourning mother. The mother holds her son’s lifeless body in her lap. The spectator perceives the pain and sadness from the satue and never experiences it as joyful or giving some pleasant sensations. The pain, which I became aware of, is given to me, it requires a concrete spatio-temporal being, and it appears or occurs as an embodied giveness. But what kind of awareness is it? The pain is not given to me as a „thing“; this masterpiece is also not given to me as a „thing“.

MARGE PAAS | Tallinn UniversityMARGE PAAS, MA (b. 1976), doctoral student in Tallinn University. As young researcher in contemporary aesthetics, Marge Paas focus in her research into new phenomenas in aesthetics and in philosophy of art. She graduated MA in Interactive Multimedia in Tallinn Academy of Arts and has been a researcher/guest studient for 2 semesters at La Sapienza, Università degli studi di Roma, in 2010 and 2011. She is interested in empathy, manipulation and simulation in aesthetic experience, according to contemporary art practices, and focuses in her dissertation the problems of empathy in aesthetic experience. She has been written several publications of contemporary art and culture theories.

There is always the possibility to see other perspectives of this statue and sense the given pain differently from how it is presented by Michelangelo in Rome. I, as a spectator of the work of art, empathically go inside this work of art and perceive the „other“, and I am not any more in the content of the work of art, I will become a subject of this content in the original subject“s place. My question is, how „I“ as perceiving subject experience this given foreign „other“ in me what appear in my consciousness from work of art. I argue that this relationship is based on empathy in creative process. In the following analysis I will bring various examples about 21th century work of art and I am interested in, how our consciousness follow to creative expression and its relationship with empathy.

movimento contínuo de criação e processo criativo. E porquê este título de “Criação, Destruição e Geração” ?

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Criatividade e condicionamento humano Usamos a palavra arte para designar tudo aquilo que resultou da habilidade e do engenho humano, distinguindo-se pelo aprimoramento e pela “novidade abstracta” (Pessoa) que introduz na cultura. A arte, tal como a conhecemos, é em grande medida fruto de um afastamento do homem face à natureza, não deixando de ser igualmente um esforço de diálogo com tudo aquilo que nos condiciona, incluindo a própria natureza. Alinhada com esta capacidade de desconfinamento, a criatividade permite ainda alterar para melhor a vida humana. Quem cria demonstra, através desse mesmo acto, que não

JOÃO PENEDA | Faculdade de Belas-Artes da Universidade de LisboaGraduated in Philosophy in the Faculty of Social Sciences and Humanities, New University of Lisbon (1986-90). Postgraduate studies in Philosophy at the same institution. Has taught in the Fine Arts Faculty since 1992. In 1997, took the Pedagogical Aptitude and Scientific Capacity examination. Assistant Professor since 2005, with a PhD in Sciences of Arts / Aesthetics on the contribution of the psychoanalytic theory of Freud and Lacan for Aesthetics. Taught the following pre-Bologna courses: Introduction to Aesthetics, Aesthetics (3rd and 4th grade and Master in Art Theory), Psychology and Cultural Studies; post-Bologna: in the 1st Cycle: Aesthetics I and II, Cultural Studies I and II, Psychology; in the 2nd Cycle: Therapeutic Perspectives of Plastic Arts and Theory of Digital Libraries and E-learning (Master in Art Education) and Psychology of Art (Master in Teaching Visual Arts, UL); in the 3rd cycle: Seminar of Fine Arts I and II (lectures). Researcher of the Instituto Francisco de Holanda / Centre for Research and Studies in Fine Arts (CIEBA). Coordinator of the FBAUL e-learning’s team. Translator and author of articles, reviews and publications in the area of Aesthetics and Psychoanalysis. Psychoanalyst and therapist.

depende exclusivamente daquilo que lhe é prescrito. Para o atestar, começaremos por expor um elenco alargado de todos aqueles factores que condicionam o homem, dos mais físicos aos mais simbólicos, a nível individual e colectivo. Segue-se uma apresentação das diversas acepções da arte, com o propósito de equacionar as possibilidades da criatividade escapar e superar os factores que condicionam o humano. Por fim, resta-nos interrogar o que seria a excelência da arte e da criatividade.

O estudo dos Processos Criativos em Pintura Antiga como interface de investigação em Arte e CiênciaOs casos de estudo dos Primivos Flamengos e Portugueses O estudo técnico e material das obras de arte é hoje um dos campos de transversalidade dos estudos artísticos, fazendo confluir metodologias e campos de análise das ciências físico-químicas, das humanidades e das tecnologias artísticas, num equilíbrio nem sempre fácil de alcançar mas que suscita e impõe cada vez mais a realização de trabalhos em equipas de investigação multidisciplinares. A FBAUL, ao criar nos seus três Ciclos de Estudos (Licenciatura, Mestrado e especialidade de Doutoramento) a valência das Ciências da Arte e do Património, com especial ênfase na Conservação e Restauro e, em particular, nos problemas específicos a esse nível que levantam as produções da Arte Contemporânea, pretende contribuir para o aparecimento de

FERNANDO ANTÓNIO BAPTISTA PEREIRA | Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa Formado em Filosofia pela Faculdade de Ciências Sociais e Humanas da Universidade Nova de Lisboa (1986-90). Pós-graduação Lisboa, 1953. Licenciado em História pela Faculdade de Letras da Universidade de Lisboa, pós-graduado em Museologia pelo antigo Instituto Português do Património Cultural e doutorado em Ciências da Arte (História da Arte) pela Faculdade de Belas-Ar-tes da Universidade de Lisboa. Ensina na Universidade de Lisboa (na Faculdade de Letras e na Faculdade de Belas-Artes) desde 1979, sendo actualmente Professor Associado na de Belas-Artes, onde desempenha as funções de Presidente do Conselho Científico, de Director do Centro de Investigação em Belas-Artes (CIEBA), sendo também o autor do Plano de Estudos da Licen-ciatura em Ciências da Arte e do Património dessa faculdade. Tem vasta e diversificada obra publicada nos domínios da História da Arte e da Cultura Portuguesas, da Crítica de Arte e da Museologia. É autor do Conceito e da Programação de vários Museus e de grandes Exposições nacionais e internacionais em Portugal, em Espanha, no Brasil e em Macau, assim como foi o responsável pela coordenação científica dos respectivos catálo-gos, destacando-se o Museu do Trabalho de Setúbal, Menção Honrosa do Prémio Museu Europeu do Ano, em 1997, e Prémio Museu do Ano, da Associação Portuguesa de Museologia, no mesmo ano, o Museu do Oriente (2008, Prémio Museu do Ano, da Associação Portuguesa de Museologia, em 2009) e o Museu Ibérico de Arqueologia e Arte de Abrantes (nomeadamente das suas exposições de Antevisão, 1, 2, 3 e 4, de 2009 a 2012). Foi também o Comissário Científico da Exposição do Museu Hermitage de S. Petersburgo em Portugal («Arte e Cultura do Império Russo. De Pedro-o-Grande a Nicolau II», 2007) e o Revisor Científico da Nova História da Arte de Janson, publicada em Janeiro de 2010 pela Fundação Calouste Gulbenkian.

uma nova geração de historiadores, críticos, museólogos e curadores profundamente conscientes dos limites mas também das vantagens do carácter material e técnico das obras que estudam ou apresentam à fruição. Para exemplificar o estudo dos processos criativos na Pintura Antiga iremos apresentar alguns casos paradigmáticos relativos aos chamados «Primitivos Flamengos» (século XV) e «Portugueses» (o século de Nuno Gonçalves, 1450-1550), particularmente no que respeita à análise do desenho subjacente, da técnica pictural e das fontes iconográficas, assim como no que toca à intervenção da encomenda durante o processo ou às questões de recepção, após a finalização.

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A aleatoriedade do discurso artístico colaborativo na estética digitalO advento da cultura digital e a forma vertiginosa como a tecnologia evolui configuram novos territórios de ação que rapidamente começam a fazer parte do vocabulário artístico. A exploração de tecnologias emergentes com fins artísticos, alicerçada no conceito de ‘aldeia global’, do tipo previsto por Marshall McLuhan no seu livro The Gutenberg Galaxy, tem estimulado uma mentalidade tecnológica e um intercâmbio de ideias sem precedentes, conduzindo-nos a uma globalização a que o pensamento artístico não pode ficar indiferente. Este fenómeno expande a base estruturante da tese wagneriana, a reconstrução de um medium associado a múltiplos meios e orientado para um ‘público coletivo’. Porém, estamos convictos de que esta asserção encontra um novo nível de significância no axioma da globalização, pois o público assume funções e um anonimato desconcertantes, plasmados numa exaltação do processo em detrimento do produto, sugestionando e relançando novas discussões acerca da “obra aberta” e do trabalho colaborativo.

JOSÉ PEREIRA | Escola Superior de Educação do Instituto Politécnico de ViseuProfessor Adjunto do Departamento de Comunicação e Arte na Escola Superior de Educação do Instituto Politécnico de Viseu. Doutorando em Belas-Artes, na especialidade de Arte Multimédia, na Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa. Desenvolve atividade profissional nas áreas de Artes Plásticas (com particular enfâse no domínio da Arte Digital), Teoria da Arte e ensaísmo de arte.

A preocupação com as possibilidades estéticas dos projetos artísticos em rede, num contexto relacional ativo, enfatiza uma participação do espetador na arquitetura da obra e na partilha do processo criativo que lhe subjaz. A interatividade da obra não só responde aos estímulos do público, como, em muitas circunstâncias, esse público colabora na produção da obra, dando-lhe sentido e integridade conceptual. A ideia de espaços navegáveis reivindica a participação efetiva do público para consumar a obra, propondo esquemas de interação subordinados a uma interface, que oculta um sistema construído com base num pensamento multidisciplinar, alterando o paradigma autoral dessa obra. A relevância e originalidade destas propostas de projetos colaborativos e respetivas metodologias concentram-se em questões de reflexão arroláveis à prática artística, assumindo várias dicotomias: imprevisibilidade ou planificação de processos, acaso ou controlo da técnica, liberdade expressiva ou integração de cânones, estabilidade ou inconstância dos materiais, autoria partilhada ou incubadora criativa.

António Ole: arqueologias do quotidiano e da memóriaEsta comunicação procura abordar os processos de trabalho desenvolvidos pelo artista plástico angolano António Ole (n.1951) com espacial destaque para uma prática continuada de prospeção da realidade. Este procedimento em particular abrange não só a dimensão do quotidiano – através da recolha e transfiguração de elementos residuais da sociedade como fragmentos de madeiras, chapas de zinco, ferro, ossos, conchas, mapas, textos, etc. – mas estender-se-á à memória histórica de Angola, assumindo uma

TERESA MATOS PEREIRA | Escola Superior de Educação de Setúbal Licenciatura em Artes Plásticas – Pintura, Mestrado em Teorias da Arte e Doutoramento em Belas artes – Pintura pela Faculdade de Belas Artes de Lisboa. Membro do CIEBA – secção de Ciberarte; Professora na Escola Superior de Educação de Setúbal

dimensão metafórica. Aqui o artista provoca um jogo metafórico onde a obra oscila entre a revelação de estratos de sentido por detrás dos fragmentos que compõem a sua gramática, e a sugestão de novas significações, através de processos de confronto, hibridação e codificação. Por fim estes processos de criação artística espelham-se numa ampliação das possibilidades de leitura das obras - imprimindo-lhes uma feição multirreferencial – ao mesmo tempo que propõem uma reflexão cruzada sobre os mecanismos de apropriação pela arte.

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Action of Non-Intention for CreativityI introduce the Daoist concept of wu-wei (無爲) in relation to making art, and examine the notion of creativity. The concept of wu (無: nothing or non-being), while permeating East Asian philosophies and religions, is purely parasitic and metaphysical; it indicates absence of something, and this something is merely a point of reference in anticipation, but not a real thing in the present. By comparison, the concept of wu-wei suggests the application of wu to the real world which actually exists in a positive sense. “Wei (爲)” means governed or intended doing, thus wu-wei (無爲) means doing without intention or control. Wu-wei emphasises naturalness of doing, which is possible by mastery of necessary skills. East Asian scholar painting (prior to

SO-YOUNG PARK | Goldsmiths, University of LondonI grew up in Korea and immigrated to Canada, where I studied photography and interactive media. Currently I am finishing my MPhil study in Visual Cultures at Goldsmiths, University of London. I have practised across a broad spectrum, including internet art, video, live visual performance, photography, and printmaking. In addition I have practised contemporary dance for the last 12 years. My current artistic interest concentrates on prehistoric belief systems, such as shamanism and animism, in relation to ritual suicide.

modernisation) exemplifies this. The brush stroke itself no longer requires the painter’s control, but is performed instinctually at the command of the painter’s skilled hand. This allows the painter to concentrate on the coordination of painting at a given moment of execution. Uniqueness of the brush stroke results from this coordination whose variables are measured in relation to the fit between the particular circumstances of the moment and the singular quality of the painter. Creativity is what is naturally elicited through this meeting of the brush stroke as a unique occasion, and the painter as a unique individual.

Entre a ideologia e a resistência: o caso do livro de artista O livro de artista emergiu, sobretudo a partir dos anos 60 do Séc. XX, como um lugar de resistência ideológica, muitas vezes encerrando propostas de discursos auto-referentes, discursos críticos dos próprios livros enquanto formato legitimador estabelecido. A este propósito revisitam-se os conceitos de produção ideólógica, de “gramáticas de produção” e “gramáticas de reconhecimento” (Véron), e ainda os modelos de produção de conteúdos “encoding/

JOÃO PAULO QUEIROZ | Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa Curso de Pintura pela ESBAL. Mestre em Comunicação pelo ISCTE. Doutor em Belas-Artes pela Universidade de Lisboa. É professor na Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa (FBAUL), responsável pelo doutoramento na área de Arte Multimédia e professor nos diversos cursos de Licenciatura, Mestrado e Doutoramento. Co-autor dos programas de Desenho A e B (10º ao 12º anos) do Ensino Secundário. Coordenador do Congresso Internacional CSO (2010, 2011, 2012, 2013) e diretor das revistas académicas: Estúdio, Gama, e Croma. Coordenador do Congresso Matéria-Prima, Práticas das Artes Visuais no Ensino Básico e Secundário (2012, 2013). Atualmente é Subdiretor da FBAUL.

decoding” (Stuart Hall) e seus referenciais de leitura: leitura dominante, negociada, oposicional. A terminar propõe-se uma representação tridimensional de três polaridades presentes no tema: o livro de artista produzido manualmente / ou em série, o livro objeto único / ou múltiplo, o livro que se assemelha fisicamente a um livro / ou apenas se refere a um livro sem se lhe assemelhar fisicamente.

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A Game of Reflections The approach in this presentation aims at exploring the role of drawing as a reflexive dynamics through which the mind uses the many possibilities and choices that are offered to both the artist and the architect, developing throughout the course of creative process that is implied in the artistic activity in the field of the visual arts.If one could choose a metaphor to depict appropriately this complex reality of the systematic testing of the many configurations that the creative author may produce, we could easily recall the game of light reflections that mirrors provide. In the first stages of conceptual thinking, the intuitive use of sketching, produces a long sequence of attempts, that tend to narrow down, by the method of error and trial, the choices to the formal solutions that are approved by the experienced creative individual.We are aware that this

ALEXANDRA AI QUINTAS | CIAUD, Faculty of Architecture, Technical University of LisbonAlexandra Ai Quintas (b. Lisbon, 1961), graduated in Architecture, at the Faculdade de Arquitectura Universidade Técnica de Lisboa (1984). She has completed a Master in Architecture and Rehabilitation (FAUTL, 2001) and a post-graduation in Contemporary Art (FCSH-UN, 2004). She completed the PhD thesis in Architecture (2009) with an investigation on the Gesamtkunstwerk and the collaboration of Portuguese architects and visual artists in the 20th Century. She teaches at FAUTL since 1990 and has belonged to faculty’s Editorial Centre (from 2000 to 2009). Currently, she is also a researcher and a member of CIAUD, where she conducts different research projects on the issues related to drawing and the process of architectural design, and the relation between the different visual arts.

sequence of different trials can be achieved by the use of digital means of representation, but we are convinced that there are some advantages provided by the traditional sketching method, more precisely the gestural approach that involve a complex interaction between the abilities and skills residing in the brain, the hand and the optical perception, all of them resulting in an interactive system of operations. The above referred operations often reside in a non rational frame of thinking, a sort not only intuitive but also iterative thinking. The intermediate stages of the object to create are attained by a successive approach to a final stage that is considered to being closer to the desired configuration. Hazard can play a specific role, from time to time, introducing into this “game of reflections” the refreshing quality of the involuntary and thus revealing that innovative and unexpected quality in the creative process.

Do museu à escola: caminhos possíveis para o desenvolvimento estético – uma experiência na formação contínua de professoresA presente comunicação tem como objetivo relatar uma experiência de formação contínua de professores de Educação Visual e Educação Tecnológica, focada na coleção do Museu Municipal Henrique e Francisco Franco, no Funchal O workshop organizou-se em torno de dois eixos: a análise e contextualização de algumas obras da coleção e a produção plástica que explorou técnicas de gravura. Pretendeu-se que os professores refletissem sobre a possível articulação de conhecimentos e novas estratégias de ensino aprendizagem e que encarassem o museu como uma sala de aula. A principal finalidade deste workshop foi envolver os professores na sua própria aprendizagem, para que se apropriassem de determinados conceitos e metodologias que fossem geradoras

MARIA MARGARIDA DA SILVA ROCHA | Instituto Politécnico de Setúbal Escola Superior de Educação Doutourada em Ciências da Educação pela Faculdade de Ciências e Tecnologia da Universidade Nova de Lisboa. Mestre em Ciências da Educação pela mesma Universidade. Pós-Graduada em História da Arte pela Faculdade de Ciências Sociais e Humanas da Universidade Nova de Lisboa. Licenciada em Artes Plásticas (Pintura) pela Escola Superior de Belas Artes de Lisboa (actual Faculdade de Belas Artes da Universidade de Lisboa).Professora Adjunta na Escola Superior de Educação de Setúbal, onde coordena o curso de Professores do Ensino Básico, variante de Educação Visual e Tecnológica.Tem diversas publicações no âmbito da educação artística.Como artista plástica, participou em diversas exposições individuais e colectivas de pintura, desenho/ pastel e gravura.

de práticas que favorecessem, nos seus alunos, a compreensão da obra de arte em contexto. Do ponto de vista do enquadramento teórico de referência, adotou-se a metodologia VTS -visual thinking strategies- (Abigail Housen e Philip Yenawine) e a abordagem triangular preconizada por Ana Mae Barbosa. A metodologia utilizada implicava que, através de um “jogo de pistas”, os professores organizados em grupo, tivessem que atribuir, em decisão unânime, as frases que poderiam caraterizar determinadas obras. A segunda parte do trabalho constou de uma atividade de exploração do conceito de ritmo visual e de técnicas de gravura de entalhe.

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ANA DUARTE RODRIGUES | Faculdade de Ciências Sociais e Humanas da Universidade Nova de Lisboa Ana Duarte Rodrigues is currently Lecturer at Landscape post-graduate studies of FCSH/UNL. She has received her BA (2002) in Art History, Master (2005) and PhD (2009) in Art History of Early Modern period from the FCSH/UNL. She is an associated researcher of CHAIA/UE, IHA and of CHAM/FCSH. Her PhD on Garden Sculpture of the 17th and 18th centuries in Portu-gal has been published by FCT and FCG. Her Master thesis has been the base for the exhibition O Virtuoso Criador. Joaquim Machado de Castro (1731-1822) that occurred at the MNAA between the 18 May to the 30 September 2012.

Baroque gardens recreate Ovid’s MetamorphosesIn this paper I demonstrate how Ovid’s Metamorphoses have been re-created in the many illustrated editions published during the Early Modern period. Instead of being inspired by the text and being almost a visual translation of the text, Metamorphoses’ illustrated editions have obtained an independence of their own and they add information to the former text or even recreate the story through the use of settings and images inspired by contemporary visual culture. This is especially notorious in the edition La Metamorphose d’Ovide figure (1557) illustrated by Bernard Salomon where each episode is told by an image with a legend in Italian. Inspired by this, the edition with prints by Crispijn van de Passe (1602) and by Antonio Tempesta (1606), confirm this methodology of recreation the poem by Ovid illustrating it with renaissance and

baroque settings of pleasure gardens that have nothing to do with the original text but are influenced by real gardens that exist in Northern Europe where these editions have been prepared, printed and published. Some examples can be given on this: the maze represented to illustrate the Minotaur’s episode, shown in the 1549, 1607, 1687 and 1705 editions is similar to mazes of bois in Baroque gardens; and the formal gardens that provide the scenery for Vertumno and Pomona’s episode in the 1607, 1691, 1697 and 1705 editions. This research show that the illustrations add information, recreate and are in fact a creative process of images and ideas on Ovid’s poem, indicating that sceneries with formal gardens and natural settings are clearly inspired by real northern Europe garden and landscape.

Mirko Sablich | ComposerMirko Sablich was born in Lima, Peru. He started his involvement in music during elementary school as a member of the school band where he played various instruments by ear including the clarinet and the euphonium. Later he formed an improvisation rock band in which he sang, played guitar and wrote songs. He enrolled at the University of Lima and studied for a time, mathematics and economics. After moving to Montreal he obtained a bachelor of Commerce in Economics, a bachelor of Fine Arts in Music Composition from Concordia University and later, a masters in Music Composition from l’Université de Montréal.

Numbers, patterns and labyrinths in the mindIn my recent compositions, the use of numbers has changed from being an aid and decision tool to becoming the centre piece of the creative process. Indeed in many cases numbers are the piece. Unlike the traditional view of numbers and mathematics in music making I favour their direct and simple manipulation by hand avoiding as much as possible the use of the computer. Numbers are carefully sought after, observed, analyzed, used, and transformed in a most intuitive, natural, free, and open ended manner allowing my imagination to play with the labyrinths of possibilities. By accepting the emerging patterns I explore and understand my original ideas and perceptions with clarity, simplicity and without pre conceived

notions of beauty or learned musical artifacts. A process then unfolds in which the systematic or unsystematic use of numbers and my initial ideas or other types of perceptions feed each other and slowly shape a piece of music. In fact using numbers creates a paradox during the creative process, since it removes most of my musical assumptions and learned intentions while at the same time lets me guide the process and make unobtrusive decisions. Numbers attune my mind to my senses and permeate the process with a sense of wonder and a feeling of authenticity. This paper presents the creative process of my latest pieces as it pertains to the use of numbers.

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PEDRO CABRAL SANTO | Artista Plástico e curador Estudou Pintura e Escultura nas Faculdades de Belas-Artes de Lisboa e Porto, especializando-se nas áreas expressivas afectas à instalação e à vídeo-instalação. Em paralelo, nos últimos 20 anos, tem vindo a desenvolver as actividades de artista plástico e comissário de exposições, destacando-se os eventos Tilt (Fundação Calouste Gulbenkian, Lisboa), O Pedro e o Lobo (Museu do Neo-realismo, Vila Franca de Xira), Il Communication (com Carlos Roque, Sala do Veado, Lisboa), X-Rated/Autores em Movimento (Galeria ZDB, Lisboa), O Império Contra-Ataca (co-comissariado, Galeria ZDB/Institulo La Capella (MACBA), Lisboa e Barcelona), Espaço 1999 (co-organizador, Museu de História Natural, Lisboa), Fernando Brito 1983-2010 (Centro Cultural Vila Flor, Guimarães) e Manuel Vieira - CASA (Cordoaria Nacional, Lisboa). Recentemente expôs no Museu do Chiado (2012) a obra Sem Dó, com Ré (homenagem a Sá de Miranda), trabalho incluído nas comemorações dos painéis de São Vicente de Nuno Gonçaves, realizado em parceria com a artista Lula Pena. Como membro do Pogo Teatro participou em diversos espectáculos levados à cena pelo Grupo, através da produção de textos, realização cenográfica e também como performer/actor. Foi também fundador dos projectos artísticos Autores em Movimento (Greenhouse/Jetlag/X-Rated) e featuring (Unlovable). No plano musical, foi membro fundador do projecto musical IK-MUX e, actualmente, coordena o PROJECTO FUZIVEL, música experimental de fusão.

Impulso e Deriva na Criação ArtísticaQual é o momento que verdadeiramente determina o impulso, e que impele o artista, na direcção da construção/produção de uma Obra de Arte? E as Ideias vêm de que lugar? Trata-se, pois, quando falamos de processos criativos inseridos na produção artística, de um mero sortilégio que provem de um “tempo espesso”, idiossincrático e, por isso, indecifrável (?). No entanto, e apesar do mistério que parte do processo encerra em si mesmo, também sabemos que, por vezes, estamos perante uma relação que passa, justamente, pela constatação de que existem várias possibilidades que se afiguram (que se disponibilizam) no momento do início da aventura da auto-expressão (?). No interesse deste argumentário e, desde logo, porque sabemos que as obras de arte, também, podem ser

portadoras de sinais muitíssimo elaborados, quer ao nível da experimentação, quer da manipulação de conteúdos, o intuito parece ser acercar-se daqueles que melhor estiverem preparados para entender o fenómeno artístico. Ou seja, estamos a referirmo-nos à efectiva necessidade de que o(s) processo criativo(s), patente em inúmeros exemplos, tenha(m) como fito “alvejar” literalmente o espectador. Assim, se é verdade que em determinados casos a Obra de Arte é construída de forma a que obedeça a critérios meramente formais e de conteúdos, ou ambos, também é verdade que estamos perante factores “outros”, que são, pela sua intrínseca natureza, de difícil acesso. Estamos pois perante um dilema.

ALEXANDRE SANTOS | Universidade Federal do Rio Grande do Sul – UFRGS – Porto Alegre - Brasil Alexandre Santos is art critic and professor in Federal University of the Rio Grande do Sul. He is doctor in History, Theory and Critical of Art by the Program of After-Graduation in Visual Arts of the same university, where also he acts as professor and researcher. During his doctorade he passed a period of training in the Université de Paris III - Sorbonne Nouvelle/Cinéma et Audiovisuel, under orientation of Prof. Dr. Philippe Dubois. He is member of the Brazilian Committee of History of Art – CBHA and International Association of Critics of Art - AICA. It develops research about photography and mecanical image in the modern and contemporary art. He has texts and essays published on its subjects of research in books and academic magazines. He collaborates, sporadical, with the magazines Teorema: Critica de Cinema and PortoArte.

Dentro das imagens: a micronarrativa de espaço e tempo na fotografia de Tiago Rivaldo Tiago Rivaldo (1976) nasceu em Porto Alegre, mas vive e trabalha no Rio de Janeiro desde 2001. O seu trabalho concentra-se na reflexão sobre a imagem fotográfica e sua capacidade de constituir memória. Entretanto, a memória que interessa ao artista é uma abstração do espaço e do tempo vivido e registrado em câmeras fotográficas por ele construídas a partir do princípio da fotografia pinhole.A imagem fotográfica, central na obra do artista, não busca a transparência a ela imposta historicamente, mas relaciona-se à opacidade legada pelos processos artísticos herdeiros da arte conceitual. Para além de sua finalidade representacional, as fotografias de Rivaldo subordinam-se à experiência do espaço e do tempo, gerando situações nas quais o artista insere tanto a sua experiência pessoal, quanto propõe a transferência desta aos espectadores, os quais participam das suas imersões na imagem, relacionadas à exploração das potencialidades perceptivas da câmera obscura.

O trabalho de Rivaldo remete a questões autobiográficas e aos seus deslocamentos urbanos em cidades como Porto Alegre e Rio de Janeiro. A pluralidade das imagens daí resultantes pode relacionar-se à pintura, ao desenho e à constituição de arquivos pessoais. Por outro lado, o sentido de improvisação do ato artístico das suas câmeras obscuras, construídas para serem vestidas pelo artista ou por seu público, aproxima-o também da performance.Partindo da exposição Eu e Outros Nós, realizada no Instituto Brasil-Estados Unidos, em 2012, na cidade do Rio de Janeiro, a proposta desta comunicação é investigar algumas das estratégias poéticas de Rivaldo com o uso da câmera obscura em direção a um tipo de fotografia que nega o princípio da própria fotografia. Ao aproximar-se da experiência lúdica, como em um jogo de experimentações voltado ao improviso, as provocações do artista reavaliam conceitualmente a fotografia, remetendo às experimentações poéticas que deram origem à arte contemporânea.

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Materiality & New Media Art MaterialsDetermining the material properties of digital objects has become an increasingly pressing line of inquiry within media studies and art history alike (Kirschenbaum 2008; Graham & Cook 2010). According to Gittelman (2007), the 20th century ascent of computation and information culture gave rise to an elusive form of digital materiality, with significant conceptual, ethical and ecological implications (Bennett 2010). While a considerable amount of contemporary scholarship asserts the historical necessity of an object-oriented (re)turn to the material realm (Harman 2012; Meillasoux 2012), these projects have been unable to contend with digitality, focusing instead on the physically robust supports of computer interaction (screens, hard-drives, network wires). This struggle is indicative of both the conceptual aporia inherent to speaking of matter whatsoever (insofar as matter is no longer matter-as-such once formalized) and also the difficulty of ontologically delineating between representation (inherently immaterial) and digital, (materially articulated and constrained).

ASHLEY SCARLETT | University of Toronto: PhD candidate; Ontario College of Art & Design University: LecturerOriginally from Edmonton, Ashley Scarlett is currently attending the University of Toronto as a PhD Candidate at the iSchool. Working in close collaboration with Semaphore, a UofT based New Media maker and research cluster, her work maps out and explores a phenomenology of digital materiality as it is expressed in contemporary new media art. When not reading philosophy or fiddling with Arduinos, she spends much of my time teaching at various post-secondary institutions around Toronto, working on curatorial collaborations with the N/A Collective, and learning to play the drums a little less poorly.

According to Joanna Drucker (2009), new media art and art-making practices have a critical contribution to make within contemporary explorations of digital materiality. While philosophical modes of inquiry have proven ill-equipped to fully navigate questions concerning matter, the practices of making that articulate new media works typically oblige artists to pry open the proverbial “black-boxes” built up around technologies, leaving them to contend with the materiality of the things themselves. Building on philosophical intersections of computation, representation and matter, and drawing upon material-driven interviews conducted with new media artists, the paper I am proposing reveals and explores how an engagement with new media (art) materials might aid in overcoming the conceptual aporias present within broader discourses on digital materiality. My paper tentatively introduces novel, grounded philosophical meditations, with significant implications for the discipline of New Media Art, while also further legitimizing art and making practices as rich sites for philosophical research.

Shared knowledge and distributed creativity in early television and video artThe paper will address media based processes of knowledge production and forms of distributed creativity in artistic practices of the 1960s and 1970s. Some of the key questions are: Are there new ways of collectively producing and sharing artistic knowledge which would transcend earlier practices by which artist groups and artistic media were able to overcome the ideals of single authorship? How does the use of media like television or video change artistic production towards models of distributed creativity? To address the different modes of distributed creativity as media based processes allows to focus on collaborations not as product oriented, rational actions, but as processes shaped by different media and to analyze artistic experiments, in which possibilities of participation are offered. The term distributed creativity seems paradigmatic for the

SAMANTHA SCHRAMM | University of Konstanz, GermanySamantha Schramm is postdoc-researcher at the University of Konstanz, department of media studies and member of the DFG research network “Media of Collective Intelligence”. After her studies in art history, sociology and education at the University of Stuttgart she finished the Master of Arts at the University of Kansas with a Fulbright scholarship. She was member of the research training group “Image – Medium – Body. An Anthropological Perspective” at the Hochschule für Gestaltung Karlsruhe und Fellow at the Terra Summer Residency in Giverny, France. In 2012 she finished her Dissertation about concepts of site and media in Land Art.

RECENT PUBLICATIONS:

Zwischen Site und Non-Site. Ortskonzepte und Situierungspraktiken der Land Art, Berlin (forthcoming)

„Versuchsanordnungen in Echtzeit. Sich selbst sehende Zuschauer in Closed-Circuit-Videoinstallationen“, in: Augenblick 51, 2012, p. 25-36.

„Towards a Displacement of Photography. Robert Smithson’s Mirror Displacements in Yucatán”, in: Linda Báez-Rubi/Emilie Carreón Blaines/

Deborah Dorotinsky Alperstein (eds.), Los itinerarios de la Imagen. Prácticas, Usos y Funciones, Mexico City 2011, p. 297-312.

shift towards shared models or production, allowing different agents not only to participate in different actions, but also to shape the outcome of a work of art. Therefore, it is important to not merely to look at artistic research as aesthetic practices, in which the aestheticization of artistic knowledge production and distributed creativity is addressed, but also to analyze at the ways in which collectives are produced and shaped by media. While addressing first the theoretical context of collective creativity in art, the paper will also focus on case studies of the art of the 1960s and 1970s, like early activist television art by Ant Farm or Raindance Corporation, in which the audience begins to produce their own television program or closed-circuit-installations in which viewers become creative participants of the art, analyzing the creative processes involved.

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SAMI SIEGELBAUM | DePaul University, Chicago, ILI specialize in the history of Modern and Contemporary art with a focus on the cultural politics of 1960s France. I have published articles in journals such as Oxford Art Journal and Kunstlicht and am preparing a book manuscript, titled The Avant-Garde of Presence, on the work of artists involved in the May 1968 events in France.

Office Casual: Creativity as Problem-Solving in Contemporary Performance Art My paper examines the ways in which performance art has become a model for contemporary corporate labor. Since the dismantling of Fordist systems of production in advanced economies in the 1970s, firms and organizations have placed increasing stress on “creativity” as a work value. Though the sort of creativity demanded of a corporate office worker may seem to have little in common with the creativity associated with artistic production, I track the ways in which changes in both fields since the 1960s have resulted in their possible confluence today. In particular I focus on two specific encounters between contemporary art and corporate labor within the auspices of the multinational professional services firm, Deloitte. The first is a video installation by the Finnish artist, Pilvi Takla, called The Trainee, which documents her month-long stint working in the

marketing division of Deloitte Helsinki. The work proposes both parallels and distinctions between different forms of immaterial labor. The second encounter is a program launched at Deloitte Consulting in New York City that invites young artists to discuss their practice with Deloitte staff. These artists’ processes are presented as examples of a creative approach to problem solving that is analogous to the work of financial consultants. In various ways, the Deloitte program stresses the parallels between contemporary artistic labor and corporate labor. A comparison of these two examples, I argue, demonstrates why contemporary performance art is such a compelling resource for post-Fordist corporate management as well as where the fissures and tensions between art and labor may be articulated.

FILIPE ROCHA DA SILVA | Universidade de ÉvoraPintor. Licenciado em Pintura pelas Belas Artes de Lisboa, MFA pelo Pratt Institute em Nova Iorque, Doutorado em Artes Visuais pela Universidade de Évora, onde é Professor Auxiliar com Agregação. Expõe frequentemente em Portugal e no estrangeiro.

O novo não existe A criação é um momento que compartilha o carácter inefável e efémero, mesmo inexistente, do presente, ou seja, passa da condição de futuro à de passado numa penada, num simples momento de evidência.O que existe e persiste é o labor, o processo, a oficina, que se estende do recôndito passado do artista, até às consequências últimas das consequências da obra na sociedade, um percurso igualmente imponderável e anacrónico, porque muito complexo e dilatado.Independentemente da sua localização, ou não, num dos cantos do cérebro, a criatividade não é; ou então é uma sequência de verdades e consequências que não tem um princípio nem fim, e portanto é muito difícil de medir. O romance de José Saramago Manual sobre a Pintura e a Caligrafia fala-nos desse mundo turvo da criatividade artística, flor que nasce do lodaçal das vidas em sociedade.

James Elkins descreveu também através da métafora alquímica este mundo pantanoso, na sua obra What Painting Is. A obra de Saramago constituirá o centro da minha comunicação. Nesta obra a Pintura é apresentada biograficamente como um labor difícil e desonesto, o oposto do que geralmente se pensa sobre a criatividade. Mas ao mesmo tempo infiltram-se no texto ideias sobre a própria Pintura como actividade universal enquanto específica, comunicando com todos os outros autores que, com intervalos seculares, foram escrevendo outros Manuais sobre a Pintura . A mitificação da criação artística e sua substituição pela criatividade, excessivamente psicologizada e reificada, o afastamento em relação ao autor e à tecnologia utilizada, tende a esvaziá-la da sua verdadeira dimensão, social, humana e, mesmo, individual.

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CRISTINA AZEVEDO TAVARES | Faculdade de Belas-Artes da Universidade de LisboaCristina de Sousa Azevedo Tavares é licenciada em Filosofia pela Faculdade de Letras da Universidade de Lisboa (1980). Realizou o Mestrado em História de Arte pela Faculdade de Ciências Sociais e Humanas da Universidade Nova de Lisboa (1984) e doutorou-se em História de Arte Contemporânea na mesma Universidade (2000). É Professora Associada da Faculdade de Belas-Artes de Lisboa onde lecciona as áreas de estética, teoria de arte e história de arte contemporânea (licenciaturas e mestrados). É membro integrado do CFCUL e colaboradora do Projecto FCT A Imagem na Ciência e na Arte.

Criatividade e Imaginação no Domínio Daestética e sua Articulação com a Prática Artística Relacionamento entre as concepções de criatividade e imaginação no domínio da estética e filosofia e na sua articulação com as artes, estabelecendo-se o fio condutor

entre elas desde antiguidade,mas pontuando-se em J.F. Pico de la Mirandola com o seu texto “De Imaginatione”,em Kant na “Crítica da Faculdadede Julgar” e na poéticas de Bachelard.

ROGÉRIO TAVEIRA | Faculdade de Belas-Artes da Universidade de LisboaBorn in 1966 in Lisbon. Works and lives in Mafra, Lisbon. Graduated in Architecture by the Faculty of Architecture of the Technical University of Lisbon. Co-founder of production and publishing company Insectos, Cinema e Multimedia.Since 2006 teaches in the Multimedia Art Department at the Faculty of Fine Arts of the University of Lisbon, where he is a researcher at the Investigation Centre of Multimedia Art, focusing on photography, moving image and digital media in contemporary art. In 2011 he obtained his PhD degree by the Faculty of Fine Arts of the Polytechnic University of Valencia with the thesis: The sculpted trees of Alberto Carneiro: Material and landscape in the confluence between Gaston Bachelard and a Taoist inspiration.

Instalação imersiva interativa Pós-Paisagem: um processo criativo no coletivoA instalação Pós-Paisagem teve a sua génese num workshop integrado no projeto de investigação Multidimensional Interactivity. Este estudo pretendia aprofundar as diferentes dimensões da interatividade. Deste modo planeei um workshop que teria o seu início num dia de campo e culminaria, se possível, com um objeto construído (instalação, filme, ou outra qualquer forma de expressão que se enquadrasse com os participantes). A instalação interativa final resultou do esforço de 9 pessoas com formações e idades distintas que conseguiram levar as referidas premissas até às últimas consequências, prolongando o trabalho por mais dois meses de modo a poder apresentar na Cisterna da Faculdade de Belas-Artes uma instalação interativa que emanou das feridas do primeiro dia de campo. Pretendemos aferir os princípios bachelardianos do conhecimento da matéria como forma de produção poética em conjunto com a deformação das imagens e não a construção

destas como forma imaginante. Daqui a necessidade de um dia caminhado por campos lavrados e poucas referências humanas. A experiência vivida pelos corpos acabou por ser o fio condutor de todo o trabalho. O vento cortou-nos a todos da mesma forma, o chão calcou com a mesma força os pés de todos nós. A dor é dor, mesmo que não a recordemos cerebralmente, ela foi dor. Uma ferida nos sentidos, sempre aberta, a partir da qual trabalhámos em absoluta sintonia. A montanha inclina-se para todos, só a vontade pode aplaná-la. Este trabalho permitiu-nos aferir a validade da experiência do movimento como forma de despoletar o processo artístico, neste caso, conjunto. A especificidade daquilo que procurávamos atingir, a interatividade multidimensional, levou-nos a questionamentos de diversa ordem, depois de escolhido o local para a instalação. Para além do trabalho com o material captado no local do nosso percurso, havia que trabalhar com as condicionantes da Cisterna: uma gruta onde as paredes só têm um lado.

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ANTÓNIO ÂNGELO VASCONCELOS | Instituto Politécnico de Setúbal Escola Superior de EducaçãoNatural de Vagos, distrito de Aveiro, estudou música no Conservatório de Música de Calouste Gulbenkian de Aveiro e é licenciado em Ciências Musicais - Ramo de Formação Educacional - pela Faculdade de Ciências Sociais e Humanas da Universidade Nova de Lisboa. Mestre em Ciências da Educação -Área de Administração Educacional - pela Faculdade de Psicologia e Ciências da Educação da Universidade de Lisboa. É doutorado em Educação pelo Instituto de Educação da Universidade de Lisboa com a tese intitulada “Educação artístico-musical: cenas, atores e políticas”.Sob o ponto de vista científico tem participado em diferentes encontros, congressos e seminários nacionais e internacionais em domínios diferenciados da educação e da cultura, tendo publicado vários tipos de trabalhos. Em termos profissionais trabalhou como professor de música em vários níveis de ensino, do pré-escolar ao ensino superior. Presentemente desempenha as funções de Professor-Adjunto no Departamento de Artes da Escola Superior de Educação do Instituto Politécnico de Setúbal

Educação artística e criatividade: à procura de um novo senso comum político e formativo As relações entre as artes, a cultura, a educação e a criatividade apresentam-se, no contexto das sociedades contemporâneas, como contraditórias e paradoxais. A par da afirmação retórica da sua pertinência na formação das crianças, dos jovens e dos adultos na promoção de uma sociedade mais sensível, criativa e culta, constata-se a não só a dificuldade na construção de políticas públicas que deem corpo e cidadania à sua relevância prática e como forma de conhecimento dos diferentes mundos. Por outro lado, a mercadorização das artes, da cultura e da formação, a par do reforço de tendências centradas na funcionalização e na competição interpelam a educação artística e a criatividade de múltiplas formas. Em particular, a importância de potenciar e de desenvolver as capacidades criativas num quadro multimodal e plurissectorial de desenvolvimento de competências complexas, atendendo

a que a educação e formação artística, sendo um campo compósito, não se joga apenas nos espaços e nos tempos das instituições formais mas em territórios multipolares em que interagem uma diversidade de atores em redes diferenciadas de sentidos e onde se confrontam e complementam olhares, saberes e experiências. Neste contexto, esta comunicação pretende, por um lado, desconstruir a perspetiva funcionalista e utilitária da educação artística e da criatividade e, por outro, contribuir para a criação de um novo senso comum político baseado na ideia de se pensar a relação entre a educação artística e a criatividade centrada em lógicas não lineares mas antes em modalidades diferenciadas assentes num quadro que potenciem gerir o desconhecido, o imprevisível, o risco, a experimentação e a complexidade de modo a desenvolver uma sociedade mais culta, inventiva e democrática.

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CARLOS VIDAL | Faculdade de Belas-Artes da Universidade de LisboaArtista, crítico e professor. Licenciado em Pintura pela Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa, onde lecciona Pintura, Composição, Instalação, Crítica de Arte e Media (Mestrado de Pintura), Temas de Arte Contemporânea (Mestrado de Pintura) e seminários de doutoramento. É doutorado em Belas-Artes/Pintura com a tese «Invisualidade da Pintura: História de uma Obsessão (de Caravaggio a Bruce Nauman)» (FBAUL, 2009).Participou em algumas das mais significativas exposições da década de 90: «Imagens para os Anos 90» (Serralves, 1993), «Espectáculo, Disseminação, Deriva, Exílio: um Projecto em Torno de Guy Debord» (Beja, 1995), «Anatomias Contemporâneas: o Corpo na Arte Portuguesa dos Anos 90» (Oeiras, 1998), várias edições dos Encontros de Fotografia de Coimbra, entre outros eventos, colectiva e individualmente. Representado em colecções particulares e institucionais (Museu de Arte Contemporânea-Serralves, Porto; MEIAC, Badajoz; CAV, Coimbra, etc). É desde 1992 correspondente de «Lapiz» (Madrid), colaborando ainda noutras publicações nacionais e estrangeiras. Entre várias participações em livros colectivos, destacar-se-á: «En Tiempo Real», Fundación Luís Seoane, A Curuña, 2001; «Del Arte Impuro», Generalitat Velenciana, 1997; «Over Here», volume 6 de «Documentary Sources in Contemporary Art» do New Museum of Contemporary Art de Nova Iorque (The MIT Press, 2004, com 2ª edição 2007). Publicou vários livros, sendo o mais recente «Deus e Caravaggio: A Negação do Claro-Escuro e a Invenção dos Corpos Compactos» (2011).

Lispector, Llansol, Despossessão, Criação – O Que é Um Medium?Partamos do princípio de que a arte e a criação artística provêm de uma querela em torno dos limites e possibilidades de representação do irrepresentável. Apesar de todas as suspeições, desde a rejeição do saber que nasce da imagem (eidolon) em Platão, passando pela “concupiscência ocular” de S. Agostinho, até à Reforma de Lutero, a representação do irrepresentável chega até hoje triunfante, o que quer dizer que a arte existe, existirá e existiu. E se a arte existiu e existirá tal se deve a uma declaração da vontade, ao mesmo tempo racional a transcendente. Portanto, como representar este irrepresentável? Será então necessário averiguar o que se entende por “irrepresentável”, da espiritualidade à “objectividade”. Em primeiro lugar, irrepresentável é a própria criação artística, nomeadamente os seus media. Outra questão: podemos ver numa obra literária ou pictórica, ao mesmo tempo a “obra terminada” e o seu medium? Ou, desde que conduziu à obra, que nela se dissolveu, não mais o medium pode ser “avistado” (pois apenas acedemos à obra)? Entretanto, o irrepresentável

prende-se com temáticas de “origem”: origem do mundo e do universo, o “motor imóvel” de Aristóteles, o Big Bang... Depois do iconoclasmo bizantino (séc. VIII), temos o problema resolvido nesta declaração de Teodoro de Studium: “Se engolimos o corpo de Cristo e bebemos o seu sangue vertido em vida, porque não haveremos de o mostrar em pintura?” E em que medium? Ou o que é um medium? Uma entidade pura (medialidade pura, no dizer de Agamben) ou imaterial? Pode o artista representar o seu medium? Será esse o sentido das obras de Llansol e de Clarice Lispector? Llansol: “Eu escrevo, depois leio o que escrevo como se não o tivesse escrito”. Lispector: “Estou atrás do que fica atrás do pensamento”, “ainda não estou vendo bem o fio da meada do que estou te escrevendo. Acho que nunca verei”. Será esta despossessão fruto da acção do medium? O medium está, naturalmente, atrás da obra e do pensamento. Como o representar então na obra e no pensamento? Perdendo-nos nele? Descriando a criação? (Simone Weil)?